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"cken" entries in albums descriptions
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Album |
Format |
Description |
Year |
Price (incl. 19% VAT) |
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| AUTECHRE / HAFLER TRIO |
³oæh |
7 x LP BOX |
re-issue (now all dressed in black) of the 7 LP box from 2021 that sold out immediately, includes all three collaborations by both projects released by PHONOMETROGRAPHY and DIE STADT before (2003-2011), their explorations in drones and silent + strange sounds.. - lim. / numb. 500 copies, gloss printed black covers, comes with booklet inside a black envelope with individual number, a very artful packaging by Andrew McKenzie himself !
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2023 |
€149.00 |
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| BAKER, AIDAN |
There / Not There |
LP |
highly recommended new album which appears to be more like a new (experimental shoegaze / post-rock) band project => DANA SCHECHTER on bass (she played with SWANS and AMERICAN MUSIC CLUB), FIONA McKENZIE from HALMA on drums, and AIDAN BAKER on guitar and foggy vocals, with three extremely sensitive pieces, ranging from most gentle instrumentation to walls of noise... - lim. vinyl version
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2020 |
€16.50 |
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There / Not There |
CD |
highly recommended new album which appears to be more like a new (experimental shoegaze / post-rock) band project => DANA SCHECHTER on bass (she played with SWANS and AMERICAN MUSIC CLUB), FIONA McKENZIE from HALMA on drums, and AIDAN BAKER on guitar and foggy vocals, with three extremely sensitive pieces, ranging from most gentle instrumentation to walls of noise... - - mastered by SIMON SCOTT (SLOWDIVE)!
CD version w. 4 panel cardboard sleeve
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2020 |
€13.00 |
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Letters |
MC |
one of the classic / best AIDAN BAKER solo works, originally on Arcolepsy (CDr, 2001), and Basses Frequences (LP, 2008), out again as small MC (C-50) in a tiny edition (50 copies!): "LETTERS war 2001 einer der allerersten CDRs, die wir von AIDAN BAKER ins Programm nahmen... und die Begeisterung war groß! .. zwei lange, verträumte Stücken: guitar, bass, cymbals, vocals und tapes ergeben sinnliche, analog tönende Klangsphären mit genügend experimentellem Potential, insgesamt recht gitarrig.. "
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2019 |
€8.00 |
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| BATES, MARTYN |
Your jewled Footsteps |
CD |
"Eine Art 'best of' von Solo-Stücken des EYELESS IN GAZA Sängers - eine hervorragende & ausufernde Kollektion, die das ganze Genie des Songwriters & Poeten Martyn Bates zeigen, 20 heartbreaking Songs mit seiner einmalig emotionalen Stimme, zum sterben schön!" = solo and collaboration works 1979-2005 / many unreleased tracks! / 8-panel digipack, 75+ minutes playtime and extensive booklet; the best entry into his soundworld !! BACK IN STOCK
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2006 |
€13.00 |
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| BECKAHESTEN |
Tydor |
CD |
already the second album for this impressive "ritual folk / drone / industrial" trio from Sweden, feat. PER AHLUND (DISKREPANT, SKARE, SOPHIA & KARJALAN SISSIT live member). with female vocations and most powerful dark sonics...- "Dancing with vague entities in a blackened cinder field, followers of dread that has woken, hypnotised one is drawn deeper into their realm. The trees moulder around and offer little protection. Haunting voices keep echoing in the dusk..." CD version 500 copies
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2021 |
€13.00 |
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Tydor |
LP |
already the second album for this impressive "ritual folk / drone / industrial" trio from Sweden, feat. PER AHLUND (DISKREPANT, SKARE, SOPHIA & KARJALAN SISSIT live member). with female vocations and most powerful dark sonics...- "Dancing with vague entities in a blackened cinder field, followers of dread that has woken, hypnotised one is drawn deeper into their realm. The trees moulder around and offer little protection. Haunting voices keep echoing in the dusk..." - very lim. LP version now in stock
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2021 |
€18.00 |
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| BLEGVAD, PETER |
Go Figure |
CD |
multi-media artist PETER BLEGVAD (ex SLAPP HAPPY, HENRY COW, GOLDEN PALOMINOS) with 17 new studio songs, feat. JOHN GREAVES (Bass, Piano), CHRIS CUTLER (drums), BOB DRAKE (Guitar, Vocals, Percussion), and KAREN MANTLER (Organs, Vocals, Glockenspiel), comes with 12 p. booklet... "songs that exult in their uniqueness. Blegvad is one of pop’s very few true originals whose work always bears out that status." [The Independent]
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2017 |
€13.00 |
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| BOHREN & DER CLUB OF GORE |
Dolores |
do-LP |
repressing of the 2009 album... "Imagine a blackened, funereal dooooooom band like Skepticism or Nortt morphed into the jazz idiom (after having kissed a frog, or some fairytale scenario like that), playing their slow, sad music in a smoky Berlin jazz club. The sound is jazz (electric piano, organ, vibes, sax, double bass, trap kit...) but the feeling is doom..." [Aquarius Records]
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2014 |
€23.00 |
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| CURRENT 93 |
Invocations of Almost |
LP |
dark experimental / atmospheric music for DAVID TIBETs art exhibition in Fullerton (Californa, launched on Davids 59th Birthday, March 5), containing 9 untitled tracks with elements of the latest album "The Light is Leaving us all" - the vinyl version has a shorter edit than on the CD and comes on ivory coloured wax..." Fast allen Stücken wohnt etwas (Alp-)Traumhaftes inne, und insofern erinnert es von der Stimmung zum Teil an 'The Stars On Their Horsies'. [African Paper]
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2019 |
€20.00 |
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If a City is set upon a Hill |
CD |
CD version of the new album, inspired by an ancient Akkadian text..."Letztlich ist es so erfreulich wie erstaunlich, dass nach dem fast 40-jährigen Bestehen Current 93s, “your favourite hallucinatory skipping-rope”, wie es auf dem Albumcover heißt, noch immer Alben entstehen, die beeindrucken können und beeindruckend sind und ein Spätwerk einläuten, das viel verspricht." [African Paper] - gatefold digi-sleeve, fold out inlay
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2022 |
€18.50 |
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| DRAFTED BY MINOTAURS |
Aversion Therapy |
do-LP |
beautiful cinematic ambience by this US-duo, using guitars, cello, violin, trumpet & glockenspiel; comes in luxus gatefold-cover, lim. 489 copies, their first release
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2009 |
€26.00 |
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| DUNCAN, JOHN |
Klaar |
LP |
re-issue of this 'forgotten gem' from 1991 (CD, Extreme Records), created by DUNCAN in collaboration with ANDREW Mc.KENZIE (HAFLER TRIO) - 4 tracks of abstract / concrete field recordings, atmo drones and hummings, electric pulses and rattles, a strange journey.. "...McKenzie contributes various field recordings, with Duncan lacing those amidst long-form collages of blank static, distant signals detuned into smeared vibration and swells of electric noise."
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2017 |
€17.50 |
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| DUNCAN, JOHN & C.M. VON HAUSSWOLFF |
Our Telluric Conversation |
CD |
their sophisticated 'magnetism' collab. (with 40p interview booklet) back in stock:"Ihre zweite Kollaboration beweist den brillianten Umgang mit hohen und tiefen Klangfrequenzen und Geräuschelementen, die sie dem Kurzwellenempfang, Oszillatoren und mikrofonbestückten Drähten entlocken... Ströme unterschiedlicher Qualitäten, zwischen weissem Rauschen und scharf peitschenden bis hoch tönenden Wellen oszillierend, spielen zusammen, überlagern sich und sind doch fein abgesetzt voneinander." [Peter Schlewinski]
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2006 |
€14.00 |
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| ESCAMA SERRADA |
Santa Lucia |
10inch |
limited 10" EP, 6 tracks => "The Barcelonan horde around S. Méndez departs from the psychedelic post-industrial realm to descend into post-BM and occult-rock darkness, haunted by feeble screams, howling choirs and Méndez’ unmistakable ritualistic invocations. Grim blackened buzz riffs merge with laptop glitches... Blood sacrifice muzak at its best." - about 200 copies exists
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2012 |
€7.50 |
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| GODSPEED YOU BLACK EMPOROR! [GYBE] |
f#a#°° |
LP |
First LP, a classic album now; comes with handassembled, embossed papercover & many inserts. NEW pressing with sticker on front! => *Das 10-köpfige Ensemble aus Montreal, das man nur als Kondensat aus Ennio Morricone, 17 Pygmies, Savage Republic und dem Rhythmus von EX, die kanadische Tradition des Radio-Dramas und Instrumente wie Cello, Violine, Glockenspiel, Percussion, 3 Gitarren und Loops einbeziehend, bezeichnen kann!* [original label info]
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1997 |
€26.50 |
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| HAFLER TRIO |
Who Sees Goes On # 1 - 7 |
7 x 10inch vinyl SET |
"Angels fly because they take themselves lightly" - the seven 10" vinyls as SET from this most beautiful / sophisticated H30 release series: "Timerape" ,"Broadcast in White", "Lipchamber", "GODfood", Solvitur Ambuldao" , "Dream Adjustments", Avec le vide les pleins pouvoirs", all with cryptic 8 page booklet (7 booklets in total), not signed and no bonus CD (that was only for subscribers); hand numbered ed. of 333 copies => ANDREW McKENZIE at the peak of his unique creation!
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1998 |
€300.00 |
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| HIMUKALT |
Between My Teeth |
LP |
re-issue of a deleted cassette from 2018 with extremely eerie, splintered 'psychosexual electronics'..."The album is a maelstrom of ill-tempered noise and blackened frequencies, sutured to a foundation of primitive, raw rhythms. Kärkkäinen cuts up her own voice with the digital equivalent of a rusted razor blade through her proclamations of misery, rage, and desire" - comes with 12 page booklet feat. sexually explicit artwork, truly captivating and disturbing art! RE-PRESS now available!
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2022 |
€23.00 |
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| INTERNAL FUSION |
NedenBahe |
mCD-R |
"Nach langer Zeit was neues von diesem ethno-ambient Projekt, bekannt von einer schönen CD auf Staalplaat ! Hier mit zwei großartigen Stücken, wo sie orientalische Percussion & Gesänge & Instrumentalsounds sampeln und zu einer fliessenden, trancig-treibenden Melange verarbeiten.. wie eine Mischung aus MUSLIMGAUZE, RAPOON und TUU, nur besser!" - back in stock non jewel-case edition
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2002 |
€5.00 |
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| JOHANNSSON, JOHANN |
The Mercy (Original Motion Picture Soundtrack) |
CD |
the last soundtrack from JOHANN JOHANNSSON, composed for the "The Mercy" (2018) from JAMES MARSH [deutsch: "Vor uns das Meer"], 22 tracks, 8 page booklet, digipak.. - "So lässt der Komponist die verschiedensten Facetten der Persönlichkeit von Crowhurst spürbar werden und entwirft er das musikalisch packende Bild eines Mannes zwischen Heldentum, Hybris und Hoffnungslosigkeit."
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2018 |
€13.00 |
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| KAGEL, MAURICIO |
Duodramen |
CD |
contains "Szenario", "Duodramen" & "Liturgien", recordings made 1994 / 1998 / 2001 in Saarbrücken (Saarländischer Rundfunk - Saarbrücken Radio Symphony Orchestra) and Lisbon
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2006 |
€13.00 |
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| KESZLER, ELI |
Stadium |
do-LP |
innovative, playful, percussion driven compositions merging jazz and an experimental atmospheric framework, performed on various acoustic instruments (farfisa, mellotron, piano, glockenspiel) and with guest musicians on bagpipes, cello, trombone, vocals... absolutely unique! - "For all the complexity of Stadium, its true genius lies in understatement and how a thousand small sounds build into a larger vision." [Pitchfork] - BLACK vinyl edition
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2018 |
€26.50 |
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| KRENG |
Cooties |
LP |
this is KRENGS first soundtrack work for a "big" movie, an ironic horror comedy about school-kids turning into Zombies & killing their teachers after eating tainted chicken nuggets; a big step into a different direction for KRENG, surprising on any of 22 (!) tracks, between dark- & weirdness..."long sprawls of DJ Shadow like beat driven grooviness, or swirly, symphonic exotica, or hushed, somber shimmer, it's all woven together into a proper album, that is a pretty fantastic listen.." [Aquarius Rec.]
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2015 |
€35.00 |
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| LABFIELD |
Fishforms |
CD |
stunning debut-album with evocative "impro-experimental-drone" from new Swedish/Norwegian duo of DAVID STACKENÄS (FIRE! ORCHESTRA, etc.) and INGAR ZACH (HUNTSVILLE, etc.)
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2008 |
€13.00 |
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| LANDING |
Third Sight |
LP |
the US American (Connecticut) post rock / psychedelic drone / space rock band with a four track LP, some wonderful floating and trance inducing textures are created.. "Listening through this LP is likely to stimulate mental images of rural winds blowing across vast American fields of grass, bonfires, blue rivers and power lines sailing through rolling hills."..."like a calming codeine syrup, thickening once they’re in yr skull like gummy candy." [Tiny Mix Tapes] green vinyl
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2016 |
€23.00 |
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| LANG, KLAUS |
Sei-Jaku für Streichquartett (20 Jahre Inventionen III) |
CD |
„Die Entfaltung des Gegebenen“ – sehr leise und minimal konkret geräuschhaft klingt diese Interpretation eines Werkes von KLAUS LANG durch das ARDITTI STRING QUARTET, die hier ausschliesslich Streichinstrumente einsetzen (2 x Violine, 1 x Viola, 1 x ioloncello)... sägende, kratzende Geräusche, dann wieder einzelnes Knacken & Stossen...eine Atmosphäre des „kaum Erahnbaren“ entsteht, ein „etwas zieht herauf“... - red digipak, 8 page booklet
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2003 |
€15.00 |
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| LUCIER, ALVIN |
Works for the Ever Present Orchestra |
do-LP |
Four long pieces written for the thirteen-member 'Ever Present Orchestra', formed in 2016 exclusively to perform LUCIER's works, with four electric guitars played with e-bows to create "pure wave" oscillatior-like tunes (feat. S. O'MALLEY and O. AMBARCHI amongst many others on saxophon, piano, violins, bowed glockenspiel...) - "the pieces recorded here focus on acoustic phenomena, especially beating patterns, produced by the interference between closely tuned pitches"; gatefold sleeve + DL code w. bonus!
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2020 |
€26.00 |
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| MARSEN JULES |
Golden |
CD |
peaceful summertime ambience (guitar, piano and electronics, with occasional use of accordeon, flute and violin), back in stock ! "GOLDEN ist wahrlich ein treffender Titel , funkeln und glimmen doch bei allen sieben Stücken die Klänge, ohne ihre Hörer je zu blenden. Sehr intim, sehr nah, zugleich klar und transparent taucht die Schönheit der Instrumente den Sommer in ein neues Licht."
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2007 |
€10.00 |
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| MONTGOMERIE, JO |
From Industry Home |
MC |
cassette-only release by this sound artist from Manchester, UK, creating fascinating, complex, emotionally stirring dronescapes out of audio debris, field recordings, instrumental and body sounds... "Montgomerie has a fascinating strategy to her long-form smears of blackened mascara ambient and smoldered noise.... an elegant decay amassed from the sounds of detritus" - lim. 125 prof. printed cover
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2022 |
€12.00 |
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| MUELLER, JON |
Metals |
CD |
Beeindruckendes Album desPerkussionisten JON MUELLER, der das Spektrum der gängigen Drum-Sounds erweitert und auch die Vibrationen und Drones von grossen Gongs & Bass-Trommeln einsetzt. Von der Intensität und Herangehensweise erinnert "Metals" an DANIEL MENCHE, nur dass hier alles "handgespielt" ist , v.a. Dingen geprägt durch Trommelwirbel-artige Wellen, die sich mit Obertönen vermählen; genial minimal & trancig, von grosser Kraft & Intensität... - mastered by JAMES PLOTKIN - last copy!
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2007 |
€15.00 |
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| MYSTIFIED |
Reduced |
CD-R |
"Neues US-Projekt mit sehr konkretem field recording-Fokus, viele Sprach-Elemente, mechanische Geräusche, seltsames Rauschen & Drones werden zu Collagen verarbeitet... auf 16 Stücken extrem variantenreich, Anklänge an DARREN TATE, ORA, ERIC LA CASA..... to discover for field recording lovers!" [Drone Rec]
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2006 |
€10.00 |
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| MZ.412 |
Svartmyrkr |
LP |
first full length release in 13 years by the Scandinavian Cold Meat Industry - act, once known as MASCHINENZIMMER 412, inspired by nordic mythology (Helheim), inventors of what they call "black industrial" (merging influences of black metal, martial industrial and ritual ambient).. "From blackened ritual incantations, to bleak yet beautiful dark ambient arrangements, to harsh bombastic orchestrations, this album exceeds all expectations." ; gatefold sleeve and download card
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2019 |
€22.00 |
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Svartmyrkr |
CD |
first full length release in 13 years by the Scandinavian Cold Meat Industry - act, once known as MASCHINENZIMMER 412, inspired by nordic mythology (Helheim), inventors of what they call "black industrial" (merging influences of black metal, martial industrial and ritual ambient).. "From blackened ritual incantations, to bleak yet beautiful dark ambient arrangements, to harsh bombastic orchestrations, this album exceeds all expectations." ; CD version 6 panel digipak
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2019 |
€13.00 |
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| NEUROBIT |
Moira |
LP |
the dutch electro project with a very ambient/atmospheric album, using layers of bell- and glockenspiel-like sounds along with analogy synths building long stretched out expanses and minimal patterns.... very pure! lim. 150 numbered copies / hand printed art print (silk screen in 3 different color variations)
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2016 |
€19.50 |
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| NIBLOCK, PHILL |
Touch works, for Hurdy Gurdy and Voice |
CD |
Der legendäre New Yorker Minimalist mit drei schönen Drone-Stücken, dicht und voll, mit „Leierkasten“ (track 1) und reinen Obertongesängen (track 2 & 3), die moduliert werden...
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2000 |
€15.00 |
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| NOVAK, YANN |
The Future is a Forward Escape into the Past |
CD |
after 'Ornamentation' the second CD for TOUCH with four long minimal drone figurations that sound a bit more raw and dark as before (still highly contemplative and filigree), conceptually building a "quadriptych", a meditation on time, past and memory, inspired by TERENCE McKENNA's book "The Archaic Revival"... "The album is a study in perception and alteration, manipulation and awareness, effectively capturing Novak’s command of emotional texturing." - very best food for "sensitive drone" fans !
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2018 |
€13.00 |
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| NURSE WITH WOUND |
Spiral INsana |
do-CD & BOOK |
and if you haven't already enough versions of this seminal NWW album classic from 1986, here's the definite one: two CDs with the same material as on the do-LP (the complete sessions plus "A Missing Sense", feat ANDREW McKENZIE (HAFLER TRIO), DIANA ROGERSON, DAVID TIBET, ROBERT HAIGH and others..), housed in a 30 page art book with silverfoil hardcover, presenting full colour screen prints !!
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2017 |
€27.50 |
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| O'MALLEY, STEPHEN |
Dread live |
LP |
second in a series of three release on Ideal Rec. with improvised solo guitar doom noise - "Dread Live" was not recorded live, but in a studio in September 2013 - "It renders 40 minutes of Sunn 0)))’s O’Malley at his most depressive and heavy and is something akin to a slow-motion baptism by waves of tarry, blackened harmonic distortion.." second ed. of 250 copies
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2017 |
€21.00 |
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| PALO ALTO |
Difference and Repetition - A Musical Evocation of GILLES DELEUZE |
do-LP |
this highly interesting French band (with L. PERNICE / NOX) is active since the late 80's, this album comes as a tribute to SOFT MACHINE and GILLES DELEUZE and contains 4 long sophisticated pieces... they mix Prog- / Kraut- and Jazz influences with experimental electronics in a remarkable way, feat. various guest musicians (RICHARD PINHAS, THIERRY ZABOITZEFF - ART ZOYD, RHYS CHATHAM)...- "Das Ergebnis ist jedenfalls reichlich originell, intensiv, voluminös, packend und auf jeden Fall sehr progressiv"(B.S.)
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2021 |
€20.00 |
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| PERLETTA, FABIO & ASMUS TIETCHENS |
Deflections |
CD |
first collab release by the Italian sound researcher FABIO PERLETTA with A. TIETCHENS, a journey into micro-cosmic sounds and drifting nano-structures, citing Lucretius atom theory... "die beiden reflektieren darüber mit mikrofeinen Kollisionen und zuckenden oder feinmetallisch klackenden Geräuschen auf dröhnendem Fond. Wie 'Wimpern'- und Geißel-Schläge von Pantoffeltierchen in einem mal heller, mal dunkler getönten Urmeer." [Bad Alchemy]
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2017 |
€13.00 |
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| PIMMON |
Secret sleeping birds |
CD |
PIMMON-Werk auf dem portugiesischem SIRR-Label, ambienter, melodischer und orchestraler als gewohnt, aber auch mit weirden Collagen/ Loop-Stücken, den Markenzeichen-digital-Effekten und und und...wie immer kaum kategorisierbare, abwechslungsreiche, überraschende NEUE Experimental-Musik. Aus Australien......
LAST COPY! |
2005 |
€8.00 |
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| PUGNA |
DRA |
DVD-R |
"Archaic ambient drone noise\ Dvd-r in envelope, black tarpaulin bag 17x15, twine, iron sheet 13x13. Blackenning and silver paint." handmade object cover from this russian label, numbered ed. of 96 copies
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2008 |
€12.00 |
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| RATKJE, MAJA S. |
Mara |
pic-LP |
limited pic-LP feat. a live recording made July 2018 in a church in Lockenhaus, Austria, very much vocal-based and melancholic, using backing material from Norwegian and American tradionals.. |
2020 |
€25.00 |
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| RENOU, CHRISTIAN |
Flou |
CD |
lim. / numb. 100 copies / fabric-pressed CD , no CDR ! - Der ex-BRUME C. RENOU spinnt hier auf sechs neuen Stücken einen weiteren, wenig angenehmen Trip in die Untiefen des Selbst zurecht, spannungsreiche Geräuschmusik die immer kurz vor der Explosion zu stehen scheint, eiskalt und hart an der Oberfläche, aber von tiefer verzweifelter Emotion im Inneren geprägt... |
2005 |
€16.00 |
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| REYNOLS |
Fire Music Reloaded |
CD |
FIRE MUSIC appeared in 2003 as a maxi-CD and could be seen as a sister-release to the famous "10.000 Chickens' Symphony" 7", we wrote: "Neben der Erschaffung eher psychedelisch-obskurer Improvisationen betätigen sich REYNOLS auch als Sound-Konstruktivisten erster Güte.. " - this re-issue contains the FULL version of the recordings and re-workings, pure fire sounds, ranging from whispering hisses to deep monumental drones... lim. 200
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2022 |
€13.00 |
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| SCELSI, GIACINTO / HANS ZENDER |
Quatro pezzi.. / Pranam // 5 Haiku for Flute and Strings |
CD |
Recordings by the Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken from 1973 - 1983
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1997 |
€13.00 |
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| SEETYCA |
Lieder zum Summen |
CD |
a collection of 16 purely electronic 'songs'/ miniatures by the German ambient project dedicated to autumn atmospheres... => soft poetic aural pictures, with track titles like "sonnentropffen", "erde riechen", or "regen gucken"... very subtle and calm, this music mirrors certain 'magic moments' while experiencing nature phenomena... comes with full-colour 16p. booklet
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2014 |
€13.50 |
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| SLEEP RESEARCH FACILITY/LLYN Y CWN |
Sargo / Posidonia |
CD |
nautical dark / deep ambient on this awesome split album, centered on the themes deap sea, ocean field recordings, subconscious perception: *The ultimate deep listening experience from two masters of dark ambient. A slow descent into the blackened watery abyss, where light cannot reach.* - CD in mini-LP sleeve, replicating the vinyl design.
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2023 |
€15.00 |
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| SWANS |
To be kind |
do-CD & DVD |
their new monstrous masterpiece, this is the lim. do-CD version with a bonus DVD feat. a live / festival performance from 2013 with almost 110min. of filmed material in b/w => "epic sonic sprawl, droned out and psychedelic, hypnotic and heavy, more sound than song, impossibly abstract, and yet utterly entrancing, like a twisted, more avant garde abstract GODSPEED mutated into some sort of dense, blackened, gloriously majestic, and yet strangely minimal demonic drone-dirge songsuite" [Aquarius Records]
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2014 |
€22.50 |
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| V.A. (VARIOUS ARTISTS) (COMPILATIONS) |
The Walls are whispering Vol. 2 |
CD |
silkscreen 7" cover / lim. 525 with REUTOFF, ERIC LA CASA, IAN ROBERT MCKENZIE, AH CAMA-SOTZ, [LAW RAW] COLLECTIVE, VANCE ORCHESTRA, etc. |
2004 |
€12.00 |
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Beyond ignorance and borders. An African, Middle-Eastern, Asian noise and electronic compilation |
CD |
amazing compilation compiled by C-DRIK (AMBRE, AMMO, etc) with 20 tracks from the so far "dark continents" of experimental undergroundish music! - "Breites Spektrum von Ambient bis Noise, Analog bis Digital, alles frisch & unverbraucht & meist mit grosser Energie versehen, die vielen Namen sind nahezu alle unbekannt, es gibt hier (aus der SOUND Perspektive) viele neue Welten & Musiken zu entdecken!!"
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2007 |
€12.00 |
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| VIDNA OBMANA / DAVID LEE MYERS |
Tracers |
CD |
re-issue of this meditative highlight collaboration released in 2003 by Klanggalerie, on which we wrote: " Äußerst fruchtbare Zusammenarbeit des Belgiers mit dem wieder aktiven 'ARCANE DEVICE' David Lee Myers. In großartiger Weise verbinden sich hypnagoge Dronewellen OBMANAs mit sirrend-feedbackenden Mikrosounds von MYERS, eine sehr eigene, mysteriöse Klangwelt voller auraler Geheimnisse." - new ed. with new artwork of 400 copies
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2020 |
€12.00 |
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| VISHUDHA KALI |
Unfinished Devastation Narrative |
CD |
Sehr ruhiges, spirituell-meditatives Album des St. Petersburger Projekts mit vielen Harmonika-artigen Sounds, gewidmet der Heimatstadt. Beeindruckende Aufmachung mit vielen Vollfarb-Postkarten...
comes with many full colour postcards - LAST COPY! |
2005 |
€13.00 |
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| WATERMANN, JOHN |
Calcutta Gas Chamber |
pic-LP |
lim. 444 / re-release of the CD from 1993, the masterpiece of the Australian composer (born in Berlin 1935!) who died 2002, aurally suggesting a gas chamber experience.. - "....ein dunkles, dichtes Werk mit elektro-akustischen Qualitäten, viele konkrete Geräusche & Sounds & Cut-ups, meist undefinierbar, aber voll von unheimlich beseeltem maschinellen Leben... absolut packend!" [Drone Records]
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2007 |
€18.00 |
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| 15 DEGREES BELOW ZERO |
Open Doors |
CD |
15 Degrees Below Zero is Mark Wilson, Daniel Blomquist, &Michael Addison Mersereau. The first release by this project was in 2000, so 21 years later we get to see how the project has progressed. Despite this album being started over 10 years ago it fully expresses a great maturity and beautiful diversity of styles. This is a truly epic album and I'm proud to present it to the world along with the members of the project.
Mastered by Thomas Dimuzio for full effect as well.
https://oxidation.bandcamp.com/album/open-doors
"For those unfamiliar with this project, 15 Degrees Below Zero is the work of Daniel Blomquist, Michael Addison Mersereau, and Mark Wilson (who also performs under the name Conure). This project began after the demise of Imperial Floral Assault Unit, and the structured improvisations that they have become known for would continue for the next 20 years. This album has been 10 years in the making. To give you a sense of how long it has been, a live version of "Horizon, Skyline" originally appeared on the Conure/15DBZ split cassette that was released on Danvers State Recordings in 2012. Still, this album still holds up as if it were recorded yesterday.
I have often enjoyed 15 Degrees Below Zero’s music because of its cinematic qualities. In previous reviews I've compared it to In The Nursery’s Optical Music series. One of the things that is consistent in 15 Degrees Below Zero is, ironically, their inconsistency. One album kind of reminded me of The Durutti Column with a little bit more of an edge to it. Others have a cinematic quality that sounds like it’s straight out of a soundtrack (they have often referred to their music as “cinematic isolationism”). This one is a slight departure in that the soundtrack would be for a very unhappy post-apocalyptic film where there is no happy ending. If you want a microcosm of this album, you can look no further than the first track Horizon, Skyline. This track begins with lush drone combined with a beautiful harmony. However, just beneath the surface is a wall of static that continually threatens to overrun the track. Toward the end we’ve achieved a kind of uneasy equilibrium with equal parts rumbling static and drone.
15 Degrees Below Zero enjoys messing with the listener and giving us what we don't expect. Just when you think they are moving back into beautiful soundscape territory, we find ourselves being slowly dragged back into a sea of squalling feedback and static. Sometimes the static comes completely to the forefront, as in “The Dead Sea.” In this track, we have high pitched squeal and harsh noise that would be right at home on any noise album. This is unsurprising, as I saw both Mark Wilson’s solo project Conure and Daniel Bloomquist’s solo project at this year’s Northern California Noise Festival.
This album is the best of all possible worlds in experimental music. In some ways, there is something for everyone. If you have a friend that wishes that bands like Godspeed You! Black Emperor would let loose and be more experimental and chaotic, hand them this disk. This is what that would sound like. Do you know someone who is not really into harsh noise because they think it all sounds the same, or they simply want something more to it? Hand them this disk. There is all of the noise, but also all of the beauty. That is precisely what makes 15 Degrees Below Zero such an engaging act. You never quite know what you are going to get but you know it's always going to be worth getting. Highly recommended." [Eskaton, Chain D.L.K.]
"Eine offene Tür ist ein ausgesprochen vielgestaltiges Symbol, und das erstrecht, wenn es sich gleich um mehrere handelt. Sie zeigen unmissverständlich, dass der vor ihnen stehende weder ein- noch ausgesperrt ist und dass jede Wand, jede Grenze durch sie passierbar ist. Dem Auge jedoch offenbart sich in einer offenen Tür nur ein rahmenhafter Ausschnitt, der meist mehr versteckt als offenbart. Und mit dem, was man durch die Tür zu sehen vermag, steht und fällt jede Hoffnung, die ihre Offenheit suggeriert. Das Ausschnitthafte, Unbestimmte, mitunter Mysteriöse offener Türen ist beinahe ein perfektes Motto für die musikalische Erkundungsreise, die das Drone- und Noise-Trio 15 Degrees Below Zero auf ihrem vor einigen Monaten erschienenen Album „Open Doors“ unternehmen.
15 Degrees Below Zero ist das Projekt der drei Kalifornier Mark Wilson (besser bekannt als Conure), Daniel Blomquist und Michael Addison Mersereau, die in den 90ern bereits unter dem Namen Imperial Floral Assault Unit zusammenarbeiteten, und machte vor allem in den Nullerjahren von sich reden. Nach Wilsons Umzug nach Berlin und der Konzentration der Musiker auf andere Projekte wurden die Aktivitäten irgendwann seltener, und so brauchte es beinahe ein Jahrzehnt, bis „Open Doors“ fertig gestellt wurde.
Wenn es einen roten Faden auf „Open Doors“ gibt, dann dass die in den einzelnen Stücken entworfenen, meist düsteren Settings nie klar definiert bleiben, sondern immer wieder ihre Gestalt durch subtile Überblendungen und Verästelungen modifizieren. „Horizon, Skyline“ – der Opener und gleich längste Track des Albums – startet mit verunsichernden Rumpel- und Kratzgeräuschen, eingehüllt in eine mysteriöse Wolke aus dichtem Rauschen. Doch von titelgebenden Horizont dringt bald ein tief erdendes Ambientdröhnen ins Zentrum des Geschehens, intensiviert sich und verdrängt alle Kantigkeit, um am Ende Platz für weitere, perkussive Details zu schaffen, und so entpuppt sich jeder Moment, in dem man verweilen möchte, als vergänglicher Übergang zu weiteren, unbestimmten Orten.
Die abgeklärte Desolatheit, die sich bereits hier erahnen lässt, scheint in den folgenden Tracks deutlicher hervor: Im „The 5:15“ betitelten Stück breiten sich rauschende Wellen wie schwerer Atem über monotones Saitenspiel aus und mutieren zu etwas, das an gequälte Stimmen erinnert – alles scheint sich hier auf eine Eskalation zuzubewegen, während das Gitarrenmotiv stoisch unverändert bleibt, bis perkussives Klopfen für etwas Erleichterung sorgt. In manchen Stücken scheint es in emotionaler, atmosphärischer Hinsicht am Ende doch so etwas wie ein kleines Fazit zu geben.
Noch weitaus unbestimmter und wechselhafter offenbart sich der Titeltrack, der sich zunächst als knarriger Ambietdowner in die Gehörgänge bohrt. Hat man sich erst einmal eingelebt in seiner resignativen Statik, so sorgen allerhand kleine feine Bewegungen für Erleichterung: Helle Sounds bimmeln wie abstrahierte Glöckchen durch den Raum, doch das wiederum ist nur die Ankündigung für einen durch donnernde Detonationen eingeleiteten Sturm, der viel ungehörtes aufwirbelt. Interessant ist dass all diese gegensätzlich wirkenden Bestandteile der Kompositionen sich nie gegenseitig in Frage stellen, sondern in all ihrer Ambiguität zu koexistieren verstehen – vielleicht ist dies am deutlichsten spürbar in “White Sands”, dessen treibende Dynamik aus dem Hintergrund wirkt und die anrührende Melodie im Vordergrund nie antastet. es ist eines der kraftvollsten Stücke des Albums.
So haben letztlich alle Stücke ihre eigene kleine innere Dramatik, ihre eigenen Brüche und Richtungswechsel, und natürlich auch ihre Schwerpunkte. Lässt der nach dem Roten Meer benannte Track eine wuchtige Ambientwelle eine fast meditative Unbewegtheit in dem mit Klappern erfüllten Raum entstehen, so offenbart sein am Ende des Albums verortetes Pendant “The Dead Sea ” die größte Ambiguität zwischen Ruhe und Unruhe, zwischen getriebener Bewegung, schönen Synthie-Soundscapes und einem rabiaten Noise, der von etwas, das an Schreie erinnert, durchzuckt ist.
“Open Doors” ist ein ungemein reichhaltiges Album und jedes enthaltene Stück würde den Stoff für einen kongenialen Filmscore abgeben. Wenn die so untermalten Stoffe – mehrere Kollegen schrieben zurecht über postapokalyptische Dystopien – durch zahlreiche Ereignisse und zugleich durch eine nie zu eindeutige Stimmung auffallen würden, wären sie der Musik am ehesten angemessen." [U.S./African Paper] |
2021 |
€13.00 |
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| 5IVE |
Hesperus |
CD |
"Angespannt und wunderschön: das Bostoner Metal-Duo mit einem perfekten Album:
Das Experimental-Metal-Duo 5ive gründete sich 2001 in Boston und ist nicht zu verwechseln mit der verblichenen englischen Boygroup gleichen Namens. Gitarrist Ben Carr und Schlagzeuger Charlie Harrold beehren uns nach sieben Jahren relativer Anonymität mit einem nahezu perfekten Album, das sowohl die Vergangenheit der beiden zusammenfasst, als auch den konzeptuellen Fortschritt spiegelt. "Hesperus" stiftet den Hörer zu einer Reise durch ein gedankliches Wirrwarr an. Es ist der bleierne Versuch, unter dem zyklisch wiederkehrenden Gebräu eines transformativen Sounds die melodischen Spitzen auszugraben. Produziert von dem Grammy-nominierten Andrew Schneider (Cave In, Daughters, Scissorfight) versetzen die sieben Tracks von "Hesperus" den Hörer in einen schlafwandlerischen Zustand, um ihn dann in einem Raum sehr unangenehmer Stille aufzuwecken. Dies alles ist "angespannt und wunderschön" (The Guardian).
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2008 |
€16.00 |
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| 5UU'S |
Crisis in Clay |
CD |
„Die CD folgt dem auf "Hunger´s Teeth" eingeschlagenen Weg und erscheint mir insgesamt sogar packender, zudem rockiger als der Vorgänger, auch wenn hier ein einzelnes Highlight wie "Well... not chickenshit" fehlt. In den Erläuterungen, die Dave Kerman auf der Website der 5 UU´s zu den einzelnen Songs gibt, wird dieses Mal eine direkte Bezugnahme auf Yes ausdrücklich eingeräumt, und zwar beim Song "What Price Virtue?" Natürlich ist allein Spott der zugelassene Sprachmodus bei diesem Eingeständnis („We poked a bit of fun at the band YES by bludgeoning a section from "Tales from Meretricious Oceans"). Am Faktum ändert sich dadurch allerdings nicht viel. Die Musik der 5 UU´s nähert sich auch auf "Crisis in Clay" (stärker als bei späteren Alben) Mustern des klassischen Progs, wie sie insbesondere von Yes verkörpert wurden. Der Unterschied liegt im völligen Fehlen des hymnischen, naiv-pathetischen Elements und dem daraus resultierenden Wechselbad der Gefühle - dem Auftauchen aus dem wohlberechneten Chaos etwa in "Gates of Delirium", das so viele Hörer nicht nur lieben, sondern brauchen. Die Herzen dieser Hörer zu erobern, wird den 5 UU´s daher kaum gelingen, wobei man davon ausgehen kann, daß ihnen das allenfalls unter finanziellen Gesichts-punkten bedauerlich erscheinen dürfte. Wer jedoch ein komplettes Album erträgt, das aus der Progtradition eher experimentierfreudigen, schrägen Sarkasmus als gemütlichen Bombast zu gewinnen versteht, der ist hier richtig.“ [Ralf J. Günter / Babyblaue Seiten]
“Second installment from monster band 5UU's, featuring rock complexity, extraordinary production (by bassist, singer Bob Drake) and high energy precision mixed with eccentric songwriting. People that work this hard are becoming an endangered species. Extraordinary“ [label info]
www.rermegacorp.com
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1997 |
€14.00 |
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Hunger's Teeth |
CD |
Die 5UU’s gehören zum Aushängeschild neuer “Avant-Prog-Rock” oder “Art-Rock”-Bands und wurden oft mit den genialen ART BEARS verglichen....oder als zeitgemässe Nachfolger von YES. Diese Musik ist schwer zu beschreiben: perfekt eingespielte Genre-sprengende Rockmusik, manchmal sehr strukturiert und mit Refrains die man mitsingen kann, i.d.R. mit disharmonischem oder neu-harmonischem Gesang & alles auf den Punkt gespielt; unerwartete Wechsel, fast-Krach-Parts, sehr ruhige experimentelle geräuschafte akustische Szenen, inkl. einem umwerfenden Solo-Stück von THOMAS DIMUZIO; und SUSANNE LEWIS (CORPSES AS BEDMATES) singt auf zwei Stücken.
„....Ein Charakteristikum der UU´s-Musik besteht darin, daß häufig Melodien gegen Begleitungen gesetzt werden, die nicht als Unterstützung sondern als Widerpart wirken. Es macht Spaß, beim Hören zu erleben, wie diese Melodik trotzdem als "schön" wahrnehmbar bleibt (obwohl ich mir darüber im klaren bin, daß viele Hörer einwenden würden, die Melodien seien hier als Melodien kaum noch erkennbar).... “ [Ralf J. Günter / Babyblaue Seiten]
“The re-formed 5UU's first CD, featuring, one-of-a-kind drummer Dave Kerman with new line-up- Sanjay Kumar (keyboards) and Bob Drake (Bass, Guitar, Vocals) and guests Susanne Lewis, Tom Dimuzio, and James Grigsby. Power, complexity and intelligence - an express train that can pirouette on a dime.” [label info]
“....Hunger's Teeth is the most exciting rock album I've heard this year. No, not Anderson exactly, but Robert Drake's vocals do bear a striking resemblance to the Yes man's "angelic" tenor. Is this "progressive rock" for the '90's? A celebration of intricately layered arrangements and polyrhythmic playing, effortlessly combining '70's grandeur with avant-rock, contemporary collage and computing - and only one track in 11 over six minutes! The musicianship (also David Kerman and Sanjay Kumar, plus guests) is superb, not showy, always at the service of the experimental approach to song structure - lots of convoluted instrumental passages that return almost miraculously to "refrains". Brilliant.” [Chris Blackford / Rubberneck]
„...."Mangate" is a minimalist, tape-manipulation piece created by Thomas DiMuzio. It has such a hypnotic effect, that I once missed my exit on the highway because that track had lulled me into a semi-trance. Very neat. Those first three tracks are my favorite part of the album, but it continues to maintain its high quality throughout. The ground it covers ranges from a barbershop quartet singing about barbers to philosophy about a bachelor fumbling his way through mending his own clothes. Plus there's a running theme throughout the album that has to do with horses - the one pictured on the cover, the track title "Roan" (which starts with galloping hoof beats), the rocker "Glue" ("in time, sugar and horses will both become glue") that starts with the trumpet call that begins horse races, etc. Even the album title is apparently meant to be the name of a famous race horse. The more I listen to this disc, the more layers and tie-ins to various themes I find.
This is definitely a highly recommended album, if you're a fan at all of prog's more experimental edges. For those looking to get their first 5uu's album, this would be a good place to start (if you can find it).” [Ground and Sky]
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1994 |
€14.00 |
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| A SILVER MOUNT ZION |
This is our Punk Rock |
CD |
Ja, das ist wirklich ne andere Art von PUNK ROCK! Auf ihrem dritten Album bedient sich das Montrealer Ensemble eines Chors, und überhaupt spielen Lyrics eine viel größere Rolle als vorher. Enstanden sind vier lange eindringlich-melancholische Songs, etwas weniger episch und monumental als gewohnt, mit einem stärkeren 70er Jahre Psychedelik - Flair..
Kommt wieder im handgeschnitzten Siebdruck-Cover mit dicken Booklet und dem typischen Constellation-Artwork.
“This third full-length recording by Mt. Zion finds the band continuing to work as a six-piece, with various guests on drums & a couple dozen folks on choral duty. The core personnel remains Efrim (guitar, piano, tapes, effects, vocals), Thierry (bass), Sophie (violin), Beckie (cello), Ian (guitar) & Jessica (violin).
While the band's previous album, Born Into Trouble As The Sparks Fly Upward (cst018), was recorded immediately after a European tour and went to tape largely unadorned, the new record was sketched in rehearsals through the fall of 2002 & then extensively arranged in studio at the hotel2tango. The result is four long pieces, each in two or more sections, all featuring group &/or lead vocals. Efrim's increased vocal presence is the most obvious evolution from past efforts, yielding the most direct articulation of themes & emotions that have run throughout his work with Mt. Zion & godspeed you! black emperor. Long instrumental passages remain however, marked by the most compositionally deliberate, complex & precise writing the band has set to tape thus far. Dense layers of strings collide, blend & differentiate against a backdrop of ragged repeating guitar figures & noise treatments.
The amateur choir assembled for the 'fasola' sing-along on the opening track sets the tone for an exuberant community-rallying protest music that constitutes the spiritual foundation of the record. Destruction of communities (foreign & local) are lamented & eulogised in the following tracks, culminating in the album closer: an ode to the unzoned terrain surrounding the railyards adjacent to the neighbourhood where the band, along with many other Montreal musicians & artists, have lived since the early 1990s. This land is now being swallowed up by big box & condo development.
"This is Our Punk-Rock,”... addresses head-on the local/universal demise of uncontrolled and unregulated urban landscapes - a demise that stretches from the docile walls of superstore complexes & protest 'pens' in the West to outright military surveillance, harassment & murderous 'surgical' strikes by Western-backed armies in South America & the Middle East. This unbroken curve is at the heart of Mt. Zion's poetics & politics - this is their punk rock.” [press release]
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2003 |
€16.00 |
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| AALFANG MIT PFERDEKOPF |
 Fragment 36 (SOLD OUT) |
7inch |
Hinter dem Projekt mit dem seltsamen Namen steckt MIRKO UHLIG aus Bonn, der sich auf seiner Drone-7“ auf HERAKLITs „alles fliesst“ bezieht und entsprechende Dronescapes mit hoher Dynamik erschaffen hat.....zerfliessende-handbemalte Covers & multi-colour Vinyl !
“You never cross the same river twice! PANTA RHEI!” Behind this project with the strange name (german for “eel-catch with horse-head”) is one Mirko Uhlig from Germany, who had few CDR-releases so far, most of them standing out through their weird surrealistic coloration. In the meantime he also build his own label EX OVO. “Fragment 36” relates to a quote from Heraclites showing that ‘everything deliquesces” at any moment and can never be the same as one moment before. According to that, AALFANG MIT PFERDEKOPFs first and last ever 7” creates two drone-minimal pieces with very high dynamics, using water-sounds and Glockenspiel, drenched into overtune-feedback-resonances & dark deep drones... Filed under: fleetingmelting drones
LIGHT GREEN / YELLOW SPRINKLED VINYL. HANDPAINTED COVERS USING WATER-COLOURS IN GREEN, RED, VIOLET.” [press release] RELEASE DATE: 30. April 2006 !
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2006 |
€6.50 |
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| ABTAN, FREIDA |
Subtle Movements |
CD |
Debut-Album von FREIDA ABTAN, die zuletzt als NURSE WITH WOUND-Bandmitglied & Collaborateurin auffiel. Auf "Subtle Movements" bewegt sie sich zwischen experimentellem Abstrakt-Drone und Elektro-Akustik und setzt dabei oft & gekonnt ihre Stimme ein, um z.T. sehr schöne harmonische, repetitive & sich überlagernde Texturen zu bilden. Auf zwei Stücken ist STEVEN STAPLETON vertreten. Ein sehr vielversprechender Erstling !
"Freida Abtan loves sound. Her music falls somewhere in between musique concrete and more modern noise and experimental audio. Concentrating on the visceral and inspired by dreams, she has created visual shows for and played with Nurse with Wound, and also as presented her own sound and visual work at festivals across Canada.
Subtle Movements was completed over four years from the sidelines of Abtan's other projects and during her schooling in Montreal. It's a collection of her favorite pieces, combining her love of electro-acoustic music with her love of found melody. Two of the songs that appear on the album are collaborations with Steven Stapleton of Nurse with Wound, recorded in Colin Potter's studio in Preston, England, when Abtan traveled there to play a show as part of Scribble Seven in March 2006 alongside Stapleton, Potter, Andrew Liles, Matt Waldron, Joolie Wood, and Maja Elliott." [label info]
www.jnanarecords.com
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2007 |
€13.00 |
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| ADLER, GUNTER |
Douches Dames |
mCD-R |
"Jürgen Hall? Bei so einem musikalischen Namen hätte man sich doch nicht so nibelungendeutsch umtaufen müssen. Der mit dem Grönland Orchester (mit G. Reznicek) und Augsburger Tafelkonfekt (mit S. Reier) und Soloreleases auf Staubgold und Mik unter seinem Nom de plume bekannt gewordene Aachener, der nach seinem Studium in Hamburg hängen geblieben ist, steuert zur 1000füssler-Reihe drei überdurchschnittlich attraktive Tracks bei. Das 13-min. Titelstück entstand für eine Installation im Brüsseler Bains::Connective, das in den Räumlichkeiten eines einstigen Jugendstil-Damenbads untergebracht ist. Das hat Adler offenbar zu entsprechend spritzigen Sounds und zu Unterwasserklang angeregt, durchsetzt mit knackend rumorendem Klingklang, zunehmendem Stimmengewirr und Plantschgeräuschen und einer ganz feinen harmonischen Zierlinie, zu der punktuell heptatonische Skalen getupft werden. Das kurze ‚Scheppertones‘ danach meint eigentlich einen Tauchgang auf der Shepard-Tonleiter, jenem scheinbar unendlich absinkenden Glissando aus Sinuswellenfrequenzen, das auch schon Komponisten wie Tenney oder Risset reizte und das Adler mit furzelndem Geprassel durchsetzt. ‚Mousse-Touch‘ schließlich lautmalt einen nuanciert bebenden Fond, mal flirrend aufgehellt, mal wummernd abgesenkt und von Pfeiftönen durchschwirrt aus Zeiten, als Weltraumfahrer noch Nick oder Laika hießen." [Bad Alchemy]
"Douches Dames was part of an ancient indoor swimming pool in Forest/Brussels. Today this elegant Art Nouveau building hosts the eclectic art laboratory Bains::Connective. The music, originally intended as a sound installation, is an amalgam made of field recordings from inside the building, antique heptatonic scales and synthetically produced sounds spread out painstakingly in the first movement, infinitely transposed downwards in the second (Shepard Tones) and finally hidden inside a shady atmosphere in the third, where another stimulating motif is aperiodically interrupted by sudden violent curves. In addition Gunter Adler has compiled a jumbled array of electroacoustic samples forming a zigzagged rather than streamlined path through his archives. During the roaring times, after the melting of the polar caps had begun, visual artist Isabelle Rouquette showed works on this theme from a diversity of sources and engraved them into the trapezoidal patterned floor of the pool. On the day of the opening the interior was illuminated by flowing zebra skin light projections while the music was presented in a sort of live performance, a soundtrack accompanied by a sweeping improvisation on a synthesizer and twiddling with delay effects. It has an opulent and festive character and is at home in both ancient and modern contexts.
Douches Dames 12‘55
Scheppertones 3‘31
Mousse-Touch 5‘00
About the Artist:
Born and raised in Aachen, Germany. At the age of 17 he starts experimentating with synthetically produced sounds (Commodore 64, all data lost). Moves to Hamburg, Germany in order to study physics, philosophy, music theory. From 1992 to 96 works under the nome de plume ANUBIS (see Stora Compilation from 1993). Works out his first sound installations and in 1998 co-founds the GROENLAND ORCHESTER with G.Reznicek.
Invents his alter ego GUNTER ADLER and releases his solo debut on Staubgold. Additionally works on animation film and film scores. Toured continuosly with Groenland Orchester and Gunter Adler and teams up in the duo-improv group AUGSBURGER TAFELCONFECT with Sebastian Reier since 2002. The same year he releases a split album with Klangkrieg, again on Staubgold. Following up to this his next record Minutemusic is released by the polish Mik.Musik label [run by Wojt3k from Retro*Sex*Galaxy] in 2003. Since October 2003 he is running a net label for exquisite electronic music plakatif.net. www.gunter-adler.de "
[label info]
"After reading the press text that comes with this release, I must admit I still have not much idea what it is about. It was originally intended for a sound installation and uses field recordings from ancient indoor swimming pool in Brussels. The text also mentions something about the opening, a live performance and a soundtrack, but Gunter Adler lost me there. Adler is perhaps best known as a member of Groenland Orchester (together with G. Reznicek), and later with Augsburger Tafelconfect and solo as Adler (which is not his real name). The three pieces on this release are made of highly processed field recordings, of which we no longer recognize the origins. Gliding tones, sine wave like, objects that fall to the ground and sound effects working overtime. This is quite a nice, sweet, short and highly enjoyable release, for those who love their microsound to be much more free and not tied to the strict conventions of that scene. Nice indeed." [FdW / Vital Weekly]
www.1000fussler.com
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2008 |
€6.00 |
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| AEMAE |
The Helical Word |
CD |
Neues "experimental drone"-Projekt aus den USA mit hyper-abstrakten Klängen, metallisch-feedbackend & von halluzinogenem Flair..
"....Throughout the music is quite dark, but not atmospherical in the traditional dark ambient sense. As such his own description is quite appropriate. Not too noisy, not too academic or even too experimental, but Aemae treats a fine line between well defined genres and creates something that is indeed his own and that is these days quite an achievement." [FdW / Vital Weekly]
"...a gorgeous and exquisitely crafted abstract free noise drone record. dark and deliriously dense, a perfect amalgamation of the experimental dronework of the hafler trio, the sweeping skreescapes of sunrooof! and vibracathedral orchestra and the abstract minimalism of mirror or jonathan coleclough. as well, this has plenty of distinctly unique sonic elements. heavily reverbed chimes and bells are smeared into a twinkling fog, slowly thickening into a dense slab of electrical impulses, woven together so tightly it resembles a buzzing ball of hornets, a throbbing thrumming drone. strange steel drum like electronic pulses, an alien gamelan, pickes out a tranquil melody beneath swooping and blooping spaciness, sheets of industrial shuffle, scrape and rumble, leaving sparkling trails of dense and complex almost idm skitter in their wake, albeit wrapped in thick gauzy veils of warm reverberant flutter. all stretched into distant, soft focus soundscapes of warbling whir and creaking ambience. quite lovely and sublime!" [Aquarius Records]
"brandon nickell, a 23 year-old navigator of harsh synthetic and electronic seas known as aemae, shows his admirable will to construct new kinds of uneasy architectures. the eight pieces of "the helical word" form a pyrotechnic cycle of cascading incidents, timbral shifts and granular abrasions which move like creatures without a preconceived position in an undetermined system, finally finding a way to transform contraptions and extrapolations into rough elliptical shapes and dehydrated approximations of parallel galaxies. nickell starts everything from "a pure exercise in synthesis"; the mobile force of educated noise and a well planned mix, even in absence of natural sources, make this music live its life in full - no dead spots or dull moments. considering the next-to-nil significance of most of today's electronica, not bad at all." [massimo ricci - touching extremes]
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2005 |
€13.00 |
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| AETHENOR |
Faking Gold and Murder |
LP |
"... Diese drei Urprinzipien, das sind hier gleichermaßen STEPHEN O'MALLEY (SUNN O))), KTL), DANIEL O'SULLIVAN (GUAPO) und VINCENT DE ROGUIN (SHORA), die sich mit ihrem neuen Werk nun ein drittes Mal im Æthenor zusammenfinden und mit “Faking Gold And Murder” ein dunkles Manifest alchemistischer Transmutationen niederlegen. Begleitet wird das Trio von den beiden Perkussionisten NICOLAS FIELD und ALEX BABEL, dem Gitarristen ALEXANDER TUCKER und dem hier bereits als ANOK PE auftretenden DAVID TIBET. Was immer sich aus dieser Zusammensetzung bereits herleiten ließe, nichts bereitet einen wirklich auf diese von okkulter Ritualistik geprägten Kompositionen vor, durchsetzt von Tibets apokalyptischen Inkantationen. Tosend setzt in dem ersten der vier übergangslosen und unbenannten Kapitel ein Schlagwerkgewitter ein, umbrodelt von den unterirdisch anmutenden Klängen des Keyboards und der Gitarre, während Tibet zu sphärischen Klängen des Beckens und des Glockenspiels seine mitunter zweistimmig intonierten albtraumhaften Visionen in die Komposition hineinwebt, nur um nach einigen Minuten wieder vom zeremoniell anmutenden Lärmen der Perkussionisten übertönt zu werden. Selbst in seinen leisesten Momenten ist das Ganze so komplex und durchdacht arrangiert, dass es an keiner Stelle seine hypnotisierende Wirkung einbüßt. Längst hat vollkommen unbemerkt das zweite Stück begonnen, traumhaft übergleitend in minimal intonierten Ambient, der nach und nach mit dem Einsatz der regengleichen Klänge des Rhodes und eines anhaltenden Drones an Intensität weiter zunimmt, bis Tibet das Stück mit einer wie aus weiter Ferne gesprochenen Passage zu einem von tiefen Bassfrequenzen dominierten düsteren Ende führt. Spätestens mit dem Beginn des dritten Kapitels wird man gewahr, dass dies alles unaufhörlich in einem stärker werdenden Sog in eine Tiefe zieht, deren Boden unabsehbar geworden ist und in der man längst die Orientierung verloren hat. Eine durch wellenartig geschlagene Handtrommeln aufgebaute Spannung liefert hier die Grundstimmung für die Verstörendste von Tibets Inkantationen, unterstützt und bald überrollt vom infernalischen Rumpeln und Brausen des Schlagwerks und der anderen Instrumente, sich verdichtend zu einem vor apokalyptischer Brachialgewalt starrendem Ende. Wie in einem Nachwort endet mit dem vierten Kapitel das Album im erdigen Drone des Harmoniums und sphärisch darüber flirrenden Keyboardklängen, die den Hörer, zu Tibets fast schon gesprochenem Epilog, auf eine beruhigende Weise erden und das erste Mal nach 35 Minuten wieder frei durchatmen lassen. “Faking Gold And Murder” ist ein für den aufmerksamen Zuhörer ungemein lohnenswertes Machwerk. Wer sich darauf einlässt, dem offenbaren sich die komplexen Kompositionen in einer an Greifbarkeit grenzenden Dimensionalität, der hat Teil an einem archaischen Ritual von schauderhafter Schönheit, gekonnt in Szene gesetzt durch das mal fragile, mal tosende Zusammenspiel der Musiker und intoniert von Tibets geisterhaften Deklamationen. Letztere sind es auch, die “Faking Gold And Murder” eine Dimension verleihen, die die beiden Vorgänger nicht aufweisen konnten und das Album so zum eingängigsten und wertvollsten aller bisherigen Æthenor-Alben machen." [Stefan O. / NONPOP]
"Third earth shattering outing for Vincent De Roguin (Shora), Stephen O'Malley (Sunn0))), KTL) and Daniel O'Sullivan (Guapo). For Faking Gold and Murder, the core trio is joined by percussionists Nicolas Field and Alex Babel, as well as renown guitarist Alexander Tucker and the inimitable David Tibet. Faking Gold is Æ’s heaviest outing, driven by a weighty low end and the full fury of Babel and Field’s free-wheeling drums. The trio’s electronics, guitar, Rhodes, and organ ride the waves of sound in a tightly-controlled blare, leaving plenty of space for Tibet’s declarations of the mystical and supernatural. Tibet is on top form here, rising out of the tempest at just the right moment, almost plain-spoken in places – grounding the squall at times, voicing the apocalypse at others.
“Brooding, primeval, dark alchemical epics are full of a ferocious intensity, sounding more like a starlit night being ripped open by lightning than a musical group. Intelligent and primal, like a dæmonic workshop, battering up Pandemoniums and dreaming of gold and murder, Æthenor are spectacular.”- David Tibet
Cover design by Nicola Todeschini and Vincent De Roguin. CD is in a tri-fold letterpress folio, printed on heavy black art paper by Stumptown. Deluxe LP is 180 gram, pressed at RTI, in letterpress cover on heavy black art stock by Stumptown, with custom gold on black inner. Cut by John Golden. A fantastic sounding and looking item." [label info]
www.vhfrecords.com
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2009 |
€20.50 |
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| AGLAIA |
Mondi Sensibili |
CD |
Ein Klanggarten voller luftiger Weite und zart schmeichelnden Windspiel-Sounds, - glockenheller, glitzernder Wohlklang, wie eine sanft tänzelnde Wasseroberfläche... auf dem ALIO DIE-Label.
"... the third CD by AGLAIA "Mondi Sensibili" creates a soundworld where the vibrations, the poetry and sound therapy bring the listener into that forgotten sound places suggested by the title. In "Mondi Sensibili" (Sensible Worlds), the sound incantations caracterized by the Aglaia's music become more and more clear and layered: the electronic sounds seem played from the wind, and their brilliance often seem to come from the cords of an acoustic instrument." [label description]
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2006 |
€13.50 |
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| AKATOMBO |
Sometime, never |
CD |
Following on from his critically acclaimed False Positives and Editions Mego collaborations with E.G. Lewis of Wire / Dome, ex-pat Scotsman and long-time resident of Hiroshima Paul Thomsen Kirk delivers his fourth album—ten tracks full of atmospheric, powerful, beat-driven, electronic-based compositions. From the persuasively percussive-led to dark ambient soundscapes to sleazy, wide-screen, full-on, bass-bin rumblings, Sometime, Never has it all… just because. “[A] meld of post-punk toxic ambient angst (à la Throbbing Gristle and Cabaret Voltaire) with contemporary rhythmic models…. Akatombo is big on alienation and … generally conveys a feeling of being close-up to events and places while at the same time feeling disconnected and uncomprehending of them…. [A] brilliantly compelling, adrenalin-soaked antidote to the tranquil hedonism into which electronica has been too apt to lapse in recent years.” —David Stubbs, Resident Advisor “[Paul Kirk’s] beatscapes hearken back to the industrial pioneers of the mid-’80s, but his sound is decidedly contemporary, a mix of drums, bass, bleached tones and samples that veer from dub to club…. The best tracks display more than mood; they reverberate with sass.” —Richard Allen, A Closer Listen “A killer collection of programmed beats, layered samples, dark atmospheres, thick guitars, and droney-ambience, sounding at times like Muslimgauze, or like a more chill Necro Deathmort, or one of those bands who might have shared a compilation with Techno Animal or Sidewinder back in the day. The vibe is definitely on the isolationist tip, murky and claustrophobic, the beats are crunchy and caustic, more often lurching and lumbering than skittering or shuffling, and those beats are set amidst thick swells of grim sinister ambience, and blackened late-night atmospheres….. A sort of dubbed out downtempo dance music that’s not so much for dancing, but lurking, hanging out in the shadows, in empty clubs in empty cities, everything crumbling and decayed, a seriously dystopic soundtrack for some wasted scorched earth future.” —Aquarius
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2015 |
€13.00 |
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| AKOUSTIK TIMBRE FREKUENCY |
Kthonik Korridors |
CD-R |
Vielversprechender Newcomer aus UK mit "esoterischem" dark ambient, d.h. in diesem Fall ein starker H.P.LOVECRAFT-Bezug - die Musik soll ganz bewusst als Ritualbegleitung für Cthulhu-Okkultismus eingesetzt werden. Man mag dazu stehen wie man will, die sechs langen dronigen Stücke, die sich auf 57 Minuten ausbreiten, erzeugen eine einnehmend geisterhafte und unheimliche Atmosphäre... rituell und fliessend, aber niemals aggressiv oder wirklich krachig. Auf allerlei Instrumenten (Synths, Klangschalen, Flöten, Rasseln) sowie mit grossen aufgespießten Fleischbrocken (!) wird hier die unverstandene Seite des Unbewussten gefeiert. Lim. 100, professionelles Cover & Fertigung.
“Thee new album is a homage to H. P. Lovecraft, to whom I owe so much. It is to be used as bakground atmospheriks for Rites dedikated to thee Kthulhu Mythos. Instrumentation inkludes singing bowls, flutes, rattles, synths and a large chunk of meat set upon with knives, machetes and a pitchfork. Thee kompositions were named using kut-ups of ‘The Call of Cthulhu’ by HPL except Komposition 2 which was kreated as a soundtrak for thee short film ‘Kalibration of thee Gods’ by Madguten.” [label info]
www.myspace.com/23akoustiktimbrefrekuency23
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2010 |
€11.00 |
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| ALGOL |
All these Worlds are yours |
CD |
A fifth full-length album by _Algol_ brings to you digital and analog sounds combined with some soothing guitar tunes. A conceptual and contemplating album for virtual cosmic journeys. Enjoy!
Instruments and mastering by Daniil Kazantsev.
Album Design SeasofBlack & Kati Astraeir (inner layout)
Released by Ksenza Records
www.infinitefog.ru
_Algol_ is a project name belonging to Siberian soundscaper (scientist, traveler, photographer...) Daniil Kazantsev, who is currently based in the UK. "All These Worlds Are Yours" album is out since the middle of June 2016 as a collaborative release between Russian labels Ksenza Records and Infinite Fog Productions. My attention was immediately caught by a catchy 4-panel digipak featuring splendid artwork by Italian artist Michele Carnielli working under his moniker of Seals Of Blackening (also a vocalist and guitarist with doom metal band Kröwnn) and by our kindred soul from the Sonoran Desert, Kati Astraeir, who is credited for additional inner layout. Nice work, guys!!!
4 and a half minutes long "Accelerated Descent" reveals the journey with slightly balladic, nearly medieval-like tides, where persistently spiraling patterns commingle with aeonianly emerging, droning and evanescing, intangibly rawer vistas. "Under The Starlit Sky", clocking to 7 minutes, glides gracefully towards nocturnally fascinating realms, masterfully bridging ethereally enrapturing dronescapes with quietly permeating transcendental glimpses. "Hidden Behind The Light" is invaded by monochromatically immense expanses, intricately guarded by clandestinely sneaking ambiguous siren calls. Breathtakingly infinite sceneries fully unfold here! "Frozen Plateux" safely remains on the path of utterly enveloping amorphousness, splendorously diving into the deepest ends of atmospheric tranquility, meticulously reinforced by occasional cyber-tech breaths. Exquisitely monumental magmas, jaw-droppingly flatlined, are insistently counterpointed by warmly undulating mirages, while intriguing desolate dissonances percolate here and there. A stunningly immersing 10-minute composition, one of the pinnacles!!! The next piece, "The Sands Of Tatooine", dives into enigmatically labyrinthine domains, merging calmly enveloping panoramic quietudes with sinuously twisted reverberating vestiges. A deep space voyaging at its most engrossing continues! "The Windswept Terrain", with 11:33 the longest piece, attracts wit its mysterious dronesculpting, where static surroundings commingle with intenser nuances, displaying evocatively enveloping passages, slightly disruptive hissing undercurrents and euphorically climaxing epic magnitudes. A very good one! 8-minute closer "The Dune Sea" delves deeply into unfathomable depths, superbly amalgamating majestically droning monochromatism with spellbindingly growling and buzzing traceries and thrillingly mind-bending meridians. Enter now the gates to abyssal nothingness!!! Obviously a grand finale!
"All These Worlds Are Yours" CD, which is limited to 333 copies, is certainly a very strong debut by _Algol_ on a glass mastered format, so don't hesitate to grab your own copy, I guarantee you won't be disappointed!!! And the digital version includes 7-minute bonus track "A Fading Planet". If I am right, discography of _Algol_ features another 5 digital albums, one of them "Heaven Debris" (2011) was released also on a CDr format via Snowy Tension Pole label from Poland, but I believe this one is sold out already. And one of the digital albums, "Goldilocks Zone" was released on earthMantra. Not to forget, Daniil Kazantsev is also the mastermind behind dark ambient project Stuzha with two acclaimed albums, "Siberian Sketches" and "Butugichag". The first one was released as a CDr by Snowy Tension Pole during 2011 and now, few days ago, reshaped and reissued on CD format in a 4-panel digipak on Ksenza Records. Limited collector's wooden box is available as well. On the same label is available also "Butugichag" CD album (2015), which elaborately deals with Kolyma Gulag labor camp theme. If you are a connoisseur of venturous dark ambient explorations, don't miss these two powerful works!!! And to make the story complete, Daniil has most recently released via earthMantra his newest digital album entitled "67P" under his newest moniker Black Wanderer. A batch of exciting releases awaits to be carefully examined!
Richard Gürtler (Nov 01, 2016, Bratislava, Slovakia)
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2016 |
€12.00 |
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| ALIO DIE |
Incantamento |
CD |
"Wieder verliert sich Stefano Musso in tiefster Trance, auf diesen zwei langen Stücken benutzt er erfreulich viele field recordings, bildet lange loopige Samples die sich überlagern und in einen warmen ozeanischen Strom hinabziehen, sehr warm & meditativ.
Newest full length CD from the italian ambient project, using lots of beautiful water-sounds on two lengthy tracks. Coming with parts of plants in the jewel-case. “Ascolta il canto della cicala che beve la rugiada del mattino vedi, mi rintoccano le corde da sole, e vola una voce intorno a me, da ogni parte.” [Sinesio 375 D.C.]" [Drone Rec. info 2001]
" 'Incantamento' provides two long drifting pieces of naturalistic ambience, adding the occasional pluck of guitar strings to the rich bed of aquatic sounds and droning loops. The packaging contains dried stems and flowers instead of a inlay card to underscore the organic nature of the music." [label description]
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2001 |
€14.00 |
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| ALIO DIE & AGLAIA |
Private History of the Clouds |
CD |
Dies dürfte die erste echte Zusammenarbeit der italienischen Projekte sein, scheinbar geht es hier um Vertonungen des Himmels, genauer: verschiedener Wolkenformationen (CIRRUS = reine Eiswolke in großer Höhe / auch Federwolke genannt; PERLUCIDUS = "durchsichtige" Fleckenwolke; NIMBUS = Regenwolke; RADIATUS = Wolken die parallele Bänder aufweisen; STRATUS = niedere Schichtwolke; CUMULS CONGESTUS = mächtige Quellwolke). Entsprechend "luftig" und ätherisch sind diese hellen Drones geraten, in die sanfte Field Recordings (Wasser, Insekten) sowie die typischen Zither-Klänge von ALIO DIE gemischt wurden... das ist "Ambient" pur, hat klanglich vielleicht nicht das allergrösste Innovationspotenzial, aber wer ALIO DIE & AGLAIA bereits kennt wie meisterhaft & einmalig sie organische Klang-Meditationen umsetzen können... Musik wie Wellenreflektionen.
"Infraction Records curates this new entry to the already considerable body of collaborations involving Alio Die. There have already been communings with the likes of Robert Rich, Mathias Grassow, and Vidna Obmana. Here, though, Stefano Musso's fellow-travellers are lesser known but closer to home. Aglaia is an Italian duo with a trio of albums on his Hic Sunt Leones label; Gino Fioravanti and Gianluigi Toso come trailing credentials in therapy, writing, painting, and teaching, to say nothing of alchemy and ortho-bionomy. In contrast with Musso, who has fully two decades of musical endeavors behind him, they're comparative novices. But you wouldn't have thought it. Theirs is a music whose apparent stasis enfolds within it endless subtle micro-variations. They bring with them from previous HSL releases an appealing aquatic/amniotic sound dimension, characterized by a combination of electronic sounds (analogies as the sleeve notes would have it) and processed acoustica moving as if in virtual circular breathing. Slow waves of soundflow suggestive of psycho-acoustic energy (if you're a believer, otherwise just go with the flow) come with peripheral fragments of sonorities, carried on the wind, drifting as if at the edges of sleep, recalling the way echo plays in open landscapes. That's part of the method of this animist collective's historical unfolding of its subjects' textures and trajectories, yielding a series of luminous aerated tracts. Animists see a spiritual force residing in every element of the physical world. Nature is believed to be alive, imputing an inner life to leaves, lakes and the like. Dwelling on Private History Of The Clouds brings this to mind before even entering its audio world, particularly in light of Alio Die's predilection for 'passion, nature and awakening' and Aglaia's for worlds of feeling ('mondi sensibili,' as a previous album was called). But, lest this kind of talk scare off those averse to nature-hugging, note that the musical Grace inspiring this project is more a familiar of Pandit Prath Nan and Brian Eno than of Wyndham Hill and Hearts of Space." [label info]
www.infractionrecords.com
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2009 |
€14.50 |
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| ALOG |
Amateur |
CD |
"ALOG zählen seit 1997 zu den besten experimentellen Elektromusikern in Norwegen. Seit ihrem Debüt "Red Shift Swing" sind sie ihrem Label Rune Grammofon treu geblieben, wo die Nachfolger "Duck-Rabbit" und "Miniatures" erschienen. Letzteres gewann 2005 den norwegischen Grammy für den besten Electronica-Release. ALOG reisten für "Amateur" durch Norwegen und nahmen in Musikschulen und Musiksälen von Grundschulen auf, um den Sound eines jeden Instrumentes optimal darstellen zu können, was im Studio dann zu "Amateur" geformt wurde. Das Ziel aller Computersoftware ist es heute, den individuellen Sound eines jeden Musikers zu überdecken und alles gleich klingen zu lassen; ALOG gehen auf "Amateur" den genau entgegengesetzten Weg. //
Alog are duo Espen Sommer Eide and Dag-Are Haugan, and this is their fourth full-length release for the Rune Grammofon label. Since forming in 1997, Alog have been among Norway's leading performers of experimental electronic music. They are mainstays at Rune Grammofon and have been with the label since their debut album Red Shift Swing was released in 1999. They have increasingly worked with various acoustic instruments and in collaboration with other musicians for long recording sessions in special locations. Travelling around the west coast of Norway with Nicholas H. Møllerhaug and Nils Økland sidekick Sigbjørn Apeland, they recorded in music schools in an attempt to capture the unique sound of each selection of instruments found. Because of bad weather they could be stuck for days on islands off the wild northern coast recording themselves playing any instruments they could find and building more of their own. These sessions were subsequently worked on in the studio to bring out the unique spirit of this release, characterized by a curious and fresh approach to playing that is often lost in the process of becoming a virtuoso on a singular instrument. The word "amateur" originally denotes a person who is motivated by a passion or love for their activity. It has been the goal of Alog on this album to preserve and enhance this special energy in their songs, and to do this they use their "augmented acoustics" technology and bring out the hidden "amateur" energy of each song." [press release]
www.runegrammofon.com
"Music by Alog have never ceased to amaze me. The duo of Espen Sommer Eide and Dag-Are Haugan have by now released a bunch of works on Melektronikk, Smalltown Supersound and En/Of, and here return with a strange CD, once again. Apparently 'it was recorded on various locations in the western and northern parts of Norway, often using instruments found or built for the sole purpose of this recording', which is something that is hard to believe. But 'these sessions were subsequently worked on in the studio to bring out the unique spirit of the 'Amateur'. In the post-production world of the studio anything is possible, I then think. To describe the music of Alog is not easy, but 'amateur' is a good description, in the most positive sense of the word. 'Childlike' and 'naive' are two others that fit the description quite well. There are hints of minimal music, microsound, folk and improvisation - and perhaps any category in between these that could be applied to the music of Alog. They play their instruments (whatever lost and found they might be) like children, not banging around but with a curious interest in seeing what a sound does. Carefully as not make too many sounds. Beautiful electronic sound scapes, with interesting electro-acoustic sounds here and there. Very nice. Once again." [FdW / Vital Weekly] |
2007 |
€15.00 |
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| AMBARCHI, OREN |
A Final Kiss on Poisoned Cheeks |
LP |
OREN AMBARCHI's Beitrag für die neue "guitar series" auf TABLE OF THE ELEMENTS: vielschichtige Poly-Drones, bestehend nicht nur aus Gitarren-Tönen sondern auch aus elektronischen Kontakt- und Störgeräuschen & sich windenden Feedbacks; ein sehr komplexes Stück, lebendig und elektronisch ausstrahlend in 1000 verschiedene Richtungen. Wunderbar auch, wie es dann allmählich mit glockenhellen Klängen versetzt ausklingt.. AMBARCHI in Höchstform. Himmelblaues Vinyl.
"There is a vivid breadth to the guitar deconstructions of Australian Oren Ambarchi. Sometimes his work takes a delicate lilt; it can also dive into dark and deep pools of sound when he joins cowl-core ensembles Sunn O))) (with Stephen O'Malley) and Burial Chamber Trio (with Greg Anderson). Whether with those bands, solo, or in collaboration with luminaries ranging from Mike Patton and John Zorn to Christian Fennesz, he consistently reroutes his instrument into zones of arch, alien abstraction. A Final Kiss On Poisoned Cheeks offers a dizzying gaze straight into a chasm of extreme frequencies -- paint-peelingly high and bowel-churningly low -- all set atop a sub-strata of menace, angst, and contemplative beauty." Pressed on light-blue marbled, etched vinyl. B-side etching artwork by Savage Pencil." [label info]
"...Still essentially a dronescape, A Final Kiss is rife with sonic activity, so much so that in lesser hands it would be more of a mess, a sort of pretty-ish noise record, but Ambarchi, takes all manner of buzz and glitch, of scrape and hum, and weaves it into a strangely lyrical arrangement. The core of the piece is a thick, undulating low end drone, a muted Niblockian shimmer, that seems not to change so much as shift, reflecting different colors and sounds depending on the angle. Over this nearly constant thrum, exist a veritable universe of strange sounds, streaks of feedback, cricket like electronic chitter,
moaning throbbing swells of guitar rumble, brief blurs of warm soft focus fuzz, layers of crumbling distortion, all of the various
elements constantly shifting and blossoming, collapsing and then blooming again, creating a super organic flow, another instance of
leaving the instruments on the stage, guitars against amps. amps cranked, although here it seems the instruments have come to life, and
we are glimpsing their secret lives, as the communicate musically, telling some sort of story, exchanging mysterious messages, which
while indecipherable to human ears, still manage to sound magical. Guitardrone freaks will, well, freak! Subtly heavy, darkly
drone-y, slightly noisy, rich and dense and textural. Really gorgeous. And totally recommended.
Pressed on swirled turquoise vinyl. One sided, the other side with a super bad ass etching, housed in a thick vinyl sleeve, and of course, as always LIMITED!" [Aquarius Records review]
www.tableoftheelements.com
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2008 |
€17.50 |
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| AMBARCHI, OREN & SCOTT HORSCROFT / HADO HO |
19 Guitars / Sonic Wave 2002 Stereo Action |
12inch |
Endlich geht es in der Textile-12”-Serie (echte 45rpm’ler) weiter, mit dieser feinen Arbeit von OREN AMBARCHI auf einer Seite, wo seine sirrenden & repetitiv angeschlagenen Gitarrenschnipsel von SCOTT HORSCROFT verarbeitet werden, hier verbinden sich treibend-trancig-psychedelische Sounds mit meditativen Flächen. HADO HO steht eher in der Tradition von japanischem Impro-Noise, seine Klangattacken wirken seltsam verlangsamt, wie MERZBOW in Zeitlupe.
“Textile is proud to announce the fourth installment in its split 12 series, Oren ambarchi / Hado Ho.' Oren ambarchi & Scott Horscroft. 'Oren ambarchi is an electronic guitarist and percussionist with longstanding interests in transcending conventional instrumental approaches. Born in Sydney in 1969, he has been performing live since 1986. His recent solo releases Triste (Southern Lord, USA), and Grape from the Estate (Touch UK) have transcended the guitar into a zone of alien beauty and sonic impossibilities to critical acclaim. His work focuses mainly on the exploration of the guitar, 're-routing the instrument into a zone of alien abstraction where it's no longer easily identifiable as itself. Instead, it's a laboratory for extended sonic investigation'. (The Wire, UK). Oren ambarchi has collaborated with SUNN 0))) on their recently completed BLACK ONE and hast just completed a world tour playing guitar with the band together with Greg Anderson, Stephen O'Malley, Attila Csihar and Tos Nieuwenhuizen.'
HADO-HO is Takehito Nakazato, of DUB SONIC & DUBNESIA. 'Takehito Nakazato is a sound fetichist, influenced by an earlier generation of Japanese noise musicians as much as by old school electronics pioneers. Hado-Ho's sound is solely based on noises and sound manipulations such as feedback noises, bad cable connections, loud mic tapping, electric hum, feedback squeals. Takehito Nakazato is not as frantic as the traditional noise acts - Masonna, Merzbow etc, but there are points of reference in terms of sound manipulation and extreme frequency variations. Takehito Nakazato appears on Sonic Plate, Meme, Zero Gravity and Improvised music from Japan.' [label infos]
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2006 |
€10.00 |
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| AMBER ASYLUM |
Still Point |
CD |
Nach vielen Jahren ein neues Album der Band um KRIS FORCE, deren markanter Elfen-gleicher Gesang hier das Zentrum bildet für die elegischen Gothic-Folk Kompositionen mit viel Streicher-Einsatz, eher reduziert und verhalten und nur wenig "rockend", alles durchzogen von einer majestätischen Melancholie... mitunter wird das Song-Format verlassen und schwelend-ruhige instrumentelle Soundscapes erfüllen den Raum, die eine nicht weniger fragile Schönheit aufweisen...
" Still Point ist die erwachsenste CD von AMBER ASYLUM, weil sie am wenigsten verspielt ist; nichts muss mehr ausprobiert werden ('Music is my evolution', KRIS FORCE). Die Stimmung, die Stimmen, die Instrumente, alles ist perfekt positioniert, es konnte nichts anders werden an diesem Album. Wundervoll depressive Kammermusik für die kommenden Monate." [Michael We / nonpop.de]
"One of the most respected, legendary, and influential acts that have emerged from the neoclassical/gothic/ambient/and post-rock alternative scene, AMBER ASYLUM have once again delicately peered through the cascading light with their long-awaited full-length, the band’s first observation since 2000. Band leader KRIS FORCE was an integral part of NEUROSIS, appearing on the majority of their releases, and has played and collaborated with such legendary acts as SWANS and JARBOE. Features members that have been involved with such Bay Area luminaries as WEAKLING, ASUNDER, THE GAULT, HAMMERS OF MISFORTUNE, and LUDICRA." [label info]
www.profoundlorerecords.com
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2007 |
€13.00 |
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Garden of Love |
maxi-CD |
Nach langer Pause fünf neue Stücke von KRIS FORCEs Band; melodramatische, Kammermusik-artige Elegien wo ein klares Song-Gerüst aber immer zu erkennen ist, eingespielt mit Bass, Piano, Violine & Cello, Bläsern, Percussion, und dazu KRIS eindringliche Stimme;
zurückhaltend, slow, so einsam & verloren... bisher ihre ergreifenste, weil ausgereifste Veröffentlichung !
"San Francisco's Amber Asylum return with their first new recordings in nearly five years . Five dark, brooding chamber works of misanthropic resonance and chilling emotional beauty. A blackened neo-classical masterpiece following their previous recordings on Relapse and Neurot as well as their acclaimed collaborations with Neurosis, Swans and Jarboe amongst others. Just under half an hour of new recordings, featuring the bonus soundtrack recording, "Serenade"." [label notes]
www.paradigms-recordings.com
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2006 |
€10.00 |
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Bitter River |
CD |
"Amber Asylum is one of the most influential and respected acts in the neo-classical / dark ambient genre. Group leader, multi-instrumentalist and producer Kris Force boasts a repertoire that includes collaborations with Neurosis and Swans as well as credits for penning soundtrack music for video games, television, and feature films. Her band is known for their distinct brand of chilling romantic mire and brooding darkness constructed with layers of violin, viola, cello, guitar, bass, percussion, and Force's alluring voice. Bitter River is the darkest and most devastating Amber Asylum album ever conceived. The perfect follow-up to the plunging Still Point, this introspective journey into lost love and lost innocence paints powerful sonic portraits of vast, lonely landscapes, dark chambers, rolling fog, and monumental twilight. For the recording, Force employed some of the most accomplished musicians in the underground: long-time Amber Asylum conspirator Jackie-Perez Gratz (Giant Squid, Grayceon) on cello; Leila Abdul-Rauf (Saros) on guitar, piano, and vocals; bass player Eric Wood (Bastard Noise); and drummer Chiyo Nukaga (Noothgrush), along with guest appearances by Sigrid Sheie (Hammers of Misfortune) on flute and Jarboe providing narration. Bitter River features artwork by David D'Andrea." [label info]
"Amber Asylum machten schon immer mehr als nur Musik. Sie schufen die musikalische Untermalung zu Tagträumen. Zumindest zu den Tagträumen, die in die Welt von Elfen, Feen oder Nymphen führten. Die einen auf die Reise in dichte Wälder oder taubedeckten Wiesen im Mondlicht schickten. Die einen mögen dabei an den Herren der Ringe denken, andere an romantisch-verklärte Illusionen über eine Zeit als die Menschen ihre Seele als Teil der Gesamtdynamik der Natur und diese als von vergessenen Zaubern durchzogen betrachteten. Wie auch immer scheint die Musik von Amber Asylum sich nicht mit dem modernen Großstadtleben vereinen zu wollen. Das dieser Anti-Modernismus nicht immer nur romantische Gedankenverlorenheit ist, zeigt sich, wenn man einige Namen assoziierter Weggenossen und Nebenprojekte unter etwas genauer unter die Lupe nimmt.
Das sagt dann aber weder was über Kris Force, die maßgeblich hinter Amber Asylum steht, noch über die Musik dann wirklich etwas aus.
Auf "Bitter River", dem mittlerweile siebenten Album der Band, wird Force von Jackie Perez-Gratz, Sigrid Sheie und vor allem von Leila Abdul-Rauf unterstützt. Letztere lieh dem Projekt nicht nur ihre Stimme sondern trug auch neben Kris Force zu Songwriting bei. Und gerade ihr pathos-gefüllter, fast opernhafter Gesang hebt Amber Asylum aus der Menge der Neo-Folk Bands heraus und nimmt der Musik damit den Beigeschmack des Klagegesanges Rückwärtsdenkender.
Charakterprägend ist auch die Mithilfe von so unerwarteten Gastmusikern wie dem Noothgrush und Graves At Sea Schlagzeuger Chiyo Nukaga, Eric Wood (Ex-Man Is The Bastard, Bastard Noise) und Jarboe von den Swans. Denn "Bitter River" ist nicht nur besinnlich verträumt, es ist über weite Strecken vor allem von einer düsteren, ungewissen Stimmung geprägt. Das macht dieses Album, das beim ersten Hören eine nette Untermalung für verschneite Winterabende zu sein scheint, auch in diesem Sommer nicht komplett deplaziert, ist doch jeder verträumte Tag im Park Unsicherheit und der Angst vor dunklen Wolken und plötzlichen Gewittern und Regengüssen geprägt." [Tinnitus-Mag]
www.profoundlorerecords.com
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2009 |
€13.00 |
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| AMINI, SIAVASH |
A Mimesis of Nothingness |
LP |
"Siavash Amini returns to Hallow Ground with A Mimesis of Nothingness, his fourth album for the Swiss label. Following up on Harmistice (HG 1902LP, 2019) together with fellow Iranian artists 9T Antiope, the six tracks were conceived in close collaboration with another artist and see the prolific composer intensify his interdisciplinary approach. The six tracks enter a dialogue with the photographs of Nooshin Shafiee, an acclaimed artist whose work capturing their hometown Tehran becomes the starting point for one of Amini's most visceral and haunting records. A Mimesis of Nothingness translates the ephemeral situations and melancholic moods of Shafiee's pictures into suspenseful soundscapes that masterfully navigate between the concrete and the abstract. A Mimesis of Nothingness is a disquieting record precisely because it is a quiet one. Working with field recordings, Amini sculpts dynamic portraits that create an atmosphere of tangible suspense that is never fully released. Even when string-like sounds enter the picture as they do on the third track "Moonless Garden" or when the abstract and glacial noise on "Observance (Shadow)" demand the listener's attention, the six pieces take hold of the subconscious rather than trying to be direct and confrontational. It is sound conceived not as a description, but a circumscription of spatial relations and the eeriness embedded in them. Includes eight-page booklet."
"Zu den interessantesten Versuchen, einen Ort im künstlerischen Medium, sei es Bild, Text oder Klang, erfahrbar zu machen, zählen jene, die den Blick auf eher untypische Aspekte lenken. Ein solcher Fokus richtet sich an ein aktives Publikum, das die präsentierten Details mit dem vorhandenen Wissen zu einem kaum festschreibbaren, hypothetischen Rahmen synthetisiert, und er umschifft ganz nebenbei eine Menge Klischees. Das ganz seiner Heimatstadt Teheran gewidmete neue Album von Komponist und Producer Siavash Amini befasst sich mit Details des Ortes, die zunächst wenig zu den Projektionen passen, die der Medienkonsument abrufen kann, seien diese den Nachrichten oder den Resten eines verklärenden Orientalismus geschuldet. Amini, den Leser unserer Seiten sicher von seiner Zusammenarbeit mit 9T Antiope kennen, ist zudem ein leidenschaftlicher Kollaborateur, und so ist „The Mimesis of Nothingness“ erneut eine Gemeinschaftsarbeit, diesmal mit der ebenfalls in Teheran lebenden Fotografin Nooshin Shafiee.
Amini und Shafiee trafen sich vor einigen Jahren zum ersten Mal in der Emkan Gallery im mit diversen Art Spaces gespickten Zentrum der Stadt. Sie stellte dort gerade eine Reihe digitaler Fotografien aus, während Amini im Raum nebenan Soundevents organisierte. Aufgrund ihrer gemeinsamen Ansätze – ein Sinn für Raum, fürs Fragmentarische und Experimentelle – ließ die Idee zu einer Kollaboration nicht lange auf sich warten, und so wurde der Grundstein zu „A Mimesis of Nothingness“ gelegt: Die Stadt sollte sich quasi selbst porträtieren mit wie zufällig aufgeschnappten “nichtigen” Objekten und Soundschnipseln, aber auch mit der diffusen Atmosphäre, die sie zu erzeugen weiß. Die beiden Künstler sollten dabei mehr wie Medien fungieren, durch deren Ohren und Augen der Ort spricht. Dass Teheran dabei weder als romantischer Sehnsuchtsort, noch als Schauplatz weltpolitischer Konflikte erscheint, mag mit einigen westlichen Vorstellungen brechen, den Nerv der Einheimischen trifft das aber sicher umso mehr.
„A Mimesis of Nothingness“ führt sein Publikum in ein Teheran, durch dessen Häuserschluchten und Alleen, über dessen weite Plätze, Parks, Fabrikgelände und Ruinen ein eisiger Wind weht, ein Wind, der Hagelklötze und Staub und Erinnerungen transportiert und all dies sprunghaft in die unterschiedlichsten Richtungen weht. In den Fotos mag die kühldunkle Atmosphäre impliziert sein, im langsam heranschleichenden Dark Ambient-Sound Aminis ist sie mehr als deutlich im gesampleten Wind und Regen zu hören, und doch scheint dies und das Echo undefinierbaren Donnerns und Detonierens eher das Innenleben des Ortes und seiner Bewohner wiederzugeben. Auf den Bildern sind Objekte zu sehen, die Kontext und Charakter erst beim genaueren Hinsehen implizieren: Zeltplanen, Vorhänge und andere ausladende Textilien kehren leitmotivisch wieder in den dunkel ausgeleuchteten Tableaus, hängen auf Wäscheleinen oder bedecken Treppen, Möbel und manchmal auch den ganzen Schauplatz, und alles, was unter ihrem Stoff verdeckt wird, wirkt außer Betrieb, im Standby, und jede direkte menschliche Präsenz würde deplatziert wirken.
Die Musik und die Bilder arbeiten (auch) immer wieder sehr stark mit dem, was sie gerade nicht präsentieren. Immer gibt es Aussichten auf ein diffuses Dahinter, auf Baum- oder Häusergruppen, diffuse Übergänge auf weitere Räume sind zu sehen. Wohin führen diese Öffnungen, Wege, freien Flächen, was ist oder passiert dahinter oder daneben? Die Frage nach dem größeren Rahmen des nur ausgeschnittenen Raumes ist so evident wie ein eingeblendeter Schriftzug oder eine Stimme aus dem Off. Auch bei den kreisenden, rauschenden, rumpelnden Bewegungen der elegant gestalteten Musik kommt immer wieder die Frage nach dem Was, dem Woher und dem Wohin auf, doch geheimnisvoll ist das Szenario nicht nur wegen des fragmentarischen Charakters und der nur gelegentlich ortbaren Sounds, sondern auch wegen des immer wieder Spannung überzeugenden Wechsels von melancholischen und harschen, gewaltsamen Passagen, die meist recht plötzlich in Form bohrender Loops oder eisiger Lärmlawinen einbrechen.
Die Streicherparts im unromantisch betitelten “Moonless Garden” halten die schönsten, aber auch die desolatesten Momente des Albums bereit, und letztlich sind es doch die Anzeichen des Lebens, die die Szenerie auflockern: zeternde Vögel, deren Krächzen keineswegs betulich wirkt, Schritte, die von einer tiefernsten Klangfläche begleitet eine Treppe herauf oder herunter gehen, gegen Ende sogar menschliche Stimmen, die den Hörer sofort, trotz Sprachbarriere, in einen anderen kommunikativen Modus bringen.
An der meist nur bedingt fassbaren Stimmung, die selten mit derart klaren und eindringlichen Mitteln hervorgerufen wird wie hier, ändert auch das nichts – auf „A Mimesis of Nothingness“ fühlt man sich an einem unbekannten Ort ausgesetzt, den man über das zufällig vorgefundene erkundet. Wenn es so etwas wie ein Wesen eines Ortes gibt, so kann man dieses vermutlich so besser erfahren, als durch ein vorgefertigtes Set an Dingen, „die man gesehen haben muss“." (U.S.) AFRICAN PAPER
africanpaper.com/2020/08/29/siavash-amini-the-mimesis-of-nothingness/
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2020 |
€22.00 |
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| AMM |
Uncovered Correspondence |
CD |
"John Tilbury - piano. Eddie Prévost - percussion. Recorded at the concert hall of the Jasielski Dom Kultury (Jaslo Cultural Centre) in southern Poland on 15th May 2010. Th e performance represented by this CD took place on 15th of May 2010 in the concert hall of the Jaslo Cultural Centre in southern Poland. I had spoken to John Tilbury in 2007 about the possibility of AMM performing in Jaslo, but for various reasons the project did not come to fruition until three years later. We had not planned for a CD release of the concert; in fact, we only spoke about recording the day before. There was no opportunity for the usual setup procedures. The recording was only intended as a document of the occasion. The concert began with John Tilbury using the piano to produce a gamelan-like quality, which was quickly followed by Eddie Prévost bowing a cymbal producing subtle metallic sounds. One could feel an electric atmosphere of concentration and note the exceptional care and elegance with which the performers selected even the tiniest details of the complex sound structure. Intriguing phrases from the prepared piano and sonorous tones from percussion instruments waft ed around the huge expanse of the hall — whose excellent acoustics let the audience immerse themselves in the music — savouring the subtle sounds emerging from the silence. e changes within the slow stream of improvisation occurred in such a natural way introduced by either musician by turn. Sometimes a highly abstract motif seemed to be a logical development rather than a step into the unknown — which in reality it was. The dominant impression was that such an advanced level of intuitive understanding between the two performers was the result of many years of collaboration. In my view each sound produced during the concert was not only ‘desirable’ but also essential (inevitable) and created its own profound aesthetic justification. Especially noteworthy was the compelling way in which both musicians made use of silence, whose role in AMM is as important as sound. Th e performance of a shorter or longer period of silence entailed the same creative intervention as did playing a sound or motif. The moments when the sound structure intensified and thickened became less frequent yet did not disappear completely. Particularly embedded in my memory are two moments: one was an exceptionally loud and shattering fragment of sound when dust could be seen rising out of the piano. And, when Eddie got up from his percussion and went to the wood-panelling, playing the wall with a beater generating a very low and vibrating sound — a convincing demonstration that any object may be used as a means to create music. It is only because I attended the concert, and can recall it in my mind, that now when listening to the recording I can identify the sources of those extraordinary sounds. The music presented on this CD requires a serious commitment from the listener. However, anyone familiar with the music of AMM would expect nothing else. To uncover the hidden beauty of these lovingly craft ed improvised sound abstractions requires an appropriate level of concentration on the part of the listener. Such effort will be rewarded by a profound aesthetic experience. In organising this concert I feel honoured I have been able to contribute, albeit inadvertently, to the release of another AMM CD. Andrzej Serwa — August 2010" [label info]
www.matchlessrecordings.com
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2010 |
€14.00 |
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| ANAKRID |
Banishment Rituals of the Disenlightened |
CD |
Tolles Album dieser Neuentdeckung auf Beta-Lactam: sehr dichte, dunkle, geräuschhäft-mysteriöse Klänge, elektronisch unterfüttert & stets in dynamischer Bewegung, ein weites Spektrum auf den 11 Stücken austestend... sehr eigener Stil!
"..A very dark, often unsettling and intense album of electronic experimentation." [Side-Line]
"First ed. of 500 copies in a book bound CD case. Anakrid a day keeps the doctor slurred in a trove of fish-tallowed sling slong. This is what it sounds like when doves cry because the mother ship crashes into their nest in the 6th dimension. With this symphony of sickness comprised of scraped palpitations, pitched whooshes, roaring cathodes and syncopated metallics, Anakrid have another breakthrough chart topper on their bruised hands! These avant-garde hit-makers have real crossover potential, combining the best, most dynamic experimental noise with the very latest drones. This exciting NOW sound is OUT OF THIS WORLD! The long awaited fusion of ritualistic tribalism with the tweaked electro-tech of ancient alien cultures is finally here. Hey kids! If you love Nurse With Wound, Genocide Organ, Hafler Trio, Muslimgauze, Pierre Henry, Nadja and Harry Bertoia and confusing your parents, then you’ll want to get in on the Anakrid craze before it’s too late. They’ve got a whole new way of kickin’ it old school. With electronics AND home-made instruments, Anakrid CREATES an exploratory atmosphere WITHOUT all those boring, go-nowhere improvisational hang-ups. Everything sounds fresh, progressive and weird!!! It’s just that good. Let’s face it; outsider music has gotten plain boring. Anakrid is just the electrodes to the testicles that left field music has been weeping for since, like, forever. Ex-punks hang up their Mohawks and make good mayhem." [press release]
www.blrrecords.com
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2008 |
€13.00 |
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Banishment Rituals of the Disenlightened |
LP |
Tolles Album dieser Neuentdeckung auf Beta-Lactam: sehr dichte, dunkle, geräuschhäft-mysteriöse Klänge, elektronisch unterfüttert & stets in dynamischer Bewegung, ein weites Spektrum auf den 11 Stücken austestend... sehr eigener Stil! Dies ist die superlimitierte Vinyl-Version, wie immer wie bei Beta-lactam speziell verpackt!
"..A very dark, often unsettling and intense album of electronic experimentation." [Side-Line]
"LP edition of 100 copies in a hand printed heavy gatefold sleeve. The inside gatefold sleeve is hand painted by Anakrid (each unique). Anakrid a day keeps the doctor slurred in a trove of fish-tallowed sling slong. This is what it sounds like when doves cry because the mother ship crashes into their nest in the 6th dimension. With this symphony of sickness comprised of scraped palpitations, pitched whooshes, roaring cathodes and syncopated metallics, Anakrid have another breakthrough chart topper on their bruised hands! These avant-garde hit-makers have real crossover potential, combining the best, most dynamic experimental noise with the very latest drones. This exciting NOW sound is OUT OF THIS WORLD! The long awaited fusion of ritualistic tribalism with the tweaked electro-tech of ancient alien cultures is finally here. Hey kids! If you love Nurse With Wound, Genocide Organ, Hafler Trio, Muslimgauze, Pierre Henry, Nadja and Harry Bertoia and confusing your parents, then you’ll want to get in on the Anakrid craze before it’s too late. They’ve got a whole new way of kickin’ it old school. With electronics AND home-made instruments, Anakrid CREATES an exploratory atmosphere WITHOUT all those boring, go-nowhere improvisational hang-ups. Everything sounds fresh, progressive and weird!!! It’s just that good. Let’s face it; outsider music has gotten plain boring. Anakrid is just the electrodes to the testicles that left field music has been weeping for since, like, forever. Ex-punks hang up their Mohawks and make good mayhem." [label info]
www.blrrecords.com
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2008 |
€26.00 |
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| ANEMONE TUBE |
Golden Temple |
CD |
"anemone tube’s third release of the 'suicide series' tetralogy is an immersive industrial music album and the most ambitious and complex work yet, a long-term project of no less than 6 years, pursuing a highly sophisticated approach full of cross-cultural and historical references. painting a sonic landscape, 'golden temple' is perfectly real and dreamlike at the same time, endorsing archaic, mythological and worldly ideals alike. beauty and evil, the profane and chaos, apocalypse and hope - anemone tube keeps account and observes the antagonist forces of life. composed of raw urban field recordings collected in japan and china, combined with layers of piercing feedback and sinister hovering synth melodies, 'golden temple' confronts you with an all-embracing atmosphere of aggrieving darkness and glorious harshness, fathoming the possibilities of the genre. to ensure due impact, it has been sharply engineered to perfection by mastermind james plotkin. pursuing radical psychological effects of sound, the 13+ minutes initiation 'l`homme et les sirenes' is a mind-bending journey into the human psyche, a slowly emerging sinister landscape evoking man’s intrinsic imbalance with (its own) nature, followed by the noisy debris and crushing buildup of 'apocalyptic fantasy' as well as 'tower of evil', which is the central piece of the album, conceptually and musically, multi-layered and sample-heavy, related to tokyo’s roppongi hills mori tower, which is regarded by natives as a symbol for the uninhibited commercialization of life. 'negation of myth' descends into a barren, metallic darkness, radiating an equivocal sense of melancholy, before 'sea of lights (golden temple)' ascends in sparkling brightness and divinity. the evanescent bleakness of 'anthropocene - the dark abyss of time' finishes the main part of the album on a perversely promising, almost calm, spiritual note. under the heading 'arcadia - dreamland and myth', which constitutes a coherent sequel to the album, anemone tube explores questions pertaining our longing for a return to the realms of myth and emotion. whereas the sinister seething 'i, death, rule even in arcadia' picks up the first piece’s topic of sirens and conjures up the dionysian reunion with the innermost depths of nature and chaos, the psychologically strenuous 'tojinbo - tranquil sea of equanimity' composed by radical sound artist dave phillips (switzerland, schimpfluch-gruppe), using field recordings of the country’s most notorious suicide spot, demands the ultimate choice: how far to go to find your peace of mind. after the purely fantastic 'dream landscape' conjuring up an apocalyptic vision and the dark, brooding landscape of 'death over china' slowly spreading as thick smog (as a consequence for china’s uncompromising economical and societal development causing irreparable environmental harm), the semi-fictional work 'golden temple' is the series’ logical sequel . it suggests a (meta)physical landscape, here in form of global cities and metropolises proudly and brightly soaring in darkness, and bestowing golden radiance and divine beauty. with its alluring metaphorical world of images, symbols and sounds it is the very symbol of our innermost longings, desires and fears and our attempts to escape from a disconcerting reality. the 'golden temple' is comforting and threatening at the same time: consoling as it promises to reveal the secrets of beauty, threatening as it becomes a mirror of our secret death wish. strongly influenced by pasolini’s cinematic masterpiece 'medea', which evolves around the subject matters of estrangement from traditional values, the loss of contact with the mythical and the sacred in an increasingly rationalized and consumerist society, anemone tube brings matters to a head with an invocation of religiously charged symbolism, with the 'golden temple' acting as more than a singular viewpoint, but as a meta-sign, functioning in its paramount acknowledgement and acceptance of complex, sometimes contradictory subject matter. supported by the use of ancient and contemporary imagery, literary and cinematic references reproduced in the lavish accompanying booklet anemone tube creates different narrative levels, juxtaposes contemporary western and long-standing asian culture, plays with symbolic meanings and values - however, while doing so, never takes an unequivocal stand. anemone tube with his varied interests and approaches always strives to present a holistic work of art, and 'golden temple' works on many levels accordingly. the considered use of field recordings and samples, the arrangement of old masters’ paintings, contemporary photos and a variety of quotes from literature and movies - nothing is random, everything is part of the big picture. 'golden temple' is a multi-facetted recording, absorbing and inspiring as well as a complex concept waiting to be discovered. quality time lies ahead for those who get involved and visit the golden temple! the cd comes with a beautifully designed 6 panel digifile with golden print on black paper and a lavish 12-page booklet." [label info]
"Im Zentrum von Tokyos Bezirk Minato erhebt sich die Skyline der Roppongi Hills, einer Gruppe von Bürotürmen um den mächtigen Mori Tower, den die kritisch gesinnten unter den Einheimischen in leicht abergläubischer Weise den bösen Turm nennen. In ihrer Wahrnehmung steht er für die Macht, die das Kapital und der entfesselte Konsum auf alle Lebensbereiche ausweitet. Für den Musiker Anemone Tube, der vor einigen Jahren Japan bereiste und am Fuße der Türme das Covermotiv und nicht wenige der Sounds seines aktuellen Albums „Golden Temple“ aufnahm, ist der Ort ein Symbol der kapitalistischen Spatmoderne, der Tower of Evil, den er im gleichnamigen Stück besingt, ist eine Allegorie, die nicht nur in Japan ihre Manifestation hat.
„Golden Temple“ – man mag beim Titel an Mishimas Temple of the Golden Pavillon denken, woraus im opulenten Booklet zitiert wird – ist der dritte Teil von Anemone Tubes „Suicide Series“ und somit Nachfolger von „Dream Landscape“ und „Death Over China“. Ein weiteres mal geht es um Landschaften, die sich in der Spätform unserer Zivilisation herausgebildet haben und die zugleich ihren selbst hervorgerufenen Kollaps symbolisieren. Auf „Golden Temple“ ist all dies noch stärker als zuvor mit textlichen und ikonischen Zitaten und Anspielungen unterfüttert, die viele Fragen stellen und gelegentlich auch die eine oder andere Antwort in den Raum stellen.
Noch deutlicher als auf „Death Over China“ dreht sich auf „Golden Temple“ alles um das Thema der Entfremdung und ihrer apokalyptischen Dimensionen, und wie es scheint wird ein historisches Panorama entfaltet. Im eröffnenden „L’Homme et les Sirenes“ wird gewissermaßen die Ursünde der Entfremdung abgehandelt, der Trick des Odysseus, dem verführerischen Gesang der Sirenen zu widerstehen, oder allgemeiner: durch scheinbare Disziplin, die in Wirklichkeit eine Selbstfesselung ist, über die Natur und ihre Geister zu triumphieren. Dieser Akt, von Homer gefeiert und noch in der Dialektik der Aufklärung als Sternstunde der Zivilisation gewürdigt, erscheint hier als Auftakt einer fatalen Dystopie, zumindest lässt der knochentrockene Schleifsound, der seine destruktive Wirkraft erst nach und nach entfaltet, nichts anderes vermuten.
Von der Irrfahrt des Heroen bis zum finalen Anthropozän in „Anthropocene – The Dark Abyss of Time“ mit seinem an apokalyptisches Flammengeprassel erinnernden Rauschen ist es ein weiter Weg, und der ist mit Marken versehen, die so etwas wie einen Kampf zwischen Sein und Entfremdung anzudeuten scheinen. Auf musikalischer wie textlicher Seite herrscht der Nihilismus des all-encompassing destroyer aus dem zentralen „Tower of Evil“. „Apocalyptic Fantasy“ knüpt mit fatal dröhnenden Kreisbewegungen und einem Sound, der an Gitarrensoli diverser Metalgenres gemahnt, an die vorab veröffentlichte EP „In the Vortex of Dionysian Reality“ an, und schon dass hier auf Fantasy und nicht auf Nightmare verwiesen wird, unterstreicht das Lustvolle, dass dieses Untergangs-Narrativ bis zum kaum verständlichen Sprachample durchzieht – wie im Tarot Crowleys ist der Turm, der hier durch brettharte Noisewände evoziert wird, eine dem Einsturz geweihte comfort zone, deren Implosion gefürchtet und zugleich erhofft wird.
Nach einer eindringlicheren Version des schon auf dem Vortex-Tape enthaltenen „Tower of Evil“, hier mit dem Zusatz „The Ultimate Truth“, führt uns „Negation of Myth“ in die etwas filigraneren Regionen der Anemone Tube-Kosmos, was allerdings nur heißt, dass die nosigen Sounds weniger verwaschen und die einzelnen grobkörnigen Partikel deutlicher herausgearbeitet sind. Wer vergleichbare Passagen auf „Death Over China“ oder auf der Split mit Dissecting Table kennt, weiß, dass solche Tracks immer noch niederdrückend sind, und hier ist es v.a. das kosmische Hintergrunddröhnen, das den Eindruck von etwas Verlorenem aufrecht erhält. Vielleicht ist es diese Evokation von etwas ungreifbar Verlorenem, die auch den vielleicht schöngeistigesten Track „Sea of Lights (Golden Temple)“ so eindringlich macht.
Anemone Tube war stets an einer angemessenen allegorischen Aufmachung interessiert, doch diesmal ist das Booklet besonders reichhaltig gefüllt. Auf der bildlichen und paratextlichen Seite, die hier entfaltet wird, erwacht eine hetrotopische Gegenwelt, die so etwas wie ein nicht entfremdetes Sein zum Thema macht. Teil dieser Gegenwelt, wenn auch auf sehr radikale Art, ist zumindest der erste der beiden Bonus-Tracks, die wie eine integrierte EP unter dem Titel „Arcadia – Dreamland and Myth” angehängt sind: „I, Death, Even Rule in Arcadia” greift das Motiv der Odysse wieder auf und deutet eine alternative Erzähung an, in der der Held dem Ruf der Geister nachgibt und – auf tragische Weise, der Entfremdung jedoch entrinnend, wieder mit seiner eigenen Natur verschmilzt. „Tojinbo – Tranquil Sea of Equanimity” wiederum ist besonders doppelbödig, scheinen die vom schweitzer Soundaktivisten Dave Philips abgemischten Feldaufnahmen aus der Nähe einer für zahlreiche Selbstmorde bekannten Felsenklippe in Japan doch eher wieder eine Folge der Entfremdung statt ihre Alternative zu beschwören.
Letztlich bleibt es eine Frage der Interpretation, ob man die schönen Seiten des in „Golden Temple“ beschworenen als eskapistische Gegenwelt, als Einklagen einer veschmähten Kostbarkeit, als reine Dokumentation oder als vorsichtig hoffnungvolle Zukunftsaussicht auf ein Danach lesen will. Nietzsches Umschreibung des Dionysischen als „Ja zu Leben in all seiner Tragik” kommt mir dabei allerdings nicht aus dem Sinn. Sicher ist, dass das immer etwas links klingende Wort Antikapitalismus und das immer etwas rechts klingende Wort Antimodernismus selten so sehr überblendet wurde, wie auf diesem an Andeutungen und Anspielungen reichen Album, das den Geist Pasolinis wie ein Kontrastmittel über die Goldenen Tempel unserer Zeit gießt – und damit selbst die namenlose saufende Schönheit zu Füßen der Kolosses aus Glas und Beton zum Strahlen bringt." (U.S./AFRICAN PAPER]
www.raubbau.org
"The second chapter in "the suicide series" from Berlin's Anemone Tube is a suitably grim offering of machined noise, discordant feedback, and industrial field recordings of urban sprawl from a protracted visit to China a few years back. Anemone Tube's inclusion of these Chinese sounds comes from a very conscious decision to express the unfortunate side of the human condition to lay blame of current ills on the foreigner, the other - as Sartre explored in The Stranger. These recordings of locomotive engines grinding against the tracks, jet-engines surging into the sky, and the deafening roar from turbines are not unique to China, but the acceleration of environmental decline through such activities should also be seen as a mirror to the European civilization, whose cities have complex histories to war, famine, death, and disease. Hence, the title refers more to the gleaming optimism of human progress when everything points to another conclusion. Anemone Tube captures this in an immersive construct of these revolving field recordings, compounded by sinister synth passages and haunted drone, that keep us thinking of the likes of Morthound and Megaptera, in the death-industrial realms." [Aquarius Rec.] |
2016 |
€13.00 |
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| ANTONY & THE JOHNSONS |
The Crying Light |
CD |
Drei Platten die wir auch mit Drone anbieten wurden vom PITCHFORK Magazin (zur Zeit wohl DIE Referenz im Alternativ-Bereich) zu den "besten Platten des Jahres 2009" erkoren: SUNN O)))s "Monoliths & Dimensions", JIM O'ROURKE - "The Visitor", und "The Crying Light".
Zurecht, denn dies ist das Meisterstück des aussergewöhnlichen Sängers mit der fragilen Stimme und den herzzereissenden Arrangements!
"Mit seinem dritten Album "The Crying Light" setzt der Songschreiber, dessen empathisch emotionaler Kopfgesang kein Geschlecht kennt, aber dafür die Tiefe menschlicher Gefühle, einen intimeren Fokus. Im Interview mit der britischen Musikzeitschrift "Wire" spricht Antony von einem "inneren Garten", dessen Mauern er nun überwinden möchte, weil es dahinter ja noch viel mehr zu entdecken gibt - "the landscape beyond my inner landscape". Es ist eine Meditation über das Paradies, das für Antony viel mit der Entfaltung der Natur und ihrem Formenreichtum zu tun hat. 30 Songs hat er in den letzten sieben Jahren für das enorm geschlossen wirkende "The Crying Light" geschrieben - und schließlich trotzdem nur zehn davon verwendet. Ein Prozess der Verfeinerung. Auch bei den Arrangements wurde alles Überflüssige gestrichen. "Dust And Water" klingt deshalb so pur wie schwebender Morgennebel, und hinter dem gesamten Album steht offensichtlich mehr eine suchende Zen-Haltung als ein exaltiertes Pop-Ego. "Her Eyes Are Underneath The Ground", der erste Song des Albums, weckt Erinnerungen an Schubert und das deutsche Kunstlied. Da ist vor allem Antonys Stimme, dazu ein sacht ertastetes Klavier und eine Ahnung von Violinen und Cello im Hintergrund. Erst ganz zum Schluss drängen sich harsche Bässe in den Vordergrund, wie Gewitterwolken an einem heiteren Nachmittag. "Epilepsy Is Dancing" tänzelt hoffnungsvoll und verspielt "One Dove" schält sich ganz langsam aus dem Nichts, wie viele Stücke hier. Später setzten Dissonanzen ein, mehr und mehr Instrumente tauchen auf und verschwinden wieder, bis nur noch seltsame Tierstimmen zu hören sind. "Kiss My Name" schwelgt dagegen in einem orchestralen Klang- und Melodie-Reichtum, der fast schon an Freund Rufus erinnert.
Der Höhepunkt, "Another World", ist ein hellhäutiger Blues und ein banges Abschiedslied auf die Welt: "I need another place, will there be peace? I need another world, this one is nearly gone." Es folgt eine Liste der Dinge, die der Sänger in einer anderen Welt vermissen würde: die Bäume, das Meer, den Schnee, die Bienen und überhaupt alles, was wächst - "I'm gonna miss you all". "Aeon" mit seiner rauen Gitarre ist dagegen fast schon ein Rocksong, aber eben nur fast. Zu "The Crying Light" kann man nicht tanzen, und das Album gehört auch nicht zu den Platten, die einem mit packenden Refrains durchs eigene Leben helfen. Die Schönheit dieses bisher reifsten Antony & The Johnsons-Werks liegt darin, dass es nach der Seele sucht, wo andere nur in den Spiegel blicken. Ein Meisterwerk, eine andere Welt und ein Refugium für alle, die es zu schätzen wissen." [Jürgen Ziemer, Rolling Stone]
"Zeitlos und doch aktuell: das lang ersehnte dritte Album.
"The Crying Light" heißt das lang ersehnte dritte Album von Antony and The Johnsons. Auf "The Crying Light" legt Antony seinen Fokus auf ein neues Thema und gibt uns einen Einblick in seine Beziehung zur Umwelt. Der Album-Opener "Her Eyes Are Underneath The Ground" ist ein liebevolles Zwiegespräch mit Mutter Natur und Ausdruck des Wunsches, dass sie am Ende über ihre Zerstörung siegen wird - "no one can stop you now!" Darauf folgen der schwindelerregende Walzer "Epilepsy Is Dancing" und das herzzerreißende "One Dove", dessen detailreiche Instrumentierung Antonys Stimme - bildlich gesprochen - regelrecht umarmt. Mit "The Crying Light" ist Antony and The Johnsons ein zeitloses Meisterwerk gelungen, das uns die folgenschweren Entwicklungen in der Welt und unsere Rolle darin ins Bewusstsein ruft. Es kann zum Sinnbild dieser turbulenten Zeit werden; eine Momentaufnahme und ein Anstoß für uns alle, Courage zu besitzen und uns sowohl in unserem persönlichen Kosmos als auch in der Welt als Ganzes rücksichtsvoller zu bewegen."
[Indigo]
"ANTONY & THE JOHNSONS' breakthrough second album "I Am a Bird Now" won the UK's prestigious Mercury Prize in 2005. The success that followed introduced many to a pioneering soul singer unafraid to explore themes that traversed darkness and light, life and death, male and female. Antony's inimitable voice sparked the interest of artists ranging from Bjork to Hercules and Love Affair, resulting in a series of critically acclaimed collaborations. "The Crying Light" is the highly anticipated full-length follow-up to "I Am a Bird Now". Here, Antony shifts the thematic focus and explores his relationship with the natural world. The intimacy of the Johnsons' sound is enveloped by avant-classical composer Nico Muhly's symphonic arrangements. The record's centerpiece, "Another World" traces the singer's dispair in the face of a vanishing landscape. Antony and the Johnsons' music bridges the gap between avant-classical music and the blues, and the band's sold out performances have resulted in standing ovations from Carnegie Hall to the Apollo. "The Crying Light" is a soul-stirring new work with its daring compositions and captivating vocal performances. Antony and the Johnsons have created a subtle and timely work that brings a magical and yet changing world to the forefront of our consciousness." [press release]
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2009 |
€16.00 |
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| APOPTOSE |
Ana Liil |
CD |
"Ana Liil doesn't want to be your friend – she lives in an entirely separate world. Maybe at night you see her shape behind a grimy window in the neighbourhood, or you hear her singing from afar. But you will never get closer to her. “I don't know who she is,” Apoptose says. “One day she just emerged. Like a thought that sounds logic in your dreams but completely strange in daylight.” Apoptose’s “ana liil” plays with your expectations. This album spins within close range of those dark ambient realms that Apoptose became known for since the early 2000s. Songs like “meer der ruhe” or “schnee” still bear this signature. But at the same time they show a new quality of songwriting. Both feature the frail singing of a girl who keeps the dusty shadows at bay . On “forget your face”, “adrenalin” or “ich verbrenne” Apoptose replaces the reverb charged tracks by songs full of voices and haunting melodies. But beware: all is not as it seems. The album will be available on CD, vinyl+CD and download. The CD is housed in a stylish spot varnished six-panel cardboard pack including a twelve-pages booklet and a separate CD-sleeve. The LP+CD version comes in an altered design with copper foil blocking and printed inner sleeve. Don't miss!" [label info]
www.tesco-germany.com
"Wer ist ANA LIIL? "Sie will nicht mit Dir befreundet sein – sie lebt in ihrer ganz eigenen Welt." So steht es in der kurzen Beschreibung zum neuen APOPTOSE-Album. Ich könnte mir gut vorstellen, dass ANA sich diese Eigenschaft mit RÜDIGER, dem Mann hinter APOPTOSE teilt. Wohltuend zurückhaltend präsentiert sich der Musiker, den wir seit einiger Zeit begleiten. Rund vier Jahre nach "Bannwald" (Besprechung und Interview) legt er, ganz unaufgeregt, im Mai mit "Ana Liil" auf TESCO ein neues Album vor; wir durften es vorab schon hören.
Trotz vieler Änderungen in den vergangenen Jahren – von den rituelleren Alben "Nordland" (2000) und "Blutopfer" (2002) über das industrielle "Schattenmädchen" (2007) und den Post Punk-Ausflug "Warrior Creed" (2008) wieder zurück in waldigere Gefilde auf "Bannwald" (2010) – blieb ein gewisser APOPTOSE-Sound immer erkennbar. Dies gilt auch für "Ana Liil", hier finden sich erneut die leicht orgeligen, langgezogenen Synthietöne. Ansonsten hat sich allerdings eine ganze Menge getan. Zum Beispiel arbeitet RÜDIGER auf einigen Songs mit Gesang, die Trommeln von früher liegen wohl endgültig im Keller, und die Musik mit eingängigen, starken Melodien könnte als minimaler Synthiewave durchgehen.
Schon "Meer Der Ruhe" (01) birgt die erste Überraschung: Zu einer ruhigen, traurigen Synthiemelodie mit neoklassischer Anmutung singt eine Kinderstimme, anrührend und auf Deutsch. Gemeinsam mit dem angesprochenen, speziellen Klang ergibt sich etwas Märchenhaftes – wir reden allerdings von den düsteren, morbiden Märchen, in denen es um Geister, Tote und andere Dimensionen geht. So kommt der Song trotz der Kinderstimme sehr gut am Kitsch vorbei. In "Ich Verbrenne" (02) wandelt sich die Sängerin vom Mädchen zur Frau. Die weiterhin ruhige Synthie-Ambientmusik mit dezentem Rhythmus im Hintergrund erinnert mich – hier und an anderen Stellen – an elektronische Musik der 1980er/90er, zum Beispiel an die frühen WOLFSHEIM. Der Titeltrack (03) schlägt zum ersten Mal wirklich düstere Töne an: dronige E-Gitarre, Percussion und englische, gesampelte Vocals. KRAFTWERK oder deren aktuelle Version ATOM™ scheinen in "Fernsehen" (04) zu grüßen (und auch das nicht zum letzten Mal): sanfte, jetzt sehr modern wirkende Elektromusik mit TV-ähnlicher Ansagerstimme ("Fernsehen macht dumm ..."). Die moderne, computerisierte Anmutung bleibt für die nächsten beiden Tracks bestehen: "Adrenalin" (05) mit mächtigem BACH-Chor im Hintergrund und "I Say Seven" (06) mit einer dronigen, mächtigen Melodie, analogem Schlagzeug, Synthielayern und der technisierten Frauenstimme, welche Zahlen präsentiert – mein Favorit. "Hiding" (07) ist eines von zwei Stücken, bei denen mir "Twin Peaks"-Lieder von JULEE CRUISE in den Sinn kommen (mit mehr Drive und Rhythmus), auch die Kinderstimme im Abschlussstück "Schnee" (09) bringt mich dorthin zurück. Dazwischen liegt mit "Forget Your Face" (08) ein Track, bei dem ich kurz – ich hoffe, RÜDIGER verzeiht mir das – an die PET SHOP BOYS denken musste.
Extrem packende Ambientmusik, die inhaltlich durchaus an frühere Alben von APOPTOSE anknüpft, vor allem "Schattenmädchen" und "Bannwald". Auch Kinderlieder und Gesang gab es vor allem schon auf letzterem. Musikalisch allerdings geht "Ana Liil" in eine andere Richtung. Die Nähe zur Natur ist nicht mehr so deutlich hörbar, die starke rituelle Komponente fehlt, die Trommeln spielen überhaupt keine Rolle mehr. Das aktuelle Werk ist in seiner fast ausschließlich elektronischen Anlage durchgängiger, die Stücke sind sich ähnlicher und häufig mit Gesangsstimmen versehen. Nach und nach umspinnt die Hauptdarstellerin den Hörer mit Einsamkeit und Verlorenheit – und trägt ihn davon.
Das Album erscheint als CD, LP und als Download und kommt laut Beschreibung von TESCO mit aufwändiger Verpackung..." [Michael We./NONPOP]
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2014 |
€14.50 |
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| ARANOS |
Mother of Moons Bathing |
CD |
Für den Hirn-zerschabenden Stil-Mix alleine hätte ARANOS bereits einen Preis verdient - von klickender Sinuston-Elektronik über free-form Noise bis hin zu swingenden Songs mit Gesang ["MAMA GOT A NEW BOYFRIEND"], von Drone-Loops und Gongflächen über obskurste Geräuschtracks bis hin zu XXX kann hier einfach alles passieren....
für den Wiedererkennungseffekt aber sorgen die immer wieder präsente Violine & seine rauhe, markante Stimme, verbunden mit den verschroben-ironischen Texten. Das ganze ist auch noch verpackt in ein edelstes, Filz-artiges Cover... immer wieder, so scheint es, geht es ARANOS darum, Grenzen jedweder Art zu überschreiten, aber mit STIL... ARANOS bildet sich sein ur-eigenstes Genre.
"Aranos (pronounced Aranyosh) is a prolific composer and storied multi-instrument performer from the Czech part of Bohemia, by way of Ireland, where he lives near his friend and frequent collaborator Steve Stapleton of Nurse With Wound. “Mother of Moons Bathing” is his first release for Soleilmoon, but his lengthy discography includes releases issued by Beta-lactam Ring Records, Brainwashed, Crouton, Klanggalerie, Noise Museum and United Daries as well as his own label Pieros. The album covers a lot of ground, and refuses to be categorized, unless “Aranos” can be its own category. It opens with “Awaking Horns”, a minimalist piece built around a simple repeating click track containing absolutely no horns whatsoever. “New Boyfriend” begins as a jaunty ode to new-found love, but the conversation between mother and daughter turns dark as it’s revealed that the new boyfriend has a dodgy past with little girls. “Some Clowns Are Not Funny” and “Almost Pulled Through” are a pair of scary electro-acoustic roller coaster rides that sound like they might have escaped from Steve Stapleton’s little shop of horrors. The fifth song, “Legs Thighs Splits” returns to the gently fun whimsy started with “New Boyfriend”, but trades literal meaning for delicious texture and experimentation. “I saw Women’s Rising Fry” is a song of fearlessly eccentric lyrics married to complex, brain-tingling instrumental arrangements. “Ta-taa-ta, Taah merged” is a side dish of looped, sampled vocal minimalism leading into the the longest track on the CD, “Towards Glittering Warm Dumplings”, a rolling trance-dance weighing in at more than 21 minutes. “Invisibility Cloak of Time”, another minimalist electro-acoustic instrumental, closes the album. The total length of “Mother of Moons Bathing” is 71 minutes 41 seconds, and it’s sheer bliss from start to finish. In the face of a market dominated by increasingly bland visuals and dire throw-away packaging, this album stands apart. In the tradition of other Soleilmoon releases, the presentation for “Mother of Moons Bathing” is second to none. This time the CD comes in a hand-made silk-screened soft-textured folder with a pair a sparkly screen-printed inserts backing up the disc inside. The costly and stunning materials have work together to produce a pleasingly harmonious package that will appeal to music fans and serious collectors alike. “Mother of Moons Bathing” is limited to 400 copies. After his child was taken away and sent to slavery Carlos resigned himself to becoming low to medium quality moon fodder. Spending his days in rearranging surface molecules with his broken arms and dislocated shoulders while filling his eyes and lungs with yellow dust. All the while pondering impermanence of the unpredictable his reward was flow of hill magic and stunning sunsets. Too much knowledge gathered over the years was proving to be a mixed blessing. Change of timbre in his diabetic movement master’s voice clearly indicated a forthcoming constriction of coronary arteries, but there was nothing Carlos could do. Certainly not over the distance of four and a half thousand miles. The only thing was to accept all. Child slavery, master’s coronary, yellow dust, beautiful sunsets, flow of magic…" [press release]
www.soleilmoon.com
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2007 |
€14.50 |
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| ARTIFICIAL MEMORY TRACE (AMT) |
Vol.9: Distori (Noah) |
CD |
Komplexe, collagenhafte und fast schon "elektro-akustische" Kompositionen, von der Dynamik vielleicht am ehesten vergleichbar mit BRUME oder TOY BIZARRE, werden hier viele beeindruckende Natur-, Tier- und Environmentgeräusche (z.T. verfremdet) in schnellen & stetigen, manchmal heftigen Wechseln mit elektronischen Sounds verbunden... nichts zum ausruhen also, sondern zum angestrengten und konzentriertem Zuhören. Wer sich darauf einlassen kann, wird mit einen unvergleichlichem Sounderlebnis belohnt!! Hinter AMT steckt übrigens ein gewisser Slavek Kwi aus Tschechien, der in Belgien lebt, und dies ist seine zweite CD nach einer auf LOWLANDS. |
1999 |
€13.00 |
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Calliphon Draft (Sonosketches 1991-1994) |
CD-R |
Wiederveröffentlichung eines alten Tapes des tschechischen Concrete Noise / Experimental Ambience-Pioniers (erschien im Original 1998, mit frühen Aufnahmen die 1991-1994 entstanden), sehr aufwendiges Cover im Glassrahmen mit Vollfarbdrucken auf beiden Seiten! Wiegt 400 Gramm pro Kopie, nummerierte Auflage 120 Stück!
www.myspace.com/impulsystetoskopu
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2008 |
€12.00 |
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| ATUM |
HITWA |
CD |
Gespenstischer & sehr dunkel glühender esoterischer dark ambient, mit leichten Folk-Einflüssen. Müsste das vierte Album der Polen sein (nach drei CDRs, die ebenfalls auf Beast of Prey erschienen). Zu entdecken für Fans des Genres! Limitiert auf 444 Exemplaren in grossformatiger Hülle.
" - dark ambient with dark post-industrial rhythms - If symbol can be received by senses, then combining with a sound, how much a concept does it make? Is this something more, that can move our imagination a step forward? New album of Polish project Atum is a try in creating such images in our minds. As a guests on the album participated: INFAMIS, DEAD FACTORY i EQUUS.
47 minutes long album of strong dark ambient. Sounds, calm, and growing, pulsing create a grim atmosphere. Album diversified by rhythm loops, industrial hits and also acoustic guitar. Sounds for a Cold Meat fans, something between Desiderii Marginis and Megaptera.
Unconventional release in 135mm by 150mm format, printed on a cardboard 45cm long. Folded in three parts, minimalistic graphic form with specially designed symbolics. CD mounted on a rubber dot. All foiled and hand numbered to 444 copies." [label info]
www.beastofprey.com
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2008 |
€13.00 |
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| AUN |
Full Circle |
10inch |
"Der EP-Nachfolger zum AUN Meisterwerk "Phantom Ghost" aus dem Jahr 2011. Der Titel und die Songtitel dieser Drei-Track-EP geben einige Hinweise darauf, in welcher Geistesverfassung die Band die Aufnahmen gemacht hat und welche Einflüsse die Schöpfer ihr Eigen nennen. Wie Fans jetzt bereits von der Band erwarten ist ,Full Circle" wieder ein ganz andersartiges Soundabenteuer, das aber immer noch eindeutig den AUN Stempel trägt. Auf der A-Seite findet sich das passend betitelte ,Return To Jupiter Jazz", ein Dumais Solostück, während die B-Seite mehr ein Gemeinschaftsprojekt ist - mit langsamen, melancholischen Gitarren und dem Keyboard von ,Floodland" und dem ersten Track, bei dem sich AUN zusammen mit Frederic Arbour an Synthies und Gitarre als Trio zeigt. ,Family Man" wartet auch mit Gitarrenarbeit des Familienfreundes Eric Quach von THISQUIETARMY auf. Im dicken Sleeve mit Downloadcode, limitiert auf 500 Stück." [label info]
www.denovali.com
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2012 |
€15.00 |
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| AXOLOTL / MOUTHUS |
12-25-04 |
LP |
KARL BAUER & co in Höchstform, ein einzige low-fi Sumpf, sehr bizarres improvisiertes Zeug, alles sehr langsam und quäkend, feedbackend, aber slowly.... sloooowwly....
"It’s Christmas time, 2004 in Brooklyn, NY and BRIAN SULLIVAN and NATE NELSON of MOUTHUS meet up with KARL BAUER of AXOLOTL for some drug enhanced sonic celebration and let the tape machine roll. What they created was this psilocybe-inspired scoop of shimmering and stumbling drone-zone sludge ragas. “I think I’m gonna puke but in a good way” [label info]
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2006 |
€16.50 |
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| BAD ALCHEMY |
No.36 (Aug. 2000) |
mag/7 |
"Ganz neu, inkl. Seelenstriptease des Herausgebers & Betrachtungen über die "Konformisten des Andersseins" (Norbert Bolz), von Klaviermetzgern und Maulwerkern, Eselskadavern und Einsiedlerkrebskadavern, auch von Heuschreckenkadavern, sowie DAVID GARLAND, POISON CABINET, und die ausführlichen, aufschlußreichen & kritischen Reviews z.B. über neue Werke von Drone, Ant-Zen, Prion, Mille Plateaux, Staalplaat, Touch, Moloko+, Soleilmoon, Die Stadt, und vieles aus dem Jazz-Avantgarde-Improvisations-Bereich.." [Drone Rec. 2000] |
2000 |
€7.50 |
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| BAKER, AIDAN |
Gathering Blue |
do-LP |
Doppel-LP im Gatefold-Cover, edelst designed von ALAN McCLELLAND. Eine Sammlung von neuem (erste LP) und in Kleinauflagen bereits erschienenem Material (zweite LP), die beiden mCDRs "Cicatrice" (Dreamland, 2003, vier Stücke die alle mit CI beginnen) und "The Taste of Summer on your Skin" (Taalem, 2004), zwei Remixe von BAKER-Stücken von der "Remixes"-CDR (Arcolepsy, 2005) von BUILDING CASTLES OUT OF MATCHSTICKS und TROUM, sowie eine JOY DIVISION-Coverversion von "24 Hours" !!
Die Auflage von 444 Stück kommt in insgesamt drei Vinylfarben!!
"A work of blissful delight. Aidan Baker provides 4 sides of enchantment in this long-in-the-making 2xLP set. Gathering Blue provides new original material plus a stunning cover of the Joy Division track "24 Hours" as well as an extended work-out of the amazing remix of "The Cicada Sings Our Love Song" by Building Castles Out Of Matchsticks which was originally released in 2005 on the ultra-limited and long-deleted Arcolepsy Records CD "Remixes". This really is Aidan Baker at his very best and a record that is sure to charm. Comes in a gatefold sleeve, numbered card insert and pressed on heavy 180g virgin vinyl in 3 editions (55 copies on black vinyl, 95 on sky blkue vinyl [with white blend] and 294 copies on mottled peacock blue vinyl)." [label info]
"It's been a (little) while since we've had some brand new Aidan Baker / Nadja for the store, thankfully this week heralds two new
releases. To be reviewed next time, there's long awaited Nadja all- covers disc (which we'll tell you right now is great), and then
there's this, a brand new, limited double lp from Baker solo, and as always it's a doozy, sprawling and shimmery and expansive, that sort of blissed out ambient dronemusic he does so well. But it's far from more of the same. The first track we threw on was almost jungle, with skittery beats buried beneath softly undulating layers of warm whir and deep drifts of soft swirling sound. There's also a bit of Spacemen
3 like processed psych guitar, which gives way to some buzzing raga like blur, draped over still more dreamlike dronescapes, although
here, it's laced with chunks of processed alien crunch, and weird little bits of scrape and fragmented riffage. Long stretches of underwater Oval-like wooziness, shot through
with streaks of space-y effects and muted bits of glitch and buzz, some of the most washed out and wondrous space (not quite) rock ever! Warped warbly organs are stretched and smeared into warped Philip Jeck like doomy drifts, one of which is apparently a cover of Joy
Division's "Twenty Four Hours", although we could only tell by the vocals, and even then, they're so hushed and barely there, that any
sense of the original seems to melt into a gorgeously oozing expanse of thrum and shimmer and softly warped rumble. Another fantastic and gorgeous and of course WAY too limited
chunk of droney dreaminess from Mr. Baker. Released on the always amazing Equation Records, who really go all out with the packaging as well. Thick swirled/splattered blue vinyl, thick full color gatefold jacket, and a printed full color postcard, each of which is hand numbered, LIMITED TO 444 COPIES!" [Aquarius Records review]
www.chronoglide.com/equation.html
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2009 |
€24.00 |
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Souvenirs of the Eternal Present |
MC |
"It is hard to find another contemporary artist as prolific as Aidan Baker. Since the year 2000, and across a multitude of aliases, Aidan, often accompanied by a revolving cast of collaborators, has unveiled recording after recording at a rate of productivity which makes even a year in the life of Aidan Baker (or his most prominent alias Nadja) look like the entire discography of many other well documented artists. That in itself is quite a feat, but taking that into account along with the clear, stylistic sovereignty of each of his recordings makes Aidan Baker that rare combination of multitudinousness and creative reinvention, where regardless of what elements and instruments make up a recording, they simultaneously sound unlike anything else before, yet somehow clearly possess the artistic DNA of Aidan Baker.
An aspect of this is his fondness of ethereal elements, which is a distinctive thread running through Souvenirs Of The Eternal Present. In this incarnation, and in juxtaposition to the “slow grow” of recordings more akin to the Nadja moniker, these atmospheric builds and layers are intertwined within a framework of pace quickening rhythms, akin to the end result of some parallel universe where Godspeed You Black Emperor and Bohren and Der Club of Gore are somehow commix.
In terms of art, and its relationship to its complimenting artifact, each side of this cassette (which is made up of a total of 5 separate passages in total) is meant to be taken in as a side as a whole, as one would a diptych or triptych. Thus, as a cassette presentation, one side gives way to the other at exactly the rate the reels spool, and is meant to be taken as such, as opposed to a collection of tracks in of themselves.
Thus, Anthem Records is please to present Souvenirs Of The Eternal Present in the form of a limited edition cassette tape with accompanying digital download." [label info]
www.anthemrecordsinc.com
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2013 |
€11.00 |
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| BAKER, AIDAN & JAKOB THIESEN |
A Bout de Souffle |
CD-R |
"keine intros, keine outros, kein einfaden, dito raus. mit schöner brutalität mitten ins geschehen: das platten manchmal unvermittelt anfangen ist so manchmal ja nicht unbedingt; bei einzelstücken sogar noch mehr; eine ganze platte, bei der jedes stück sich darstellt, als bekäme hörer und -in immer nur einen (besonders interessanten?) ausschnitt eines (unbekannten?) gesamtwerks präsentiert, ist dagegen alles andere als die regel. vielleicht habe ich das in dieser konsequenz das letzte mal allen ernstes auf der "guitar" von frank zappa gehört (auch eine gute platte, übrigens), die mal eben lässig nur die gitarrensoli zusammencuttete. hier also aidan baker mit jakob thiesen (drumkit, percussion, processing; auch in kanada tätig, auch ambient-ping-posse) und ausschnitten (zwischen 4.33 und 10.39 min) aus "sporadic sessions", die, live aufgenommen, von aidan baker gemixt und, ganz offensichtlich, gelayert wurden, so wie er es beispielsweise bereits bei der "at the base of the mind is coiled a serpent" getan hatte. mit einem entscheidenden unterschied: das, was aidan baker und jakob thiesen hier vorlegen, verlässt die reine drone oder ambient schiene oder zumindest deren engere definition und geht durchaus in richtung "arc", einer weiteren (gruppen)aktivität von aidan baker: #1 + #7 mit rollendem, (nicht nur fast) groovingem bass, sehr deep im untergrund schiebend, die percussion tief eingebettet, die darüber liegenden gitarren oft (!) akustisch und bei ausschnitt #2 z.b. in einem laid-back bluesfeel (nicht erschrecken, vertrauen in aidan baker hat sich doch bisher fast immer ausgezahlt) mit archaisch marschierender rudimentär-percussion und x-ebenen darüber und dahinter. der elektro-akustische eindruck und die verwebung einer vielzahl von ebenen, innerhalb derer mal nicht ausnahmslos flächen generiert werden, um diese dann gegeneinander laufen zu lassen, sondern wo eine diktatur der mikroereignisse herrscht (listen to #5, "the end of breathe 2", dann weist du was ich meine), die sich zu einem 3D kosmos ergänzen und, egal wie hibbelig das einzelne sein mag, im zusammenhang dann eben doch einen grossen, fast meta-zusammenklang schaffen, dieser eindruck bleibt auf voller lauflänge erhalten und lässt zumindest assoziationen in richtung oren ambarchi's "sun" zu, deren ebenfalls mysteriöse elektro-akustische melange eine sehr ähnliche stimmung evoziert wie eben "a bout de souffle". und noch mal die #5: lang vorbereitet, dieses kippen um die 10.00 und perfekt in die #6, "take a breath". keine ahnung, ob die familienzugehörigkeit der titelgebungen genau dieses phänomen unterstützen soll oder ob zufall: weite teile der 7 tracks nehmen mit ihrem ende bzw. anfang bezug aufeinander; eine weitere rätselhaftigkeit dieses releases, werden doch die abstände zwischen den tracks auch dann eindeutig als pause markiert...
ein überraschendes kollaborations-release im schicken digipack mit naturinspirations-makrozoom-coverbild, angeraut durch kontrastkorrosion. + übrigens: auch am ende keine fade-out gnade..." [Hellmut Neidhardt, www.unruhr.de]
"A Bout De Souffle is a 54 min Collaboration between Aidan Baker (who is also known as Nadja together with Leah Buckareff) and Percussionist Jakob Thiesen (who recently joined baker live on stage to play live drums). Aidan baker is famous for his experimental guitar music. This time things are a bit different. You wont find the typical aidan baker drone stuff here, but instead both men created an incredible journey through the fields of krautrock, Psychedelic and drone music. The Percussion of Jakob Thiesen adds a certain deepness to Bakers guitar explorations were he also uses bass and acoustic guitar to build an mind blowing album full of surprises and wonderful melodies." [label info]
"Waterscape is a new label, owned by Martin Fuhs, whom we also know as Seconds In Formaldehyde and it's mission is to release ambient music made by guitars. The first release is by Aidan Baker, our highly productive guitarist, who teams up here with Jakob Thiesen, who plays percussion, like he did on 'Desire In Uneasiness' by Nadja. Despite his many releases, Baker is a man to find new forms and shapes. On this release things are more experimental and improvised as opposed to being the more ambient player he is on some of his earlier solo releases. Baker tinkles away, sending his guitar through his many devices while Thiesen supplements nicely with percussive sounds, but it's more a supportive role than an active one or playing a 'solo' himself. The ambient element is not entirely gone, as much of it stays on an equal dynamic level and could perhaps pass on as a sort of rough shaped mood music. Nice stuff." [FdW / Vital Weekly]
www.waterscape.de
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2008 |
€9.50 |
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| BAKER, AIDAN & TIM HECKER |
Fantasma Parastasie |
CD |
Die beiden ungekrönten Könige des kanadischen Drone-Ambients in Kollaboration! Trotz ihres sehr unterschiedlichen Backgrounds (der eine v.a. analog mit Gitarre arbeitend aus der Jazz & Impro-Szene stammend, der andere mit rein elektronischem Hintergrund eher aus Techno & Noise-Gefilden) treffen sie sich in einer fast undefinierbaren "Mitte", wobei unklar bleibt wer wessen Material bearbeitet hat oder ob es zu real-time Zusammenspielen kam. Frei flottierende Gitarren-Drones, teils ultra-sperrig verfremdet, teils subtil & beruhigend, dann wieder ausserweltlich und überbordend. Sehr variantenreich und ausufernd. Ungewöhnlich auch die Indexierung auf der CD: Die 7 Stücke verteilen sich auf ganze 66 Indexe!
"Fantasma Parastasie sees the pairing of Aidan Baker, of the ambient doom band Nadja, and Tim Hecker, two of Canada's brightest musicians in the world of abstract electronic music. Tim Hecker has been enjoying the rewards of a stellar career and discography, devoid of filler, due to his incredibly high quality control. His full-length Harmony In Ultra Violet was viewed as a major release in the genre of experimental electronic music. Aidan Baker, on the other hand, works under very different circumstances, releasing material both as a solo artist and as a member of the duo Nadja. His prolificacy is on par with that of Merzbow and the late Muslimgauze. Thankfully, Aidan Baker is one of those musicians with the ability to record and write new music quickly and without sacrificing the quality of his art. Anyone familiar with both Aidan Baker and Tim Hecker is more than likely familiar with Alien8 Recordings as the two musicians have collectively released seven records for our label thus far. While Baker has collaborated with the likes of John Duncan, Black Boned Angel and Fear Falls Burning, among others, this marks the first collaboration to be released by Hecker. This release, divided in eight movements, blends together to form a fluid example of a collaboration that works. Unlike one of those collaborations where artists throw some sound files back and forth via the internet, this release is the fruit of various real-time recording and mixing sessions the two artists worked on in Tim Hecker's Montreal studio. The pieces on the record blend seamlessly into one another, creating a deeper listening experience, as is the case on a number of Tim Hecker's solo outings. While Baker and Hecker share a penchant for creating a powerful blend of ambient noise, Fantasma Parastasie finds the more dissonant elements tempered by an emphasis on ambience and even occasional melody. This release is available on CD in a digipak packaging." [label info]
"... But somehow, the sounds on Fantasma Parastasie manage to transcend, allowing glimpses of familiar sounds, hints of each
artist's own work, but woven into a whole that is unto itself, a gloriously abstract swirl of sound, longform landscapes of bliss and blur, of buzz and even roar, extended movements, in which the various elements drift and shimmer, overlap and intertwine, melodies and songcraft meet texture and soundscapery, guitars unfurl tangled melodies one second, bleary eyed chordal blurs the next, harmonics glisten and hover amidst deep soft swells, distortion and buzz build into fierce walls of blown out psychedelia, the sounds crumbling and
decaying before our ears, threatening to collapse, and in this fragile state lies the beauty of those sounds, effulgent, incandescent, but at the same time, blackening, beginning some unnamable process of inevitable decay. And eventually it does decay, those thick roiling sounds dissipate, leaving something soft and shimmery, glistening on a
bed of shed buzz and crumbled crush, floating heavenward, its notes and melodies catching the sunlight, and offering up prismatic reflections.
The strange thing about this record is that each song is separated into super short pieces, eleven in most cases, each part between 15 and 45 seconds (it's obviously much more noticeable on the cd). We tried listening to it on shuffle, presuming that was perhaps the intention, and while it still sounds cool, it was a bit too and took too much away from the overall effect. Instead, the various parts, played in order, slip seamlessly into one another, so much so that if you weren't watching the tracks tick by on player, you
wouldn't even notice.
The two work amazingly well together, bits of guitar, fragments of riffs, looped and repeated, swathed in thick smears of digital
crunch, of buzzing rumble, much of the record sounds like a heavier William Basinski, as if the two were experimenting with they own
Disintegration Loops. A few of the tracks are quite tranquil, abstract and minimal, but for the most part, Baker and Hecker seem more
interested in distressed sounds, in distortion, in pushing the limits, composing in the red, needles pegged, but taking what in other hands
could be harsh and abrasive, and crafting those sounds into something simultaneously soft and dreamlike. Even the various movements, drift
smoothly into one another the entire record almost like a single piece, expansive and varied and sprawling, epic and majestic, but
inward looking, introspective, melancholy, imbuing the crumbling crunch and blown out minimalism, with emotion, with distinctive mood, at once dark and mysterious, but also strangely hopeful.
The album closer and title track, is the only one not split up into movements, and is easily the most abstract, the most minimal, a
stretch of lugubrious low end, so soft, so weightless, a hushed musical murmur, no distortion, no buzz, just a simple swell and sway, drifting fading, and finally disappearing.
Absolutely breathtaking."" [Aquarius Records review]
www.alien8recordings.com
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2008 |
€13.00 |
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| BALDRUIN |
Relikte aus der Zukunft |
LP |
Relikte aus der Zukunft (Relics from the Future) is a new album by experimental German artist Baldruin. Growing up in a small Bavarian village rectory around 10 meters beside the church and serving as an altar boy; organ music, church bells, and spiritual chanting were very much present in Johannes Schebler's ears during his childhood years. This experience was probably the basis for his ongoing interest in transcendental and mysterious atmospheres, he recalls. Schebler started making music as Baldruin back in 2009 with DIY experimentations which were first released on tape, a CD-R 3" and later on several LPs all over Europe (Ireland, Spain, Portugal, Poland, Finland, Netherlands, Slovakia), as well as in the USA and Japan. While in the beginning Baldruin's tracks were mostly created with acoustic instruments, later synthesizers and other electronic sound sources joined, expanding the sound palette and letting primordial and futuristic worlds merge organically into each other. Although Relikte aus der Zukunft feels like a journey to the unknown, with constantly changing moods, all of the recordings were done in a small and improvised home studio in Schebler's living room in Wiesbaden, Germany, using mostly a single MIDI-keyboard for recording. The tracks are full of color and amazement, detailed and thorough when evoking the setting and conjuring the experience. They can be playful and bright, or suspenseful and ominous, until bursting into ritual and hallucination. The gloomiest soundscapes can jump into a ship fueled by retro sci-fi arpeggios, the solemn can turn to rejoice, and a star can shrink into a fireplace. Mastered by Alberto Cendra at Garden Lab Audio. Cover art by Johannes Schebler. Edition of 300.
https://buhrecords.bandcamp.com/album/relikte-aus-der-zukunft
"Vor gerade einmal acht Monaten brachte Johannes Schebler alias Baldruin mit “Kleine Freuden” ein Album heraus, das trotz seiner Opulenz und vor allem wegen der geschlossenen Kompaktheit der einzelnen Stücke ganz im Zeichen der fast schon intim anmutenden Miniatur stand. Seit einigen Wochen steht mit “Relikte aus der Zukunft” nun ein neuer Longplayer in den Regalen, der im Vergleich dazu wie ein Gegenzoom wirkt und die Aufmerksamkeit auf die großen und breiten Zusammenhänge richtet. Schon der Titel könnte zu einem handlungsreichen Film passen, und zu Tracks wie “Hintenherum”, “Wurzeltrank” oder “Ritt auf der Silberechse” könnte man sich fantastische Science Fiction-Stoffe der surrealen Art ausdenken.
Die ersten Minuten des Albums verbreiten eine erwartungsvolle Stimmung: Es klappert und rumpelt, und über einem Sound, der nach Syntie klingt, erklingt das Trillern verschiedener Klangquellen, die Flöten, Klarinetten und ein Saxophon sein könnten, im Zusammenspiel mit flatternden Flügelschlägen aber sofort an verfremdete Vogelstimmen denken lassen. Halbversteckte Glockenschläge im Hintergrund leiten über in ein sakraler anmutendes Setting mit tiefen Tastentönen und etwas, das an Choräle erinnert, und man wundert sich, dass all dies – laut Begleittext – überwiegend einem Midi-Keyboard entstammen soll.
Sanft bimmelnde Glöckchen, spannungsvolle Cellodrones, quirlige Sounddetails, die wie Gummi quietschen; ein vermutlich asiatisches Saiteninstrument, dass mit seinen kreisenden Bewegungen eine entsprechende Melodie anstimmt und weitere folkig eingefärbte Klänge; alarmierende Hochtöner über dunklen, aus der Ferne hörbaren Paukenschlägen; desolate Sounds, die für kurze Momente an Industrial erinnern; sogar eine vervielfachte menschliche Stimme vor einer Kulisse aus Gebimmel und rauschenden Motoren – die klanglichen Details und motivischen Ideen sind in diesem Album beinahe Legion und im ständigen Wandel begriffen. Ist man erstmal vollends in diese Welt eingetaucht, dann halluziniert man vielleicht noch einige dazu. Wenn man also so etwas wie einen roten Faden sucht, dann findet man ihn woanders, z.B. in der aufgeweckten Neugier, die in der Reise durch die verschiedenen Klangwelten spürbar ist. Da scheint man dem Entdecken einer Kultur beizuwohnen, deren Zeichen man wie ein Schwamm aufsaugt, während die eigentliche Erforschung und Kartografierung noch ansteht. Die einzelnen Szenarien wirken wie Momentaufnahmen im Stadium des ersten faszinierten Eindrucks.
Neben “Insel der Hoffnung”, dass in all seiner Verträumtheit und mit gebrochenen Rhythmen so etwas wie der “Hit” des Albums sein könnte, gibt es weitere Wegmarken. Das wäre z.B “Wilde Reise”, eine von rumpelnden Trommelwirbeln und entrückten Flötensounds begleitete Fahrt über Stock und Stein. Außerdem “Vorherbestimmt”, das mit seinen pulsierenden Orchestralsounds wie ein dramatischer Stummfilmscore klingt, der von allerlei destruktivem Klirren begleitet wird und in seiner ganz eigenen Schönheit doch unangetastet bleibt. Vielleicht findet sich auch in dieser Tendenz zur Zerfleddertheit, an deren Grenze sich fast alle Stücke bewegen, und die immer durch eine solide Grundsubstanz eingehegt und zusammengehalten wird, ein Schlüssel zur klanglichen Grund-DNA dieses beeindruckenden Albums." [African Paper]
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2023 |
€27.50 |
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| BARDOSENETICCUBE |
Teologic |
CD-R |
Gerade auf Drone gefeiert, erscheint dieser neuer long-player des russischen Duos in einem großformatigen & dicken Hartgummi-Cover. Enthalten sind 8 Aufnahmen von 2001, die ins dunkle Herz des sphärisch-irrealen vorstoßen.. statisch-minimale drones mit viel Obertönen, z.T. auch sehr tieffrequenter ambient-noise a la MENCHE.
Just after their great release on Drone Records this new longplayer appears in an unbelievable, large hard-gum package. We find here 8 tracks that push us into the dark heart of the spheric-irreal - static minimal drones with many overtunes, also deep-frequent ambient noise. Very well done, maybe their best release yet !!
[Drone Rec. 2003]
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2003 |
€16.00 |
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| BARRETT, NATASHA |
Trade Winds |
CD |
Eine unserer derzeitigen Lieblings Elektro-Akustikerinnen hat sich dem Thema OZEAN angenommen, aus kultureller / mythologischer wie physischer / naturwissenschaflicher Sichtweise. Das lange Stück verteilt sich auf 8 Teile, in denen vor allen Dingen Wasserklänge (Meeresrauschen und -wellen, Gischt, Blubbern), diverse Schiffsgeräusche von einem alten Segelschiff (Holzknirschen, Signalglocken, etc.) und Hafenklängen verwendet werden. Wieder gelingt BARRETT die Balance zwischen schwindelig-machenden atmosphärischen Parts und detailreichen Passagen, zwischen totaler elektronischer Verfremdung und Überlagerung des Materials und ganz konkreten "real vorkommenden" Sounds. Nebenbei baut sie noch Seemannsgarn (Sturm auf hoher See) eines norwegischen Kapitäns ein sowie Shanty-Chor-Elemente & düstere Orgelklänge, die von JULES VERNE's Nautilus-Geschichte inspiriert sind. Das ganze ist so komplex und dynamisch (im Original ein 16-Kanal Stück), dass die Sinne immer wieder komplett überfordert sind. Man ist hier wirklich hin- und hergeworfen wie auf "Grosser Fahrt"...das Gefühl für die endlosen Weiten & die unfassbare Gewalt, die der Ozean bereit halten kann, wird hier adäquat umgesetzt Bei der CD handelt es sich um eine HYBRYD-CD, d.h. sie ist auch als "SUPER AUDIO CD (SACD) in 5.1 Surround Sound abspielbar! Grosse Klangkunst! TIP !
"In 2006 Natasha Barrett was awarded the prestigious Nordic Council Music Prize for her work …fetters… released by Aurora. Her new album consists of one work only: “Trade Winds” is a fantastic voyage down to the mythical and physical depths of the wide oceans. The piece is inspired by the vast expanse of sea – unleashing the musical potential of recordings from the 100-year-old sailing ship Dyrafjeld, from above and within harbour, shore and open oceans around the world, and the spoken narrative of an old Norwegian captain. From a narrative listening position Trade Winds' macrostructure consists of two halves, the first exploring culture and fables, the second exploring nature and science. The central pivot is inspired by the chapter Mobilis in Mobili from 20000 Leagues under the Sea by Jules Verne. Throughout Trade Winds the reference to Captain Nemo is evident in various manifestations of organ recordings. Musical narrative is not necessarily a predictable linear chain of events, and surprise is essential to a compelling story. Natasha Barrett launches multiple narratives in parallel and lets them take turns, interrupt each other, unfold simultaneously, or twist backwards. Sounds emerge from the depths and sweep dramatically across the sound stage in an ever evolving dance of sonic patterns." [label description]
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2007 |
€18.50 |
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| BARRIKAD / DEATH SQUAD & HYDRA |
Entropic Society / Neurology 2 |
10 |
TO THE DREAMERS AND THOSE WHO PUT FAITH IN DREAMS AS THE ONLY REALITIES. Das neue schwedische Industrial-Label SEGERHUVA beglückt uns hier mit wütendem Radikal-Noise: die stark politischen BARRIKAD auf der einen Seite mit drei extrem verzerrten Feedback-Noise-Stücken, die in der Tat entropische Qualität haben, wenn sich die found sounds einer durchkapitalisierten Gesellschaft in reinstem Lärm auflösen...
Das San Franciscoer harsh noise Projekt DEATH SQUAD in Kollaboration mit HYDRA benutzt lyrics eines Psychiatrie-Patienten, die mit dunklem, eindringlichen analog-Noise versetzt werden...
“This most likely is the last of death squad¹s recordings. The most current name has changed to MK9. Hydra is Greg Scott who was also a member of the power electronics project Final Solution from New York. Vocals by G. Scott and electronics by death squad.
Neurology 1 was originally released in 1994. Almost ten years later the second installment is realised. Recorded in Poughkipsie NY at The Space. The content is an audio document of aggressive and passive emotional extremes. From night time rants to letters left on door steps. It becomes an array of sound and audio suffocation as each item becomes cataloged and addressed. Extremely bass-heavy and dense electronics gnawing on the top of your vertebrae, a worthy conclusion to the saga of the criminally underrated genius of DEATH SQUAD. Wake up...
This is the sound of young Sweden. The raging youthful energy of anarchist noise as presented by Barrikad. Three tracks of splendid energetic white-hot scorching electronics dealing with the frustration and despair of what passes for everyday life for modern man in a consumerist society. This is the vinyl debut for Barrikad, who has so far released one great CDR on Freak Animal.” [label description]
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2003 |
€10.00 |
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| BASINSKI, WILLIAM |
Vivian & Ondine |
CD |
"In May of 2008 I was in my studio in NY preparing for a concert at Issue Project Room. I realized I had been touring for a year and was still touring the same piece I had performed there the year before. I was interrupted by a call from my youngest brother, Patrick. As we chatted, he told me that his wife, Andrea was overdue with their daughter, Vivian. I replied in sympathy that 'Vivian' was a movie-star name and that I imagined with a name like that, she would have people waiting on her for her entire life. I got back to work and found yet another lunchbox of ancient tape-loops to go through for possible inclusion in the new piece. I came across the main theme and thought... well, this is gorgeous; let's see if we can use this to coax Viv to come out. I went through the rest of them and found another dozen or so that mixed well used randomly, just under the threshold. The next night I performed the piece at Issue with their 16 channel hemispherical speaker system set to move the sounds randomly around the room as if waves in a pool. We all had a really good time. It was mesmerizing. The next day I got word that Vivian had been born and my cousin, Terence's first granddaughter, Ondine had been born as well. I couldn't think of a more beautiful title for this piece than to name it after these two beautiful girls. This version was recorded with microphones and two Norelco tape decks live in my studio in Los Angeles in one take in September 2008. A version of this piece was commissioned by Lauren Bon and the Metabolic Studio of Los Angeles for her extraordinary project, Strawberry Flag, at the Veterans Administration Hospital in Los Angeles. It has been an honor to be a part of this wonderful project." [William Basinski]
www.mmlxii.com
"By now, if you're a regular reader of the aQ list, you no doubt know all about William Basinski, and the Disintegration Loops that introduced us to his music. And if you're anything like us, you were immediately smitten by his gorgeous slowly decaying dronescapes. The power of a simple loop, played over and over, in various states of decay, hearing the sounds literally crumble before your very ears, like getting a glimpse inside music, behind the notes, within the chords, observing the magnetic particles as they drop like flakes of soot after a fire, music transformed into inert object, and the glorious sound of that transition, from light to dark, life to death, sound to silence.
Basinski's music is rife with meaning, representational for sure, but can easily be appreciated from a purely sonic standpoint, the sounds, his loops, are blurred and indistinct and so lovely, washed out, hazy, sepia toned, they sound like they were snatched from another time, lifted from an audial scrapbook, the sounds curled up at the edges, lightly blackened, the images contained within smeared and unclear, beneath a patina of age, the chemicals reacting over time, changing the color, the texture, the emotion even, of each of those sounds.
Vivian & Ondine is a more recent work, but sounds like it could have come from the same treasure trove that produced the Disintegration Loops, dreamlike and otherworldly, hushed, intimate, and so beautiful." [Aquarius Records]
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2009 |
€16.00 |
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| BATES, MARTYN |
Imagination feels like poison |
CD |
„Einigen Dark-Ambient-Freunden könnte M.BATES von seiner Zusammenarbeit mit M.J.HARRIS (LULL) ("Murder Ballads") bekannt sein. Schon seit vielen Jahren ist er aber auch als Solo-Artist und mit EYELESS IN GAZA aktiv, und produziert dabei eine Art Sphären-Songwriter-Folk, verbindet hier seinen unnachahmlichen Gesang, Banjo, "Pump Organ", Flöten und "Autoharp" Percussion zu tief sehnsüchtig-melancholischen Stücken, wobei stets eine experimentell-atmosphärische Note vorhanden ist und auch instrumentale "pure Sound" -Zwischenspiele nicht zu kurz kommen. Die Kompositionen werden teils sehr kraftvoll umgesetzt, und Martyn's Stimme kann man wohl nur hassen oder lieben. Für mich eine der emotionalsten & intimsten Musiken der Welt. Check it out!“ [Barakah, 2001]
For us one of the best singer/songwriters of the last two decades, MARTYN BATES is active since the early 80’s with EYELESS IN GAZA, and with solo-works. He produces a kind of spheric songwriter-folk, where he links his absolutely unique voice/singing with banjo, guitars, flutes, percussion and electronics for a blend of deeply yearnful & melancholic pieces, with an ever existing experimental-atmospheric ground and short “pure sound” – interplays in between.. The compositions are often of a very powerful & ambigous nature, here we find expressions of the most sensible & poetic emotions that appear at the same time as a nearly manic outcry of yearning & loss. One of the most emotional and intimate music on this planet!
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1998 |
€13.50 |
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| BAYER, KONRAD |
Dreams of leaving |
CD |
"Sanft schlängeln sich subtile Sounds, wärmen zärtlich ohne zu erdrücken, sind stets präsent ohne jemals zu penetrieren. Das Weite dieser Veröffentlichung, das Nimmermüde gleicht einem wärmenden Händedruck mit Fremden, welche Freunde werden können." [Sebastian Lobstedt / Equinox]
“Twelve tracks between digital folk, field recording and escapism. track 2, 3, 8, and 12 were created in cooperation with the norwegian musician pal asle pettersen. 'dreams of leaving' is an album for winter times, but only occasionally icy, most of the time quite the opposite.” [label info]
“.....Bayer is a boy armed with a laptop, feeding field recordings and samples of classical music to the machine, leaves it boiling for some time and serves twelve tracks of winter music. It's cold outside, but inside Bayer's music is like a warm fire. In each of the twelve tracks, Bayer displays a love for ambient, a very tiny bit of techno music and just a little bit more of clicks and cuts. Occassionally a small melody leaks through the rain of software synthesizers, like in 'Aspertam', which even has a sampled guitar or the christmas like tune 'It Was When'. This is not the sort of music that goes for the trophee of 'musical innovation 2003', but nevertheless a nice winter's journey in music.”[FdW/Vital Weekly]
www.genesungswerk.de
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2003 |
€13.50 |
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| BECUZZI, GIANLUCA |
Eternally now |
CD |
"More music by Gianluca Becuzzi (see Vital Weekly 810 for his previous release), and another one that doesn't reveal much in terms of information. Just a titles and the year it was produced. Its however some kind of concept album. The opening and closing tracks are 2:33 each, while the three tracks in the middle last 12:48. Also from the titles there are similarities: 'Culture vs Nature', 'Nature vs Culture', two parts of 'The Essential Nowhere' and 'Rings Of Time'. Probably that should give the listener enough clues - although I am not entirely sure. Becuzzi uses again quite an amount of field recordings and electronic processing thereof. We hear walking in a room, rain - with loops of percussive sound in 'The Essential Nowhere [a]', and lots of electronics coming into the scenery. Sometimes resulting in a full on electronic sound, but at other times quite sparse, such in the opening minutes of 'Rings Of Time', but it seems always that force takes over. For one reason or another I think this album has also a bit more instruments in play, although I couldn't figure which they are, since they too seem to be covered with sound effects, but taken from a multitude of improvisations. Most likely they are guitars, bass and other things with strings. It makes a crowded scene at times, but this CD is even better than that previous one. One that easily grows and one gets attached too. Great textured music, growing away from the known field of processed field recordings into a more psychedelic field of… well, why not… popmusic even (glockenspiel in 'The Essential Nature [b]'!). Excellent CD!" [FdW/Vital Weekly]
www.liscarecords.com
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2011 |
€12.00 |
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We can be Everywhere |
do-CD |
Originally recorded between 2012 and 2013, and released on Final Muzik as a limited edition CDr, “We Can Be Everywhere” is still one of the best albums ever released by Italian music composer Gianluca Becuzzi.
The original release includes three solo tracks plus three collaborative ones: two pieces each with Raimondo Gaviano (Svart 1), Lino Monaco and Nicola Buono from Italian electronic music explorers Retina.it and two amazing tracks with Italian sound sculptor (and Final Muzik member) Deison.
The album presents obscure and thrilling atmospheres, unexpected dark structures and out-of-this-world modern electronic music’s soundscapes.
To do even more justice to this album, Final Muzik and Gianluca Becuzzi have opted for a double CD reissue, including the original release plus a new CD, composed, produced and mastered by Gianluca Becuzzi between 2022 and 2023, that includes a new version of “We Can Be Everywhere”.
Obviously inspired by the original, of which it only keeps few samples (mainly vocals) it develops the new sound-path taken by the artist. The new “We Can Be Everywhere” is structured around four lengthy tracks based on mesmerizing distorted guitar sounds, concrete music noises and raw rhythm programming from “far away”. The result is a new masterpiece of wrapping, gloomy doom/drone soundscapes.
Images: Diego Spinelli. Artwork by Deison.
Limited edition of 200 copies only.
Track 01-09 From "We Can Be Everywhere"
Produced And Mastered By Gianluca Becuzzi At Kinetixlab [2012-2013] Composed By:
Tracks 01, 02: Gianluca Becuzzi And Raimondo Gaviano [svart1]
Tracks 03, 05, 07: Gianluca Becuzzi
Tracks 04, 06: Gianluca Becuzzi, Lino Monaco And Nicola Buono [retina It] Tracks 08, 09: Gianluca Becuzzi And Cristiano Deison [deison]
Tracks 10-13
Produced And Mastered By Gianluca Becuzzi At Kinetixlab [2022-2023] Composed By: Gianluca Becuzzi
https://finalmuzik.bandcamp.com/album/we-can-be-everywhere-2014-2023
Seit den frühen 80ern ist der aus der Toskana stammende Gianluca Becuzzi ein musikalischer Workaholic, und vielen hierzulande ist er vermutlich am ehesten durch sein frühes New Wave- und Postpunk-Projekt Limbo bekannt, mit dem er bis ins neue Jahrtausend hinein zahlreiche Alben herausbrachte. Die Zeit um die Jahrtausendwende markierte auch eine Schwerpunktverschiebung von den zwar bisweilen experimentell eingefärbten, aber vom Hauptfokus her dennoch eher songorientierten Arbeiten hin zu abstrakteren Klangwelten, die er mit Projekten wie Kinetix, seinen Arbeiten mit dem Dröhner Fabio Orsi und nicht zuletzt auch solo herausbrachte. “We Can Be Everywhere”, das vor zehn Jahren bei Final Muzik auf CDr erschienen ist, stellte damals eine besondere Wegmarke im Rahmen seiner Soloarbeiten dar, wobei solo in dem Fall nicht heißt, dass Becuzzi das Album im Alleingang produziert hätte. Drei besondere Acts unterstützten ihn dabei in den meisten der Aufnahmen. Das eröffnende “From this Poem of Void” entstand in Zusammenarbeit mit Raimondo Gaviano alias Swart1. Hier brechen in unregelmäßigen Abständen prasselnde Noise-Kaskaden in eine Welt der Stille und scheinen andere kleinteilige Geräusche zum lauter werden zu ermutigen. Erst nach einiger Zeit wird das Ganze durch ein hintergründiges Brummen eingehegt, dennoch ist der Track atmosphärisch eher Doom-Industrial als Ambient. Einige der Klänge hier sind so gut versteckt, dass man sie leicht überhören könnte, so die hechelnden Frauenstimmen, die sich – wenn sie denn keine Fata Morgana sind – ganz tief unter der Oberfläche abhetzen. Der gleichen Zusammenarbeit entstammt “The Screaming Torso”, das gleich mit einer infernalischen Feedback-Lawine beginnt. Gefühlt hundert Details fliegen so schnell durch den Raum, dass das Resultat schon wie ein homogener Fluss wirkt, wenn man nicht innerlich das Tempo herunterschraubt – bis raues Kratzen die Illusion durchbricht. Nach einer kurzen, aber intensiven Klangwelt voll frunkensprühender Glöckchen führt die Reise durch zwei beklemmende Tracks, die zusammen mit dem neapolitanischen Duo Retina.it entstanden sind. Stetig pulsierendes Pauken, das sich zunächst im Hintergrund hält und dann von einer wuchtigen Dröhnwelle nach vorne gedrückt wird, darüber Stimmen, vermutlich von einer Lautsprecherdurchsage, abstrakte Sound-Mixturen, aus denen immer wieder Glocken an die Oberfläche dringen, dunkles Gemurmel, zirpende Insekten: Alles wird dichter mit der Zeit und offenbart eine große Vielschichtigkeit, und am Ende kulminiert alles in einer prasselnden Lärmsalve. Nach einem weiteren solo eingespielten Interludium beginnt der zusammen mit dem Klangkünstler Deison produzierte Schlussteil, der das experimentierfreudigste Material des Albums bereithält: Das Stück “Headless shadows” beginnt mit zum Teil rückwärts eingespieltem Material, das aber nur notdürftig die hypnotische Perkussion und die verquere Melodik dahinter verdeckt. Das lange “All the ghosts of my life” schließt das ursprüngliche Album noch um einiges subtiler ab, denn hier meint man eine nur leicht elektrifizierte Naturszenerie mit heranbrandendem Wasser und Vogelstimmen zu hören. Doch irgendwann bricht auch hier noch einmal die Dunkelheit in Form schriller Hochtöner, dunklem Grollen und mysteriösem metallenden Hantieren ein. Was passiert hier? Lässt hier jemand ein Geisterschiff vom Anker gehen?
Als Überraschung hat sich Becuzzi das mittlerweile fast ein Jahrzehnt alte Material erneut vorgenommen und ausgehend von einigen Samples daraus im Alleingang vier eigenständige Kompositionen gebaut, die vier Tracks mit den Titeln “We”, “Can”, “Be” und “Everywhere” umfasst. Doch was sich zum Auftakt noch wie ein Rework anmuten mag, entpuppt sich als eine weitgehend eingeständiges Bonusalbum, das mit dem ursprünglichen Longplayer nur durch Referenzen verbunden ist. Das Erkennungszeichen dieser Kompositionen ist ihr schleppender und bleischwerer Doomcharakter, dessen Infernalik nicht nur sägenden Gitarrenwänden, höllischen Twangs, wahrwitzigem Gemurmel und schleppenden Takten zu verdanken ist, sondern auch knarrenden Türen, krächzenden Flüstervocals, einzelnen Freekout-Ansätzen, trügerischen Glöckchen, gezielt eingesetzten lichten Momenten und einigem mehr. Becuzzis Repertoir ist offenkundig breit gefächert.
Die Reissue erschien bereits vor einem Dreivierteljahr und einigen der CDs sind noch erhältlich. Selbstredend empfehlen wir sie. (U.S.) AFRICAN PAPER |
2023 |
€15.00 |
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| BECUZZI, GIANLUCA & FABIO ORSI |
Muddy speaking Ghosts through my machines |
CD |
Zweite VÖ dieses Jahr für das italienische Duo, experimentelle electronica-ambience die mit Blues & Folk-Versatzstücken sowie field recordings angereichert ist, was zu erstaunlich stimmigen Ergebnissen führt.
"Muddy Speaking Ghosts Through My Machines' is the brand new album released together by Fabio Orsi and Gianluca Becuzzi. This album will be certainly followed by other cooperations, considering the big friendly artistic sodality between them. Fabio e Gianluca are a strange duo, considering the big differences of their artistic back-ground. Fabio Orsi is a young and unexpected talent. After his first album, "Osci" (LP, SmallVoices 2005), produced by Gianluca Becuzzi, he got a lot of positive feedbacks, worldwide, by the most important international media, confirmed by his second official release "For Alan Lomax" (CD, A Silent Place 2006) splitted with cosmical Italian duo My Cat is an Alien. Gianluca Becuzzi is a very well known character of the Italian experimental scene since from the 80s, under many different alias. Recently known as Kinetix, Gianluca latest release is the very well appreciated "Memory Makes Noise" (CD, SmallVoices 2006) a great electroacoustic pearl. The unexpected uncounter between different forces, experiences and visions of this two artists is prefectly melted in this album: strong and tied, an imaginary place where folkway and research, past and present, distance and closeness, mud and clouds, ghosts and machines meets. Shreds of ballads, guitars and old keyboards floating on the vibrant surface of this faery river and disappear, towed off by drones and rumors, pouring between distant voices and centenary blues songs from the Alan Lomax archive. Raptur and sweet lostness: this is the main sensation. It could be listed as Avant-Folk, or Experimental-Blues, Ambient- Roots or contemporary aesthetics and aching nostalgia..." [label press release]
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2007 |
€13.00 |
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Soundpostcards |
CD |
Das Cover dieser CD sieht wirklich wie eine "Klangpostkarte" aus, mit verschiedenen atmosphärischen Klangfeldern der Natur darauf. Das melancholische Duo entwirft auf 11 Stücken äusserst fragile, nostalgische, minimal instrumentierte Soundlandschaften, meist auf analogen Synth/Keyboard basierend, aber auch mit sanften field recordings durchsetzt. "Soundpostcards" ist ihre erste Zusammenarbeit von 2004 & 2005, die bisher nur als MP3 erschien...
"Sound Postcards is a sound representation of determinated time-space, of its moods and atmospheres, it's a sort of soundpostcard in which the artists portray a familiar and hypothetical landscape. The listener is induced to ''identify'' the represented subjects through interpretative processes which directly compare sound suggestions with subjective/collective imagination. A semanthic game of mirrors reflecting forms in perpetual transition between auditive dimension and symbolic/mnemonic one. "Soundpostcards" is the first collaboration of this two artist, originally releasesd (2004) in two different mp3 work, now reissue for the first time in CD after a been REWORKED and added with an unreleased track. The Sounds is really inmost and peacefully melancholy. Lost and naked melodies (some times near to the feeling of the most dilatated post rock other time much more near to the aesthetics sounds of the avant folk music) on a soft background of field recordings and drones.] *** Since 2004 the italian compositors Gianluca Becuzzi and Fabio Orsi are a strong and stable duo. Gianluca Becuzzi is a very well known character of the Italian experimental scene since the '80s, under many different alias. Fabio Orsi is a young and unexpected talent. After his first album, "Osci", produced by Gianluca Becuzzi, he got a lot of positive feedbacks, worldwide, by the most important international media. The unexpected uncounter between different forces, experiences and visions of this two artists is prefectly melted in their intense and fascinating productions made of guitars, old keyboards, field recordings and sound objects. Compositions where everything plays with big emotions: visionary soundscapes, deep drones and sudden noises." [label info]
www.centreofwood.com
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2009 |
€12.00 |
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| BEEQUEEN |
The Bodyshop |
CD |
Was sich zuletzt schon abzeichnete, wird auf THE BODYSHOP weiter verfeinert: experimentelle (Drone)-Sounds liegen eher im Hintergrund bzw. vermischen sich mit handgespielten Stücken,
kreiert mit gezupften E-Gitarren, Synths & Orgel / Harmonium –Sounds., zarten Gastnymphengesang, leichter Percussion: eine leicht melancholische, aber luftig-leichte Psych/Folk – Stimmung entsteht dabei, die aber durch die Drones & Effekte eine besondere Färbung bekommt....
"It took Frans de Waard and Freek Kinkelaar two years to complete the recordings for The Bodyshop, the successor to their much-acclaimed CD Ownliness from 2002. The Bodyshop continues where Ownliness left off. Ownliness marked a distinct break with Beequeen's past. The ambient-industrial drone music of yesteryear was said goodbye and the Beequeen's love of pop music returned. The instruments changed from organs, synthesizers and sound effects to guitars, drums, bass and guest musicians on cello and even vocals (a distinctive first for Beequeen). The Bodyshop features two of these remarkable vocals tracks; a cover of Nick Drake's 'Black Eyed Dog' (sung by Antenne's Marie-Louise Munck) and the indeed very sad track 'Sad Sheep'. Although Beequeen never cites influences, it's easy spot their interest in the Beatles' psychedelic period and latter day Talk Talk in combination with a love for krautrock and microsound -- not the most likely of combinations, but somehow it all makes sense on The Bodyshop." [press release]
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2004 |
€13.00 |
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Sandancing |
CD |
BEEQUEEN sind mit "Sanddancing" ganz im "Song" angekommen, einer Art elektronischer "Ambient Pop" der ein Spektrum von kitschigen Kindermelodei-Stücken bis hin zu verschrobenen Instrumentals umfasst, mit weiblichem Gesang, irgendwo zwischen alten BRUNNEN, PIANO MAGIC und LPD, charmant, verträumt & luftig leicht, ohne experimentelle & geräuschhafte Elemente ganz zu verbannen...
"After the by now usual gap of some two years, Beequeen is ready to present their latest album, further maturing their sound from The Bodyshop (also on Important Records). More song-based, this album features new vocals by Olga Wallis solely (with some backing by Freek Kinkelaar). Well rounded pop songs in some places, but Beequeen never forgets to put in some strange element, without leaping in the dark alley of pointless experiment. Orchestral in 'The Illogical Song,' collage like in 'The Edie Three Step' or a simple rhythm machine in 'The Honeythief.' Beequeen does all, and with great care and seemingly ease. This album features also the help of Barry Gray, former (and first) guitarist of The Legendary Pink Dots, and would not have been the album that is without the invaluable productional skills of Erik Drost." [press release]
"Beequeen is the long running collaboration between Dutch music veterans Frans de Waard and Freek Kinkelaar. The duo mainly focused on ambient and industrial music during the nineties, until their album 'Ownliness', back in 2002, which marked a more or less radical break with Beequeen's past. Since 'Ownliness' the music of Beequeen has shifted to well crafted electronic pop songs. 'Sandancing' is no exception. It's an atmospheric and dreamy album due to the beautiful (female) vocals of Olga Wallis.
The songs are built on electronics, guitar and keyboard, combined with fine microsonic details, pulsing drum machines and subtle field recordings. It can easily be seen as a rather accessible record, especially considering Beequeens past, but 'Sandancing' hides enough surprises to keep it exciting. It somehow reminds me of the early works of Piano Magic, the project of Glen Johnson, who also used to work with different vocalists to transform his electronic instrumentals into songs. Being aware of the adventurous approach of these experimental wizards, you immediately wonder what Beequeens next record will be like. But you certainly hope that Olga Wallis will be involved again as 'Sandancing' is definitely their best record to date." [MW, Vital Weekly]
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2008 |
€13.00 |
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| BEGG, MICHAEL |
A Moon that Lights Itself |
CD |
During the 1870s, Charles François Daubigny, in the last years of his life, took increasingly to painting nocturnal scenes en plain air from his boat studio, Le Bottin. This was a period in time when the idea of the musical nocturne had progressed from being an indication of what point during the evening a particular piece of music should be played, towards becoming an articulation of the unique atmosphere and emotion occasioned by moonlight.
Elsewhere in France, Edouard-Lean Scott de Martinville conceived and produced the phonautogragh. This device, appearing years before Edison’s phonograph, enabled sound, for the first time, to be captured. Unlike Edison, however, de Martinville neglected - or saw no need - to provide the means to playback the recording. Rather, a visual representation was captured on a lamp black cylinder.
It wasn’t until 2008 when researchers at Berkley University used digital technology to recover the audio. The recording, the first ever made, was of a human voice singing Au Clair De La Lune.
Written and produced by Michael Begg
Mixed and mastered at Captains Quarters, East Lothian
A Moon That Lights Itself was premiered at the Royal Scottish Academy, Edinburgh on September 16th 2016, with cello accompaniment from Clea Friend
The work was commissioned by National Galleries Scotland, in conjunction with the major exhibition, Inspiring Impressionism: Daubigny, Monet, Van Gogh, and was completed with the generous support of the Hope Scott Trust.
https://omnempathy.bandcamp.com/album/a-moon-that-lights-itself
REVIEW:
"A Moon That Lights Itself was commissioned by the Scottish National Galleries as part of the Inspiring Impressionism exhibition, focussing on the works of Charles François Daubigny, Claude Monet, and Vincent van Gogh. On September 16th 2016, Michael Begg (of Human Greed / Fovea Hex) performed the work, amidst the exhibition space, in the auspicious surroundings of the Royal Scottish Academy situated on the Mound in Edinburgh.
Drawing on the works of French landscape artist Charles François Daubigny, Begg's commission was described as a "work for electronics, strings and moonlight". I must confess that of the three artists featured in the exhibition I wasn't at all familiar with Daubigny. Consider Begg's work with Human Greed where their first release Consolation featured a moonface in Deryk Thomas's artwork on the cover; Black Hill: Midnight At The Blighted Star, the title of a later album which included 'Dalkeith Night' speaks for itself; and even Dirt On Earth featured a blackened nightscape on the cover it's perhaps particularly apt that Begg focusses on Daubigny's later work and specifically the twilight and nocturnal scenes of his later years, from which he painted while ensconced on a studio boat on the Oise. A Moon That Lights Itself is set in the context of mid to late 19th century France, and the cusp of impressionism, modernism, together with the earliest known sound recordings by Edouard-Lean Scott de Martinville and his phonautograph invention.
A Moon That Lights Itself moves from dusk to dawn in the course of its 9 tracks. From tranquil drones overlaid with tumbling piano notes and solemn cello movements the opening track 'Le Crepuscule' moves into drifting drones before 'Moonrise' which like many of the tracks on A Moon That Lights Itself blends location recordings into the compositions. Here water in the form of lapping waves and crashing waves, bird chatter and the quack of ducks - ducks were a recurring motif within Daubigny's impressionist landscapes - are found amidst passages of glistening drone and moments of sombre piano and cello swell. Still and serene, glinting flourishes merge with stirring movements, its lapping waves resembling the tidal pull, and backward spinning electronics. 'Moonlight' bathes in the glow of light glistening sound textures set against deep reverberating rumbles and piercing glassy shrieks. Bells ring out before it moves into quieter echoed atmospherics.
Daubigny often painted from his floating studio on a boat on the River Oise, and 'Le Bottin' aptly illustrates this with watery ripples dappled with tender piano notes and broader sound shudders, flowing into an end section comprising elegiac strings and melancholic synths.
With its rippling metallic sounds, harsher noise elements and sluggish voice recordings 'The Birth Of Modernism' is much more abstract in composition. Those voices, taken from the 1860 phonautograms of Édouard-Léon Scott de Martinville, like modernism are almost blown in on a wind like drone. Scott de Martinville's recordings, sensitively mixed as another layer of sound here, were never intended for playback but recent research managed to transform these into playable sound files, discovering a male voice, probably of Scott de Martinville, singing a partial segment of the French folk song 'Au clair de la lune', which fits nicely here as in English it translates to 'In the Moonlight'. Elsewhere on 'The Birth Of Modernism' voices and bird calls are rendered as electronic squiggles, reflecting the movement away from realism to abstraction, perhaps.
Begg returns to his palette of location sounds on 'Daubigny's Reverie' where lapping water and duck quack augment the shimmering sound spans. The drone filled atmospherics create a sense of melancholy; a captivating dreamspace only broken by the call and sing of birds in flight. Those flying birds could be seen as sound metaphor for the transition from Daubigny's impressionism to a new world of abstract representations, something furthered on 'Between Two Movements' which unfurls to a two pronged approach where undulating drones and glassy shrill frequencies are cast against evocative classical strings. It could even be electronics, Begg has an uncanny ability to sidestep the listener with his use of instrumentation that sound like something else.
'A Last Dance Under The Moon' moves to doleful cello sweeps and forlorn nocturnal electronics, achieving a graceful and mournful presence, largely due to the Clea Friend's cello score. A Moon That Lights Itself closes with the arrival of 'Dawn', a classy ensemble piece of piano score and cello, contrasting sombre cello movements with more optimistic and joyful piano notes, and as the sounds coalesce it seems to herald the new whilst paying homage to the past.
Begg referred to this in a blog for his performance at the Royal Scottish Academy as being a "pochade", a sketch, "for Daubigny, for the moon, and for an extraordinary time in the development of European culture, when our sense of capturing the world around us and within us took extraordinarily bold, though markedly sensitive, steps forward." Recorded immediately after the performance, Begg once again proves himself to be a superlative composer, with a suite of evocative atmospherics using electronics, classical strings and location recordings to evoke the nocturnal workings of Daubigny. A Moon That Lights Itself is bathed in a liminal essence; a quality that defines all his work. From the Human Greed releases Black Hill: Midnight At The Blighted Star, Fortress Longing, World Fair to the Fragile Pitches collaboration with Colin Potter, Michael Begg has been behind a number of great releases. A Moon That Lights Itself now sits alongside those titles as one of his finest solo offerings in a release that is sombre, inventive and utterly captivating." [Compulsion Online] |
2016 |
€13.00 |
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| BEHRENDSEN, PETER |
10 x 15 = 30 |
LP + CD |
Peter Behrendsen (b. 1943) is a Cologne-based radio producer, performer and composer of experimental music. He started concerning himself with electro-acoustic music in 1972, was a member of Josef Anton Riedl's ensemble and assistant to Klaus Schöning at the WDR radio play studio (Studio for Acoustic Art). He organized numerous concerts and festivals for experimental music in Cologne, most notably BrückenMusik, a series of concerts in the box girder of the Deutz bridge. After Nachtflug / Atem des Windes in 2017, this is his second LP on Edition Telemark.
"10 x 15 = 30" is the vinyl mix of a concert for Behrendsen's 75th birthday at the LOFT in Cologne. The full-length recording has been released on CD by Obst Music with the title "Fünf Mal Dreißig Ist Sechzig" ("5 x 30 = 60"). The players were: Peter Behrendsen (electronics), Dietmar Bonnen (prepared piano, glockenspiel), Andreas Oskar Hirsch (carbophone), hans w. koch (axoloti, blippoo box) and Lucia Mense (recorders).
What Behrendsen had in mind for the concert was not a programme of solo pieces but a collective improvisation with musicians and visual artists. Being sceptical about conventional "free" (psychodynamic) improvisation, he decided to go with an approach that John Cage called "with the head in the sky – and the feet on the ground": between individual freedom and preconceived rules.
The total length of the concert was set to 60 minutes, each player had 30 minutes in sections between 2 and 10 minutes. Their length and distribution was decided by chance. Within their sections players had individual freedom: Musical communication was not mandatory but possible, emerging musical relationships would often be unintentional. Simultaneously, 5 videos by visual artists were projected in random order, again without any intended correlation between sound and video.
For the LP, the concert recording had to be adapted in length, i.e. reduced to 2 parts of about 15 minutes each. To maintain the character of a whole, the 60-minute concert was cut into 2 equal parts, mixed down and cut into 2 halves for both sides. The result is a new piece: denser but still transparent, the relationships between the musicians even more abstract – a new composition.
Regular edition of 240 in glossy sleeve with artwork by Dietmar Bonnen. Special edition of 60 including the LP, the Obst Music CD with the full-length recording, both in their regular sleeves, and a numbered card signed by all musicians, all housed in a plastic outer sleeve.
https://www.edition-telemark.de/923.02.html
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2020 |
€34.00 |
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| BEREZAN, DAVID |
La face cachee |
DVD-A |
"DAVID BEREZAN (*1967, Edmonton, Canada) holte sich, wie viele seiner Labelgenossen, den letzten Elektroakustikerschliff bei Jonty Harrison an der Univ. Birmingham und lehrt inzwischen selbst an der Univ. Manchester. La face cachée (IMED 0896) ist sein Debut und
präsentiert 5 Stücke, die jeweils einen konkreten Anstoß, zugleich Klangquelle, nach einer ‚verborgenen Seite‘ hin erweitern. ‚Cyclo‘ (2003) kommt vom eigenen Geradel zu einer Symbolik des Kreislaufs. ‚Baoding‘ (2002) assoziiert ‚Handschmeichler‘-Kugeln mit Peking- und Kun-Oper. ‚Styal‘ (2004) belauscht die von einem Wasserrad angetriebene Quarry Bank Mill, eine Weberei in Styal südlich von Manchester, heute Industriedenkmal, einst berühmt für seine wohltätige Kinderarbeit - tja, Music to read Dickens by. ‚Hoodoos‘ (2007) führt einen auf den Hoodoo Trail im Banff National Park, zu Strukturen aus Wasser, Holz und Stein. ‚Hannibal‘ (2005) schließlich hat nicht Lecter oder Elefanten im Sinn, sondern basiert auf ‚Hannibal II‘, einer Skulptur von Jean Tinguely, speziell dem Klang einer schwingenden Kette. Berezan nimmt Details so unter die akustische Lupe, dass der Lauscher sich ganz winzig vorkommen muss, weil die Dinge brobdingnagsche und hochdramatische Züge annehmen, aber dabei auch sich seltsam gleichen." [Bad Alchemy]
“Cyclo (2003)”. “Baoding (2002)”. “Styal (2004)”. “Hoodoos (2007)”. “Hannibal (2005)”. DVD-Audio stereo + MP3 files. “Of all the things I have learned about my own music, the notions of revealing and discovery seem the most essential. There are two sides of myself at work here, in co-operation, and sometimes in conflict, in the creation of the pieces presented on this disc.On the one hand, I search for sound sources that are sonically appealing, and that I connect with on a personal and tangible level, in their real world and everyday setting. On the other hand, through processes of transformation, reconstruction and imagination, I create and reveal hidden spaces, characters, and substance from those sources. Within, underneath, and behind the sound objects and concepts, there are often unexpected sound worlds in terms of detail, colour, and dynamic. For me, this multi-faceted aural-vision that twists, turns, and opens into itself is the magic of the art form. It is also through this process of discovering “the hidden side” (La face cachée) that I discover as much about myself.This disc and its music is dedicated to my parents: Jennie and Victor Berezan.” David Berezan [credits]
www.empreintesdigitales.com
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2008 |
€12.00 |
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| BIG CITY ORCHESTRA |
The Beatlerape (Sound effects library Volume four) |
CD |
„BCO interpretieren Beatles-Songs! Sie nehmen Versatzstücke aus berühmten Beatles-Stücken oder spielen & singen selbst, und erschaffen so Coverversionen, die für jeden wahren Beatles-Fan eine geradezu traumatische Erfahrung darstellen müßten.“ [old Drone info]
Erschien 1993 zunächst auf REALIZATION, dies ist die wiederveröffentlichte und neu bearbeitete STAAPLAAT-Version!
“A completely reworked version from the original release, 'Beatlerape' consists of Beatles songs. They were made with the use of sampling, record skipping and other weird recording techniques. The first edition of 1000 is a 'White Album'-like foldout sleeve with the Big City Orchestra members posing as John and Yoko. naked of course.” [label info]
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0000 |
€13.00 |
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| BIOSPHERE |
Wireless - Live Arnolfini, Bristol |
CD |
"Biosphere ist das Hauptprojekt des norwegischen Künstlers Geir Jenssen, der auf eine ansehnlich Discographie zurückblicken kann. "Microgravity" and "Patashnik", zwei weg- und stilbereitende Alben erschienen auf dem legendären R&S-Label in Belgien, prägten in diesem Kontext neben Alben von Aphex Twin, Carl Craig, Sun Electric und Ken Ishii den Begriff "Electronica" maßgeblich mit. Aus dem Album "Patashnik" wurde die Single "Novelty Waves" ausgekoppelt, die auch die Spots einer der Levis TV-Kampagnen untermalte.Remixes für bekannte Künstler wie Nicolette, James oder Frontline Assembly zeigten zwar weiterhin gleichsam das Interesse der Musikszene an seiner Kunst, aber auch Geir Jenssens Willen Musikstücke völlig nach seinen Vorstellungen zu transformieren.Live während des "Arnolfini" Festivals in Bristol, am 27.Oktober 2007 von Chris Watson aufgenommen. Er benutzte hierfür 2x Sony ECM 77s mit einem Nagra P11 Ares Flash Recorder. Gemixt, editiert und gemastered wurde das Stück final von BJNilsen in Berlin im März 2009.Dieses Konzert war Teil des "Touch 25 Live", die auch eine "Storm" Performance von Chris Watson & BJNilsen beinhaltete." [label info / Cargo ]
"... What we do know is that 'Wireless' is the first live album by Biosphere, one of the master minds of ambient music. Starting out in ambient techno (releasing a classic with 'Patashnik' in 1994), and then moving out of the techno, deeper into the land of ambient music, leaving off any pulses at some point. On 'Wireless' he returns to use pulses and rhythms: minimal but not in a click n cut sense. Warm, fourth world alike. which guide the soft synths, field recordings and, for the first time around the trumpet of Anders Karlskas. As such this live album is not a distinct break with the 'old' Biosphere, the one calm sound tapestries on 'Substrata' for instance, but it seems to have come to a full circle now. The more simple, rhythmic samples refer to what I can call Biosphere 'mark 1', but not as dance oriented, more trance inducing, lay down, sit back music, whereas the deep atmospheric textures of before are still part of it, that has become a trademark of Biosphere. Changes in the sound of Biosphere are small, but crucial. 'Wireless' is once again a refined ambient from one of the true masters of the genre." [FdW / Vital Weekly]
www.myspace.com/biosphereofficial
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2009 |
€14.50 |
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| BJERGA / IVERSEN |
(Go with the Flow) like a Twig on the Shoulders on a mighty stream |
CD |
* BJERGA / IVERSEN - (Go with the Flow) like a Twig on the Shoulders of a mighty Stream CD (TIBProd 100, 2008) € 12.00
Zusammenstellung von 12 Stücken von dem norwegischen drone/noise/impro-Duo, die in den letzten Jahren mit ZIG CDR releases präsent waren. Ihre Drones sind nicht edel, harmonisch, oder grossartig strukturiert, sondern low-fi, dreckig, feedbackend, obertönend,
als Klangquellen kommen allerlei Instrumente, Objekte und Effektpedals zum Einsatz... das erinnert an ähnliche Sachen von MY CAT IS AN ALIEN oder BIRCHVILLE CAT MOTEL... als komprimierte Compilation ein kurzweiliger Überblick im Booklet ausführliche liner notes von Tobias Fischer (Tokafi).
".... A fine introduction into four years of hyper activity from two minds from the Nor-scene. Lots of guitars, lo-fi electronics, mild distortion, waving minimalism and lengthy drones, this is what their world is made off. Their selection is very fine, I'm pretty sure I would have picked similar pieces from their catalogue - the more quite lengthy drone pieces of buzzing electronics and fine guitars. I can imagine you can't collect all fifty previous releases, but if you need one, then why not this one?" [FdW / Vital Weekly]
www.tibprod.com
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2008 |
€12.00 |
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| BLACK SUN PRODUCTIONS & VAL DENHAM |
Somewhere between Desire and Despair |
CD |
"After a couple of collaborations on tracks, Black Sun Productions finally get together with Val Denham for a full length release. Val Denham might be best known for her paintings that have appeared on releases by Marc and the Mambas, Psychic TV... but over the past few years she has been releasing short-run CD-Rs of her lo-fi sounds. Homosexual overtones inform much of Black Sun Productions material but with Val Denham, a transgendered figure, the focus moves on to a new form of sexuality.
Somewhere Between Desire and Despair opens with the haunting atmospheric drone of 'A Tale of Two Cities' with Denham reciting lines from Charles Dickens. From then on much of the first half of Somewhere Between Desire and Despair flirts with various forms of electronic music. It's clear from 'Cobalt Blue' that Massimo and Pierce haven't forgotten their past association with Coil, as it picks up on the rhythmic shuddering Coil-like electronics with Denham's voice pitched deep and treated, alongside passages of sped-up processed vocals. Val Denham is something of a character and, at times, she sounds like a Northern housewife reared on a diet of glam records. 'Stars', a Denham collaboration with Testing Vault, goes all downbeat with dark electronics, featuring Denham's idiosyncratic take on a pop vocal. Denhams' voice is almost helium-fuelled on the disco-chug of 'We Are The Hydrogen'. 'Eat Us Mother!' foregoes the electronics for a surprisingly sparkly run through post-punk dynamics. Denham picks up on a rock persona teasing the listener with her shrieky and screechy vocal careering over booming bass and discordant guitar scrapes from her longtime collaborator Oli Novadniek.
Things slow down in the next half with a collection of evocative tracks, much in the vein of Black Sun Productions fantastic OperettAmoralle. The disorientating queasy electronics of 'Absinthe' has Denham relating a tale of alcohol abuse, evoking the Green fairy alongside some effective harmonium and harmonica drone. Many of the tracks here use mournful orchestration taken from a track called 'Morphium' - though the source isn't given. 'Andromeda' taps into the mind of the transgendered artist. It's almost poetic as Denham delivers a spoken vocal in her homely Northern tones. Much more poignant is 'Flowers In The Trenches' which tells of transgendered and transexual soldiers who fought in WWI. Amidst sombre strings and military snare drum rolls Denham speaks of those unnamed and forgotten soldiers who were, in fact, "women in their heads" fighting in another "man-made catastrophe" and "suffered for nothing". Enlightening stuff.
Val Denham really shines on the campy theatrics of 'I Try To Kill The Man' over the Weimar Berlin cabaret sounds of 'Das Lila Lied', an early 20th century homosexual anthem, here performed by the Ophelia Orchestra. Similarly 'Emerald Green' uses the score of Marlene Dietrich's 'Such Trying Times'. Denham is finely positioned to evoke the decadence, sexual transgression and dark wit with her sarcasm and style. Black Sun Productions have, of course, produced their own musical tribute on the works of Bertolt Brecht to tremendous effect and Denham's contributions don't disappoint.
Somewhere Between Desire and Despair is much more fun-filled than previous Black Sun Productions. It strikes a balance between electronic music and cabaret music, and a balance between poignancy and absurdity. It's not the most coherent release, partly due to the varied list of collaborators, but Val Denham manages to carry it all off with a verve and panache, informed by her strength of character, her honesty and humour. Somewhere Between Desire and Despair comes in a 6-panel digipak with wonderful representations of Val Denham's artwork."
[Review by Compulsion]
www.touretterecords.com
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2009 |
€13.00 |
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| BLACK TO COMM |
Rückwärts Backwards |
CD |
“Black To Comm is an alias for Dekorder label owner Marc Richter's audio excursions. "Rückwärts Backwards" is his debut full-length album recorded between 2003 and 2005 in his adopted hometown Hamburg and his childhood home in the Black Forest located in the south of Germany. With a background in many musical styles (from Psychedelia to pure Computer Music) BTC's music is never easy to pin down.
This album is essentially created from scratchy shellac and vinyl loops merged with ambience field recordings (with some voice manipulations and kitchen gamelan thrown in for good measure). The warm hiss of analogue recording techniques combined with the apparently antique sounds of vintage organs, acoustic & electric guitars, pianos, glockenspiel and mbira used on these tracks generate a kind of hyperreal, fake nostalgia playing with one's perception of a pseudo-recollection. The layering and hypnotic repetition of short loops extracted from old Psychedelia, Free Jazz, Vaudeville and Traditional records reveal a haunting melodic quality sometimes not distinguishable within the original source material, evoking a hovering feeling of bittersweet melancholy with an omnipresent, slightly disturbing atmosphere hidden beneath the surface.The 8 songs constantly sway back and forth between simple, almost naive arrangements and dense surreal drones with rare, yet intense distorted climaxes making this album one constantly absorbing listening experience.” [label info]
“First of all this CD is beautifully packaged with a tri-fold disc holder. Each picture bears its own character (blurry forest with handscrawled text, a sleeping cat, and what appears to be an old wallpaper pattern) But on to the music. Black to Comm (aka Marc Richter who also runs Dekorder) knows how to keep it short and sweet with 8 songs clocking in at under 37 minutes. Ruckwarts Backwards opens with the aptly titled 'Bees' some gentle buzzing of said insect is later accompanied by some child-like hums, this gives way to the second song 'Levitation' which is a gentle soundscape of rising and falling organ tones backed by a field recording. 'Lucifer Lacca' ushers in an operatic vocal loop that reaches crescendo and ends with another bit of children's singing. The feel is still subdued and continues throughout the record, I'm reminded at times of Tape, not so much in sound but in how I feel while listening to them. The title track is a series of interlocking vibraphone melodies that
are augmented by computer processing. The computer treatments are more of an enhancement rather than something that would radically alter the source sounds. Track 5 is my personal favorite with a minimalist and slightly buzzing drone that cross-fades with a quieter drone. The remainder of the album hits just the right drone spot! Minimal loops with a somber feel, that guides you right to the end. The credits list microphones, voice, and kitchen gamelan, and Marc is good at assembling seemingly unrelated segments into gently blurred landscapes that roll by with an ease and comfort. In a few words..... simple, and elegant. Ruckwarts Backwards follows a self titled 10" also on Dekorder. Very curious to hear to more from this project” [CJ / Vital Weekly]
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2005 |
€13.00 |
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| BLANCO ESTIRA NUESTRO (+), HERMANA HELICE |
Cylindre / Oeur (S+C) |
12 |
"To show an aeroplane in motion, one should not paint still lives" (*) Kryptische neue VÖ des griechischen Projekts, das ständig den Namen ändert (nach NIXILX.NIJILX und HELICE PIED - als DR-83 auch auf Drone Records verewigt) - und damit wirkliches Neuland betritt, denn der Wiedererkennungswert anhand eines festen Band-/Projektnamens ist wohl der Grundkonsens aller Musikschaffenden. Diese 45rpm 12" enthält 3 Stücke, die alle auf Aufnahmen von Flugzeugen (wahrscheinlich Innenräume) basieren. Dazu kommen absolut undefinierbare rumpelige Klänge und Sirr-Sounds, und diverse kryptische Zitate von MARCEL DUCHAMP(*), ANTONIN ARTAUD, JEAN COCTEAU, ARTHUR RIMBAUD und anderen auf dem Cover. Bestimmte Klänge auf den Stücken sind wiederum verbunden mit vorher erschienenden Tonträgern. Sokratis Martinopoulos produziert keine gewöhnliche Musik, sondern akustische Rätsel.
"blanco estira nuestro (+), hermana Hélice is Socrates Martinis’ (1984, Athens, Greece) third pseudonymous project, following nixilx.nijilx and Hélice Pied. This installment, composed in 2006–7 using found sounds and objects, focuses on the sounds and sights of a distant aeroplane,
the vanishing drone of which Martinis’ finds to be particularly beautiful. The subject of planes was first explored in Aputi (released by Authorised Version, 2005), the final section of which makes a return appearance here in the .oeur diptych. This piece also reuses a guitar sound from E.2, which originally appeared on the debut nixilx.nijilx CDR published by absurd in 2004. Cylindre. also revisits past recordings, borrowing a bell sound from Conduit no. 2 (Drone Records, 2006). Martinis is also
a member of ‘silkworms cannot be confiscated until they’ve become perfect cocoons’ with absurd’s Nicolas Malevitsis. First edition of 200 copies. Co-published with absurd." [label info]
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2008 |
€12.00 |
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| BOHREN & DER CLUB OF GORE |
Geisterfaust |
CD |
"Viertes Album der Kult-Band ! Wir warten immer noch auf den Einsatz ihrer Musik im nächsten DAVID LYNCH – Film !!" [Drone Rec comment]
"Geisterfaust ist ein luxuriöses Album und das wissen die Herren von Bohren auch genau. Sie würden das wohl "luxuriöse Langeweile" nennen. Und im Gegensatz zu "Black Earth" wirken die 5 Finger von Geisterfaust" auch noch einmal deutlich heruntergeschraubt, zurückgefahren und reduziert. Dazu auch passend alles hell gehalten, von den weissen Kleidern auf den Pressefotos über das helle Artwork. Lediglich bei Konzerten spielt die Band fast im völligen Dunkel. Bis zum letzten Stück "Kleiner Finger" glaubt man auch das Saxophon sei dem erneuten Schritt zur Reduktion zum Opfer gefallen, aber da taucht es schliesslich noch mal auf, in bester "Black Earth" Manier. "Geisterfaust" ist extrem, mutet es dem Hörer doch streckenweise eine schiere Trägheit zu, die einen gar nimmermehr aus den spärlichen Klangformen und der Kralle von "Zeigefinger", "Daumen", "Ringfinger", "Mittelfinger" und schliesslich dem so erlösenden "Kleiner Finger" entlassen will. Hier ist Durchhaltvermögen angesagt, das den Theatergänger mit Druck auf der Blase in den Sessel drückt und einen schönen Abend streckenweise zur Qual werden lässt. Im positiven Sinne, versteht sich. Oder man hört "Geisterfaust" nachts, in Momenten wo Zeit und andere Konstanten des Lebens eh keine Rolle mehr spielen; sich aufgelöst haben. Hier wird Musik geschaffen, deren Schönheit tiefer liegt als ein flüchtiger Blick über die Oberfläche. Lange Ausklänge und atmosphärischer Raum bestimmen das Bild." [Creative-Eclipse]
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2005 |
€13.00 |
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| BOKANOWSKI, MICHELE |
Three rooms of unrest (trois chambres d'inquietude) |
maxi-CD |
Ein dreiteiliges Stück von 1976 von der französischen Komponistin (bekannt wohl den meisten von der metamkine mCD), welches auf vielen fieldrecordings basiert (Glocken- undKinderstimmensounds, Schaben, Klackern und Rausch-Drones) ...
“Concrete music recorded, edited and mixed in the composer's studio (Paris). Final mix: GMEB Studios (Bourges). First performance: June 5th, 1976, Bourges, Palais Jacques Coeur, 6th
International Festival of Experimental Music. Title taken from the Danish engraver Lars Bo (1924-1999). Michèle Bokanowski studied harmony, fugue, counterpoint and analysis with Michel Puig from 1965 to 1969. In September 1970, she began a two-year internship at the Research Department of the French National Office of Broadcasting (ORTF) under the direction of Pierre Schaeffer. At the same time she participated in a sound synthesis research group, studied computer music at the University of Vincennes and electronic music with Eliane Radigue. Between 1972 and 1984 she composed essentially music to be performed in concert - POUR UN PIANISTE (For a Pianist), TROIS CHAMBRES D'INQUIETUDE (Three Rooms of Unrest), TABOU (Taboo) - and for film - score for Patrick Bokanowski's short films as well as his feature-length film L'ANGE (The Angel). Since 1985, she has also composed for television, for theater - with director Catherine Dasté - and for dance - with choreographers Hideyuki Yano, Marceline Lartigue and Bernardo Montet. Michèle has released two previous compact discs on Metamkine and Empreintes Digitales. Compact disc issued in an edition of 1000 copies. Packaged in beautiful full-color (inner and outer) jackets -- featuring photography from the composer's husband, filmmaker Patrick Bokanowski.” [label description]
www.elevatorbath.com
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2001 |
€9.00 |
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| BRAEYDEN JAE |
Fog Mirror |
LP |
On Fog Mirror, SLC based musician Braden McKenna, has crafted a weighted, textural album of architectural drone punctuated with stirring washes of crackling static and arcing tones that gather like visible precipitation on an early morning windshield. Fog Mirror is braeyden jae's most deliberately paced, emotionally resonant record to date; the aural equivalent of watching a thick gray blanket envelop some distant, cliffed coastline.
whitedsepulchrerecords.com
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2016 |
€20.00 |
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| BRAND, STEVE & JONATHAN BENHAM |
One hour as the one who watches |
CD-R |
BLADE RECORDS ist zurück, aber jetzt ohne wahnwitzige handgemachte Handwerker-Verpackungen, sondern mit gedruckten Karton-Hüllen. STEVE BRAND, besser bekannt als AUGUR, präsentiert hier in Zusammenarbeit mit dem uns unbekannten J. BENHAM ein ausuferndes Stück „natural / concrete Drone“, in meist sehr ruhiger & poetischer Atmosphäre verschmelzen rauschige field recordings, handgespieltes Equipment & Instrumente (wohl hergestellt von JONATHAN BENHAM), runtergeslowed-Vokales, meditative Glockensounds, Grillenzirpen (etc.etc.), zu beeindruckenden Improvisationen.... Das ist wie eine Ode an die „magische“ Realität, wir denken an ähnliche Arbeiten von LOREN CHASSE / ID BATTERY, AAL, JEPH JERMAN, ILLUSION OF SAFETY...
“Steve Brand (AUGUR) and Jonathan Benham present one long experimental / drone track, timed at exactly one hour. Inspired by nature, Surrealism, the music of indigenous cultures and outsider art. Oversized packaging.Ltd.ed. of 150 copies.” [Punch Records]
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2005 |
€10.00 |
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| BURIAL |
Burial.Hdbcd001 |
CD |
„Auf "Burial. HDBCB001" schickt BURIAL die unterschwellig sexy Beats des britischen Garage über den Umweg von Funkstörungen in eine heimelige Gummizelle aus tiefem Bass, nicht ohne auf der Reise noch einen Zwischenstop im Berliner Dub von POLE einzulegen. Dabei klingt es, als würde BURIAL das Südlondon der nahen Zukunft unter Wasser setzen. Das allumfassende Knistern ist gleichzeitg das Statikgeknister eines Piratensenders und der tropische Regen, der sanft ans Fenster schlägt. Die Melancholie der Tracks öffnet ihre Arme und sucht nach ertrunkenen Liebhabern. Der Mix von BURIAL wird von den Echos aus einer anderen Zeit heimgesucht. Signale einer fremden Frequenz strecken tastend ihre Fühler aus. Eine Flutwelle aus Lärm verschlingt alles und lässt nur die schärfsten Beats zurück. Doch der Lärm schmerzt nicht; er streichelt, kitzelt und erregt die Nervenenden. Willkommen in der Welt von BURIAL. This first album on Kode9's Hyperdub label comes from the mysterious Burial. On this self-titled CD debut, Burial carves out a sound which sends the dormant slinky syncopations of uk garage, via radio interference, into a padded cell of cushioned, muffled bass, passing through the best of Pole's Berlin crackle dub. Burial explores a tangential, parallel dimension of the growing sound of dubstep. Burial's parallel dimension sounds set in a near future South London underwater. You can never tell if the crackle is the burning static off pirate radio transmissions, or the tropical downpour of the submerged city outside the window. In their sometimes suffocating melancholy, most of these tracks seem to yearn for drowned lovers. The smouldering desire of ‚Distant Lights' is cooled only by the percussive ice sharp slicing of blades and jets of hot air blowing from the bass. Listen also for a fleeting appearance from Hyperdub's resident vocalist, the Spaceape unravelling his crypto-biography. In its loud quietness, Burial takes his kitchen crackle aesthetic neither from the digital glitch nor merely a nostalgia for vinyl's materiality. Instead, as irates' suggests, Burial crackle mutates the tactile surplus value of pirate radio transmissions. Burial's mix is haunted. Echoed voices breeze in and out, on road to another time. Pirate signal from other frequencies steams in. A tidal wave of noise submerging all but the crispest syncopations. The noise is not violent, but caressing, tickling, exciting the ends of your nerves. Seducing you in.“ [press release] |
2006 |
€14.00 |
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| BURIAL CHAMBER TRIO |
Wvrm |
pic-10 |
ONLY VINYL IS REAL! Erst einmal fällt die beeindruckende Cover-Artwork von SELDON HUNT auf, zusätzlich zum SPLATTER-igen picture-vinyl gibt es noch gold & schwarz bedruckte klare Inlays, sehr passend zum dem unglaublichen tief-morastigen Sumpf-Bass-Drones die hier erzeugt werden, man meint die hohe Lautstärke mit denen hier die Verstärker in Schwingung versetzt wurden immer noch zu spüren, alles steht kurz vor dem ZERBERSTEN, und irgendwo da drin in diesen tiefen Feedbacks ist eine menschlichähnliche Gestalt die ächzt & stöhnt, ein sterbendes Monster... DIE BESTIE IST LOS! Selten einen so tiefgrunzend-abartigen Sound vernommen...
In der Tat, auf 33 klingts noch besser als auf 45, und es dröhnt länger.... so LIEBLICH!
"The Burial Chamber Trio is: Oren Ambarchi (Guitar, Analog Electronics), Greg Anderson (BASS/subsonics) & Attila Csihar (Vokills, invokations). Live recordings from the groups performance in Rotterdam, Holland in Jan. 2007 at club: Wurm. 10"Picture disc // with original art and packaging design by Seldon Hunt. Two transparencies with gold ink/printing on them." [label info]
"....For this outing, Ambarchi and Anderson are credited with sub bass death throb, while Attila is responsible for undead voices. And that's pretty much what it sounds like, sub bass throbs with haunting undead vocals woven into the heaving roiling mass. There seem to be some guitars in there too, maybe some electronics, but it's hard to tell, it's all smeared into a single swirling blackened mass. When we first listened to it, we played it at 33 (which we're assuming now is NOT the right speed, so hard to tell sometimes), and we thought, wow, this is even slower and sludgier than ever, but once we figured out it was meant to be 45, the sound reverted back, closer to the sound of SUNNO))) or the older records of their forbears Earth. Slow motion riffage, glacial and thick, massive and blown out and super distorted, muffled and murky, a sluggish sprawl of caustic crumbling guitars, the vocals barely audible, a haunting raspy growl way down in the mix, often just sounding like another buzzing bassline, hum and fuzz, dense and intense, all melted down into a viscous black crawl. Occasionally, the random bits of riffage and low end rumble coalesce into truly gorgeous harmonies, lovely and chordal, like some blackened church organ, but for the most part, this is the sound of guitar tones allowed to ring out forever and beat against each other, the air filled with oscillating overtones and strange tonal colorations, all beneath a patina of thick black buzz.
Amazing cover art as well, a gross out gutted worm picture disc, with a transparent skull and bugs insert on one side, and another sick silkscreened artwork overlay on the thick plastic sleeve, all courtesy of Mr. Seldon Hunt. Recorded live, in January of this year, in Holland. And of course, you had to know this part was coming: LIMITED TO 3000 COPIES!! And if it's anything like the other Burial Chamber record, it will sell out FAST." [Aquarius Records]
label: www.southernlord.com
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2008 |
€15.00 |
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| BURT, WARREN |
The Animation of Lists and the Archytan Transpositions |
do-CD |
Kompositionen für mikrotonale Stimmgabeln: einzelne glockenklare absolut „reine“ Töne, eine meditative & äussert minimale Atmosphäre ausstrahlend, erinnert an Arbeiten von CHRISTINA KUBISCH. To discover.
“There are any number of ways to hear Warren Burt's music for tuning forks; as many ways as there are listeners, probably. The most immediate one is simply to revel in its beauty and enjoy the music as sound. Or, to be more accurate, as clouds of sound; sonic colors that momentarily hover here and there, as they move slowly across the musical horizon.
Of course, Warren Burt's music may also be heard as the mature work of a major experimental composer, one secure in his craft, and still filled with a sense of sonic adventure. An explorer in sound. A composer willing to experiment with multiple versions of the same piece, not to mention one who allows chance to determine the precise placement of the composite pitches of his three individually composed lines.
For the more technically minded, these songs, for ultimately that's what they become on repeated hearing, can also be recognized as microtonal music. This is music that uses pitches smaller than a half-step; music that explores the sounds between the keys of the piano‹in this case, from 19 to 53 pitches to the octave, instead of the usual twelve. And even though most people rarely think of tuning in general, much less of microtonal tunings, it is an idea that has always been around. In the twentieth century this search for alternative tunings can be traced from Harry Partch and Lou Harrison in the first half of the century, through La Monte Young and Ben Johnston in the latter half, to Glenn Branca, Kyle Gann, and Michael Harrison today. The power of music, according to all of these composers, is, first and foremost, inherent in the tuning. So it should come as no surprise to anyone familiar with Warren Burt's music to learn that he, too, is a card-carrying member of this group. Warren is, after all, a composer who not only innately hears, but also cares greatly, about such minute differences in pitch. In his music, these differences matter on a fundamental level.
But what are these sonic differences? And what is a listener supposed to hear? Ben Johnston once described the shift in experience from listening to music played in equal temperament to hearing a microtonal performance as the sudden fine-tuning of an out-of-focus TV. Ben also once said that equal temperament could sound like varying shades of grey. Others, in less subtle terms, have described hearing microtonal music as the difference between seeing a Technicolor movie, and watching one in black-and-white. For the average listener‹once they realize that the enjoyment of microtonal music is about the tinting and the shading of the sound, and doesn't require superhuman hearing‹what they begin to notice first are the new colors and the spaciousness of the sound.
But what do I hear in Warren's music that attracts me so? I listen to the combinations of tones, each aggregate of which‹because the tuning is acoustically pure and non-tempered‹sounds clearer and more colorful, with unique personalities, and, sometimes, more of an edge. In this tuning, the chance-determined pairings of the composed lines always ring true, with even the dissonances vibrating cleanly, free of acoustic distraction, and with no sonic clutter to muddy up the sound. And within this microtonal world, sounds combine without losing their individuality, as the music slowly reveals its pitch and rhythm in slow, unhurried, chance-determined clouds of sound. In Warren Burt's hands, these tuning forks become some strange new instrument, complete with its own exotic tuning system, singing its songs somewhere on the verge of memory.” [label description]
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2006 |
€15.00 |
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| BUTTIGIEG, KURT |
Sun Recordings |
CD-R BOX |
Konzeptionell so ziemlich das obskurste und originellste was hier in letzter Zeit ankam, von diesem inzwischen in Luxemburg (!) ansässigen Malteser (!) Künstler... „das Ergebnis von fast vier Jahren Nichts-Tun“... nur die gnadenlose Sonne brezelte auf einsame Tapes hinab und veränderte deren elektro-magnetisch aufgezeichneten Informationen.
3 Extrakte mit dumpfen Pulsationen und leicht sägende Summ-Drones, Staubsauger-Sounds, unterbrochen von Kratz- & Rauschattacken. 47 min n schöner Box mit sonniger Artwork.
“ „Sun Recordings" is a result of almost four years of doing nothing. I wanted to literally record the sound of the sun-in the same way that people want to feel a smell, look at a sound, or hear a vison. For these recordings, I took previously composed (very static) semi-electroacoustic pieces and transferred them to pre-recorded tapes that had been sitting in my desk drawer for ten years. I then left these out in the scorching Maltese sun for a duration of four years... When I got round to actually playing the sun-baked tapes, I had serious doubts that the sun would have had any noticable effect upon them---but to my amazement the sun's exposure had indeed produced a great effect on the tapes, decaying the sound and reforming harsh noises into violent bangs.” [artist info]
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0000 |
€15.00 |
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| BUTZMANN / KAPIELSKI |
WAR PUR WAR |
LP |
"Komponist, Hörspielautor und Performancekünstler Frieder Butzmann begann bereits Ende der 1960er Jahre im Bereich experimenteller Musik zu forschen. Butzmann wird zu den Pionieren des deutschen Industrial und als Teil der Genialen Dilettanten Bewegung gezählt. Neben zahlreichen Soloveröffentlichungen kollaborierte Butzmann auch immer wieder mit anderen Künstlern wie Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld oder Santrra Oxyd. Mit Autor und Künstler Thomas Kapielski arbeitete Frieder Butzmann seit den frühen 1980er Jahren zusammen. Die gemeinsamen Kompositionen sind zumeist minimalistische Stücke, durchsetzt von Alltagsgeräuschen und Sprachversatzstücken. So zu hören auf ihrem Album "WAR PUR WAR", das 1987 auf Zensor erstveröffentlicht wurde und mit seiner einwilligen Mischung aus verschrobenem Electro-Pop und skurrilen Klangcollagen ein gänzlich einzigartiges Werk ist und über die Jahre zu einer gesuchten Rarität wurde. Ergänzt um zwei Bonustracks, liebevoll remastert, mit aufgearbeitetem Artwork und versehen mit unveröffentlichten Fotos und Linernotes von Frieder Butzmann, erscheint "WAR PUR WAR" nun als Neuauflage auf LP und CD bei Bureau B.
Composer, radio dramatist and performance artist Frieder Butzmann began exploring experimental music in the late 1960s. One of the pioneers of German industrial music and a member of the Geniale Dilettanten movement, Butzmann has collaborated with artists such as Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld, and Santrra Oxyd, as well as releasing numerous solo works. Frieder Butzmann joined forces with author and artist Thomas Kapielski in the early 1980s. Most of their compositions are minimalist tracks interspersed with everyday noises and fragments of speech, as can be heard on their WAR PUR WAR album, first released on Zensor in 1987. This utterly unique work is an idiosyncratic mix of eccentric electro-pop and bizarre sonic collages and has gone on to become a sought-after collector’s item. Now lovingly remastered, with refreshed artwork and two bonus tracks, WAR PUR WAR is being reissued on LP and CD on Bureau B, complete with previously unpublished photos and liner notes by Frieder Butzmann."
https://butzmannkapielski.bandcamp.com/album/war-pur-war
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2020 |
€20.50 |
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WAR PUR WAR |
CD |
Komponist, Hörspielautor und Performancekünstler Frieder Butzmann begann bereits Ende der 1960er Jahre im Bereich experimenteller Musik zu forschen. Butzmann wird zu den Pionieren des deutschen Industrial und als Teil der Genialen Dilettanten Bewegung gezählt. Neben zahlreichen Soloveröffentlichungen kollaborierte Butzmann auch immer wieder mit anderen Künstlern wie Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld oder Santrra Oxyd. Mit Autor und Künstler Thomas Kapielski arbeitete Frieder Butzmann seit den frühen 1980er Jahren zusammen. Die gemeinsamen Kompositionen sind zumeist minimalistische Stücke, durchsetzt von Alltagsgeräuschen und Sprachversatzstücken. So zu hören auf ihrem Album "WAR PUR WAR", das 1987 auf Zensor erstveröffentlicht wurde und mit seiner einwilligen Mischung aus verschrobenem Electro-Pop und skurrilen Klangcollagen ein gänzlich einzigartiges Werk ist und über die Jahre zu einer gesuchten Rarität wurde. Ergänzt um zwei Bonustracks, liebevoll remastert, mit aufgearbeitetem Artwork und versehen mit unveröffentlichten Fotos und Linernotes von Frieder Butzmann, erscheint "WAR PUR WAR" nun als Neuauflage auf LP und CD bei Bureau B.
https://butzmannkapielski.bandcamp.com/album/war-pur-war
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2020 |
€16.00 |
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| CAMBERWELL NOW |
All's well |
CD |
Endlich wieder erhältlich, die CD mit dem Gesamt-Material der THIS HEAT-Nachfolgeband!
"1982 lössten sich This Heat auf, bzw. verwandelten sich in Camberwell Now. Gareth Williams hatte die Gruppe verlassen und sich nach Indien aufgemacht, um neue künstlerische Herausvorderungen zu suchen (er starb im Dezember 2001). Bullen und Hayward hielten This Heat danach noch eine Weile am Leben, zeitweilig unterstützt von dem Bassisten Trefor Goronwy. Doch irgendwann stieg auch Bullen, der sich ein eigenes Tonstudio aufgebaut hatte, aus. Damit war das Projekt This Heat beendet. Hayward und Goronwy machten allerdings gleich weiter. Zusammen mit dem Klangkonstrukteur Stephen Richards hoben sie Camberwell Now aus der Taufe, benannt nach dem Wohnort der Gruppe (und auch dem ehemaligen von This Heat), dem Londoner Vorort Camberwell. Camberwell Now haben zwei EPs ("Meridian" von 1984 und "Greenfingers", 1987) und eine LP ("The Ghost Trade", 1986) eingespielt. Alle drei Alben wurden 1992 zur CD "All's Well" zusammengefasst, die beim schweizer RecRec-Label erschienen ist. Zusätzlich wurde noch ein Stück daraufgepackt, welches vorher nur auf einem Kassettensampler veröffentlicht worden war ("Daddy Needs A Throne"). "All's Well" bietet somit das komplette Œuvre der Band.
Die Musik von Camberwell Now unterscheidet sich recht deutlich von den Klängen von This Heat, obwohl es gewisse Gemeinsamkeiten gibt. Bizarr und schräg ist die Musik immer noch, der gequälte Gesang von Hayward hat sich auch nicht allzu sehr verändert und auch sein virtuoses Schlagzeugspiel ist sofort wiederzuerkennen. Gab es auf den This Heat-Alben aber rohe Klangexperimente und kaputte Songs zu hören, ist die Musik von Camberwell Now melodischer und musikalischer geworden. Experimentelles Tonschweben, industriellen Krach und bizarre Tonkollagen sucht man hier fast vergebens. Sehr virtuos musizieren Bass und Schlagzeug miteinander, treiben die Musik bestimmt und energiegeladen voran, angereichert mit diversen Sounds und Geräuschen vom Tonband und verschiedenen Keyboards, gelegentlichen Einlagen an der Gitarre und dem sehr eigenen Gesang Haywards. Auf den Stücken von "Greenfingers" gibt es zusätzlich noch Saxophon, Flöte und Viola von Maria Lamburn zu hören. Das Ergebnis sind sehr intensive, meist sehr rhythmische, etwas klaustrophobisch wirkende, schräge Rocksongs, neo-canterbury-artige Artrocker, mit Postpunk-Flair und einer unterkühlten, fast depressiven, stellenweise sehr hektischen Atmosphäre. Reichlich seltsam, rhythmisch und schwebend zugleich, kalt, aber sehr direkt ist diese Musik. Heutzutage würde man diese Klänge wohl in die Postrock-Schublade stecken.
Wer This Heat schätzt, insbesondere Haywards Gesang, oder auch die Solo-Scheiben von Robert Wyatt (es gibt da gewisse atmosphärische und stimmliche Ähnlichkeiten), der sollte versuchen sich "All's Well" zu besorgen." [Achim Breiling / Babyblaue Seiten]
"After the demise of This Heat, Charles Hayward continued to work with Trefor Goronwy, bassist from the last manifestation of the group, the two of them joining forces with Steve Rickard who, for the new band, designed the cassette switchboard a kind of proto-sampler - but thats not the half of it (Steves article fully explaining the device is reprinted in the new, expanded booklet that comes with the CD). Musically, Camberwell both followed and departed from the style of This Heat. Formally and gesturally there are common elements, but there is far greater transparency and the sound palette is quite different: the music is more placed than grown, as the slow accumulation and evolution of material in This Heat gives way to a more immediate and orderly development of the material in Camberwell Now. The songs - nostalgic, scary, quietly desperate - peer into the future to find harbour but confront only fragments of ruin. Debris and disturbance eat away at the root and corrode each shiny surface (this is mostly the musical work of the cassette switchboard). The juxtaposition of powerful, virtuosic playing and the eerie, often unidentifiable keenings, chords and constant motion of the cassettes is one of the things that make Camberwell Now so expressive of its time - when the whole social and political fabric of a no-longer-great Britain was unravelling. This definitive edition collects the entire released output of the group together (two EPs and an LP) newly re-mastered by the band and repackaged with full notes, lyrics, additional photographs and artwork." [label info]
www.rermegacorp.com
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2006 |
€14.00 |
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| CASHMORE, MICHAEL |
Sleep England |
CD |
"MICHAEL CASHMORE, vor allem bekannt als Haupt-Songwriter von CURRENT 93, legt sein erstes Soloalbum vor, das beeindruckende Songs nur aus Elektronik und Bass gewoben, enthält. Fans von CURRENT 93 und vor allem des CASHMORE-Projekts NATURE AND ORGANISATION wird dieses Werk überzeugen. Das Album ist auf 1000 Stück europaweit limitiert. //
"Sleep England is the first solo release from guitarist Michael Cashmore, who has worked extensively with Current 93 and released albums with his own project Nature And Organisation.
Over the last fifteen years he's written a majority of the music on some of Current 93's most acclaimed albums including classics like Thunder Perfect Mind, Of Ruine Or Some Blazing Starre, Soft Black Stars, All the Pretty Little Horses and the recently released Black Ships Ate the Sky. Coupled with the lyrical stylings of David Tibet, Cashmore has established the group's reputation for producing some of the most challenging, profound and influential works in contemporary music. Cashmore has also recorded with Antony (Antony and the Johnsons), Nick Cave, Marc Almond and many others. Incorporating only electric and bass guitars, Sleep England consists of twelve new and previously-unreleased tracks that together form a singular and very personal work. This album is essential for followers of Current 93 and Nature and Organisation and will also appeal to fans of Jack Rose, John Fahey and Bert Jansch." [press release]
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2006 |
€13.00 |
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| CASPAR, C.O. |
Epitaph |
CD |
Neues Werk des Berliner Künstlers & Musikers auf dem feinen russischen Label WAYSTYX, welches inzwischen von Mikhail Tumanov betrieben wird. CASPAR geht hier (mal wieder) neue Wege, setzt fliessendes Wasser, Kirchenglocken und andere Feldaufnahmen ein, lässt einen „female robot“ BAUDELAIRE zitieren, um dann allmählich in industriellere Gefilde zu versinken, mit verhallten und wummernden Maschinen-Geräuschen, metallischem Quietschen & Zerren, und wieder the robot... experimenteller Industrial zwischen Maschinen- & Natur-„Noise“ und schwarzer Lyrik ! Spezial-Cover !
“Penetrating sound confession from respected german master Co.Caspar, Berlin-based activist of an experimental sound, built with propulsions, sound vibrations from corporal movements, consisting of four tracks, each for 20 minutes. First of which “Benediction” and Replica are composed for a paintress from Quebeck/Canada, based on two field recordings (river & wood) in the canadian nature, used as the soundtrack during the vernissage of her paintings. 'Benediction' origines from the anthology Les Fleurs du Mal by Ch. Baudelaire spoken by the artist. purest drop of human prejudaces, fears, drawbacks essence heavy, humid and clouding impicated by the fistfull of various cuts of everyday life hypnotic song of far away syrene vibrant, graceful, controversive, whispering and shivering......” [label info]
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2005 |
€13.00 |
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| CHASSE, LOREN & MICHAEL NORTHAM |
The Otolith |
CD |
58 Minuten voller Wunder und Geheimnis! Mehrere Jahre haben LOREN CHASSE (THUJA, etc.) und MICHAEL NORTHAM eine unglaubliche Fülle von Klängen zusammengetragen (Field Recordings, Aussen-Objekt-Aufnahmen, Instrumentalsounds) und daraus auf acht Stücken Räume voller konkreter Details und dröhnender Sphären erschaffen, es tönt so soft und obertonreich und doch nie beliebig, Originalsounds bleiben oft im dunkeln aber betören stets in höchstem Maße. Das ist "organischer Ambient" oder "Microsound Musique Concrete" in Vollendung!
"The recordings of Loren Chasse and Michael Northam begin and end with the great outdoors. Yet, the well-documented wanderlust of these two kindred sound artists is only part of the equation. Field recordings of wind, water, and stone intertwine and hybridize within private rituals of droning psychedelic ragas that return as a folklore reiterating the mystery of the natural world around us. Through his numerous contributions to the multi-faceted Jewelled Antler as well his solo work, Chasse has long postulated the microphone as an extension of his ear, which magnifies and probes the surface of the earth for a tactile grit that permeates all of the sounds that he generates. Northam claims his inspiration from vast geographies, microscopic detail, and severe weather, which he compacts through various techniques to explore what is between improvisation and acousmatic composition. Both Chasse and Northam entertain such notions through an alchemy of arcane instruments: autoharps, ouds, flutes, bells, gongs, bowed wires, harmonium, and Northam's magnetic table harp. The Otolith is the result of several years of work, with sounds gathered collectively in the San Francisco Bay Area and throughout Europe. The album speaks as a bramble of fence wire and chaparral scrub oak, acquiring an unkempt collection of rubbish, cobwebs, insects, and soil within its tangle. As the wind pushes in one direction, this mass emits a quite if scratchy melody as if the ghost from a forgotten song; but when the wind changes directions, it bellows a rasping din of metal and vine cracking against itself. This sodden calliope tumbles into a miasma of droning atmospheres, softly rasped distortion, and very subtly rendered lulabies lurking deep within the overgrowth." [label info]
" Throughout the Marin Headlands just north of the Golden Gate Bridge, the coastal mountains are dotted with countless bunkers which were built during World War II in anticipation of the Japanese invasion that never came. Nearly 70 years later, these bunkers have been weathered by wind, fog, rain, and of course the sodden folks who tromp through the Headlands on a daily basis. These concrete structures with small portals facing the Pacific all have amazing reverberant qualities; and it shouldn't be a surprise that the more frequented bunkers and passageways inevitably echo with the sound of children dying to hear their own voices tossed back to them. The Headlands have been a favored destinations for Loren Chasse, who has sought many of the lesser known and lesser travelled environs for field recordings and jam sessions that would eventually work their way
into all things Jewelled Antler (Thuja, Franciscan Hobbies, The Blithe Sons, Of, Ov, etc.). In his recordings, Chasse extracts a profound mystery and grand sense of wonder from that echo, the bunker's grit, the soft recurrence of surf bleeding through those walls, and the distant bleat of a foghorn.
Back in 2005, Chasse took his fellow globetrotting wanderer Michael Northam to the Battery Townsley where the two set up long
string wires and various handheld instruments to begin a series of recordings which took a few years to complete after Northam left
California. The two did manage to meet up once again in Estonia, there exploring the Soviet industrial ruins that pock the Estonian landscape with similar intentions. Out of the bramble of overgrown weeds, rebar, concrete, dirt, rock, wind, and water, Chasse and Northam straddle those psychedelic leanings of Jewelled Antler and the more studied aspects of minimalism.
The Otolith begins with an acoustic clamor, as if billions of iron filings were brushing against each other under the direction of a
couple of hefty magnets, before shifting into a harmonium blur of sustained tones hinting at a melody well beneath these clouds of tousled energy. Softer drones and Aeolian fragments flutter forth out of bowed strings and gently tapped gongs amidst a golden hue of opiated atmospherics. Scrabblings across the surfaces of leaves, rocks, mud, and metal fuse with field recordings of wind and water, as a continuing demonstration of Chasse's alchemy with naturalist sound to bring forth stately ragas and dreamtime psychedelic lullabies.
Chasse and Northam work amazingly well together, having produced this thoroughly amazing album. Think Popul Vuh, Parson Sound, Pandit Pran Nath, Harry Bertoia, and Eric La Casa. Totally beautiful and mesmerizing." [Aquarius Records review]
www.helenscarsdale.com
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2008 |
€13.00 |
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| CINDYTALK |
The Wind is strong (lim. marble smoke viny) |
LP |
Cindytalk is the mercurial, expressionist outlet of Scottish artist Cinder. An evolution of her early 1980's Edinburgh-based punk band The Freeze, she launched the project upon moving to London, inspired by the crossroads of exploratory UK post-punk and early European industrial. Her work thrives on chance and transformation, collaging elements of noise, balladry, soundtrack, catharsis, and improvisation. After a series of celebrated albums for the Midnight Music label as well as collaborations with This Mortal Coil and Cocteau Twins, Cinder migrated to the United States, becoming involved with various underground techno collectives around the Midwest and West Coast. Subsequent relocations to Hong Kong and Japan further expanded Cindytalk's horizons, resulting in a fruitful partnership with Viennese experimental institution Editions Mego, for whom she released five full-lengths of swooning, granular atmosphere. 2021 finds her as engaged as ever, at the precipice of long-awaited back catalog reissues alongside multiple new works, guided by her lasting love of discovery and deviation: “new pathways always being uncovered.”
The 3rd album by Scottish industrial enigma Cinder aka Cindytalk began life as the soundtrack to an experimental film by English director Ivan Unnwin entitled Eclipse (The Amateur Enthusiast's Guide To Virus Deployment), and was originally slated for release via Factory Records' video division, Ikon. Inspired heavily by Alan Splet's eerily disembodied sound design in David Lynch's Eraserhead, the collection's 15 pieces seethe between field recordings, wistful piano vignettes, and lurking metallic haze – a hybrid palette Cinder characterized at the time as “ambi-dustrial.” Unfortunately Ikon collapsed on the eve of the project's completion so the film was never distributed, but the Midnight Music imprint repackaged Cindytalk's score as an LP in 1990 under the name The Wind Is Strong... (full title: The Wind Is Strong - A Sparrow Dances, Piercing Holes in Our Sky).
Long out of print, the album remains one of the most elusive and adventurous in the Cindytalk discography, a mix of musique concréte, haunted reverie, and desolate beauty. Even unaccompanied by their intended visuals, this is overtly cinematic music, conjuring forests at dusk and shadowed corridors, equal parts remote and reflective. Cinder cites a belief that “all sound is music,” which fully manifests here, utilizing tape hiss, ticking clocks, flicking flames, and distant whispers as evocative accents in tapestries of luminous negative space.
Although Cinder included the subtitle “A Cindytalk diversion” in the sleeve notes, The Wind Is Strong... is crucial to the project's canon, demonstrating the depth and versatility of her unique ear and intuition. She describes each album as a direct response to the previous one, and in that sense The Wind marks a bold break from the coiled song-oriented post-punk of 1988's In This World, venturing into unknown, unnamed terrain, and finding foreboding new futures to call her own.
https://www.daisrecords.com/products/cindytalk-the-wind-is-strong
Cindytalk ist das quecksilbrige, expressionistische Ventil der schottischen Künstlerin Cinder. Als Weiterentwicklung ihrer Edinburgher Punkband The Freeze aus den frühen 1980er Jahren gründete sie das Projekt, nachdem sie nach London gezogen war, inspiriert von der Kreuzung aus forschendem britischen Post-Punk und frühem europäischen Industrial. Ihre Arbeit lebt vom Zufall und der Verwandlung, sie collagiert Elemente von Lärm, Balladen, Soundtracks, Katharsis und Improvisation.
Nach einer Reihe gefeierter Alben für das Label Midnight Music sowie Kollaborationen mit This Mortal Coil und den Cocteau Twins wanderte Cinder in die Vereinigten Staaten aus und engagierte sich in verschiedenen Underground-Techno-Kollektiven im Mittleren Westen und an der Westküste. Spätere Umzüge nach Hongkong und Japan erweiterten Cindytalks Horizont und führten zu einer fruchtbaren Partnerschaft mit der Wiener Experimental-Institution Editions Mego, für die sie fünf Alben mit schwelgerischer, granularer Atmosphäre veröffentlichte. 2021 ist sie so engagiert wie eh und je und steht an der Schwelle von lang erwarteten Wiederveröffentlichungen des alten Katalogs neben zahlreichen neuen Werken, geleitet von ihrer anhaltenden Liebe zur Entdeckung und Abweichung: Immer neue Wege werden aufgedeckt.
Das dritte Album des schottischen Industrial-Enigmas Cinder aka Cindytalk begann als Soundtrack zu einem Experimentalfilm des englischen Regisseurs Ivan Unnwin mit dem Titel Eclipse (The Amateur Enthusiast's Guide To Virus Deployment) und sollte ursprünglich über die Videoabteilung von Factory Records, Ikon, veröffentlicht werden. Inspiriert von Alan Splets unheimlichem, körperlosem Sounddesign in David Lynchs Eraserhead, bewegen sich die 15 Stücke der Sammlung zwischen Field Recordings, wehmütigen Klaviervignetten und lauerndem Metalldunst - eine hybride Palette, die Cinder damals als "ambi-dustrial" bezeichnete. Unglücklicherweise brach Ikon am Vorabend der Fertigstellung des Projekts zusammen, so dass der Film nie vertrieben wurde, aber das Midnight Music Imprint verpackte Cindytalks Partitur 1990 als LP unter dem Namen The Wind Is Strong... (vollständiger Titel: The Wind Is Strong - A Sparrow Dances, Piercing Holes in Our Sky).
Längst vergriffen, bleibt das Album eines der schwer fassbarsten und abenteuerlichsten in der Diskographie von Cindytalk, eine Mischung aus konkreter Musik, geisterhafter Träumerei und trostloser Schönheit. Selbst ohne die visuelle Untermalung ist dies eine offenkundig filmische Musik, die Wälder in der Dämmerung und schattige Korridore heraufbeschwört, die zu gleichen Teilen entlegen und nachdenklich sind. Cinder beruft sich auf die Überzeugung, dass ügalles Geräusch Musik ist,üh was sich hier voll und ganz manifestiert, indem sie Tonbandrauschen, tickende Uhren, züngelnde Flammen und entferntes Flüstern als evokative Akzente in Wandteppichen aus leuchtendem Negativraum verwendet. Obwohl Cinder den Untertitel "A Cindytalk diversion" (Eine Cindytalk-Abwechslungü) in die Cover-Notizen geschrieben hat, ist The Wind Is Strong... entscheidend für den Kanon des Projekts und demonstriert die Tiefe und Vielseitigkeit ihres einzigartigen Gehörs und ihrer Intuition. Sie beschreibt jedes Album als direkte Antwort auf das vorherige, und in diesem Sinne markiert The Wind einen kühnen Bruch mit dem songorientierten Post-Punk des 1988er Albums In This World, indem sie sich in unbekanntes, unbenanntes Terrain wagt und eine neue Zukunft findet, die sie ihr Eigen nennen kann. Für Fans von: Harold Budd, Tor Lundvall, Lawrence English, Kevin Drumm, Loscil, This Mortal Coil, Drekka, Zoviet France.
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2021 |
€23.50 |
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| CIRCLE |
Soundcheck |
CD |
"Recorded in Finland in October 2009, the band describes Soundcheck as “the most contemporary document possible of a Circle soundcheck/concert experience. For this concert Circle was reinforced by the guitars of J. & P. Jaaskelainen, who may be familiar to some from the ranks of Circle’s brother-in-arms Pharaoh Overlord. On the album, this expanded line-up explores the experimental possibilities of concert staples “Virsi” and “Nopeuskuningas” further than possibly ever before.”
“The first part offers two new tracks, beginning with the brief “Kukkakaalia Kapteenit!”, a wispy swirl of shimmery synths, laid back tribal drumming and some dramatic, emotional crooning, very cinematic sounding, almost like it could be some lost 4AD single, dreamy and ethereal, giving way to the way more rocking and intense “Tuhatsata”, which takes up most of the side, a slow burning, blackened bit of Finnish krautrock, super epic, with dueling vocals, crooning versus grunted and growled, fusiony keys, still more tribal drumming, spidery guitars, the track pulsing and pounding, building to multiple crescendos, frenzied freakouts that always lip right back into more looped mesmer.
The album progresses with two instantly recognizable live set staples, first up, “Virsi”, dramatically progtastic, with that super soaring epic intro, all dynamic shifts and huge bursts of instrumental crunch, with vocals howling and wailing almost operatically, before lurching into some rad atonal krauty, fusiony, jazzy, hypno groove skitter. The second track, another Circle classic, and live staple, “Nopeuskuningas”, explodes right out of the gate, with its chugging almost surfy, ZZ Top-ish boogie riff, locked in groove, the whole thing stretched out over the remainder of the side, the band solid, and hypnotic, and intense, and rocking and tight as fuck. Their showstopper for sure, and it clearly did the job at this show as well.
In so much as between albums, Circle, like Grateful Dead, crank out killer live record after killer liver record, often with some of the same songs, always including a few live staples, familiar enough to hit the spot, but different enough that a Circle fan could be forgiven for needing them ALL!” (Aquarius Records)
A stunning and truly unique live album approach by the Finnish masters of hypnorock and unusual sounds.
Originally released as a very limited vinyl edition via J. Lehtisalo’s own imprint Full Contact Records and instantly sold out, Soundcheck is now back to life housed in our luxurious, heavy tip-on mini-LP gatefold packaging featuring fantastic expanded photography and artwork by Jussi S. Karjalainen. Limited edition of 800 copies.
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2011 |
€13.50 |
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| CISFINITUM |
Devotio |
10inch |
Das Projekt CISFINITUM von Evgueny Voronovsky gehört für uns zu den momentan besten russischen experimentell-atmosphärischen / Drone / Post-Industrial - Acts, weshalb die Einladung zur neuen SUBSTANTIA INNOMINATA–Reihe nach dem phänomenalen Konzert im Bremer Dom (November 2005) sich fast zwangsläufig ergab.
Bereits im Namen CISFINITUM steckt die Auseindersetzung mit dem Nicht-Mehr-Erfassbaren, DEVOTIO verweist klanglich mit monumentalen Kirchenglocken-Drones auf sakrale Sphären des Transzendenten, nicht mehr Hinterfragbaren.... kommt auf weissem Vinyl und eine fantastische Artwork des Berliner Artworkers TILMANN BENNINGHAUS . “Hinter CISFINITUM steckt Evgueny Voronovsky, ein ausgebildeter Violinist, der neben konkreten und instrumentellen Klangquellen auch alte sowjetische Synthesizer in neuem Kontext benutzt (wie auf der letzten CD-Veröffentlichung „BEZDNA“ [Monochrome Vision]), z.B. den legendären ANS. CISFINITUM (=„Jenseits des Endlichen“) ist ein Text (1930) & Begriff des russischen Dichters Daniil Charms, der für die „Logik der unendlichen Nicht-Existenz“steht: das was hinter dem Verstandesmässigem liegt. Die Endlichkeit der logischen Welt wird durch die Logik selbst nachgewiesen. ’ Das Cisfinitum zerstört die Postulate eines nach dem anderen. Das entzieht jeder Grundlage ihren Halt. Das zweifelt alles an. Das raubt einem sein Vermögen. Das hat kein Heiligtum, keine Moral, keine Tugenden. Das Cisfinitum ist brutal.’ [Michail Demidov]“ [Drone Records / REM-info 2005]
The fourth volume in our new series comes from one of the currently best projects of the russian experimental-atmospheric / drone / post-industrial-scene. Main force behind CISFINITUM we find Evgueny Voronovsky, an educated violinist from Moscow.
CISFINITUM is a notion by russian poet & writer DANIIL CHARMS, meaning the „logic of the infinite non-existence“, that „something“ that is beyond all rational things.
DEVOTIO uses monumental bell-sounds that build complex overlappings & hypnotic drone-waves in various layers, dissolving into pure vibrations. To us It sounds like a journey into the heart of the sacral, pointing at a sphere of transcendence where all questions end. Or begin again. Comes on white vinyl and with great artwork by Berlin-based artworker TILMANN BENNINGHAUS.
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2006 |
€12.00 |
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Tactio |
CD |
Mitschnitt des denkwürdigen CISFINITUM-Konzerts im Bremer St. Petri-Dom vom 24. November 2005, welches v.a. durch die Verwendung monumentaler Kirchenglocken-Drones besticht (Aufnahmen einer russischen Kirche basieren); es fand statt im Rahmen der REIHE ELEKTRONISCHER MUSIK ("Rapid Ear Movement"), kuratiert von CHRISTOPH OGIERMANN.
"CISFINITUM ist eines der am längsten bestehenden Moskauer Industrial / Experimental/ Elektronik - Projekte (Gründung 1989) und steht für die russische Variante des sogenannten „ambient Industrial“, „drone“ oder „dark ambient“. Als „dark ambient“ bezeichnet man in der neueren elektronischen Musik seit einigen Jahren die „dunkle“ Seite der atmosphärisch-experimentellen Musik, bei der es oft weniger um den explizit Ablauf der Komposition geht, als vielmehr um die Schaffung „bewusstseinsverändernder“ Atmosphären mit Hilfe von Klang. Hinter CISFINITUM steckt Evgueny Voronovsky, ein ausgebildeter Violinist, der neben konkreten und instrumentellen Klangquellen auch alte sowjetische Synthesizer in neuem Kontext benutzt (wie auf der letzten CD-Veröffentlichung „BEZDNA“ [Monochrome Vision]), z.B. den legendären ANS. CISFINITUM (=„Jenseits des Endlichen“) ist ein Text & Begriff des russischen Dichters Daniil Charms, der für die „Logik der unendlichen Nicht-Existenz“steht: das was hinter dem Verstandesmässigem liegt. Die Endlichkeit der logischen Welt wird durch die Logik selbst nachgewiesen." [Konzertankündigungs-Info Drone Records]
"With a parsimonious discography mostly released on seasoned Russian labels such as Waystyx, Ewers Tonkunst and Monochrome Vision, Evgeny Voronovsky has established himself as an uniquely engaging artist in the country's current ambient scene. Under the name of Cisfinitum, he has taken a syncretic approach to an often codified genre, uniting his formal training as a violinist at the Moscow State University with his affinity for concrete sounds and experimental structures. Past releases have shown a capacity to synthesize these factors at times while emphasizing the contrasts between them at others, sometimes over the course of a single track. In this aspect, this album follows the tradition faithfully.
Tactio is the live recording of a Cisfinitum concert at the St. Petri Dom (St. Peter's Cathedral) in Bremen, on November 24, 2005. The particular (and as expected highly favorable) acoustics of this environment were consistently used not only as an enhancing effect but as an integral foundation for the performance, making it unmistakeably tied to its context. Presented in the form of six continuous tracks, the album is a contemplative composition of vibrant drones, reverberating bells and synthesized resonance, gracefully evolving from the celestial tones of its start to the tellurian pulses of its climax. This is a piece of work that is elaborate in its simplicity, and it's with much appreciation that it is presented here today. The beautiful iconic artwork by Evgeny Kuprienko further emphasizes the relic-like qualities of this recording."
[label description]
www.mechanoise-labs.com
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2008 |
€10.00 |
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| CLOSING THE ETERNITY & AD LUX TENEBRAE |
Nearby Being |
CD |
Collaboration des durch die Drone 7" hoffentlich etwas bekannter gewordenen sibirischen Projekts CLOSING THE ETERNITY mit den uns bisher unbekannten AD LUX TENEBRAE, der "cosmic black hole" Sound von CTE gewinnt dadurch an Variation. Hier wurde ausschliesslich mit asiatischen Original-Instrumenten gearbeitet, also Glocken, Gongs, Klangschalen, das Ergebnis ist aber weitaus droniger & dark ambienter, als z.B. bei HATI...
Sehr behutsam umgesetzt ergeben sich Obertöne & Resonanzen, die manchmal fast wie wispernde Stimmen klingen, und man kann sich ganz den Schwällen von sanft vibrierenden Drone-Sounds hingeben, die sich in langsamen Wellen ausbreiten...
"Wonderful cooperation of two Uralian projects CLOSING THE ETERNITY and AD LUX TENEBRAE. Fascinating ritual shamanic drone ambient changing your consciousness. Real delicacy for lovers of Alio Die, Troum, Sostrah Tinnitus... Limited edition of 500 copies in digisleeve." [label info]
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2006 |
€13.50 |
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| COELACANTH & KEITH EVANS |
Wrack Light in Copper Ruin |
CD & DVD |
Audio CD von COELACANTH, Video-DVD von KEITH EVANS. Ein Geräuschnetz aus field recordings, leicht feedbackenden drones, vereinzelten instrumentellen Sounds & eher konkreten Objekt-Klängen macht sich breit, welches mysteriös und dynamisch zugleich wirkt, ein low-fi dröhnend-wallendes Etwas. Sowas wie pfeifende Windhosen, zischender Sand, rieselndes Granulargeknirsche...schwer zu fassen, alles scheint permanent zu flackern, flirren, schwanken, dicht dran am konkreten Material, & doch so sphärisch & Räume öffnend.
“Jim Haynes and Loren Chasse have collaborated with Keith Evans to create Coelacanth's fourth and most complex record. Culled from two
performances -- a five-hour recording session during Matmos's 96 hours of performances at the Yerba Buena Center for the Arts, and an
audio/visual performance with Keith Evans -- Wrack Light in Copper Ruin explores the the symbiosis of materiality and sound, and its
infinite network of metaphors and allegories.
Like an abandoned aquarium in which an accidental and incongruous microcosm takes shape, Coelacanth's sound illustrates a constant evolution of decay, encroachment, and repossession of the border space between the natural and the man-made.
With Wrack Light in Copper Ruin, Coelacanth also meditates on the space of performance, the tactile nature of the creation of sound,
and its ephemeral, elusive and entirely subjective character. The visuals of Keith Evans further the exploration with their organic, nocturnal, energy. Comparatively, Wrack Light is more delicate than Coelacanth's previous recordings, inhabiting a space where artists such as Jonathan Coleclough, Andrew Chalk, Mirror, and MNortham can be found, yet it maintains the mysterious, oceanic nature its name implies.” [label info]
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2006 |
€15.00 |
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| COIL |
Musick to play in the Dark |
CD |
Few groups in recent history forged as confounding and alchemical a body of work as Coil, the partnership of Peter 'Sleazy' Christopherson and John Balance. From album to album and phase to phase their recordings spelunk perplexing depths of esoteric industrial, occult electronics, and drugged poetry, both embodying and alienating parallel currents of their peers. The late 1990's in particular were a fertile era for the duo, embracing chance, chaos, and collaboration, enhanced by recent advancements in synthesis and sampling. Fittingly, at the summit of the decade's long, intoxicated arc, their divergent strains of interstitial ritual congealed into one of Coil's most celebrated and hallucinatory creations: Musick To Play In The Dark.
Convening at Balance and Christopherson's vast Victorian house / studio in the coastal town of Weston-super-Mare, they began a series of ambitious sessions aided by inner circle associates Thighpaulsandra and Drew McDowall. Although the creative process was admittedly “iterative” and “a bit of a drug blur,” the results are astoundingly inventive and well realized, winding through shades of divination dirge, wormhole kosmische, noir lounge, ominous humor, and black mass downtempo, guided by Balance's cryptic lunar muse, which he announces on the opening track: “This is moon musick / in the light of the moon.”
What's most remarkable about the album 20 years after its release is how brazen, insular, and unpredictable it still feels. The songs follow an allusive, altered state logic all their own, warping from microscopic ripples of glitch and breath to widescreen warlock psychedelia and back again, as much hyper-sensory as inter-dimensional. Even within a catalog as eclectic as Coil's, Musick is a mystifying collection, oneiric evocations of desire, decadence, dinner jazz, and dietary advice, far beyond the pale of whatever gothic industrial ambiguity birthed such a journey.
The record closes with a slow, starlit shuffle, bathed in seething sweeps of spectral texture and high cathedral keys, like approaching the altar of some arcane temple. As the trance thickens Balance's voice rises, processed into an increasingly eerie, gaseous haze, but he resists these unseen forces, intent on delivering a final sermon: “Through hissy mists of history / the dreamer is still dreaming / the dreamer is still dreaming.”
Reissued for the first time in over 20 years, now on double vinyl LP with the complete, unedited versions of each song and an exclusive "D-side" vinyl art etching. Packaged in a sturdy matte jacket with embossed lettering and spot-gloss design elements. The compact disc version mirrors this design, and comes housed in thick tip-on "LP style" package. Both formats are completely remastered by engineer Josh Bonati with restored artwork and layout by Nathaniel Young - all under the project supervision of Drew McDowall and Thighpaulsandra.
https://www.daisrecords.com/products/coil-musick-to-play-in-the-dark
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2020 |
€15.00 |
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Musick to play in the Dark (yellow vinyl) |
do-LP |
"Few groups in recent history forged as confounding and alchemical a body of work as Coil, the partnership of Peter 'Sleazy' Christopherson and John Balance. From album to album and phase to phase their recordings spelunk perplexing depths of esoteric industrial, occult electronics, and drugged poetry, both embodying and alienating parallel currents of their peers. The late 1990's in particular were a fertile era for the duo, embracing chance, chaos, and collaboration, enhanced by recent advancements in synthesis and sampling. Fittingly, at the summit of the decade's long, intoxicated arc, their divergent strains of interstitial ritual congealed into one of Coil's most celebrated and hallucinatory creations: Musick To Play In The Dark.
Convening at Balance and Christopherson's vast Victorian house / studio in the coastal town of Weston-super-Mare, they began a series of ambitious sessions aided by inner circle associates Thighpaulsandra and Drew McDowall. Although the creative process was admittedly “iterative” and “a bit of a drug blur,” the results are astoundingly inventive and well realized, winding through shades of divination dirge, wormhole kosmische, noir lounge, ominous humor, and black mass downtempo, guided by Balance's cryptic lunar muse, which he announces on the opening track: “This is moon musick / in the light of the moon.”
What's most remarkable about the album 20 years after its release is how brazen, insular, and unpredictable it still feels. The songs follow an allusive, altered state logic all their own, warping from microscopic ripples of glitch and breath to widescreen warlock psychedelia and back again, as much hyper-sensory as inter-dimensional. Even within a catalog as eclectic as Coil's, Musick is a mystifying collection, oneiric evocations of desire, decadence, dinner jazz, and dietary advice, far beyond the pale of whatever gothic industrial ambiguity birthed such a journey.
The record closes with a slow, starlit shuffle, bathed in seething sweeps of spectral texture and high cathedral keys, like approaching the altar of some arcane temple. As the trance thickens Balance's voice rises, processed into an increasingly eerie, gaseous haze, but he resists these unseen forces, intent on delivering a final sermon: “Through hissy mists of history / the dreamer is still dreaming / the dreamer is still dreaming.”
Reissued for the first time in over 20 years, now on double vinyl LP with the complete, unedited versions of each song and an exclusive "D-side" vinyl art etching. Packaged in a sturdy matte jacket with embossed lettering and spot-gloss design elements. The compact disc version mirrors this design, and comes housed in thick tip-on "LP style" package. Both formats are completely remastered by engineer Josh Bonati with restored artwork and layout by Nathaniel Young - all under the project supervision of Drew McDowall and Thighpaulsandra."
https://www.daisrecords.com/products/coil-musick-to-play-in-the-dark
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2020 |
€32.00 |
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Musick to play in the Dark (black vinyl) |
do-LP |
"Few groups in recent history forged as confounding and alchemical a body of work as Coil, the partnership of Peter 'Sleazy' Christopherson and John Balance. From album to album and phase to phase their recordings spelunk perplexing depths of esoteric industrial, occult electronics, and drugged poetry, both embodying and alienating parallel currents of their peers. The late 1990's in particular were a fertile era for the duo, embracing chance, chaos, and collaboration, enhanced by recent advancements in synthesis and sampling. Fittingly, at the summit of the decade's long, intoxicated arc, their divergent strains of interstitial ritual congealed into one of Coil's most celebrated and hallucinatory creations: Musick To Play In The Dark.
Convening at Balance and Christopherson's vast Victorian house / studio in the coastal town of Weston-super-Mare, they began a series of ambitious sessions aided by inner circle associates Thighpaulsandra and Drew McDowall. Although the creative process was admittedly “iterative” and “a bit of a drug blur,” the results are astoundingly inventive and well realized, winding through shades of divination dirge, wormhole kosmische, noir lounge, ominous humor, and black mass downtempo, guided by Balance's cryptic lunar muse, which he announces on the opening track: “This is moon musick / in the light of the moon.”
What's most remarkable about the album 20 years after its release is how brazen, insular, and unpredictable it still feels. The songs follow an allusive, altered state logic all their own, warping from microscopic ripples of glitch and breath to widescreen warlock psychedelia and back again, as much hyper-sensory as inter-dimensional. Even within a catalog as eclectic as Coil's, Musick is a mystifying collection, oneiric evocations of desire, decadence, dinner jazz, and dietary advice, far beyond the pale of whatever gothic industrial ambiguity birthed such a journey.
The record closes with a slow, starlit shuffle, bathed in seething sweeps of spectral texture and high cathedral keys, like approaching the altar of some arcane temple. As the trance thickens Balance's voice rises, processed into an increasingly eerie, gaseous haze, but he resists these unseen forces, intent on delivering a final sermon: “Through hissy mists of history / the dreamer is still dreaming / the dreamer is still dreaming.”
Reissued for the first time in over 20 years, now on double vinyl LP with the complete, unedited versions of each song and an exclusive "D-side" vinyl art etching. Packaged in a sturdy matte jacket with embossed lettering and spot-gloss design elements. The compact disc version mirrors this design, and comes housed in thick tip-on "LP style" package. Both formats are completely remastered by engineer Josh Bonati with restored artwork and layout by Nathaniel Young - all under the project supervision of Drew McDowall and Thighpaulsandra."
https://www.daisrecords.com/products/coil-musick-to-play-in-the-dark |
2020 |
€30.00 |
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Musick to play in the Dark 2 (Black Vinyl) |
do-LP |
After leaving London in 1999 for the sleepy seaside retiree town of Weston-super-Mare, Coil co-founders John Balance and Peter “Sleazy” Christopherson set up shop in a palatial eight-bedroom estate to pursue the outer reaches of the group’s heightening cabalistic chemistry. Among the staggering string of late-era masterpieces they produced is lunar opus Musick To Play In The Dark, widely hailed as an artistic zenith upon its release. The sessions that birthed it were in fact so fruitful that a second LP took shape during the creation of the first one.
Aided by the recent addition of Welsh multi-instrumentalist engineer Thighpaulsandra, Coil mined further into the recesses of surrealist eldritch electronica Balance termed “moon music” – post-industrial spellcasting at the axis of narcotic and nocturnal energies. Musick To Play In The Dark² spans a full witching hour of bad acid sound design, synthesizer voyaging, opiated balladry, Luciferian glitch, and subliminal hymnals, alternately ominous, oracular, and absurd. Scottish gothic icon Rose McDowall guests on vocals for two tracks but otherwise the album is a hermetic affair, tapping into the group’s limitless insular synergy.
Opener “Something” is stark and incantational, a spoken word experiment for windswept voids. “Tiny Golden Books” unspools an aerial whirlpool of cosmic synth, both whispery and widescreen. “Ether” is an exercise in funeral procession piano and intoxicated wordplay (“It's either ether or the other”), while “Where Are You?” and “Batwings – A Liminal Hymn” lurk like liturgical murmurings heard on one’s death bed, framed in granular FX and flickering candlelight.
As a whole the collection skews more muted and remote than its predecessor, as if having grown accustomed to the nether regions of these darkening seances. But music box hallucination “Paranoid Inlay” captures the group’s oblique comedic side, always glimmering beneath: over a warped, wobbly beat Balance intones an opaque narrative of serenity, Saint Peter, and suicidal vegetables, accompanied by spiraling harpsichord and stuttering squelches of electronics. “It seems concussion suits you,” he repeats twice, like a macabre pickup line, before dictating a dear diary entry about risks and failures, finally concluding with as close to a self-portrait as Coil ever came: “On a clear day I can see forever / that the underworld is my oyster.”
// Unter der erstaunlichen Reihe von Meisterwerken der späten Coil-Ära gilt das Mond-Opus „Musick To Play In The Dark“ als künstlerischer Zenit der Band. Die Sessions, aus denen es hervorging, waren sogar so fruchtbar, dass eine zweite LP noch während der Entstehung der ersten Gestalt annahm. Unterstützt durch den walisischen Multi-Instrumentalisten und Tontechniker Thighpaulsandra tauchten Coil weiter in die Tiefen der surrealistischen Elektronika, die Bandgründer John Balance als "Mondmusik" bezeichnete. „Musick To Play In The Dark²“ umspannt eine ganze Geisterstunde post-industrielle Zauberei an der Achse von narkotischen und nächtlichen Energien: „Bad Acid“-Sounddesign, Synthesizer-Reisen, opiumhaltige Balladen, luziferischer Glitch und unterschwellige Hymnen; abwechselnd unheilvoll, orakelhaft und absurd. Die schottische Gothic-Ikone Rose McDowall ist bei zwei Stücken als Gastsängerin zu hören."
Mastered by Josh Bonati.
Double LP, with Side D Moon Etching.
https://www.daisrecords.com/collections/releases/products/coil-musick-to-play-in-the-dark-2
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2022 |
€29.50 |
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Musick to play in the Dark 2 |
CD |
After leaving London in 1999 for the sleepy seaside retiree town of Weston-super-Mare, Coil co-founders John Balance and Peter “Sleazy” Christopherson set up shop in a palatial eight-bedroom estate to pursue the outer reaches of the group’s heightening cabalistic chemistry. Among the staggering string of late-era masterpieces they produced is lunar opus Musick To Play In The Dark, widely hailed as an artistic zenith upon its release. The sessions that birthed it were in fact so fruitful that a second LP took shape during the creation of the first one.
Aided by the recent addition of Welsh multi-instrumentalist engineer Thighpaulsandra, Coil mined further into the recesses of surrealist eldritch electronica Balance termed “moon music” – post-industrial spellcasting at the axis of narcotic and nocturnal energies. Musick To Play In The Dark² spans a full witching hour of bad acid sound design, synthesizer voyaging, opiated balladry, Luciferian glitch, and subliminal hymnals, alternately ominous, oracular, and absurd. Scottish gothic icon Rose McDowall guests on vocals for two tracks but otherwise the album is a hermetic affair, tapping into the group’s limitless insular synergy.
Opener “Something” is stark and incantational, a spoken word experiment for windswept voids. “Tiny Golden Books” unspools an aerial whirlpool of cosmic synth, both whispery and widescreen. “Ether” is an exercise in funeral procession piano and intoxicated wordplay (“It's either ether or the other”), while “Where Are You?” and “Batwings – A Liminal Hymn” lurk like liturgical murmurings heard on one’s death bed, framed in granular FX and flickering candlelight.
As a whole the collection skews more muted and remote than its predecessor, as if having grown accustomed to the nether regions of these darkening seances. But music box hallucination “Paranoid Inlay” captures the group’s oblique comedic side, always glimmering beneath: over a warped, wobbly beat Balance intones an opaque narrative of serenity, Saint Peter, and suicidal vegetables, accompanied by spiraling harpsichord and stuttering squelches of electronics. “It seems concussion suits you,” he repeats twice, like a macabre pickup line, before dictating a dear diary entry about risks and failures, finally concluding with as close to a self-portrait as Coil ever came: “On a clear day I can see forever / that the underworld is my oyster.”
// Unter der erstaunlichen Reihe von Meisterwerken der späten Coil-Ära gilt das Mond-Opus „Musick To Play In The Dark“ als künstlerischer Zenit der Band. Die Sessions, aus denen es hervorging, waren sogar so fruchtbar, dass eine zweite LP noch während der Entstehung der ersten Gestalt annahm. Unterstützt durch den walisischen Multi-Instrumentalisten und Tontechniker Thighpaulsandra tauchten Coil weiter in die Tiefen der surrealistischen Elektronika, die Bandgründer John Balance als "Mondmusik" bezeichnete. „Musick To Play In The Dark²“ umspannt eine ganze Geisterstunde post-industrielle Zauberei an der Achse von narkotischen und nächtlichen Energien: „Bad Acid“-Sounddesign, Synthesizer-Reisen, opiumhaltige Balladen, luziferischer Glitch und unterschwellige Hymnen; abwechselnd unheilvoll, orakelhaft und absurd. Die schottische Gothic-Ikone Rose McDowall ist bei zwei Stücken als Gastsängerin zu hören."
Mastered by Josh Bonati.
https://www.daisrecords.com/collections/releases/products/coil-musick-to-play-in-the-dark-2
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2022 |
€15.00 |
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| COLECLOUGH, JONATHAN & ANDREW LILES |
Torch Songs |
do-LP |
"Liles Reworking injiziert sublimen Feinklang in Colecloughs Improvisationen, etwas Subliminales, ein ständig morphendes, mäanderndes Sirren und Dröhnen, fernen Glockenklang, knispeliges undefinierbares Hantieren. Die Sinne werden in einen träumerischen Zustand versenkt, der sie offen macht für Halluzinationen, die die rechte Hirnhälfte der linken einflößt und zusummt. Die Flamme dieser ‚Torch Songs‘ ohne Worte brennt für keine verlorene Liebe, keinen unbekannten Soldaten, sondern vielleicht für das Unbekannte selbst." [Bad Alchemy]
"'Torch Songs' is a collaboration between Jonathan Coleclough and Andrew Liles. They met in October 2004 when they both performed at Intergration 3 in Preston, UK. Liles subsequently reworked the recording of Coleclough's solo performance from that evening. He went on to add, subtract, multiply and divide further live recordings supplied by Coleclough, and the eventual result was this double LP. 'Torch Songs' is packaged in a gatefold sleeve featuring 'I dreamt I was a river,' a poem composed and painted by Geoff Sawers during a performance with Coleclough in Geneva in March 2005. The sound of Geoff's brush painting this lettering can be heard on side B of 'Torch Songs'. The album comes in a beautiful full colour gatefold sleeve with full colour inner sleeves in a limited edition of 500 copies. 180gr. Vinyl !" [press release]
"Much like the entire back catalogue of John Duncan, British avant-drone artist Jonathan Coleclough has often buttressed his work
through an ongoing set of collaborations, each of which push his work into interesting territories while maintaining that essence of Coleclough that makes all of his albums so enthralling. His 2006 collaboration with Murmer was easily one of the best drone albums of that year, twisting field recordings and quiet sessions with electric objects into a gauzy, crepuscular blur that even made those at Artforum perk up their ears and listen. Torch Songs came to fruition when both Coleclough and Liles performed in Preston (probably at the request of the ever-charming Colin Potter) in 2005. In fact, much of the source material for Torch Songs originated from Coleclough's performance to which Liles went on to "add, subtract, multiply, and divide" further. The fundamentals of Torch Songs are primarily Coleclough's signature moves: swelling, resonant drones manipulated from acoustic sources and distilled into tonally vibrant beams of pure sound. Yet, Liles (who in and of himself is a fine technician of sonic alchemy to the point where he has often graced the stage alongside Steve Stapleton, Colin Potter, and Matt Waldron in Nurse With Wound) interjects his own sidereal gestures with wooden creaks, digital time stretching, radiant eruptions of dissonant couplings with Coleclough's drones, and occasional jaunts of heavily filtered tin-can and rubber-band rhythms that parallel much of the output from Liles' recent 12 part Vortex series. Yet for all of Liles' baroque flares for the sonically surreal, it is Coleclough who authors the
strongest material on Torch Songs through his sublime use of the drone. The first 300 copies of Torch Songs comes with a bonus CD that
documents Coleclough's aforementioned Preston performance back in 2005." [Aquarius Records]
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2007 |
€22.50 |
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| COLLEEN |
Everyone alive wants Answers |
CD |
"Spinnenwebartige Soundgebilde voller Magie und Charme: Debüt der Französin.
Mit "Everyone Alive Wants Answers" legte im Jahr 2003 die damals 26-jährige Französin Cecile Schott aka Colleen ihr Debütalbum vor. Begleitet von einer defekten Effektmaschine, Glockenspiel und Gitarre entstanden spinnenwebartige Soundgebilde voller Magie und Charme, die einen nachhaltig verzaubern." [label info / Indigo]
www.theleaflabel.com
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2003 |
€15.50 |
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| COMMON EIDER, KING EIDER |
A Wound of Body |
LP |
The masters of contemporary ritualistic black ambience return with the first part of their "Wound" duology, two separate releases linked sonically, visually and spiritually, together forming the group’s most focused and fully realized work to date. The two releases together will offer up a sprawling, audial exploration of wounds at once physical and spiritual, social and societal, natural and environmental. Sonically, A Wound Of Body is a beautifully stark soundscape, dolorously dense, suffocatingly oppressive and utterly claustrophobic. An immersive black hole of bleak, cavernous dronemusic and disquieting, desolate ambience, each track a hushed and harrowing ritual; the surface minimalism underpinned by a churning morass of sound, a layered liturgy of blackened invocations and nebulous strings hovering in the shadow
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2018 |
€25.00 |
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| CONCERN |
Truth and Distance |
CD |
Neue Drone-Entdeckung aus den Staaten! Nah-Klänge & Vibrationen diverser Instrumente wie Zither, Klarinette, Horn oder Posaune werden mit Kontaktmikros aufgefangen und in obertönreiche, polyphone und recht rauhe Klangfelder transformiert. Drei Stücke mit sehr lebendigen, erhabenen Drones in verschiedenen Färbugen sorgen hier für sonores Entzücken! Zum entdecken !
"...Essential listening for the drone inclined, and any one into Tim Hecker, Aidan Baker, Fennesz, Belong and the like might just have
a new favorite record." [Aquarius Rec]
"Also Gordon Ashworth, also known as Concern, is a new name for me, who delivers three pieces on his 'Truth & Distance' release, which are alike Darwinsbitch in the field of drone music. He uses zither, lap harp, mbira, banjo, piano, clarinet, alto horn, trombone, accordion and lots of reverb. His instruments are scanned with vibrating objects in order to create overtones and it makes this almost a modern classical release. Somewhere in between music for an installation and Phill Niblock, I'd say. This is more the territory where things are on endless sustain, but perhaps due to the variety of sources and the relative shortness of the pieces things don't leap into static, but are vibrating, changing throughout its minimalist approach to keep things fascinating. Ashworth has plenty of skills to deliver three fine pieces. Not a second too long, not a minute too short. Very nice work." [FdW / Vital Weekly]
"Gordon Ashworth is Concern and this is his manifesto. Truth & Distance is a mini-epic, a minor masterpiece. Within these sonic walls lies a stunning landscape, adrift in golden tones and silver siren songs. Ashworth creates beautiful, shimmering music that defies categorization. It stands on its own, droning away into the furthest reaches of the night. Using only acoustic instrumentation, Ashworth conceives pieces of music in which resonance and timbre mutate and in the air and unfold naturally, organically. Hints of piano glisten like night shadows whispering through the leaves. Strings are bowed and plucked into oblivion. Everything is turned into a pile of reverb. Everyone is a ghost. Concern will shine a light on it all. Truth & Distance indeed. It's all coming up roses this time. Co-released with Iatrogenesis. Packaged in custom-designed silkscreened gatefolds by Seizure Palace."
[label info]
www.digitalisindustries.com
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2009 |
€10.00 |
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| CONTROLLED DEATH (MASONNA) / MAYUKO HINO |
Split |
pic-LP |
Two giants of the Japanese Noise scene present exclusive material on a special limited vinyl release.
Controlled Death is the nom de plume of Maso Yamazaki (MASONNA), who unleashed his claustrophobic Death Industrial / Blackened Electronics debut for Cold Spring last autumn (the sold out split LP with Rudolf Eb.er). "Devil's Sacrifice" (in 6 parts) continues Maso's obsession with heavy, Korg MS-20 drones. Deranged vocals choked under impenetrable, blood-soaked atmospheres of doom, death and decay, saturated with washes of anxiety, paranoia and alienation.
Mayuko Hino, 'Queen Of Japanese Noise', delivers two lengthy tracks. While the first track is filled with feverish, dense noise and swathes of savage electronics, the second, mind-melting electronic piece (reminiscent of her debut album 'Lunisolar' for Cold Spring) descends into a diseased, suffocating maelstrom, finishing on the verge of psychosis. In addition to self-made instruments, Mayuko plays noise with her six-theremin oscillators (in bright pink) - the one and only in the world, specially made by Ryo Araishi (a.k.a. ichion). Mayuko is most well-known for forming C.C.C.C. (Cosmic Coincidence Control Center) in 1990, together with Hiroshi Hasegawa, Fumio Kosakai and Ryuichi Nagakubo.
Picture disc LP. Ltd x 400 copies in a heavy PVC archive sleeve. |
2021 |
€26.00 |
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| COOP |
Moped |
CD-R |
Die Nr. 4 auf dem Grazer Elektronik-Experimental-Label TONTO. Hinter COOP stecken die Herren / Frauen? HEINRAUCH, MATTERSDORFER, SCHMIDT und KAPLAN, die hier in verschiedenen Kombinationen improvisiert haben, meist handelt es sich um recht eingängige, aber spannend arrangierte elektro-rhythmische Stücke mit verzerrten Frauen-Stimmen & Sounds, irgendwie „undergroundig“ low-fi unterkühlt und sehr eigen...
“live-elektronik / improvisation; die komposition der stücke entwickelt sich, ausgehend von gegebenen sound- und rhytmusmustern im zuge der zusammenarbeit einzelner musikerInnen; welche in weiterer folge editiert und weiterbearbeitet werden können. [dieter mattersdorfer]“
www.tonto.at
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1999 |
€11.00 |
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| CORDIER, ERIC & DENIS TRICOT |
Orgue de Bois |
CD |
"Wie urig die Welt der Prêles, der Schachtelhalme, ist, nach denen ERIC CORDIER sein zusammen mit Satoko Fujimoto betriebenes Label benannt hat - auf Englisch heißen die ‚lebenden Fossilien‘ übrigens ‚Horsetails‘ - , das hört man besonders gut bei Orgue de Bois
(prl003). DENIS TRICOT baut diese ‚Holzorgeln‘, große Land-Art- und gleichzeitig Klangskulpturen, die sich 30 Meter lang und 3, 4 Meter hoch durch die Luft schwingen. Es sind Konstruktionen aus geschweiften Birkenholzlamellen, die durch den Raum kurven wie bizarr verholzte Lianen oder erstarrte Mähnenhaare eines Riesenpferdes, von Drähten gehalten und mit Steingewichten geerdet. Zu ‚Orgeln‘ werden sie, wenn man diese Lamellen durch Klopfen und Schaben, mit bloßen Händen oder einem Streichbogen, zum Federn und Schwingen bringt, so dass sie knarrende und wummernde Laute von sich geben, manchmal so sonor, dass sie fast einem Didgeridoo ähneln, oft perkussiv als tockendes Klappern oder dumpfes Pochen, oder auch gestrichen wie knurrig, krätzig und quietschend vibrierende
Monsterbasssaiten. Das ‚Holzige‘ wird als Grundton gut hörbar, auch das Urige als dunkler U-Laut und dazu der Eindruck von etwas Großem, von raumgreifender Spannweite. In den hölzernen Langwellen ist Klang ja schon sichtbar, bevor man ihn hört, die ‚Holzorgeln‘ sind
wie zeremonielle Instrumente oder sogar Altäre eines uralten Klangkultes. Die Aufnahmen stammen aus Charentonneau à Maisons-Alfort (Festival de l‘Oh! 2006), La Ferté-sous-Jouarre (Festival Mémoires Vives à l‘initiative d‘Act‘Art 77 2006) und Ville de Vaux-sur-Mer (2007), wobei, anders als bei den multimedialen Events, die Tricot ebenfalls inszeniert, ausschließlich die ‚Holzorgel‘ zu hören ist, ohne Overdubs, aber eingebettet in das Environment, mit Stimmen, Glockenschlägen, Vögeln etc." [Bad Alchemy]
"In the last few years, with their Orgue de bois (Wooden Organ), Denis Tricot and Eric Cordier have installed constructions, which are at the same time sculpture and musical instrument in many public spaces. Each Wooden Organ is unique, conceived for the space that will receive it. A monument, a square, a street, a city... With its long undulating wooden lines (successions of joined slats), it creates privileged spaces which are exposed to the public eye. After a performance, the audience is free to explore and discover the instrument's vast potential for musical sounds and noises.
More that thirty Wooden Organs have been created in the lat four years in France and Italy. Generally around thirty metres long, these monumental yet extremely light sculptures integrate in their construction the basic principles of lutherie (instrument-building), and can be played like any string or percussion instrument. The Wooden Organ is very simply amplified. The recordings, like the concerts, use no electronic processing, but the monumental instrument itself intentionally contains principles of mechanical resonance and vibration." [label info]
http://www.prelerecords.net/prl003/prl003.htm
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2008 |
€13.00 |
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| CORDIER, ERIC & JEAN-LUC GUIONNET |
Synapses |
CD |
Eine beeindruckende Instrumental / Objekt-Installation, diverse Saiteninstrumente (Cello, Gitarren, etc.) bilden in einem aufgehängten, verbundenen System mit Metall-Resonatoren & und aufgespannten Drähten ein akustisches, 3-dimensionales System. Egal wo man es berührt, es werden dadurch weitere Klänge ausgelöst, meist von dröhnend-metallischer Textur. Das schöne aufklappbare Booklet zeigt die unglaubliche Kreation, zwei Improvistationen von 1996 & 1998 wurden hier verewigt (Paris), über 70 Minuten Spielzeit.
NOISE-MAKER'S FIFES, ORGANUM, Y-TON-G fallen einem als Referenzen ein, aber hier passiert alles in "real time" und ohne weitere Effektierung.
"Synapses (Jean-Luc Guionnet et Eric Cordier) is an instrumental device of combined string instruments (acoustic and electric guitars, detuned piano, spinett-vina, hurdy-gurdy and cello), percussion instruments and metal resonnators --all interconnected with double-bass-, cello- and guitar strings. When one string is played the resulting sound or movement is transfered by the connected strings to the next resonator. Thus one action causes several sound events. In fact, it's impossible to touch one element of the system without getting response of the whole device. Synapses is an hanging sensible network... "
[label info] |
1999 |
€13.00 |
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| COSEY FANNI TUTTI |
Delia Derbyshire: The Myths and the Legendary Tapes |
LP |
Cosey Fanni Tutti has announced details of a new album, Delia Derbyshire: The Myths and the Legendary Tapes, her original soundtrack recordings for Caroline Catz's acclaimed film about Derbyshire. In 2018, Cosey Fanni Tutti was commissioned to write the soundtrack to director and actor Caroline Catz's acclaimed, intimate portrayal of the composer, musician, and sonic experimentalist, Delia Derbyshire (1937-2001). Best known for her groundbreaking work on the 1963 Doctor Who theme tune, Derbyshire was instrumental in giving easy access to and rewiring a nation's attitudes towards electronic music. Working within the often-stifling confines of the BBC Radiophonic Workshop, her experimentalism -- which saw her manipulating magnetic tape, found sounds and electronics -- is only now being given full credit for the immeasurable impact it has had on the way we hear the world. The new album includes the audio explorations and experiments that lead Cosey Fanni Tutti to the final soundtrack for Catz's film. From the four-minute long "Cornet Lament" to the humorous "Snuff Chorus" (which references an addiction that Derbyshire had for snuff), the album is a journey through both Delia and Cosey's practise -- Fanni Tutti spent time researching Derbyshire's archives (both musical and the more personal ephemera of her life) to create an audio world for Catz's depiction of the artist to inhabit. Fanni Tutti explains, "The compositions are inspired by my research of the Delia Derbyshire audio archive, Delia's original compositional notes and techniques which in combination with my admiration and love of Delia's work provided a way to integrate her style and approach to music with my own. An alliance of our sensibilities." The new album follows the release of Cosey Fanni Tutti's new book, RE-SISTERS: The Lives and Recordings of Delia Derbyshire, Margery Kempe and Cosey Fanni Tutti. The music was composed, performed and produced by Cosey Fanni Tutti in Twickenham Studio 3, London and Studio 47 in Norfork, with vocals by Cosey Fanni Tutti and Caroline Catz, alongside the voice of Delia Derbyshire.
Musician, artist, and author Cosey Fanni Tutti has continually challenged boundaries and conventions for four decades. As a founding member of the hugely influential avant-garde band Throbbing Gristle, as one half of electronic pioneers Chris and Cosey, and as an artist channeling her experience in pornographic modelling and striptease, her work on the margins has come to reshape the mainstream. Her first solo album, Time To Tell (1983) was followed by 2019's Tutti and her debut book, Art Sex Music, was published in 2017.
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2022 |
€30.00 |
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Delia Derbyshire: The Myths and the Legendary Tapes |
CD |
Cosey Fanni Tutti has announced details of a new album, Delia Derbyshire: The Myths and the Legendary Tapes, her original soundtrack recordings for Caroline Catz's acclaimed film about Derbyshire. In 2018, Cosey Fanni Tutti was commissioned to write the soundtrack to director and actor Caroline Catz's acclaimed, intimate portrayal of the composer, musician, and sonic experimentalist, Delia Derbyshire (1937-2001). Best known for her groundbreaking work on the 1963 Doctor Who theme tune, Derbyshire was instrumental in giving easy access to and rewiring a nation's attitudes towards electronic music. Working within the often-stifling confines of the BBC Radiophonic Workshop, her experimentalism -- which saw her manipulating magnetic tape, found sounds and electronics -- is only now being given full credit for the immeasurable impact it has had on the way we hear the world. The new album includes the audio explorations and experiments that lead Cosey Fanni Tutti to the final soundtrack for Catz's film. From the four-minute long "Cornet Lament" to the humorous "Snuff Chorus" (which references an addiction that Derbyshire had for snuff), the album is a journey through both Delia and Cosey's practise -- Fanni Tutti spent time researching Derbyshire's archives (both musical and the more personal ephemera of her life) to create an audio world for Catz's depiction of the artist to inhabit. Fanni Tutti explains, "The compositions are inspired by my research of the Delia Derbyshire audio archive, Delia's original compositional notes and techniques which in combination with my admiration and love of Delia's work provided a way to integrate her style and approach to music with my own. An alliance of our sensibilities." The new album follows the release of Cosey Fanni Tutti's new book, RE-SISTERS: The Lives and Recordings of Delia Derbyshire, Margery Kempe and Cosey Fanni Tutti. The music was composed, performed and produced by Cosey Fanni Tutti in Twickenham Studio 3, London and Studio 47 in Norfork, with vocals by Cosey Fanni Tutti and Caroline Catz, alongside the voice of Delia Derbyshire.
Musician, artist, and author Cosey Fanni Tutti has continually challenged boundaries and conventions for four decades. As a founding member of the hugely influential avant-garde band Throbbing Gristle, as one half of electronic pioneers Chris and Cosey, and as an artist channeling her experience in pornographic modelling and striptease, her work on the margins has come to reshape the mainstream. Her first solo album, Time To Tell (1983) was followed by 2019's Tutti and her debut book, Art Sex Music, was published in 2017.
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2022 |
€15.00 |
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| CRESHEVSKY, NOAH / IF, BWANA |
Favorite Encores |
CD |
Split-Album mit vier Stücken von NOAH CRESHEVSKY und seiner HYPERREALISM-Musik, dazu 3 Stücke vom POGUS-Label Betreiber und experimentellen Urgestein IF, BWANA. Anspruchsvolle & aufregende Neue Experimentalmusik, basierend auf instrumentalen & vokalen Klangquellen..
"A split cd of works by Noah Creshevsky (4 tracks) and If, Bwana (3 tracks). While on the face of it this may seem a somewhat odd pairing, the pieces recorded here comment on and highlight each other. And as the above quotes suggest, an aural adventure is indeed in the offing.
Trained in composition by Nadia Boulanger in Paris and Luciano Berio at Juilliard, Noah Creshevsky has taught at Juilliard, Princeton University, and Brooklyn College. He was director of the Center for Computer Music (1994-2000) and is currently Professor Emeritus at Brooklyn College of the City University of New York. His musical vocabulary consists largely of familiar bits of words, songs, and instrumental music that are edited but rarely subjected to electronic processing. The result is a music that obscures the boundaries of real and imaginary ensembles though the fusion of opposites: music and noise, comprehensible and incomprehensible vocal sources, human and superhuman vocal and instrumental capacities. Creshevsky's most recent hyperrealist compositions explore the fragmentation and reconstruction of pre-existing music in combination with original synthetic and acoustic materials. Moments suggest musical environments of indeterminate ethnicity--simultaneously Western and non-Western, ancient and modern, familiar and unfamiliar.
Hyperrealism is an electroacoustic musical language constructed from sounds that are recognizable parts of our shared environment ("realism"), handled in ways that are exaggerated or excessive ("hyper"). Hyperrealist music exists in two basic genres. The first uses the sounds of traditional instruments that are pushed beyond the capacities of human performers in order to create superperformers--hypothetical virtuosos who transcend the limitations of individual performance capabilities (e.g., Mari Kimura Redux, Intrada, Favorite Encores). Hyperrealism of the second genre aims to integrate vast and diverse sonic elements to produce an expressive and versatile musical language. Its vocabulary is an inclusive, limitless sonic compendium, free of ethnic and national particularity (e.g., Shadow of a Doubt). Hyperrealism celebrates bounty, either by the extravagant treatment of limited sound palettes or by the assembling and manipulating of substantially extended palettes.
Al Margolis has been working under the musical pseudonym If, Bwana since New Year's Day 1984. There are often collaborators in this project‹both knowingly and unknowingly. Both are represented on this recording. Xyloxings was a concept-based work that in the end had the concept discarded for compositional considerations. Lisa Barnard's vocals were recorded with her direct knowledge. Scraping Scrafide uses a portion of Tony Scafide's piano part from a prior work of mine‹3 Out of 4 Ain't Bad‹and processes it. Cicada #4: Barnard Mix is part of my "discipline" series‹an open set of works‹and uses Barnard's vocals from other sessions to create one of many possible versions of this work." [press release]
"... Creshevsy choose the term 'hyperrealis' for the typical electro-acoustical music he developed. In three compositions on this cd ('Mari Kimura Redux'‚ 'Intrada' and 'Favorite Encores') Creshevsky "uses the sounds of traditional instruments that are pushed beyond the limitations of individual performance capabilities". Creshevsky is a master in the field of audio-collage and plunderphonic-like procedures and leaves us with many questions. For example we often hear violins in his work, playing in a style that we are used from normal classical music. But I'm not sure whether he takes samples from already existing (violin)works by others, or whether he composes pieces for violin first to be used consequently by him in his collage work. Comparable to how Biota works. His compositions make the impression of staying close to classical musical structures, but transcended to unknown heights through his virtuoso manipulation work. The music has an enormous speed and drive, combined with an enormous flexibility and maneuverability. In each piece we are constantly exposed to an intensity and complexity that we don't often find in music. His works open dazzling dimensions and perspectives. On the other hand the music remains fluent and accessible, very lively and of an appealing dramatic. Great work! 'Intrada' is of special interest because of the use of (samples of) the fantastic voicework by Chris Mann.
If, Bwana is the pseudonym Al Margolis uses already since 1984 for his musical output. As a guest he was present on Creshevsky's 'To know and not to know'. Between the highly informed and complex music of Creshvesky, the works of If Bwana offers us some rest. His pieces develop in a slower pace and are built from a smaller set of soundmaterial. In 'Xyloxings' and 'Cicada # 4; Version Barnard', the voice of Lisa Bernard plays a prominent role. For 'Scraping Scrafide' If, Bwana makes uses of the piano playing of Tony Scafide, taking from an earlier composition by If, Bwana. In comparison to maximalistic efforts of Creshesky, the works If Bwana are more of a minimalistic approach." [DM / Vital Weekly]
www.pogus.com
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2008 |
€13.00 |
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| CURRENT 93 |
If a City is set upon a Hill [coloured vinyl] |
LP |
"Das neue Current 93-Album verweist mit dem auf den ersten Blick untypischen Fliesen-Artwork, auf denen der Mord Kains an Abel dargestellt ist, auf Current 93s „Rockalbum“ „Aleph At Hallucinatory Mountain“, auf dem es hieß: „In the beginning was the murderer“. Musikalisch-personell knüpft es stark an das 2018 erschienene Album „The Light Is Leaving Us All“ an, wurde „If A City Is Set Upon A Hill“ doch in fast der gleichen Besetzung aufgenommen – im direkten Vergleich ist „If A City“ vielleicht etwas elegischer und mit seinen sieben Stücken und 37 Minuten Laufzeit recht kurz, dabei allerdings nicht weniger gehaltvoll.
Schaut man in die Entwicklung Current 93s, dann ist es sicher kein Zufall, dass viele der als Referenzwerke gesehenen Alben aus den 90ern, die nicht unerheblich zum Kultstatus des Projekts um David Tibet beigetragen haben, durch eine relativ stabile Kernbesetzung eingespielt wurden und darüberhinaus eine Vielzahl starker – solch ein Begriff mag bezogen auf Current 93 vielleicht etwas profan anmuten – Songs enthielten. Die Qualität der einzelnen Stücke trug dann auch sicher nicht unerheblich dazu bei, dass das 2018 erschienene „The Light Is Leaving Us All“ das vielleicht stärkste Album seit “Black Ships Ate The Sky” war.
Seit “The Light…” erschienen die weitgehend instrumentalen, von Soundscapes durchzogenen Alben „Invocations Of Almost“, „If A Star Turns Into Ashes“ sowie die beiden Soloalben Tibets („Ferelith“ und „Fontelautus“), die in ihrer somnambulen (Alp-)Traumatmosphäre und atmosphärischen Dichte zumindest zum Teil an das Verstörende und Irritierende des Frühwerks anknüpften.
Das schon vorab veröffentlichte das Album eröffnende „If A City…“ legt den Ton, die Stimmung fest: Im Zusammenspiel von Drones, Klavier und Geige entsteht ein elegisch-melancholisches Stück und Tibet, der hier – wie schon auf seinen Soloalben – nur noch unter seinem Vornamen firmiert, intoniert: „If under G+D’s Wing/By the JawBone and HeeHaw/The donkey creeps silently/Through the door in the hall/Then plague and mice/And the woodlice stream…“. Wenn man einem Instrument eine tragende und zentrale Rolle zusprechen will, so dann sicher der von Aloma Ruis Boada gespielten Geige, die das gesamte Album prägt. Auf „There Is No Zodiac“ setzt der dezente Einsatz von E-Gitarre leicht dissonate Akzente. Auf dem dann folgenden „Joke Moon“ gibt es ein fantastisches Zusammenspiel von Alisdair Roberts wunderschön gezupfter Gitarre und der Violine. Auch auf „A Column Of Dust“ erzeugen Gitarre und Geige und der dramatische Gesang Tibets eine beeindruckende Atmosphäre – man möchte dem von ihm besungenen “Final Express Train” nicht unbedingt begegnen. „The Child, And Fire” erinnert mit seinen Pianopassagen entfernt an „Soft Black Stars“.
Textlich finden sich die thematischen Obsessionen, die das Werk Current 93s seit Jahr(zehnt)en prägen: Apokalyptische Szenarien werden entworfen: „It it rains razors, and murders, and slaughters“, „The Moon is dead now—Joke Moon!“, „A castle or Moloch“, „And the noise in your eyes/Has the rumours of wings/And the fly and the hornet/From the Scorpion RainBow“, „In the walls the colourful cartoons/Are covered with sores“), das Zusammenspiel von Profanem und Erhabenem („In time for tea, in time for end“), Nursery Rhymes („By the butcher, and the baker, /And the candlestick maker“, “Just memories stretched out/From nursery rhymes or spectres”), (der) Gott in all seiner Ambivalenz: „Vengence in His Eye/I AM THE LORD! – THE KILLER AND THE CREATOR“.
Muss man beim Titel des Albums vielleicht unweigerlich an die von John Winthrops aus der Bergpredigt (“You are the light of the world. A city set on a hill cannot be hidden“) entlehnte Fortmulierung denken, der so eine zentrale Rolle beim Selbstverständnis der amerikanischen Nation zukommt, denken, erfährt man im Booklet, dass die Inspiration für das Album ein akkadischer Text namens „If A City Is Set Upon A Height“ ist. Passenderweise dankt Tibet im Booklet seinen Hebräisch-, Akkadisch-, Koptisch- und Ugaritischlehrern, erneut sein Interesse an (ur-)alten Sprachen, am logos betonend, der ja “im Anfang” war.
Letztlich ist es so erfreulich wie erstaunlich, dass nach dem fast 40-jährigen Bestehen Current 93s, “your favourite hallucinatory skipping-rope”, wie es auf dem Albumcover heißt, noch immer Alben entstehen, die beeindrucken können und beeindruckend sind und ein Spätwerk einläuten, das viel verspricht." [MG, African Paper] |
2022 |
€37.50 |
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In Menstrual Night |
pic-LP |
In Menstrual Night was recorded in 1985 by Current 93, who could never be: David Michael Tibet, Hilmar Örn Hilmarsson, Steven Stapleton, Diana Rogerson, John Balance, Ruby Tathata Wallis, Keiko Yoshida, Rose McDowall and Bee. The album was mixed by Steven Stapleton, and was originally released as a picture disc on United Dairies / Maldoror (UD022/M) in 1985.
"Das 1985 mit einem mehr als soliden Line-up (neben David Tibet waren das Bee, Diana Rogerson, Hilmar Örn Hilmarsson, Keiko Yoshida, Rose McDowall und Ruby Wallis, wobei man v.a. Stephen Stapletons finaler Abmischung Respekt zollen muss) aufgenomme und als Picture Disc auf United Dairies veröffentlichte “In Menstrual Night” nahm im Frühwerk von Current 93 insofern eine Sonderstellung ein, dass es auf die harschen Lärmelenente, die auf “Nature Unveiled” oder “Dogs Blood Rising” zu hören sind, weitgehend verzichtet und seinen hörspielhaften Kollagen-Charakter auf subtilere Weise offenbart. Dabei fallen die beiden Stücke “Sucking up Souls” und “To Feed the Moon” aber kaum weniger beängstigend aus.
Das einundzwanzigminütige “Sucking up Souls” basiert überwiegend auf dem Einsatz von (in der Mehrheit weiblichen) Stimmen, die zu einer unentwirrbar wirkenden Kollage montiert sind. Dabei ist die Vielfalt der Performance von Gesang über Spoken Words bis zu gespenstischem Flüstern beeindruckend: Den Auftakt macht ein liturgisch anmutender Sopran, der sich schon bald mit anderen klassischen Gesängen überlappt und mit ihnen zusammen verquere Ornamente entstehen lässt. Der Loop einer bellenden Männerstimme, die man als Reminiszenz der abgründigeren Vorgängeralben verstehen könnte, bringt etwas Kantiges ins Bild, bis sie von einem dröhnenden Rumoren gepackt und in den Hintergrund gezogen wird. Rasselnde Ketten lassen einen neuen Abschnitt beginnen, in dem verwaschene Chöre den Hintergrund bilden für eine kindliche Stimme, die einen lyrischen Text rezitiert, bis alles verschwimmt und die liturgischen Gesänge wieder an die Oberfläche dringen. All diese immer wieder abtauchenden und in der einen oder anderen Weise wieder auftauchenden Motive scheinen stets auf der Suche nach einer adäquaten Form zu sein und müssen doch immer wieder ihre Auflösung erleben, die hier in einer Feinsinnigkeit inszeniert wird, die damals wahrscheinlich Standards gesetzt hatte.
Das die zweite Seite füllende “To Feed the Moon” wirkt im herkömmlichen Sinne “musikalischer”: Was mit dunkler Dröhnung und hellen, entrückten Klangtupfern startet, wird schnell zum melodischen Fundament für einen fast den ganzen Track durchziehenden tribalen Trommelrhythmus, der – das ist der einzige Wermutstropfen – immer etwas aufgeklebt wirkt, und zwischen dessen leicht aus den Fugen geratenen Anschlägen sich dann auch wieder Stimmen nach oben schleichen. Neben der kindlichen Stimme (wahrscheinlich Ruby Wallis), die eine Art Kehrreim aufsagt, ist dann auch Tibet etwas deutlicher zu hören. Im Unterschied zum ersten Track ist das Stück veränderlicher und mündet nach einer Phase relativer Ruhe in ein fast rockiges Szenario, das mit etwas Fantasie wie eine Vorstufe zu einem Stück wie “Panzer Ruin” klingt.
Die Soundkollagen als eine Art Archiv geträumter (und gestorbener) Träume zu sehen, ist eine durchaus naheliegende Assoziation, die Tibets Ideen zu dem Album entspricht, während Stapleton die Sounds als Geräusche eines nächtlichen Sanatoriums verstand. Natürlich öffnen Album- und Tracktitel weitere Assoziationen. Über David Tibets Interesse am Menstruationszyklus ist viel geschrieben worden, und in der Tat tauchten damit verbundene Motive, auch in für Tibet typischer Verknüpfung mit anderen Themen, für lange Zeit immer wieder im Werk von Current 93 auf, und bis heute tragen Veröffentlichungen den Mond im Titel. Bei den beiden Stücken auf “In Menstrual Night”, in denen Seelen aufgesaugt und der Mond gefüttert wird, könnte man mutmaßen, dass eventuell G.I.Gurdjieff inspirierend war. In dessen kosmologischer Theorie gibt es die Vorstellung, dass der Mond, der wie alle Himmelskörper wie ein lebender Organismus beschrieben wird, in seinem Bestreben, selbst ein Planet zu werden, Energie aus der irdischen Biosphäre saugt. Besonders die Seelen der Menschen dienen ihm als Nahrung, und entziehen können diese sich dem Sog des Mondes nur durch einen enormen Fokus auf bestimmte esoterische Praktiken. Wer zu passiv und verführbar ist und dem hypnotischen Zauber des Trabanten erliegt, endet als Energiequelle für dessen Planetwerdung. Viele Interpreten haben diese Mythologie als Reflexion über feminine Energie gedeutet, was dann den Bogen zum Periodenzyklus schlägt – zur Frage, ob Tibet sich davon inspirieren ließ und wenn ja, wie tiefgehend, gibt es keine Belege. Wundern würde es nicht.
“In Menstrual Night”, in dessen CD-Version noch der Nightmare Culture-Track “KillyKillKilly (A Fire Sermon)” enthalten war, eröffnet einen interessanten Seitenpfad in der Diskografie von Current 93, der seine spätere Fortführung in Releases wie “Faust” und in den v.a. mit Andrew Liles produzierten EPs wie “The Moons At your Door” finden sollte – einer Musik, die vielleicht eine viel zentralere Rolle gespielt hätte und noch einige elaborierte Resultate hervorgebracht hätte, wäre das folkig eingefärbte Songformat nicht dazwischen gekommen. Da dies so nicht gekommen ist, sticht “In Menstrual Night” noch deutlicher hervor. House of Mythology gehen nun zu den Ursprüngen zurück und bringen als HomAleph eine neue limitierte Picture Disc des Albums heraus." [African Paper] |
2024 |
€32.00 |
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| CUTLER, CHRIS |
Twice around the Earth. An Experiment in listening |
CD |
Ein Hör-Experiment vom Recommended Records-Betreiber, diese Produktion fürs ORF Kunstradio (www.kunstradio.at/2003A/cutler).
Eine unglaubliche Fülle von field recordings werden quasi als „Reise um die Welt“ verarbeitet: ein Versuch, die Subjektivität und Voreingenommenheit beim Hören zu überwinden...
„Out of the Blue Radio ist eine Radiosendung, die in London täglich zwischen 23.30 Uhr und Mitternacht auf Resonance FM (http://www.resonancefm.com), einem unabhängigen Sender für Radiokunst, ausgestrahlt wird. Gestartet wurde das einjährige, budgetlose Projekt im Juli 2002.
Meine Idee für diese Sendung war es, den HörerInnen das Ohr einer anderen Person für jeweils eine halbe Stunde zu "leihen"; ein Fenster zu einer anderen Geräuschkulisse zu öffnen - entfernt oder nah -, die nicht ident mit der eigenen akustischen Umgebung ist. Die AutorInnen, die uns ihre Ohren zur Verfügung stellen, gestalten durchgehende, ungeschnittene halbstündige Aufnahmen von einem Ort ihrer Wahl, aufgenommen zwischen 23.30 Uhr und Mitternacht Londoner Ortszeit; d.h. halb vier Uhr nachmittags in Vancouver, 7.30 Uhr morgens in Peking oder 00.30 Uhr in Wien. Sie schicken diese unbearbeiteten Aufnahmen dann nach London, wo sie wie sie sind gesendet werden.
Ein wichtiger Aspekt des Projekts ist es, ganze Zeitblöcke in ihrer Entfaltung einzufangen; sie nicht zu verbessern oder umzumodellieren zu versuchen; sie nicht den Vorstellungen eines Produzenten, was gut klingt oder ästhetisch wertvoll ist, anzupassen, sondern einfach nur diese Momente einzufrieren. Ort und Tätigkeit sind gewählt, der Rest sich selbst überlassen. Dies sind allerdings nicht Schnappschüsse aus dem Leben, sondern Hörobjekte: Geräusche, die eingefangen werden und in fremden Kontexten reproduziert werden; Sounds, die gerahmt und objektiviert und unabhängig wiedergegeben werden.
Es scheint mir, dass die Beiträge mit ihrer rohen Beschaffenheit, am "Mangel" an Bearbeitung überhaupt nicht leiden - ganz im Gegenteil: sie entwickeln dadurch eine unglaubliche Kraft. Von allen anderen sinnlichen Wahrnehmungen und von ihren lebenden Quellen getrennt, enthüllen sie, was durch die Zwänge des Alltags, durch das wir eilen, unbedacht überhört wird. Geräusche, die instinktiv ignoriert, in Objekten aufgelöst oder absichtlich unterdrückt werden, können durch ihre unmittelbare Irrelevanz und die Gleichgültigkeit von Maschinen, die keine Subjektivität besitzen, zu neuem Leben erwachen.
Selbstverständlich "klingen" diese Geräusche, doch das ist nicht deren "Bekenntnis". Sie verlangen nicht, als reiner Sound gehört zu werden. Sie sind, was sie sind: Autos, Hämmer, Atmosphären - zugleich vertraut und rätselhaft. Und - wie Geräusche, die durch ein offenes Fenster dringen - können sie Beachtung finden oder ignoriert werden. Sie können lediglich eine Atmosphäre tönen - oder die Aufmerksamkeit auf sich ziehen und unser ästhetisches, analytisches und sogar narratives Auffassungsvermögen in Gang setzen.
Als ich gebeten wurde, diese Kompilation zu machen, wollte ich natürlich die Aspekte des Zufälligen und des Unmittelbaren, die so wichtig für das Projekt sind, bewahren. So, anstatt eine Auswahl der "best of" zu treffen oder besonders "interessante" Sounds herauszusuchen, entschied ich, mich von Geografie und Zeit leiten zu lassen. Ich plante eine akustische Reise zweimal um die Welt, wofür 43 der bislang 230 Aufnahmen verwendet werden. Geografische Angaben bestimmten die Reihenfolge der Stücke; der Zeitfluß welche Abschnitte/Orte innerhalb dieser geographischen Zonen gewählt wurden. D.h. ich nahm die ersten 55 Sekunden von der ersten Aufnahme, dann eine Strecke von ca. 0.55 bis etwa 1.50 Minuten von der nächsten usf. durch die Arbeit hindurch. Ich dies aber nicht so genau und entschied beim Anhören erst, wieviel ich von jedem 55-Sekunden-Abschnitt schlußendlich nahm und wo und wie ich die Übergänge gestalten wollte. Anders als die Überblendungen verweilen die "reisenden" Ohren allerdings immer an einem Ort nach dem anderen. Keine der Sounds wurde bearbeitet oder verändert.
Diese freeze-frame Ausgabe von Out of the Blue Radio, die sich eigentlich ähnlich einer Diaschau entwickelt, kann natürlich weder die Ganzheit des Programms noch den kumulativen Effekt, jeden Tag eine andere Welt zu betreten, transportieren; doch ich habe mich an die Priorität des Hörens gehalten, wilde Landschaften zu nehmen, bevor sie gejätet, bepflanzt und verbessert werden. Die täglichen Sendungen, sogar diese Montage, tragen nur leicht die Handschrift von menschlichen Entscheidungen oder Absichten. Der Rest ist, wie er ist.
So wie ich das Stück geschnitten habe, passiert alles, was man hört, während John Scott am Londoner Themseufer entlang läuft, in Hörweite des Big Ben. Das Stück geht John Scott los, der seinen Lauf beginnt, holt ihn bei der ersten Umrundung des Globus ein und kehrt wieder zu ihm zurück als er kurz vor Mitternacht seine Aufnahme beendet. Zwischenzeitlich reisen wir mit virtuellen 49.803 Meilen/Stunde (79.500 km/Sek.) in Quantensprüngen von Ort zu Ort.“ [Chris Cutler]
“An experiment in listening. These compositions are an offshoot of the daily soundscape programme I ran for Resonance FM radio between July 2001-2002, which consisted of commissioned real-time recordings made all around the world between 23.30 and midnight GMT (the time of the broadcast). This CD begins with material from these broadcasts confecting, as it were, two composites of the Earth and a few of its inhabitants, somewhat analogous to what an impossible satellite ear with pinpoint acuity might hear in transit - plus one ear-cleaning stretch between them, taken from a single hear-point. I have tried to make these pieces both open and to work on parallel levels: not only do they have their own narrative and aesthetic qualities, but I hope they also offer a meditation on listening and not listening, interpretation and structure, chance and microphonics. The list of ears around the world who supplied basic material is too long to print here, but it includes many names familiar from these catalogues, and many from the still young soundscape and phonograpic community. Full details of people and places are given in the booklet, along with artwork and thorough notes. You have to trust me on this, it's a really engaging record. Sometimes unbelieveable. I don't think you'll regret giving it a chance.” [ReR]
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2003 |
€14.00 |
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| CZUKAY, HOLGER |
Cinema |
5 x LP-BOX + DVD + 7inch VINYL-VIDEO |
Am 24. März 2018 wäre Holger Czukay 80 Jahre alt geworden. Die Vinylbox »Cinema«, die auf fünf Schallplatten assoziativ Holgers fast 60 Jahre währende musikalische Karriere nachzeichnet, war dementsprechend nicht nur als Retrospektive gedacht, sondern auch als Geburtstagsgeschenk, als Ehrung, als Dankeschön. Am 05. September 2017 jedoch stirbt Holger Czukay in seinem Kino in Weilerswist (Köln), dem alten Innerspace-Studio von Can, das er seit den 1970er-Jahren bewohnt, inmitten seiner Instrumente. Er wird neben seiner nur wenige Wochen zuvor nach langer Krankheit verstorbenen Frau Ursula Schüring (geb. Kloss, aka U-She/Ursa Major) begraben, schräg gegenüber liegt sein Freund und musikalischer Begleiter seit Can-Tagen, Jaki Liebezeit (✝2017). Es finden so gleich mehrere musikalische Urgesteine auf dem Kölner Melaten-Friedhof ihre letzte Ruhestätte, ganz nah beieinander.
Ihr Nachlass jedoch hat mit jener Stille des Friedhofs nicht viel zu tun – davon zeugt auch die Retrospektive »Cinema«: Die musikalische Reise beginnt mit der Jazz-Nummer »Konfigurationen«, bisher unveröffentlicht, die der universale Dilettant, wie Holger sich selbst zu bezeichnen pflegte, 1960 mit seinem Jazz-Quintett aufnahm. Es folgen Experimente, musikalische Meditationen, Meilensteine, Stolpersteine, Hits, Raritäten und Ausgegrabenes. Die noch vor Can entstandenen Stücke unter dem Projektnamen Canaxis 5 etwa (mit Rolf Dammers), die 1969 heimlich im Stockhausen-Studio aufgenommen wurden und hier – längst vergriffen – nun ihre Auferstehung feiern, die sich über vier Jahrzehnte streckenden Solo-Arbeiten (wie das zeitlos-tanzbare »Cool In The Pool«), Kollaborationen mit Brian Eno und Cluster, das Projekt Les Vampyrettes (mit Conny Plank) oder Produktionen mit der japanischen Sängerin Phew (mit Plank und Jaki Liebezeit) – und nicht zuletzt die Songs der Jah Wobble-Kollaboration »Full Circle« (ebenfalls mit Liebezeit), die Holger rückblickend zu den Höhepunkten seines kreativen Schaffens zählte. In allen diesen Klängen zeigt sich, wie vielseitig und erfinderisch Holger Czukay als Künstler war – und wie tief seine unkonventionellen Ansätze sich denn unzähligen Zusammenarbeiten einschrieben.
Der Titel »Cinema« kommt dabei nicht von ungefähr, Holger hat ihn sich so gewünscht, war seine musikalische Arbeit doch stets mit dem Kino verbunden. Sein Verfahren, aus der Situation der Aufnahme heraus vermeintliche Sound-Unfälle oder heimliche Aufnahmen in seine Stücke zu integrieren, etwa durch die Verwendung von zufällig gefundenen Radiowellen oder unbemerkten Mitschnitten, schuf musikalische Assoziationsketten, die das sprunghaft Visuelle der Post-Moderne zu Klang brachten, wie man es sonst nur aus dem experimentellen Kino kannte. »Movies«, Titel des ersten Solowerks (1979), war dabei eine Konsequenz aus dieser Affinität zur Filmmusik, die schon seit der »Soundtracks«-Compilation (1970) auch die Geschichte von Can begleitete. Über progressive Songs mäandern da die Bassläufe, mal treibend, häufig gemütlich und schunkelnd, darauf drapiert Geräusche, deren Ursprung nicht immer ganz klar ist. Auf der musikalischen Leinwand offenbaren sie das Malerische in Czukays Klangwelten. Und Holger verfolgte diese Leidenschaft konsequent, sein Film »Krieg der Töne« aus dem Jahre 1987, den er vertonte und in dem er gleich auch noch die Hauptrolle übernahm, liegt der Box exklusiv auf DVD bei.
Die visuelle Musik Holger Czukays, fußend auf seiner meisterhaften analogen Schnitttechnik, hat ihn nicht nur international zu einer Legende gemacht, sondern auch Einfluss auf große Teile der elaborierteren Musikwelt genommen. Zu seinen Bewunderern gehören internationale Größen wie Sonic Youth, Radiohead und Geoff Barrow. Blurs Damon Albarn hat von Czukay gar die Idee zu seiner virtuellen Band Gorillaz gestiftet bekommen. Der stets zu Scherzen aufgelegte Musiker war eine Leitfigur der kreativen Soundbastler. Mit sicherem Gespür für eingängige Rhythmen und Melodien bewegte er sich, 1938 als Holger Schüring in Danzig geboren, stets jenseits der ausgetretenen Pfade, schuf seine eigene klangliche Signatur, einen oft verschmitzten Holger-Sound, den man in seinen Arbeiten mit den Eurythmics, S.Y.P.H., den Bläck Fööss, The Edge von U2, der Zeltinger Band oder auf Platten mit David Sylvian genauso wiederfindet wie im Katalog seiner Band Can. Auch mit Ursa, die er die letzten Jahre bis zu ihrem Tod pflegte, hat Holger Musik aufgenommen, einige der Stücke finden s »Breath Taking«ich zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl veröffentlicht, ebenso wie das Stück, auf dem die rar konservierte Stimme Karlheinz Stockhausens zu hören ist.
Die Box lädt dabei auch zu einer musikhistorischen Reise ein, illustriert sie doch anhand von Holgers Lebensweg gleich mehrere musikalische Epochen. Der frühe Jazz der BRD, die Innovation der Krautrock-Ära, das Bad in diversen neuen Wellen, die elektronischen Experimente: Holger war überall dort zuhause, wo etwas passierte. Und er hat Spuren hinterlassen. Zwischen Linernotes, raren Fotografien, einem Zeitstrahl und diskografischen Angaben tauchen im aufwändigen Booklet der Vinylbox immer wieder Statements und Anekdoten von Musizierenden, die ihre Wertschätzung zum Ausdruck bringen oder in Erinnerungen an einen großen Künstler schwelgen. Sie alle sind sich einig: Holger Czukay hat einen festen Platz in der Musikgeschichte. Er wird niemals vergessen werden.
Die von Hendrik Otremba kuratierte Holger Czukay Retrospektive »Cinema« erscheint am 23. März 2018 als 5-LP-Box (+ Film »Krieg der Töne« + VinylVideo und umfangreichem Booklet) und als 5-CD-Box bei Grönland Records.
https://www.groenland.com/product/holger-czukay-cinema/
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2018 |
€120.00 |
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| DANIELL, DAVID |
Coastal |
CD |
Erstes (?) Solo-Album des RHYS CHATHAM-Bandleaders DAVID DANIELL, der natürlich auch Gitarrist ist, hier aber auch noch per Analog-Synth generierte Drones, Beckenklänge, leicht Perkussives, und field recordings geschickt verwebt, so dass fliessend-einnehmende "experimental Drone"-Stücke entstehen, aber auch erstklassige hypnotische Gitarrenbasierte Minimalismen. Exquisit !! 58+ minutes, 4 tracks...
"Wenn man jemals das rohe, minimale Heulen gehört hat, das von den nächtlichen Lagerfeuern im Labelcamp von Table Of The Elements aufsteigt, dann hat man auch von DAVID DANIELL gehört, auch wenn man den Namen nicht zuordnen kann. DANIELL ist sowohl der Bandleader des Ensembles von RHYS CHATHAM, als auch Gitarrist für FEBRUARY, die Band von Jonathan Kane. Dazu kommen regelmäßige Auftritte mit Doug McCombs von TORTOISE, Kollaborationen mit Tim Barnes, Thurston Moore und Loren Conners und die Arbeit mit seiner eigenen Band SAN AGUSTIN. Nach einer langen Pause steht nun mit "Coastal" die zweite Soloplatte des Umtriebigen ins Haus, die eine perfekte Synthese aller Einflüsse von David Grubbs bis FAUST destilliert. Verwurzelt im Blues, dem amerikanischen Minimalismus und den Ideologien des Punk spricht DANIELLs Gitarre schon allein wahre Bände, während ihre Fusion mit den elektroakustischen Kompositionen einem den Atem raubt. // Have you heard the raw, minimal howl that rises from the late-night, backwoods campfires at Table Of The Elements? If so, you know the work of David Daniell -- even if you don't yet recognize the name. Daniell is the head of both of composer Rhys Chatham's current ensembles; he's the lead guitarist in Jonathan Kane's rollicking band, February; he performs regularly in a duo with Tortoise's Doug McCombs; he has collaborated with the who's who of today's finest, including Tim Barnes, Thurston Moore and Loren Connors; and his guitar work with his own band, San Agustin, is the stuff of which fleeting blues-drone dreams are made. Following a long break after his debut solo release, Daniell now returns with Coastal. In all its variety, this record is a focused synthesis of influences. Tracks like 'Sunfish' and 'Glasswort' use acoustic guitar reminiscent of work by David Grubbs and Mountains, while the thick psychedelic morass of deep electric guitar, synth drone and scattered tribal percussion of 'Whelk' brings to mind early Faust, and the long-form tone poem 'Palmetto' is pure swirling electronic glacial beauty. Rooted in the blues, American minimalism and post-punk ideologies, Daniell's guitar playing is always inspired; when fused with his intricate electroacoustic compositions, the results are breathtaking." [press release]
www.tableoftheelements.com |
2006 |
€14.00 |
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I-IV-V-I |
LP |
Ein kleines Meisterk der dronigen Gitarrenkunst ist die achte 12" in der Guitar Series von TABLE OF THE ELEMENTS geworden! Auf gleich vier Stücken schafft DAVID DANIELL (ehemaliges Mitglied von SAN AUGUSTIN) symphonisch-betörende Flächenpolydrones, mal ganz subtil mit tollen Echo-Effekten, mal mit geschichteten Akustik-Gitarren, dann unter Einsatz von E-bows oder Steel Guitars.. vier sehr verschiedene Stücke, alle mit den gleichen Soundquellen geschaffen.
"...The opening track is a monstrous slab of tectonic buzz, layers of rumbling and crumbling distorted guitar, blurred into a Niblockian drift, warm and wavery, smeared and dreamy, but suitably tense and dramatic. Which is followed by a sort of looped Appalachia, steel string guitar, locked into a mantra like progression, the main figure locked into endless repetition, while in the background, a second (and maybe third) guitar offer up pretty little counterpoint and extra steel string buzz, texture and melody that seems to swirl beneath that hypnotic main riff.
"V" is all new age-y drift, another bit of soft dronemusic, laced with subtle layers of hiss and crackle, the melody a distant swell, which all gives way to a sweet melancholy guitar line that is processed into a layer of warm buzzing dreaminess, and finally the record finishes with a mournful, almost funereal sounding steel string buzzscape, that sounds almost like bluegrass, if it was stretched way out into long streaks of metallic shimmer, but Daniell drapes some playful major key melodies over the top, and the two, while seemingly at odds, mesh into something both haunting and mysterious, soft and weirdly pretty. Pressed on super thick, swirled green, yellow and white vinyl. One sided, the other side features an etching by Savage Pencil, housed in a thick PVC sleeve, and as always, VERY LIMITED!" [Aquarius Records review]
"8th installment in the Guitar Series Vols. 3 & 4. Daniell leads the troops in RHYS CHATHAM's guitar armies; he was a member of Jonathan Kane's rollicking band FEBRUARY; he performs regularly in a duo with Tortoise's Doug McCombs; & his guitar work with his own band SAN AGUSTIN, is the stuff of which fleeting blues-drone dreams are made. With influences rooted in blues, American minimalism, & post-punk ideologies, his guitar playing is always inspired, when fused with his intricate electro-acoustic compositions, the results are breathtaking." [label info]
www.tableoftheelements.com
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2008 |
€17.00 |
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| DATASHOCK |
Kräuter der Provinz |
do-LP |
Crossed the desert? Check. Seen the pyramids? Check. What's next? "Kräuter der Provinz"... Herbs of the Province. Smoking dope with Edgar Reitz (the man who made Heimat)? A homage to regional cuisine or a celebration of backwoods origins? Absolutely not. But two for the price of one can't be bad and a pun a day keeps the critics away. Still, how to get a handle on what's going on here? Can it even be explained?
Datashock 2018: Eighty fingers playing, but what are they all up to? Are Datashock in command of their instruments or is it the other way around? What we do know – this is freely improvised music, complete with rattles, rumbles and whistles. Music as a social happening, both in terms of process and outcome, where individual and collective development can thrive – an ecstatic experience! Sheesh! No, really! This much you already knew? Well, no harm in saying it again, is there?!
Imagine gathering eight people under one roof and ushering them into a recording studio – everybody's busy nowadays (sometimes in precarious situations, but always doing one thing or another, incessantly), this being the age of late capitalism and all that. Anyway, diaries checked and off we go. Next stop: Oetinger Villa, Darmstadt. Kolter has already swept the place clean, DJ Ulf Eyes has brought beer from the waterfront, MC Cobra is dressed in the latest threads from Berlin, McWerner and Cha Cha have everything they didn't forget to bring from Cologne and up the Rhine and – natch – El Haze and Biber Bergi line up alongside LL Cool P from Saarbrücken. Pizza delivery number dialled, bottles opened, lights, camera, action. Machines bleep, a violin cries out, a clarinet howls, guitar and bass weave their way around the drums. The spell lasts for several days, then the magic goes back in the box, the recording is done. Everyone heads back to where capitalist realism awaits in fifty shades of gloom. Alas, it was over so quickly! Luckily, a tour is in the offing, a chance to see one another again!
Groups like Datashock are few and far between, more's the pity – raise your glasses to friendship! – groups who, in spite of everything, meet up regularly to record free improvisations and then hit the road to share their experiences with an audience. It's a trust thing. So: bring on the herbs! Not provincial in the slightest – but they get everywhere, into every last nook and cranny. They may not have any songs to speak of, but they do have their instruments.
Salvador am Ei
German:
Die Pyramiden besichtigt, die Wüste durchquert, und jetzt? „Kräuter der Provinz“. Kiffen mit Edgar Reitz? Eine Hommage an die regionale Küche oder die Feier hinterwäldlerischer Herkunft gar? Natürlich nicht. Wie immer gilt: doppelter Boden hält besser, und ein Kalauer am Tag die Kritik auf Abstand. Wie aber sich nähern oder erklären gar, was vor sich geht?
Datashock 2018: Achtzig Finger im Spiel aber was wird gespielt? Spielen Datashock ihre Instumente oder spielen die Instrumente Datashock? Es rappelt, rumst und pfeift - soviel steht fest. Hier spielt eine frei improvisierte Musik. Musik, die im Prozess und dem Ergebnis ein soziales Ereignis ist das sowohl die individuelle Entfaltung als auch eine gemeinsame – mithin sogar exstatische! – Erfahrung ermöglicht. Sheesh! Aber hallo! Kennt man schon? Na und, das kann ruhig noch mal gesagt werden! Warum auch nicht!?
Aber wie muss man sich das vorstellen? Acht Leute unter einen Hut bzw. in einen Aufnahmeraum zu bringen – weil alle doch so (teilweise prekär aber natürlich dauernd mit irgendwas anderem) beschäftigt sind, ist doch immerhin Super-Spätkapitalismus und so! Aber dann, Terminkalender gecheckt, los geht’s, nächster Halt: Oetinger Villa, Darmstadt. Kolter hat schon durchgefegt, DJ Ulf Eyes bringt Bier von der Waterkant mit, MC Cobra hat die neusten Modetrends aus Berlin dabei, McWerner und Cha Cha kommen mit allem, was sie nicht vergessen haben, aus Köln den Rhein hoch und – klar – El Haze und Biber Bergi rücken nebst LL Cool P aus Saarbrücken an. Pizza bestellt, Flaschen geöffnet und dann geht’s los. Maschinen piepsen, die Geige ruft dazwischen, die Klarinette jault, die Gitarren und Bass schleichen ums Schlagzeug herum. Wenige Tage später ist der Spuk vorbei. Aufnahmen im Kasten und alle müssen erstmal wieder dahin, wo der kapitalistische Realismus in all seinen trüben Facetten auf sie wartet. Schade, war wieder viel zu kurz! Aber bald ist ja auch wieder Konzertreise angesagt, dann sieht man sich wieder!
Es gibt längst nicht genug Gruppen wie Datashock, die – ein Hoch auf die Freundschaft! – regelmäßig und trotz allem zusammenkommen, um frei improvisierend aufzunehmen und durch die Gegend ziehen, und so ihre Erfahrungen mit dem Publikum teilen. Das muss man sich natürlich auch erstmal trauen. Insofern: Kräuter, gerne! Provinz, mitnichten – aber sie kommen überall hin, noch in den letzten Winkel. Songs haben sie dann zwar keine dabei, dafür aber ihre Instrumente.
Salvador am Ei
LP version in a 3 color Gatefold cover.
The 2-Vinyl Version (indcluding CD) comes with a bonus track!
design by Manuel Wesely
https://datashock.bandcamp.com/album/kr-uter-der-provinz-2
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2018 |
€26.00 |
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| DBMG/RAF (DIE BAADER-MEINHOF GRUPPE / RED ARMY FACTION) |
same |
CD |
Radikaler Elektro / Noise / Rhythmic Industrial aus Kanada mit starker politischer, antikapitalistischer Ausrichtung (das RAF-Logo auf dem Cover), dabei musikalisch abwechslungsreich & überzeugend arrangiert, teils fast rockig-tanzbar, teils extrem krachig!
"Die Baader-Meinhof Gruppe / Red Army Faction is Joshua David Richardson with a revolving door of collaborators, which include: Scott E. Farmer (Russian Futurists), Sam Devos (For Greater Good), and Edwin Vanvinckenroye (Tribe) amongst others.
According to Richardson, DBMG/RAF is a chance for musicians and multi-media artists to explore the use of violence within their chosen medium for the expressed purpose of destroying the economic, social, and artistic structures imposed on them by Late 20th and 21st Century Capitalism. It is inspired by the actions of West-Germany’s Red Army Faction (also known as the Baader-Meinhof Group), which sought the violent overthrow of West-Germany’s post-war governments from the 1970’s until its official disbandment in 1998.
Politics aside, this is one freshing new release that actually lives up to being true INDUSTRIAL music. It is noisy, chaotic, harsh, violent, full of anguish and torment while still carrying a strong beat. This is the kind of industrial that will immediate clear the dancefloor at your local goff-idustrial club, will sort out the real rivetheads from the poseurs, and have noise music enthusiasts begging for more. There’s a good amount of variety on this CD too- a post-punk “Peter Gunn” inspired rhythm track with whacked out old school analogue electronics, middle-eastern Indian ambience with the sound of war in the background (perfect for planning your next Jihad), Deutsch Nepal and Memorandum inspired beats with radio transmissions in the background, slabs of whale-toned cries from the deep, broken and distorted sonics over a militant backbeat with appropriately painful processed vocals, wacky distorted rhythmic melodies, and much more. It is experimental without being unlistenable. Alienating while still being engaging. Even when Richardson is using those overly-familiar sounds and elements, they never seem dated or clichéd. When it comes to this kind of music, this guy obviously seems to know what he’s doing and doesn’t wear his influences on his sleeve like so many others who’ve attempted it. If I had one thing to nit-pick about, it might be the use of overuse of spoken word samples, which is a pet peeve of mine in any music genre. Purists can argue as to its appropriateness, but I feel that a constant barrage of it is a bit clichéd. Thankfully, Richard tempers it with other interesting elements.
This release has an awful lot going for it and has so much variety that it has a very high replayability factor, something that I haven’t heard in a good number of harsh music projects that I’ve reviewed positively. It is also not a constant torrent of torturous sounds; there are quite a few quieter moody moments. Nothing is overly-long or intolerable. If this was released on CMI, it might be the album of the year in Europe. Red Army Faction is like having the best moments of bands like Mental Destruction, In Slaughter Natives, Esplendor Geometric and Brighter Death Now rolled into one steaming package.
Perhaps it’s due to the duality of the name Die Baader-Meinhof Gruppe / Red Army Faction and its association that makes this music project totally oblique in a Google search. If you want this music, you REALLY have to know where to look. You can find it on iTunes (Die Baader-Meinhof) or CD Baby (http://cdbaby.com/cd/baadermeinhof) but I’d recommend just going directly to the website since there videos, more info and purchase options there. Definitely recommended!" [Steve Mecca / CHAIN D.L.K.]
www.dbmg-raf.com
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2009 |
€13.50 |
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| DEATH & BEAUTY FOUNDATION |
same |
CD |
Noch bevor 1984 die ersten Aufnahmen von THE HAFLER TRIO das Licht der Welt erblickten, war H30-Mastermind ANDREW MC. KENZIE mit VAL DENHAM aktiv, einem britischen Transvestiten & frühen Industrial-Aktivisten der als Maler(?) & Artworker für TG, PSYCHIC TV, MARC ALMOND oder CYCLOBE tätig war. Die insgesamt 21 Stücke, die mit "Darlington Tapes" betititelt wurden sind hier nun erstmals auf einer CD zu hören - äusserst eigenwillige experimentelle "Songs" mit kruden Stimmverfremdungen und elektronischen Sounds, wie sie - etwas eleganter - z.T. auch auf die erste H30 LP "Bang! An Open Letter" oder die krasseren sprachbasierten NURSE WITH WOUND-Alben gepasst hätten. Auch über 20 Jahre später ist das noch absolut unzugängliche Anti-Musik, die sich nicht mit klassischen Maßstäben "bewerten" lässt, da es kaum Vergleichsmöglichkeiten gibt.
"... present the legendary "Darlington Tapes"recorded in 1982. At last, the sound of Val Denham and Andrew M. McKenzie's long awaited avant garde masterpiece for the bewildered is available after 26 years. Remastered, frightening and beautiful. The strangest album ever recorded. You have been warned." [label info]
" The Death & Beauty Foundation is an odd footnote in the history of The Hafler Trio. It's a project that began sometime in the early '80s presumably in and/or around Newcastle, UK featuring a young Andrew McKenzie (who later went on to found The Hafler Trio) and Val
Denham, a visual artist who has some history with Psychic TV, Marc Almond, and Cyclobe. Only a couple of compilation tracks of the Death
& Beauty Foundation had appeared on Touch cassette compilations, and a tape-only release emerged in 1986; but beyond that, the story to the Death & Beauty Foundation is pretty mysterious. This CD represents the complete 'Darlington Tapes' which the two began in 1982. Instead of the media-savvy collages and psychoacoustic investigations which The Hafler Trio mastered throughout the '80s, the Death & Beauty Foundation penned songs, really weird and fractured songs; but these are nonetheless tunes. A curious falsetto (which we're presuming to belong to Denham) floats in flanging tremolo haze above odd, Spartan electronics, sounding somewhat like "In Heaven" from the Eraserhead soundtrack, but ever more evasive and purposefully meandering. In line with primitive BBC Radiophonic tricknology meets Cabaret Voltaire cut- up methods, tape manipulations guide the bulk of the arrangements to that fluttering voice, with Shadow Ring like splutter across guitar and tin-can percussion on a few tracks. Some of the electronic sounds seem to have reappeared on the h3o album Sea Org; but those recognizable instances are few and far between in this confusing album." [Aquarius Records review]
www.somnimage.com
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2008 |
€16.00 |
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| DEISON / MATTEO UGGERI |
In the other House |
CD-R |
"It was not born as a concept album, but as it was slowly becoming like the music inside it the sound work of Cristiano Deison and Matthew Uggeri ended up finding itself, step by step, enclosed between the narrow walls of an exceptional home. Arriving there from different places and positions, and never actually meeting, Friulian and Milan found themselves, perhaps in spite of themselves, together in uncomfortable rooms which were populated by dark invisible presences. It is not the scenario of a horror movie, there is no tradegy or fear, just the knowledge that somewhere else or the escape itself may be less reassuring than one has hoped. Therefore Francesca Mele's photos, both a seal of the work and source of inspiration for the music seem to further cloak the place in t that sense of quiet desperation that daily life often implies."
https://matteouggeri.bandcamp.com/album/in-the-other-house
Zwei jüngere italienische Soundbastler treffen sich hier. Beide haben schon vielfach ein Händchen für atmosphärische Landschaften bewiesen; DEISON (komplett: CRISTIANO DEISON) unter anderem hier auf NONPOP mit "Quiet Rooms", einem Album über die Stimmung in leeren Hotelzimmern. Auch UGGERI (komplett: MATTEO UGGERI) hat sein sicheres Gespür für beeindruckende Klangwolken schon aufgezeigt, unter anderem in Zusammenarbeiten mit DE FABRIEK oder MAURIZIO BIANCHI. Beiden Künstlern gemein ist die wohltuende Zurückhaltung bei Veröffentlichungen, man hat nie den Eindruck, dass sie den ohnehin übersättigten Markt der entsprechenden Genres fluten würden. Ihr erstes gemeinsames Album erscheint nun auf FINAL MUZIK (in Kooperation mit OLD BICYCLE RECORDS und OAK EDITIONS), wobei sich die Musiker kein einziges Mal persönlich gesehen haben – Arbeiten im digitalen Zeitalter. Der Titel des Albums sowie die Namen der einzelnen Tracks geben natürlich eine ganz klare Idee vor, aber – und dies ist das erste Kompliment für ein gelungenes Album – es geht auch ohne.
"Fessure" (01) fühlt sich an wie das Hinabsteigen in eine pilzige, fluoreszierende Höhle. Warme, aber gleichzeitig aufschreckende und unruhige Sounds umwabern den Hörer, es ploppt und droned. Sehr atmosphärisch und, außer zu einer Höhle, auch passend zu der wohl toten Frau auf Vorder- und Rückseite des Covers, die ich eben entdeckt habe – Film noir-Feeling. Ein bassiger und unregelmäßiger Beat kommt langsam dazu, ebenso ein schräger Streicher. Und immer kurz vor einer Melodie nimmt die Komposition die nächste Abzweigung. Das äußerst filmische Ambiente bleibt in "So Detached" (02) bestehen. Türen quietschen, Schritte rascheln – hier wird eine Story erzählt, ein ganzer Storyteppich voll von organischen Klängen ausgerollt. Ich höre aufmerksam und angespannt zu, weil jederzeit etwas passieren könnte. Zunehmend freunde ich mich mit der titelgebenden Idee eines fremden Hauses an, durch das wir als Hörer schleichen. Das "Micro Drama" (03) spielt sich in der Küche ab, melodiös liegen gezupfte Piano-Teilchen auf dem Tisch, ein dickes Brummen und Summen zeugt von Insektenleben, und die Streicher quietschen immer wieder dramatisch. Passend zum Besuch im Bad ("Stasis", 04) plätschert Wasser, die Sounds wechseln in noisiges Quietschen und Rauschen, und insbesondere die Cluster aus Blasinstrumenten beeindrucken mich. Menschen räumen Möbel in "Worried Stagnation" (05), verursachen dabei lange, ewige Drones. Und mein Lieblingssound des gesamten Albums erklingt auf der Treppe und im Keller ("Prelude, Largo", 06) – ein Tuba-ähnliches Brummen, welches die sich abwechselnden Passagen zum einen aus ruhigen Ambientflächen, zum anderen aus mächtigen, majestätischen Drones inklusive Piepen und Klingeln umrahmt, wobei sich alle Ebenen mehr und mehr übereinander schieben.
"In The Other House" ist ein wirklich beeindruckender Hörfilm, der mich an andere starke filmische Werke wie zum Beispiel die LAND-Trilogie ("Praha | Wien | Budapest", NONPOP-Besprechung) erinnert. Schleichen durch ein fremdes Haus, Erkunden einer dunklen Höhle, Hauptrolle in einem Film noir – das Album ist fast unabhängig vom möglichen Thema eine fesselnde Reise, und zwar von der ersten bis zur letzten Sekunde. Eine der bisher schönsten, weil stimmungsvollsten Basteleien des Jahres.
Michael We. für nonpop.de |
2015 |
€10.00 |
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| DI SCIPIO, AGOSTINO |
Hörbare Ökosysteme |
CD |
" “Das komplexe Gefüge von Einflüssen, denen Schall auf seinem Weg von der Quelle zum Ohr unterworfen ist (...) ist das Aktionsfeld der Musik von Agostino Di Scipio.“ (Linernotes) Seine Kompositionen entstehen auf der Basis sich selbst steuernder und regulierender Systeme. In den live-elektronischen Studien „Hörbare Ökosysteme“ „dienen einfachste Schallsignale oder gar nur der Geräuschhintergrund des die Mikrophone beherbergenden Raumes als Input für autopoietische Prozesse, in deren Verlauf die Parameter der digitalen Signalverarbeitung sich stets weiter den resultierenden Klangformen anpassen (...).“ Zwischen knisternden Inseln Ryoji Ikedaischer Digitalsounds entstehen punktuell oder fließend gesetzte Rückkopplungen, die kontrolliert tastenden Erkundungen der Klangmöglichkeiten durchführen. Ebenso arbeiten die Interpreten in den gemischt Instrumental/live-elektronischen Stücken. Sie lauschen ihren, von der Elektronik zurückgeworfenen Klängen und passen ihr weiteres Spiel den veränderten Sounds an. In steter Umarmung mit der signalverarbeitenden Software und in Abhängigkeit vom Raumverhalten setzen Bassflöte, Bassklarinette, Violine, Violoncello, Klavier und Vibraphon forschende Instrumentalbewegungen, welche die Konzentration der Zuhörerin/ des Zuhörers reichlich belohnen.
„Sounds making ist way from the source to the ear is subjected to a complex nexus of influences. This is the operation field for the music of Agostino Di Scipio.“ (linernotes) His compositions are built up on the basis of complicated cybernetic procedures. The newer studies „Hörbare Ökosysteme“ are purely live-electronic. „In these works the most simple sound signals, or even the background noise of the space housing the microphones, provide input for autopoetic processes which continously adjust the parameters of their digital sound synthesis and transforming processes to the resulting sound shapes.“ Between crackling islands of Ryoji Ikeda-like digital sounds you hear particular pointed or flowing feedbacks carrying out the possibilities of sound in a controlled tentativ research. Also the players of the combined instrumental/ live-electronic pieces are working in this way. Listening very closely to the transformed sounds resounding from back from the sound system, they adjust their actual sound production to those transformations. Caught up in the system of sound processing software and the spaces aural signature, bass flute, bass clarinet, violin, cello, piano and vibraphone searchable put together instrumental movements which amply reward the listeners concentration.” [Peter Schlewinski for Drone Records]
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2005 |
€16.00 |
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| DIALING IN |
Cows in Lye |
CD |
Sehr interessantes Drone-Projekt aus Seattle, absolut undurchdringliche low-fi drones, die aber voller verdeckter Harmonien stecken, die kaum noch erahnbar sind. Basierend auf v.a. indische field recordings, wird hier mit der klassischen LUCIER-Methode immer weiter verfremdet...
"DIALING IN is the ecstatic roaring psychedelic drone project of Seattle based sound artist REITA PIECUCH. Utilizing the natural acoustics of a series of reverberant spaces she weaves together super saturated soundscapes by recording in one environment, playing back in another, and then re-recording this recording playing back in yet another environment (etc.). On Cows in Lye, the original sound sources range from loops of field recordings from a trip to India, piano, and the shifting drones of a "Shruti Box" (electronic Tamboura). One track also features a long stream of consciousness vocal performance from avant-crooner HERB DIAMANTE! After a trek with recording gear through the caves, cathedrals and bunkers of Seattle these ingredients are transformed into huge and sublimely distorted quasi-melodic dreamscapes. The album lifts off with an ecstatic roar and the intensity doesn't let up until one is released exultant in the green flash of a setting sun." [label info]
www.pseudoarcana.com
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2006 |
€13.00 |
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| DIASPORA |
Ohmworld |
CD-R |
DIASPORA ist australisches „experimental ambience“-Duo, die hier transzendetal-Drones schaffen, die wie ein Meer aus Glockenspielen tönen; oder unendlich lange, energetische Flächen, in die sich subsonische Drones & digitale & backward & konkret rumpelnde Effekte und small sounds drängen.... insgesamt eine sehr gute CDR, ein Name den man sich merken sollte !
“Polished dark ambient soundscapes from Brisbane retaining a sense of continuity without inoculating the ensuing chaos. Diaspora draws the listener into the dark spaces where ceremonial pain is but a stepping stone to transcendence. Isolating the ritual in the religious and resituating it within a tabula-rasa, the audience is inspired to touch their own spirit, find their own gods, worship their own life as the holiest of sacraments. Lloyd Barrett and Joe Musgrove are the primary creative personae behind Diaspora. Both have been heavily involved in all aspects of the BrisbaneExperimental Noise/Sound Art Scene for several years playing together and separately as – Brainlego, Biffplex, and Bourbaki” [label info]
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2004 |
€9.00 |
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| DIE FORM |
Baroque Equinox |
2LP+CD+DVD-BOX |
"Sturdy box with lid - exquisitely and lavishly printed, incl: regular album in digipak,
EXCLUSIVE Vinyl [Black 180g 2x12" vinyl], High quality, super-audiophile disc, incl. 4 EXCUSIVE Tracks!, EXCLUSIVE DVD feat. Videoclip of „Psychic Poison“, exclusive LARGE sized Poster-booklet (30x30 cms), 16 pages with all graphics in large format, printed as High quality art print! Hand-numbered Certificate for limitation of 500!"
www.trisol.de
Ein neuer Sündenfall. Ein neues Paradies. Ein neuer Anfang, geschaffen aus einem weiteren Ende. Wir alle sterben jeden Tag, wir alle atmen jeden Tag. Besonders greifbar wird diese Dualität seit jeher im chimärenhaften Schaffen des elektronischen Chamäleons DIE FORM.
Vor beinahe 40 Jahren als revolutionärer Live-Act für die anrüchige, jedoch auch visionäre BDSM-Szene begonnen, hat sich das französische Künstlerpaar Philippe Fichot und Éliane P. bis heute zwei Dinge bewahrt: Ihre künstlerische Einzigartigkeit – und ihr Händchen für druckvolle Clubhits am schwarzen Puls der Zeit. Sie wandeln auf Messers Schneide, umarmen den Tod und das Leben, die Nacht und den Tag, den Schmerz und die Liebe, das Böse und das Gute. Nie heißt es schwarz oder weiß für sie. Es sind die ungezählten Grautöne, die ihre Kunst beherrschen. Es sind die ungezählten Grautöne, die unser Leben beherrschen.
„Baroque Equinox“ ist ein sinnlicher Vorstoß in eine neue Zeit. Ein in die Zukunft weisendes und selbstbewusst auf das erreichte zurückschauende Manifest, ein neues Äquinoktium. Tagundnachtgleiche, schöner und treffender könnte man das Wirken von DIE FORM nun wirklich nicht in Worte fassen. Tag und Nacht, Eros und Thanatos, in Harmonie vereint, untrennbar verbunden sogar. Eines ist undenkbar ohne das andere, für einen endlosen Augenblick ist unklar, in welche Richtung das Pendel ausschlagen wird. Sicher ist nur: Es wird mit treibendem Beat und visionären Sequenzen auf die Tanzflächen treiben. Musikalisch kongenial umgesetzt von diesen Pionieren der elektronischen Musik, umarmt „Baroque Equinox“ druckvollen Electro und Avantgarde, die rauschhafte Opulenz des Barock und den sterilen Beat, das Schwärmen und das Drängen. Die sündige Nacht und der unschuldige Tag bilden die Bühne für ein Werk von beschwörender Kraft, für ein Panoptikum aus Electro, Industrial, Techno, Gothic, Klassik, Erotik, Poesie und fernöstlichem Butoh-Tanztheater. Sündhafte Club-Kultur und künstlerischer Anspruch gehen nirgendwo sonst derart harmonisch ineinander auf.
Sie sind vorbei, die Phasen, in denen die Franzosen mit Haut und Haar dem Fetisch, dem Sex ergeben waren. Ebenso vorbei sind ihre Zeiten purer Bach-Huldigung, in denen sie weit über die dunkle Szene hinaus auf Verehrung stießen. Jetzt, zu diesem besonderen Anlass der barocken Tagundnachtgleiche, gebären sie ein neues Wesen, das der dunklen Electro-Welt ein weiteres Mal neue Impulse verleiht. Ein Wesen mit Januskopf und zwei Herzen in der Brust. Ein Menschwesen in einer postapokalyptischen Maschinenwelt, eine Kreatur, die die Unberührtheit der Natur im Herzen und den stampfenden Takt der industriellen Revolution im Geist hat. „Baroque Equinox“ ist ein Moment in der Schwebe, ein Zustand, der ins Licht oder ins Dunkel, in die Stille oder ins Chaos kippen kann. Wie in einem Bild von Gustave Courbet (insbesondere „L‘Origine du Monde“), in dem bei aller Sinnlichkeit immer auch die Präsenz eines Abgrunds mitschwingt, ist dieses Album ein Manifest für diese Zeit, das gleichzeitig klingt wie aus ihr herausgefallen. Wie sie das auch nach 40 Jahren immer wieder hinkriegen? Es wird auch diesmal ihr herrlich dunkles Geheimnis bleiben. |
2017 |
€45.00 |
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| DIMMER (JOSEPH HAMMER & THOMAS DIMUZIO) |
Remissions |
do-LP |
Nach "Shining Path" das zweite Album für das kalifornische Duo (die Langzeit-Aktiven THOMAS DIMUZIO & THOMAS HAMMER), absolut meisterhafte & spannende Dronescapes, die einen gleich gefangennehmen... unheimlich bannend, metallisch-irisierend, mit Obertönen wie von rostigem Metall... vier lange Stücke aufgenommen auf verschiedenen Konzerten 2006-2007. Aussergewöhnlich schön!
"Dimmer's Remissions is the second full-length album from longtime sonic architects of interactive feedback circuits, Thomas Dimuzio and Joseph Hammer. This 2xLP effectively represents four side-long pieces from their live shows throughout California taken place between 2006 and 2007. Essentially a follow-up to their 2007 album on Los Angeles' Melon Expander, Remissions expands upon the immense recursive tape looping and resampling that is found inherent in their work but achieves a weight and time displacement that greatly overshadows their dark preceding full-length. All four pieces were recorded at: Norcal Noisefest in Sacramento (2006, 'Sky Wire'), The Luggage Store Gallery in San Francisco (2006, 'Sun Dog'), The Smell in Los Angeles (2006, 'Gases That Emit Light'), and ArtSF's Noise Pancakes Series (2007, 'Giant Eagle'). Live sampling, processing, feedback, looping by Thomas Dimuzio. Tape manipulation and processing by Joseph Hammer. Design and layout by Thomas Dimuzio, Joseph Hammer and Brandon Nickell. Limited to 500 copies on full-color sleeves with cover photography by John Dalton."
[label info]
"... Hammer's instrument of choice is the reel-to-reel tape deck, through which he can muster an uncanny palette of sound, noise, and drone. The two have worked together off and on for a good part of the last decade, with a handful of performances throughout California and a couple of releases - Remissions being their second and collecting some of the best moments from those live gigs. "Sky Wire" builds insectoid buzzes and creepily harmonic drones out of the interplay between Hammer's rough-hewn tape manipulation and Dimuzio's deftly rendered swells, somewhere between Machinefabriek and Christoph Heemann. "Sun Dog" grafts blackened noise onto an electrocutioner's hum, with Hammer's start 'n' stop tapes popping into view like a detached Burroughs cut-up. Both "Gases That Emit Light" and "Giant Eagle" continue along these same strategies with eerie clouds of drones that fold and collapse between harmonic resonance and dissonance with unsettled bursts of soft focus noise. This is really exceptional stuff, and certainly some of the best that we've encountered from either artists individually." [Aquarius Records review]
"It may sound like a new name, and half of it also is. Dimmer is a duo of Thomas Dimuzio and one Joseph Hammer. This double LP set is the follow up to a CD on Melon Expander which I didn't hear. Each of the four sides has a live recording, three from 2006 and one from 2007. Dimmer uses live sampling, processing, feedback, looping (Dimuzio) and tape manipulation and processing (Hammer). This is pretty interesting music. All four pieces show something that could be labeled as 'band sound'. The careful tape manipulations of Hammer, making the tape go 'wobbly' against the heads, set against a scary set of subdued electronics. A record to turn up the volume as things seem rather 'low' here, but once a bit louder reveal a lot of hidden detail. Scary, spooky stuff, with dark atmospheric undercurrent. Of the four pieces 'Giant Eagle' is my favorite here with its somewhat more clear tape sounds, and scraping, feedback like rusty metal sound, whereas the other three seem to be moving more along side one specific idea and are throughout more minimal. Excellent sci-fi soundtrack stuff at work here, save then perhaps for the piece I like which works really fine by itself. An excellent record. " [FdW / Vital Weekly]
www.isounderscore.com
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2009 |
€25.00 |
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| DOCKSTADER, TOD & JAMES REICHERT |
Omniphony 1 |
CD |
„Omniphony 1“ ist die Neuauflage der gleichnamigen, 1966 auf OWL Records erschienenen LP. 1963 komponierte Tod Dockstader eine Reihe von Tonbandstücken, „cells“, bestehend aus natürlichen Klangquellen (Glocken, menschliche Stimmen etc.) und elektronischen Klängen (z.B. Oszillatoren). Der Filmkomponist James Reichert (1932 ¬ 1995) entwarf, der Klangintention der „cells“ entsprechende Orchesterstücke, sogenannte „inparts“, die anschließend nochmals durch Filter und Ringmodulatoren gejagt wurden, um den instrumentalen Klangumfang und die Dynamiken zu verändern. Die
anschließende Re-Komposition zeitigte ein sehr homogen angelegtes Ergebnis, das auch heute noch in Erstaunen versetzt. Elekronisches umschwirrt reißend und manchmal ein bischen frech die moog-manipulierten Bläsergruppen. Ständige Wechsel der Dynamik verwirren die Fäden der Klänge so weit, dass Elektronik und konkreter Instrumentalklang jeweils mit der Sprache des anderen zu sprechen scheinen. So wirken manche Stellen glatt wahnwitzig: wenn die kammermusikalischen „inparts“ im Zusammenspiel mit Dockstaders
prä-Industrial-elektronischen „cells“ eher Hollywood denn Donau-Eschingen beschwören, werden Bereiche des Grotesken befühlt. Das ist nicht schlimm, sondern erzählt vielmehr von der Besessenheit mit der echte Freaks am Werke waren, um in einem Jahr 100.000 Fuß an Tapematerial zu bearbeiten. Als Bonusmaterial gibt es Dockstaders „Study no.7“ (1961) in einer Stereoversion, sowie seine dringliche „Past prelude“ von 1990. //
„Omniphony 1“ is the rerelease of the OWL-LP from 1966. In 1963, Tod Dockstader composed a set of taped sounds which he called „cells“ consisting of natural sounds (bells, wind, voice) and electronically sounds (as from oscillators, recording circuitry, etc.). James Reichert (1932 ¬ 1995) composed a series of orchestrated parts which were based upon the sound intention of Dockstader’s „cells“. Those „inparts“ were transmuted using R.A. Moog music processing equipment to change the instrumental ranges and dynamics. With the following re-composition they produced a very homogeneous result wich is today still amazing. Electronically sounds pungent and sometimes a kind of saucy are flowing through a moog-manipulated brass group. The permanent changing of dynamics entangles the sounds. It seems that electronic and concrete instruments have particular swapped their very own sound. So some parts might have a strange atmosphere: when the chamber music -like „inparts“ together with Dockstader’s prä-industrial-electronically „cells“ evoke Hollywood more than Donau-Eschingen it is getting grotesque. But it is cool, because it tells from the truly obsessive fashion of two music freaks who edited and mixed down over 100.000 feet oftapes for that release. Further bonus tracks are Dockstader’s „study no.7“ (1961) in a stereo version and his „past prelude“ from 1990." [Peter Schlewinski for Drone Records]
"In the early 1960's Tod Dockstader was a young maverick composer of electronic 'organised sound', and James Reichert a film composer and music supervisor. They met in New York in 1963, and launched one of the most extraordinary collaborations in modern music, a unique attempt to integrate electronic sounds and the classical orchestra. Unlike Varese's Deserts, and Stockhausen's Kontakte, it does not merely have the orchestra play along with a tape, or even process orchestral sounds live. What makes this project unique is that the orchestra was transformed by electronic processes at a fundamental level, and organically fused with the purely electronic sounds. The completed work is a bizarre blend of Dockstader's fundamentally intuitive approach to sound, and Reichert's more conservatoire-based feeling for melody and orchestration. It often sounds like an unlikely collaboration between Stravinsky and Frank Zappa in avant garde mode, or Stockhausen and his alter-egos, Stock, Hausen and Walkman. Its not simply an important historical document, but an intriguing and entirely convincing listen; a truly extraordinary combination of electronic and orchestral textures, in which the orchestra seems to have been drenched in Technicolor, and dragged through a cartoon sound studio." [label
info] |
2002 |
€14.00 |
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| DONOSO, RICARDO |
Sarava Exu |
CD |
"Der brasilianische Komponist, Percussionist und elektronische Musiker RICARDO DONOSO kommt ursprünglich aus Rio de Janeiro und lebt mittlerweile in Boston, wo er am renommierten Berklee College of Music und am New England Conservatory Komposition studierte. Ricardo Donoso hat in den vergangenen Jahren an einer Menge Musikprojekten mitgewirkt; unter anderem ist er Drummer bei der Avant-Death-Metal band Ehnahre und formt zusammen mit Luke Moldof das Electronic Duo Perispirit. Ricardos musikalische Sprache ist von zeitgenössischer Komposition inspiriert und ebenso auch bestimmt von Drone, Techno und Noise. Im Kontrast zu dem beständigen Streben nach Leistung, das die heutige Kultur uns lehrt, ist das Thema des Abstiegs - wie es in vielen Mythen vorkommt in Form eines Helden, der in den Untergrund geht um eine Periode der Abgeschiedenheit zu durchlaufen - nicht länger in unserer Gegenwart repräsentiert. In den meisten traditionellen Gesellschaften existierte ein kultureller Freiraum für eine solche Periode im Leben einer jeden Person und es war allgemein angesehen, dass dies eine Notwendigkeit war um sich in Verbindung zu bringen mit der Vergangenheit und damit begleitend dem kollektiven Unbewussten bzw. der ursprünglichen menschlichen Existenz zu begegnen. "Sarava Exu" wurde durchweg in einer solchen Periode geschrieben - eine beabsichtigte Isolation, ausgedrückt und geführt durch die sakralen esoterischen Rituale des braslianischen Kults 'Quimbanda'. Die musikalische Folge bewegt sich entlang der '7 Lines & Kingdoms of Quimbanda', die durch die traditionellen Candomblé Rhythmen, brasilianische Percussion, Noise sowie klassische Streichinstrumente verkörpert werden - allesamt bekannte Elemente aus Donosos Vergangenheit, die er neu betrachtet und reinterpretiert. "Sarava Exu" ist das symphonische Poem eines Quimbanda Rituals und eine musikalische Begleitung des Abstiegs in die eigene persönliche Hölle. Sicherlich Donosos bisher ambitioniertes und herausforderndes Vorhaben, aber all diejenigen, die Zeit damit verbringen und die Schichten darunter aufdecken, werden belohnt. Die Linien sind nun verschwommen zwischen den kompositorischen Strategien von Donosos Soloarbeit, dem Scuba Death Projekt und den Techniken, die genutzt wurden um für Gruppen wie Perispirit & Ehnahre zu schre iben. Musikalisch nimmt das Album Inspiration von Filmtrailer-Musik; Musik die sich gewöhnlicherweise extrem und vollkommen in zwei Minuten oder weniger entwickelt und gänzlich darauf konzentriert ist, eine emotionale Reaktion beim Betrachter zu triggern. Obwohl jedes der sieben Stücke untrennbar miteinander verbunden ist, spürt man dennoch das permanente Push & Pull, das am Ende keine Auflösung bereit hält. Ein konstanter Antrieb als Versuch irgendwohin zu gelangen, aber doch niemals wirklich anzukommen - dynamische Crescendos kommen und gehen, entwickeln sich, fallen wieder auseinander und bringen uns dahin zurück, wo wir begonnen haben; die Musik, entfaltet sich konstant, führt doch gleichzeitig nirgendwo hin und schafft darin einen klares Gespür für die Zeitlosigkeit. Wenn das Album "Assimilating The Shadow" die Theorie war, dann ist "Sarava Exu" die Praxis - ein Nachtrag, der nicht ein zielloser oder destruktiver Fall in den Abgrund ist, aber eine bedeutsame Erneuerung. "Der Weg hin zur Weisheit, wie ihn Exu vorschlägt, ist einer des Höllenfeuers und Schwefel, von unbarmherziger Ehrlichkeit und Mut, wo der grausamste aller Feinde das eigene Selbst ist." Für Hörer von Emptyset, Alva Noto or Raime." [label info]
www.denovali.com
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2015 |
€14.50 |
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| DORA, DELPHINE ET MOCKE |
Le Corps Defendant |
do-10inch |
Souvent, on croit dialoguer et on soliloque, on tire la couverture à soi, on empêche l’autre parole, on est trop bavard ou trop taiseux. Et puis parfois, comme miraculeusement, on y parvient : on se met à savoir parler parce qu’on sait écouter. Mocke et Delphine Dora, dans la lente impatience de ces conversations musicales qui ont donné Le Corps défendant, ont cherché à tisser ce drôle de lien qui unit ceux qui construisent ensemble.
Des deux singularités (l’évidence même d’avoir affaire à deux artistes qui ne ressemblent à personne), ni l’une ni l’autre ne l’emporte. Au contraire, ce qui advient de ce dialogue n’est pas seulement l’addition des deux mais l’apparition de ce que chacun est capable de révéler de l’autre et qu’on avait pas encore entendu. On les retrouvent tous deux, on les reconnaît bien sûr, mais ailleurs, là où le même est déjà autre. C’est une étrange arithmétique où 1+1=3. Comme dans toute conversation il faut quelqu’un qui rompe le silence sans savoir à l’avance ce qui adviendra. Le silence doit se rompre comme le pain. La guitare s’y essaie ici, le piano là. Il ne faut pas trop chercher ses mots même si on les pèse parce qu’ils entraînent le reste. Comme dans toute conversation il faut savoir prendre une place mouvante pour que l’autre puisse trouver la sienne. Parfois la guitare de Mocke commence, sidérale, dévale les pentes, se fait liquide, et trouve dans le piano de Delphine Dora son nécessaire contrepoint, sur quoi s’arrimer. D’autre fois c’est l’inverse, la guitare électrique évite que le sol se dérobe. Tout semble venir sinon de l’improvisé du moins de l’intuitif qui les surprend eux mêmes. Parfois ils jouent sur des harmonies différentes, comme s’ils étaient encore loin, d’autres fois commencent ensemble et se séparent sans violence pour au final se retrouver au moment où on ne s’y attend pas. N’importe quand peut être mais pas n’importe où. Ils se rejoignent dans la césure, la pure parole, l’éclair, l’inexpressif. C’est à dire dans ce lieu que le disque invente. L’inexpressif ce n’est pas l’insensible, au contraire. C’est le monde d’avant le monde (ou après ce qui revient au même), où le sens se déploie dans sa nouveauté, où on invente une langue qui, dépourvue de signifiant connu peut tout signifier. C’est, plutôt que ce qui s’exprime, ce qui s’imprime avant même qu’on ait pu le ramener au déjà entendu. D’ailleurs quand Delphine Dora chante, elle le fait avec les mots qui viennent juste avant l’articulation signifiante, en chuchotant ou en inventant une drôle de langue sortie tout droit de contes étranges. La langue d’une pythie qui saurait se rire d’elle même et qui se moquerait bien des oracles. Piano, voix, guitare, tout se rejoint et c’est bouche bée qu’on assiste à ce moment où les choses s’assemblent. La musique prend en charge l’organisation des polyphonies qui nous constituent, aucune voix ne doit écraser l’autre. Et la beauté surgit, au corps défendant de Mocke et Delphine Dora, comme elle surgit toujours, dans les interstices du jeu risqué du funambule qui ne s’interdit rien parce qu’il refuse de choisir sous les injonctions de la séparation. Un jeu tout à la fois quiet et inquiet, consonant et dissonant, drôle et mélancolique, proche et lointain, savant et populaire. On a pas à choisir et on ne choisira pas. Tout ici se retrouve assemblé. Et même, au bord de la cassure, la voix de Delphine Dora semble convoquer à la fois les vivants et les morts comme sur le déchirant L’Absent était parmi nous qui clôt le disque. On le cherchait depuis tout ce temps et il était là, assis à la table. C’est bien l’ambition, que tout ce qui a disparu nous réapparaisse.
On pourrait les croire seuls. Mais de cette solitude particulière qui a les moyens de se confier. Des insulaires sans doute comme le dit le titre d’un des morceaux. Mais des insulaires qui rêvent de ponts et de navires. De voyages intersidéraux où même la lointaine Pluton s’éloigne. Nous voilà embarqués. »
Orso Jesenska
Delphine Dora: voix, piano, piano préparé, claviers, célesta, glockenspiel, cordes de piano et de guitare, violon, shruti box, field recordings, objets
Mocke: guitare
composé par: Delphine Dora & Mocke
enregistré par: Delphine Dora & Mocke
mixé par: Mocke
https://okrainarecords.bandcamp.com/album/le-corps-d-fendant
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2017 |
€20.00 |
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| DREAM WEAPON RITUAL |
The Uncanny little Sparrows |
CD |
"Formed in November 2006, Dream Weapon Ritual is the duo of Simon Balestrazzi and Monica Serra. They play free-form music that draws equally from droning electronica soundscapes and imaginary folk visions.
Simon Balestrazzi is an electronic/electroacoustic composer and sound artist active since the 80's. He released many albums and performed live around Europe under various names.
Monica Serra is a talented actress whose artistic research led to double as vocalist since 1999. Both are members of the long-lived Italian cult band T.A.C. (Tomografia Assiale Computerizzata).
Togheter as Dream Weapon Ritual they released their music through Radical Matters, Old Europa Cafe and Magick With Tears.
All music by Dream Weapon Ritual
Mastered by James Plotkin
Masks by Gabriela Mulas
Photos by Franco Casu
Artwork by Daniele Serra"
"Gut drei Jahre nach „Ebb and Flow“ lassen die beiden Multiinstrumentalisten Simon Balestrazzi und Monica Serra zum fünften Mal von sich hören und erzählen mit allerhand schrägen Ideen im Gepäck die Geschichte einer Gruppe von unheimlichen kleinen Spatzen – das klingt auf den ersten Blick vielleicht nach Ironie und Spielerei, v.a. wenn man von dem hierzulande üblichen Image dieser nicht gerade gruseligen Vogelart ausgeht. Doch „The Uncanny Little Sparrows“ lädt nicht gerade zu letztgültigen Interpretationen seines Inhalts ein, und das ist auch gut so.
Bei dem langsam an- und abschwellenden Drone, das an elektrisch aufgeladene Harmoniumklänge erinnert, den trunkenen Echolalien undeutbarer Stimmen, dem Rasseln und Scheppern und den seltsamen Bläserklängen des eröffnenden „Bird Mother“ zeigt sich schnell, dass die beiden sich in grundlegender Hinsicht treu geblieben sind, denn ihre „Freeform-Musik“, die ebenso von dröhnender Elektronik wie von folkigen Spuren durchdrungen ist, bewegt sich in den bekannten Bahnen, die quer durch moderne und primordiale Gefilde führen. In diesem Rahmen kommt es aber zu einigen Verschiebungen, denn auf den neuen Stücken scheint die Musik noch um einiges unregelmäßiger und unruhiger als auf den Aufnahmen zuvor. Kratzige Spielereien, eventuell erzeugt mit dem von Massimo Olla entworfenen [d]Ronin, allerhand Gereusel und geheimnissvolle Perkussion rufen Balestrazzis Projekte Hidden Reverse und A Sphere of Simple Green in Erinnerung, bei der Mischung aus untergründigem Brummen und falsettigen Hochtönereien denkt man vielleicht an so unterschiedliche Musiker wie Ka Baird oder die viel zu wenig beachteten Mailänder Sothiak – Vergleiche, mit denen nur eine vage Richtung angedeutet sein soll.
Deutlich erkennbare Vogelstimmen treten erstmals in dem kurzen, in einem seltsam schleppenden Rhythmus hinkenden „Mating Call“ auf den Plan, wo sie sich sanft und verhuscht in mysteriöse Rückwärtspassagen einweben. In dem folgenden Track, der von „zwei kleinen Spatzen, die auf einem Zweig sitzen und auf die Erleuchtung warten,“ kündet, erinnern sie eher an übermütige Spechte. Weiter geht es durch noisige Gefilde, in denen man nicht mit dem Klang orientalischer Flöten gerechnet hätte, hin zu einer Urwald-Kulisse, in der ekstatische Perkussion und tremolierende Stimmen wie das Echo eines schamanischen Rituals wirken. „The One with the Iron Beak“ ist das letzte Stück betitelt, und wieder beschleicht einen der Verdacht, dass all die tiefschürfenden rituellen Elemente, die ebenso wie rhythmische und melodische Pop-Ansätze um jede zweite Ecke lugen, zwar auch, aber nicht nur mit erhabenem Ernst eingebracht werden.
Das Album erschien jüngst bei Boring Machines als LP mit achtseitigem Booklet und ist darüber hinaus natürlich in den üblichen digitalen Formaten zu ergattern." (U.S./African Paper]
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2018 |
€16.50 |
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| DROUIN / OLSEN |
Snow:Field |
CD-R |
Schnee-Musik ! Alle Quellen-Klänge auf dieser CD-R wurden irgendwie mit Schnee erzeugt, und dann zu sieben langen Stücken verarbeitet. Sanftes Wummern, typisches Schnee-Knirschen, geheimnisvolles Wispern, eine detailreiche akustische Mikrowelt tut sich einem hier auf!
Ein Projekt von JAMIE DROUIN und LANCE OLSEN des Künstlerkollektivs INFREQUENCY.
Seven long pieces based on original sounds created with snow... soft vibrations, typical snow-crunching, mysterious whispers, a detailed acoustic micro-world opens..
check: www.infrequency.ca
“this 5" full-length cd documents portions of the audio installation of the same name recently seen at the folly gallery, uk. all sounds in this production are the result of the interaction with snow and feature drouin/olsen's best work to date. limited to 200 copies” [label info]
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2003 |
€10.00 |
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| DRUMM, KEVIN & DANIEL MENCHE |
Gauntlet |
CD |
"Gitarre, Orgel, Fuzz Boxes und die Liebe zu Noise, Noise, Noise. Ein großes Dröhnen und mittendrin ein Gitarrenloop oder pumpender Puls. Konsonanz, die im Obertonbereich verklumpt zu einem Hornissen- oder schwirrenden Heuschreckenschwarm, groß genug, um den Himmel zu verdunkeln. Zu einem Geläut, das alles erbeben lässt. Die Hornissen schwellen an zu Bombern, des Schwirren zu Hubschrauberrotoren, die Gitarren entzündet sich selbst in Hendrix‘scher Pyromanie. Ich liege längst wimmernd auf den Knien, als noch nicht einmal die Hälfte dieses Spießrutenlaufes vorüber ist. Zwei sarkastische Ritter spielen mit eisernen Fingern Metal Machine Music. Nach 21 Min. wird das Dröhnen heller, sirrender, die Rotoren schrappen aber weiter und gegen Ende zu immer schneller. Den Schlusspunkt dieser Herausforderung für die Höre-mit- Schmerzen-Fraktion setzen grobe Störimpulse." [Bad Alchemy]
"Kevin Drumm (guitar and noise) and Daniel Menche (organ and noise) recorded Fall of 2006 in Chicago at Uggae's Porta-toilet studio. Mixed and mastered at Stereophonic Mastering in Portland, Oregon. One organ, one guitar, several fuzz boxes and two highly regarded purveyors of american extreme sonics are the savuory ingredients that created Gauntlet. Building on Menche's aural low end physicality and Drumm's exacting attention to high frequency detail - the aptly titled 'Gauntlet' is sizzling, scorching slab of essential audio. Heavy in iron and protein. A lean cut indeed, no fat included." [label info]
www.editionsmego.com
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2007 |
€12.50 |
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| DUHKHA |
Mariyammal |
LP |
"Ambient-Puzzle aus Frankreich. Zahlreiche Soundlandschaften von Musikern werden zu einer Fläche verbaut. Organisch und handfest. mit einer ganz besonderen, kränklichen, geheimnisvollen Stimmung und irren Vocals. Achtung Sogwirkung!
Vor vier Jahren veröffentlichte der in Berlin lebende Franzose BENJAMIN BEX mit "Rosegger" ein Album auf TREUE UM TREUE / REUE UM REUE. Für seine neue Projektarbeit, zusammen mit befreundeten Musikern als DUHKHA auf IDÉOBLASTE erschienen, übernimmt das Label zwar 'nur' den Vertrieb. "Mariyammal" klingt aber so stark nach der mysteriösen Ambientwelt von TUT / RUR, dass das Album perfekt in die Labelwelt gepasst hätte. (Wer mit der entsprechenden Musik vertraut ist, kann sich den Rest des Artikels theoretisch sparen und blind zugreifen.)
Für mich stellt sich die Arbeit von DUHKHA wie ein großes, schönes Puzzle dar, mit BENJAMIN BEX als Chef am Tisch. Er hat sich von befreundeten Musikern Klänge, Töne, improvisierte Tonfolgen, Geräusche et cetera einspielen lassen und diese auf sehr kunstvolle, magische Weise zusammengebaut. Ergänzt durch eigene Beiträge, insbesondere durch bemerkenswerte Gesangsparts. PIERRE GORDEEFF zum Beispiel hat Aufnahmen seiner verrückten Maschinen beigesteuert. Das Turntablism-Projekt VINYL -TERROR & -HORROR lieferte einige Klanglandschaften. Andere Freunde spielten Cello-Improvisationen oder Echtzeit-Soundbasteleien ein. Der ganze Prozess, inklusive des Verwebens der Bestandteile, dauerte rund zwei Jahre.
Das ansteigende, dröhnende Rauschen im Opener "Mariyammal" (A1) lässt sich viel Zeit, bevor sich Streicher mit sirenenartigen Sounds einmischen. Eine eigenartige und recht bedrohliche Atmosphäre, die plötzlich umschwingt: Als würden Wolken weggeblasen, taucht der Gesang auf. Verletzlich, hoch, fast Falsett, und dazu ein Kratzen – als ob die Singstimme gleich wieder weggewischt werden sollte. Weitere Zutaten: Arienansätze im Hintergrund und improvisierte Streichertöne. Sehr filmisch und sehr, sehr intensiv. In "Whidama" (A2) stammen die ersten Töne zwar von einer Akustikgitarre (nicht von Streichern), ansonsten bleibt vieles gleich. Die knarzenden, fordernden Sounds, der hohe Gesang (kurze Momente lang erinnert er mich an DAVID TIBET), und später quietscht auch das Cello wieder, zu- und abnehmend. "Teufelssee" (A3) bleibt instrumental, mit bearbeitetem Piano und einem Potpourri aus bisherigen Klängen, etwas enervierend mutet dabei das heftige Vinylknacken an.
Die B-Seite startet ("Dans La Nuit Et L'Oubli", B1) mit Gitarrendrones, dem Klirren von Münzen und extrem hingebungsvollem, mystischem und beschwörendem Gesang. Durch längere Instrumentalparts, repetitive Geräusche mit Streicherimprovisation und später wieder dem verrückt machenden Plattenknistern und -knacken ist das Stück zerhackter, collagenartiger als die Tracks auf der ersten Seite. In "De La Lumière Et De La Mémoire" (B2) übt ein ganzes Orchester, mit fanfarenartigen, sägenden Tönen im Vordergrund. Der Gesang: noch höher, lyrisch und manisch, dagegen geschnitten sind ängstliche, fliehende Frauengeräusche und schräge Engelschöre.
"Mariyammal" ist ein organisches, handfestes Werk zum Anfassen. Gleichzeitig scheint es mir durchzogen von Vergangenem, Morbidem und erinnert phasenweise an unsaubere, entfernte Schellackaufnahmen. Erstaunlich, dass sich die ungeheure Vielfalt stets zu dieser ganz besonderen, kränklichen, geheimnisvollen Stimmung mischt. Sorgfältig geschichtete Ambientmusik, bei der vor allem die Stimme – im Vergleich zu vielen sonstigen Basteleien auf dem Markt – den Unterschied macht. Achtung Sogwirkung."
[Michael We. für nonpop.de ]
https://vimeo.com/116551690 |
2015 |
€15.00 |
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| DURAND, WERNER & ALIO DIE |
Aqua Planing |
CD |
„Aqua Planing“ ist eine begeisternde Veröffentlichung, bei der ALIO DIE sein Klangspektrum beeindruckend erweitert und keine elektronischen Klangquellen oder Synths benutzt! Kern dieser ungewöhnlichen Zusammenarbeit sind die improvisierten Drones von WERNER DURAND: Dieser steuert hier Klänge von diversen handgespielten (ethnischen), z.T. selbstgebauten Blasinstrumenten bei (NEY, KHEN, SHAKUHACHI, Klarinette, ein „Drone-Rohr“), die er sehr flächig einsetzt, während ALIO DIE v.a. field recordings dazusteuert. Fünf Stücke von sehr natürlicher Atmosphäre, energetisch & dynamisch..
“In the enigmatic Aqua Planing, Werner Durand and Alio Die create a sonorous, powerful, impervious space; sometimes liquid, subtly endearing. A meeting of mysterious sounds, both improvised and organised, of the traditional and self-made wind-instruments and their hybrids by Werner Durand (persian and circular water ney, circular clarinet, khen, prepared shakuhachi) with the editing, loops and enviromental recordings by Alio Die. As in the title track, where they recorded the sound of the wind blowing on the edge of a PVC tube sticking out of the car window, while driving on an italian highway and mixed it with the sound of the ocean, filtered acoustically by the very same PVC tube, or the noise of a night train, the church bells in a mountain village, the musicians cause you to loose tracks of home and move towards purely surreal places. Their performance is always rigorous, the accurate tunings accuracy and special timbres of Werner Durand`s playing settled in the peculiar atmospheres created by Alio Die evoke unique interwoven listening spaces, rich with hues and shades, continuously evolving.” [label press release]
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2005 |
€14.00 |
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| DÄLEK {DALEK] |
Untitled |
LP |
"One track, 40 minutes over 2 sides. The eagerly awaited and legendary Latitudes session finally sees the light of day. Vinyl comes in a limited run of 700 black and 300 purple and includes an insert and a sticker.
from the liner notes:
July 2005 was a crazy time in my universe. John Loder, my mentor and surrogate big brother, who I had worked alongside at Southern for 20 years, was very ill - battling a brain tumour diagnosed 18 months earlier. Dälek were holed up in my flat, on the sharp end of reducing their number from three to just two. They were recording a session for our relatively new Latitudes imprint - spending days in the studio laying tracks and nights in my living room, working on ideas. We got to know each other, really. (I have the photos of Alap passed out drunk in his boxer shorts to prove it.) I discovered that the hip-hop bravado and crushing beats were only one layer of these guys. They had a secret Metal past, a serious Alt-Country present, and hearts as big as New Jersey. Their love and knowledge of music ran deep.
On the 7th, I got up to head into the office/studio, and left them sleeping away. Half way to the bus stop I got a call from Tony saying turn around, go home, don't get on the bus or the tube. He said there had been explosions in the Underground. I turned around, went home and turned on the news. Alap and Will sat with me and watched London's own version of 9-11 unfold, and then, full of determination and grit, headed into the studio to finish recording. And what did they produce?
Why it's taken this long for this recording to be released is only down to me, and the battles that I've fought in the intervening five years. In August of 2005, John Loder left us. Since then I've had to work very hard to keep Southern going, and though we had to close our warehouse and as a result lose most of our staff last year, we've survived, and actually come out all the better for it. It's like the old days - we're compact, which means we can fight our battles like guerilla warriors - which is pretty much what you need to do to make ends meet these days.
None of this has much to do with the epic grooves that Dälek laid down on this session. And it has everything to do with it, at least when I listen to what MC Dälek is saying. Sonically, this session is a real departure from Dälek's albums. It's a gorgeous, multi-cultural melting pot of sound and space, a serious shot to the head, an opening of the third eye. I strongly urge you to explore the magnificence of this session on headphones, in a darkened room, and let it take you away.
I love it so much that I guess I wanted to keep it to myself for all this time. But it's time to share, and to apologise to you all for taking so long. - Allison Schnackenberg, August 2010" [label info]
http://blog.southern.com/latitudes
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2011 |
€15.00 |
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| EARTH |
Pentastar: In the style of demons |
CD |
Die vierte EARTH CD von 1996, wo es neben „klassisch“ metal/rockig instrumentierten slow-drone Stücken auch sehr feine ambience-tracks gibt (wie das wunderbare „Crooked Axis for String Quartet“), die ihre sensibel-harmonische Seite zeigen.... eine ungewöhnliche Mischung to say the least.
“Dylan Carlson and Dave Harwell use drums and Vocals on the fourth release. Some people think this is ambient metal, grindcore refusniks, classic minimalists, or industrialists making soundscapes. A little bit of all of that is true. Dylan says the music is built around the riffs, and claims 70s riff rock as an influence, but it is run through the Earth machine, and the riffs are slowed down to a molasses in winter pace, but not down to a hibernation Grief pace. "High Command" "Peace In Mississippi" and "Coda Maestoso In F(flat) Minor" are my faves here but they are all good. Great, stretched out guitar, motionless in space, contemplating the nature of emotional disorders, rock music.” [Hairy Kari, KFJC]
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1996 |
€15.00 |
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The Bees made Honey in the Lion's Skull |
CD |
"... und die „bees" ist dann so etwas wie die positive „hex": die kräfte sind gesammelt und fast mit einem fingerschnippen rollen die riffs (in typischer earth-manier, zweifellos, aber sie rollen und verharren eben nicht in ihrer eigenen statik wie zuvor). wie ein soundtrack zu einem extrem verlangsamten cruisen. dazu die in einzelfällen uplifting melodieführung... da könnten einzelne freunde der erde schon dran zu knacken haben... in ihrer mischung aus hypnotisch (die wiederholungen) und dem neu entdeckten drehmoment (der innere, ja, swing) plus dem offenen sound und der harmonik aber einfach ein sexy gesamtpaket." [N, Unruhr.de]
"...After refaceting some old gems for greater illumination on "Hibernaculum". The band returns once again to it's continuing evolution. Where "Hex" reveled in dark satanic twang and austere american beauty, "The Bees Made Honey In The Lion's Skull" finds Dylan Carlson and the band growing into a harder, more rock, american Gospel and improvisitory direction framed by truly psychedelic production and blazing guitar sounds. Earth shows it's affinity with a nod to the best elements of the more adventurous San Francisco bands of the late 60's and 70's, and the more spiritually aware and exciting forms of Jazz-Rock from the same era. This is no nostalgia trip but a thoroughly inspired and original metamorphosis. Earth is also very honored to be joined on this record for three songs by legendary and virtuoso guitarist BILL FRISELL (doing some of his most fuzzed out playing in years!) . Bill Frisell adds a brilliant texture and counterpoint to the scintillating and inspired riffs of Dylan Carlson and the band. Adrienne Davies joins again on drums lending a classic and steady feel to the proceedings. Steve Moore also returns adding heavy hammond organ and his intense jazz inspired piano playing. Live Bassist Don McGreevy also makes his full length Earth debut on this record. Earth will begin touring throughout the world when the album is released, Australia, Europe and a full US campaign and on from there. The new songs are equally compellinglive where EARTH takes the vehicles and expand and explore them for further musical and meditative exploration..." [from the label notes]
www.southernlord.com
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2008 |
€15.50 |
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| ECKLOFF, JÜRGEN |
Angeflantschte Fugenstücke |
LP |
“Bei Wanzen Geld zurück” originally recorded 2004 for an exhibition at Sibirische Zelle (Berlin) fills the A-side of this two sided 30,48cm rotating audio-archive. A seemingly empty room with greasy walls is somehow filled by situations and more - of course with happy ending!
Side B contains six shorter pieces including the unusual trilogy Mörtel
I – IV. This is the very first trilogy that consists of four pieces instead of the usual three! A masterpiece using the most modern techniques of composition. (That's also the reason why the additional `T´ is used in the record-title...)
All the sounds used for the pieces on Side B where recorded by the author himself mainly for his forthcoming film "Girls In Dirty Aprons"
at several places. Five scenic figurines of photographic beauty and understanding of sonic nature. `Miniatures Concrètes´ a French maybe would say.... The final piece entitled “Jazz” sets another direction, Eckloff never has shown before. Not Dixieland...the other Jazz! Yes!
The not fully printed backside of the coveroffers a lot of space for notes - a new & fresh invention on the fast growing record-market that underlines once more the forward-thinking way 90%Wasser steps on since years!
Tracklist:
side one:
1. Bei Wanzen Geld zurück
side two:
2. Fettröhre
3. Mörtel I
4. Mörtel II
5. Mörtel III
6. Mörtel IV
7. Jazz
"Und gleich noch etwas Neues aus dem Hause 90%WASSER, dem Berliner Label, das uns so exzellente Platten wie die von COLUMN ONE, JÜRGEN PLOOG und die letztlich hier präsentierten KEIN ZWEITER beschert hat. Das heißt, neben eben KEIN ZWEITER wird uns gleich noch die neuste Scheibe von JÜRGEN ECKLOFF angetragen, demjenigen, der so großartig Collagen und Videos mit surrealem Inhalt schnitzelt, dem, der Alben produziert, seine Collagen ab und an ausstellt (wie z.B. in der Sibirischen Zelle, der Rumsti-Pumsti-Galerie am Treptower Park in Berlin und – wie gemunkelt wird – demnächst in Zernikow bei Berlin) und sowohl mit COLUMN ONE als auch mit dem oben genannten Label eng verbunden ist.
Auch auf dem Cover prangt eine Collage von ihm – wobei hier die einzelnen Teile wie ein Langschatten ineinandergefügt wurden. Dieser ist der eines Mannes. Und der wird von hinten wie von vorne gezeigt – mit einer Mütze auf dem Kopf, die darauf schließen lässt, dass es sich hier wohl um einen (Stahl- oder Bergwerks-) Arbeiter aus den – sagen wir – 1950er Jahren handelt.
Musikalisch, oder was die zu hörenden Geräusche betrifft, oder auch hörspielerisch, werden wir in den Großraum einer Werkshalle entführt – möglicherweise ja die des auf dem Cover zu sehenden Arbeiters.
„Bei Wanzen Geld zurück“ umfasst dann die gesamte A-Seite des Albums. Da schlürft und schmatzt zunächst jemand. Hörbar in einer eben größeren und annähernd leeren Halle. Alle Hintergrundgeräusche, einschließlich Pfeifen, hallen hier nämlich nach. Koch- oder größere Metalldeckel rollen. Das Schmatzen bleibt. Balken, wie Klanghölzer fallen in Pfützen. Das Schmatzen bleibt, scheint sich sogar hier und da mit den Wasserpfützklängen zu verbinden. Dann wird so etwas wie eine Tonne durch die Halle gerollt. Nun schmatzt es unterbrochen. Mal äußert sich das – ja was eigentlich, vielleicht Monster – brummend, mal hustend. Ein Knirschen. Die Deckel. Und wieder das Schmatzen. Im Hintergrund dann auch einzelne Töne eines Klaviers, oder etwas kleiner – eines für Kinder vielleicht. Dann wieder das Rollen. Manchmal, zum Ende hin, sind auch Töne zu hören, die an welche erinnern, die entstehen, wenn mit Wasser gefüllte Gläser, die an den oberen Kanten mit dem Finger gestrichen werden, ertönen, klingen, summen und brummen. Das geht bis zum Rückkopplungsgeräusch. Und schließlich mündet das Ganze in ein Flaschenfallgeräusch – in etwa so, als wär diejenige Person (das Monster, Wesen) da in der Halle grad damit beschäftigt, zu kegeln ...
Die A-Seite macht dem Titel des Albums alle Ehre. Denn es flieht das besagte (Monster-) Wesen der (Arbeiter-) Person durch die Halle, und zwar in Form von Geräuschen, die polyphon und mehrstimmig sind – so wie bei einer klassischen Fuge, in der ja jedes Thema nach seinem Auftauchen, zeitversetzt wiederholt wird. Weil wir es hier aber lediglich mit Fugenstücken zu tun haben, die angeflanscht wurden, die also dicht, jedoch lösbar miteinander verbunden sind, kann das Ganze wohl auch in andere Kontexte gesetzt werden. Wer weiß? ...
Auf der B-Seite sind dann „Röhrenfett“ (B1), „Mörtel I-IV“ (B2-5) und „Jazz“ (B6) zu hören. Vielleicht geht das Ganze auch in Richtung Versuchsaufbau. Vielleicht dient der Mörtel dem Errichten einer neuen Halle außerhalb der alten. Da werden – wie auf dem Bau üblich – nämlich Flaschen mit Plopp geöffnet, da wird innerhalb der Stücke gewerkelt, Lasten werden gezogen, da wird gehämmert, verräumt usw. Vielleicht richtet sich's aber auch an die Form der Musik. „Jazz“ ließe diesen Schluss zu. Denn hier wird nicht mehr mit Instrumenten, sondern mit Türknarren gearbeitet. Türen klingen da nämlich wie Blasinstrumente. Und das Hämmern und Poltern so wie ein Schlagwerk, das wie im Jazz üblich nicht unbedingt im Takt bleiben muss.
Vielleicht ist das DADA, vielleicht konstruktivistisch oder auch situationistisch. Schließlich beschäftigten sich die Situationisten neben der Malerei und der Collage auch mit Stadtplanung. Allerdings waren sie der Arbeit gänzlich abgeneigt „Arbeit? Niemals.“ Das war einer der Slogans der Zeit ... Nun, was auch immer es ist, es lohnt sich auf jeden Fall „Angeflanschte Fugenstücke“ zu hören, und zwar um sich selbst ein Bild davon zu machen, wofür es meines Wissens nach noch keinen Begriff gibt." [andrewkorsch für nonpop.de] |
2016 |
€15.00 |
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| EINHORN, NIKOLAUS |
+++ arbeiten +++ |
LP + 7inch |
"N. Einhorn gibt es wirklich, mit Einträgen in Ubuweb und im Transpersonalen Lexikon. 1940 in Dresden geboren, praktiziert er Gestaltpsycho- und Familientherapie und angewandte Tiefenökologie.
Daneben jedoch hatte Einhorn ein Faible für Lautpoesie und Klangexperimente entwickelt, das Anfang der 70er zur Mitherausgeberschaft im S-Press Tonbandverlag führte, einem Forum für Arbeiten von etwa Raoul Hausmann, Oskar Pastior, Ernst Jandl, Ludwig Harig, Hartmut Geerken oder Bazon Brock. Der Tonbandvirus packte ihn auch selbst, mit Resultaten wie ‚Cudrefin (minuit) - Found Music No.1‘ (1973), windspielähnlichem Stabglockenbimbam, von Wind umblasen und von Wasser beplätschert; und dem bei S-Press veröffentlichten Titelstück ‚Arbeiten - ein Stück für alle‘ (ebenfalls 1973 entstanden), das drei Loops des Wortes ‚arbeiten‘, einen kommandotonhaften, einen ‚tüchtigen‘ und einen monotonen, durch die Asynchronität des Schlaufenlaufes miteinander roboterhaft ‚arbeiten‘ lässt. Der Bonustrack ‚Don‘t you may be, the essential interview‘ (1975) mit den Stimmen von John Cage & Hans G. Helms war - neben Gerhard Rühm und Franz Mon - Teil der Futura 5-LP der POESIA SONORA- Anthologie von Cramps Records gewesen. Helms ist ein Avantpionier zwischen Jazz & Poetry, Frankfurter Schule, Studio für Elektronische Musik Köln und Darmstädter Ferienkursen sowie Autor von John Cage – Gedanken eines progressiven Musikers über die beschädigte Gesellschaft. ‚Don‘t you may be‘ operiert ebenfalls mit den Repetitionen von Satzfetzen, Gelächter, Schnieflauten. Mit dem Haupteffekt Keine Lust auf Arbeit und der Nebenwirkung Mehr Lust auf Helms." [Bad Alchemy]
www.youdonthavetocallitmusic.de
"And oh: that Nikolaus Einhorn record is an interesting piece from 1973 of sound poetry. A loop like Steve Reich's 'Come Out' phasing in and out on the word 'arbeiten' (working). The other side is also from 1973 and not released before. It applies the same working method but then for chimes in the wind - or perhaps its just chimes in the wind. Get a copy while they last." [FdW/Vital Weekly]
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2007 |
€18.50 |
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| EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN |
Elektrokohle (von wegen) |
DVD |
" Doku über das erste Konzert der Einstürzenden Neubauten in Ostberlin: Der 21. Dezember 1989 in Berlin: Eine Stadt im Umbruch. Die Einstürzenden Neubauten sollen ihr erstes Konzert im Osten der noch geteilten Stadt geben. Vorbei an Grenzkontrollen und durch die Mauer, deren Abriss nur noch eine Frage der Zeit zu sein scheint. Im Wilhelm-Pieck-Saal des VEB Elektrokohle trifft schließlich nicht nur ein westdeutscher Kulturexport auf eine Industriestätte der DDR, nicht nur künstlerische Avantgarde auf ein Symbol der Arbeit. Die Band sieht sich einem besonderen Publikum gegenüber, das trotz Grenzöffnung nicht die Flucht, sondern die Konzertkarte ergriffen hat. - Uli M. Schueppel wurde Zeuge eines historischen Moments. Er zeichnet die Wege der damaligen Konzertbesucher zum VEB Elektrokohle nach, die in jener Dezembernacht in ein kulturelles Zwischenreich führten - aus der Offiziersschule Löbau, aus den Offenbacher Stuben, von wo aus Heiner Müller gleich eine Delegation französischer Minister anschleppte, aus der westlichen Nachbarschaft und dem östlichen Umland. Ein beeindruckendes Mosaik deutsch-deutscher Zwischenzeit." [Verlagsinfo / Indigo]
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2009 |
€20.00 |
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Rampen - APM: Alien Pop Music (lim. yellow vinyl) |
do-LP |
Double LP version. Yellow color vinyl. Einstürzende Neubauten present their new album Rampen (apm: alien pop music). Since the band was founded on April 1, 1980, Einstürzende Neubauten have been shifting the parameters of mainstream and subculture to make the inaudible audible -- perhaps the unheard as well. This experimental field research, spanning more than four decades, is now entering the next stage. In its 44th year of existence, the band is going back to its roots while redefining itself. It's a change in self-image, for which the Berlin quintet plus one has created its own genre -- alien pop music.
Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.
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2024 |
€48.00 |
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| ELIZABETH S. |
Gather Love |
CD |
Elizabeth S., long time contributor/performer with duo Eyeless In Gaza is about to release her first solo album. Happy in the past to remain on the sidelines with her collaborations she is now ready to reveal some of her story. These songs are her personal journey through many stormy years and the development of this work was many years in the making. All the songs were written, performed and produced by her with the only additional contributions being made by Martyn Bates and Alan Trench. In a recent review (www.bigbeautifulnoise.com) Lee Henderson wrote that her work extends from an almost mournful reminiscence to ethereal portraits and symbolic aural illustrations. Elizabeth S. has an approach that combines electronic treatments while having a tight grasp on her early British folk beginnings: this in-depth collection is a beacon on dark and intensely stormy years and yet it still offers a warm invitation to inspire hope and goodness to the human race. Consisting of twelve tracks of such an intimate autobiographical diary this body of work leaves the listener with no doubt that we have been allowed into a very private space inhabited by most of us at some point in our lives - with Elizabeth’s music gently moving from the tender to the abstract, all the while staying firmly rooted within a range of sparse musical arrangements. Elizabeth S. has been likened to a curious hybrid of Dolly Collins, June Tabor, Laurie Anderson and Kate Westbrook – but, it is truly difficult to label her music, and this is a task that we leave to the listener. Full tracklist: 1. Misborn 2. Will Your Love 3. The Carer 4. The Carter Girl 5. Weathered Life 6. Measured Greed 7. The Hill 8. The Long Farewell 9. Wanderlove 10. Gather Love 11. No Rain 12. To.
https://www.klanggalerie.com/gg384
"Warum Elizabeth S., langjährige Mitwirkende bei der Band Eyeless in Gaza, erst nach Jahrzehnten ein Album im Alleingang produziert hat, ist nicht weiter bekannt. Schon die ersten beiden Tracks ihres vor kurzem erschienenen Debüts “Gather Love” geben jedoch bereits eine Vorstellung von der enorm aufwühlenden Emotionalität, die sich in unterschiedlichen Facetten durch das ganze Werk zieht. Ein solches Album braucht nicht nur eine Weile, um fertig gestellt zu werden, sondern noch mehr Zeit, um überhaupt als Idee heranzureifen.
Ein solches Album ist, so will es die Redensart, keine leichte Geburt, und so beginnt “Gather Love” wie ein Donnerschlag mit dem heftigen “Misborn”, bei dem die Sängerin inmitten einer lärmenden Karambolage aus Drums, Noiserockgitarren und anderen Instrumenten beschwörende Verse anstimmt, während kleine Melodiefragmente auch hier bereits die Sanftheit ahnen lassen, die im weiteren Verlauf immer deutlicher in den Vordergrund treten wird. Alles dreht sich um den titelgebenden Begriff, und es scheint, als wollten Gesang und Lärm durch eine unsichtbare Wand dringen. Hinter der verbirgt sich vielleicht die gelöste, sehnsuchtsvolle Trauer, in die das darauffolgende “Will Your Love” getaucht ist – dieser vielleicht eingängigste Song des Albums, dessen eindringliches Gitarrenspiel und feuriger Gesang die Energie des Folkrevivals der 70er channelt, stellt die Frage nach einer Liebe, die den Tod überdauert. Alles in diesem Stück scheint dem Schmerz abgerungen und ist dabei frei von jeder lieblichen Romantik.
Die zwölf Stücke, in denen die oftmals verschwimmenden Klänge von Gitarre, Piano, Melodica, dezenter Elektronik und Streichern den Sound prägen, drehen sich immer wieder um Themen des Verlusts und des Vermissens und strahlen dabei eine große Zärtlichkeit aus, die mehr als alles andere die Wertschätzung des Verlorenen deutlich macht. Der Journalist Lee Henderson, der einiges über die persönlichen Hintergründe des Albums weiß, erwähnt den Bezug einiger der Songs auf die Familie der Sängerin. So enthält das verweht dröhnende “The Carter Girl” eine Tape-Aufnahme, die Elizabeth als Kind von ihrer Mutter, einer Opernsängerin, machte, die später an Alzheimer erkrankte. Andere Songs wie das so entrückte wie exaltierte “Weathered Life” erzählen in ihren Texten von den Herausforderungen, mit denen der Sängerin nahestehende Personen leben und kämpfen mussten.
Was die Opulenz der Stücke betrifft, die in ihrem unklaren Ort zwischen dunklen Folkballaden und abstrakteren Soundscapes immer wieder auch an Elizabeths Stammband erinnern, könnte “Gather Love” durchaus das Werk einer Band sein. Und doch bleibt stets der Eindruck einer persönlichen, autobiografischen Stimme, wie sie nur in wirklichen Soloarbeiten sprechen kann – ganz gleich, ob die Sängerin sich dabei wie in dem schleppenden, fast an No Wave erinnernden “No Rain” oder im gemächlich rauschenden “The Long Farewell” eher zurücknimmt und den Instrumenten den vorderen Platz überlässt, oder ob sie auch gesanglich wie in “The Hill” oder dem monumentalen “Measured Greed” alle Barrieren durchbricht und sich in fast wahnhafter Ekstatik Ausdruck verschafft.
Zu den gemächlicheren Stücken zählt auch das Mason Williams-Cover “Wanderlove”, bei dem mit Alan Trench (Temple Music, 12 Thousand Days u.v.a.) und Ehemann Martyn Bates auch Gäste mit Drones und begleitendem Gesang zu Wort kommen. In das sanfte Dröhnen mischt sich etwas unruhig drängendes, das sich durch die emotionale Grund-DNA des ganzen Albums zieht, eine sich heftig aufbäumende Eruption, die gleichermaßen rastlos und konzentriert, magisch und kathartisch ist. Erst im kurzen Abspann von “To” glätten sich die Wogen – wie auf der letzten, versöhnlichen Seite einer autobiografischen Erzählung. Zweifelsohne ein mehr als gelungenes Debüt." [U.S./African Paper]
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2022 |
€15.00 |
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| ENCOMIAST / THE COPPER THIEVES |
139 Nevada |
do-CDR-box |
"In 2004, a group of musicians and curiosity-seekers went to the Belvidere Theatre in Central City, CO because it was rumored to be one of the most haunted buildings in the state. Our initial goal was to attempt to record Electromagnetic Voice Phenomena, but the project eventually took on a much different cast. We never succeeded in capturing any ghostly voices, but we reassembled the recordings into new compositions that captured the haunted spaciousness of the theatre.
That’s where 139 Nevada began
We returned to record in the theatre two more times while making these two records. Even if the spirits never raised their voices, we hope they were entertained by our presence.
139 Nevada consists of two discs - Encomiast ‘s “Masked Mirror” and "Slam Your Doors In Golden Silence" by The Copper Thieves, a coalition including members of Encomiast and the group Mandible Chatter. Both collections mine the rich sonic bed of the Belvidere Theatre - located at 139 Nevada, Central City, CO - but each one takes its own clear path.
Limited to only 200 copies, 139 Nevada is a double CDR release containing two discs in sleeves, with two insert postcards packaged in a textured cardboard box.
Packaging: Textured box w/Two Pro CDR's and two insert postcards
Release Date: June 23, 2009
Running Time: Disc 1 - 57:12, Disc 2 - 44:40 " [full label website info]
www.lensrecords.com
"Eine geheimnisvolle Veröffentlichung in einer schmucken kleinen Pappschachtel mit zwei CDRs und zwei Postkärtchen, denen wir folgende Geschichte entnehmen können. Die Projekte Ecomiast & The Copper Thieves (fast personell identisch) erhielten Zugang zu einem verfallenen Provinztheater in einem kleinen Städtchen. Von dem Theatergebäude hieß es, dass hier Geister hausen würden. Die Musiker machten mit diversen Gästen Aufnahmen vor allem am Klavier im verlassenen Geisterauditorium und bearbeiteten diese Aufnahmen im Studio. Sie kehrten zwei Mal an den Ort des Geschehens zurück und fanden es irgendwie unheimlich aber auch spannend. Den Hörer erwarten zerpflückte und hallige Pianotupfer, manchmal kammerpoppig verdichtete Arrangements und viel verwaschene Atmosphärik. Der ganze Release wirkt irgendwie literarisch, wir können dies auch nicht näher begründen. Es bleibt etwas unwirkliches an den Klängen haften, obwohl sie nur milde experimentell sind." [Zipo / Auf Abwegen]
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2010 |
€16.00 |
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| ENS IMPERFECTISSIMUM |
Illuminate E Aelimitate |
CD |
(ZZS 105) Ens Imperfectissimum "Illuminate E Aelimitate"
(A blackened Physical Ritual Recording in the veins of Zero Kama,Phurpa,Lashtal & Arktau Eos)
Ens Imperfectissimum bases his art on worship, work and devotion to the dead, not tied to a single path or spiritual practice. To connect with these spirits, instruments made with human bones are used, such as kanglins, clash of bones, among others, as well as whistles called "whistles of death" used in pre-Hispanic times. The combination of these elements results in a ritual dedicated to the dead, which are presented in a neat and sensible way according to the purpose of who calls them.
Opus dedicated to the devotees of the dead. To those who travel in the stark obelisk adorned with bones of the old aeon. To those who put candles to light the path of the emaciated. May the sound of the femurs and the drums of skulls in sheep's clothing be a constant rumble that connects us with those who once walked our paths.
A guided journey from the stark voices of the abyss...
A devotional and ritualistic work dedicated to the dead from different traditions, cults and religions. To achieve this connection and communication, it was recorded during the days of the dead through necroglossolalia. The sound accompaniment is made up of sounds of human bones, kanglins and pre-Hispanic whistles of death, which fulfill the function of creating vibrations and frequencies that help the manifestation and contact with the dead. These ritualistic syncretisms are recommended for those who follow the path of necromancy...
Official Video Teaser:
youtu.be/HaDQKzKFz5s
https://ensimperfectissimum.bandcamp.com/album/illuminate-e-aelimitate?from=hp
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2022 |
€13.00 |
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| ERIK M (eRikm) |
Sixperiodes |
CD |
Kollektion von sechs sehr unterschiedlichen Stücken für Tanz, Theater und Kino (2001-2004) von dem aussergewöhnlichen französischen Komponisten & Klangkünstler, der mit Computern, Turntables, Objekten & was auch immer arbeitet. Feinste konkrete Mikro-Sounds wirbeln hier herum und bilden doch kohärente Klangmuster, ob Drones, Pianotupfer, elektronische Sounds, konkrete cut-ups, ERIK M erschafft eine musikalische Sprache für die es noch keinen Namen gibt, die dynamisch-aggressiv aber auch sehr poetisch und surreal-zart sein kann. Für Sound-Explorer !
"sixpériodes departs from composed and improvised fragments of different media from dance or theatre performances, silent films or dance-conferences. far from standard soundtrack music, each creation here is accomplished using diverse approaches and techniques that demonstrate the most personal skills of erikm in combining different material - digital and acoustic sounds, field recordings and vinyl manipulations - in a unique way. his primary aim is no longer simply to quote his system of references but to create for himself a bank of singular material to compose without referring to other works, thus approaching a subtle abstraction and a sense of pause within contemporary sonic agitation. erikm has collaborated with the likes of fennesz, otomo yoshihide, musique concrète composer luc ferrari and avant turntablist christian marclay. he has released on such labels as hathut, for4ear, asphodel, metamkine, sonoris and others." (label info)
“Described as a "display of ErikM compositions for dance, theatre and cinema between 2001 and 2004", this album is a charming alternative in the congested field of laptop/acousmatics, being imbued with a determined research for a sonic biology whose purpose goes far beyond the "soundtrack" definition. ErikM's target appears to be the action of freezing what moves into aural snapshots: he reduces his perceptions to the bare minimum, using fragments of intuition and sampled snippets to find a connection with the functions of the body, which most of this music seems to represent in an almost graphic manner. It feels like there is a strong correlation with the automatic reactions of our nervous system, most sounds zapping around like a stimulated grasshopper, therefore effectively fulfilling their scope of demarcating choreographic schemes and underlining images. This music is indeed extremely visual, yet absolutely suggestive when taken as pure electroacoustic circumstance, completely original and honestly transcendental but at the same time very substantial.” [Massimo Richi / Touching Extremes]
“....It's hard to tell what is on those records and tapes, but throughout everything jumps and skips around like crazy, creating things to be very vibrant and lively. Most of the times rhythmical in a sort of non-linear way (even when it's a dance record!), combined with elements of noise and musique concrete, this also jumps stylistically all over the place, moving from strict improvised parts, such as the opening 'Les Paesines' to the more straight forward, almost industrialized rhythms
'Paris Qui Dort'. But that keeps the adrenaline of this disc going round and round. I enjoyed many of his collaborative works already, but as a first introduction to his solo work, I am even more impressed. Very good material...” [Vital Weekly]
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2006 |
€15.00 |
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Steme |
CD |
"Steme" ist eine Arbeit über "Fragmentierung, Genese und Erneuerung", basierend auf einer Auswahl von zehn 1minütigen Klangstücken von einer defekten CD. ERIK M ist ein Meister im improvisierten Konstruieren und Dekonstruieren von Klangschnipseln; hier klingt das unfassbar abstrakt, zerschnipselt & geräuschhaft, von Gekräusel & Rauschen durchsetzt, aber es gibt auch schillernd-elektrisierte Drone-Parts....muss man gehört haben...
"Between his reputation as swift shifting improviser, concréte composer and turntable deconstructionist, Marseilles based artist ERIKM has earned himself an enviable position in the European music community. With Stéme, his most ambitious and fully realised compositional work to date, he devolves and recontextualises the boundaries between sound source and sound media. In essence, Stème originates from a selection of ten one minute long sound pieces burned on a CD which was deliberately damaged. These media (music on modified media or field recording) formed the basis of multiple improvised session including multiple stages of construction and destruction of these acoustic matters using my different electronic real time live music systems (3k-pad system & MD or CD-dj and electronics). The resulting sounds are truly distinctive – filigree like sonic details are brought into sharp focus, tuning the ears with their paced spatial movements. Occasional grabs of the source sound material appear and are erased equally as quickly. A genuinely powerful statement of compositional intent." [label info]
"...Unlike say Oval, ErikM is not interested in creating some new (old?) form of popmusic out of it, but rather tries to use all these blocks in a large composition of a highly delicate, electro-acoustic nature. With the exception of 'White Out' which operates more from the drone end, and there for seems a bit out of place here, all the seven other pieces are of a collage like nature, which adds a great vibrancy to the material, bouncing all over the place while the listener only can submit to this with full attention. That 'White Out' piece could have been easily left of from this, and it would have been a perfect CD, now it's near perfection." [FdW / Vital Weekly]
www.room40.org
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2007 |
€13.00 |
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| ERINYS |
Manhattan / Dwelling |
CD |
Definitiv einer der besten apocalyptic / atmospheric Industrial-Veröffentlichungen auf Tesco, noch immer zu entdecken !
“This sound artist from the us presents a dark, intense soundscape of destruction and apocalyptic noise to celebrate the end of city civilization. comes in a deluxe special package.” [tesco]
“Erinys hail from New York, and is one Gerald Stevens. His music touches many musical fields, like musique concrete, elecctronica, ambient and noise, but he is capable of creating his own unique thing. Taking sounds from the city (part1-7) or his former home (8-12), feeding them through synths and other effect boxes, a dense field of noisy ambient concrete music arises. Certainly towards the end, this disc reaches it's peak with very well crafted soundscapes of an austere beauty. This, an the beautiful folder it's packed in, make it a very good release, and can be placed right next to Illusion Of Safety's 'Cancer' release on Tesco (which for me is another previous highlight from their catalogue).” [FdW, Vital Weekly]
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1998 |
€14.00 |
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| ESMERINE |
Dalmak |
CD |
"180 GRAMM VINYL LP INKLUSIVE POSTER + DOWNLOADCODE! Als ESMERINE mit "La Lechuza" 2011 ins Licht der Öffentlichkeit traten, war das Album das Signal für viele Dinge: es markierte die ersten Aufnahmen der Band nach sechs Jahren, ein erweitertes Line-Up und eine Songsammlung, die vom Leben und dem viel zu frühen Tod eine Freundes und Mitmusikers inspiriert war.
Das neue ESMERINE Album ,Dalmak" stellt heraus, dass die Band nicht damit aufgehört hat, zu schreiben, zu entdecken und zu kollaborieren.
Bruce Cawdron (Ex-GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR) und Cellistin Rebecca Foon (SILVER MT. ZION, SET FIRE TO FLAMES) haben den Percussionisten Jamie Thompson (UNICORNS, ISLANDS) und den Multiinstrumentalisten Brian Sanderson als vollwertige Mitglieder rekrutiert.
Europäische Touren brachten ESMERINE zwischen 2011 und 2012 nach Istanbul; ,Dalmak" ist das Resultat dieses Besuches: Der Großteil des Albums wurde in Istanbul aufgenommen, wo die vier kanadischen Musiker Verstärkung von der gleichen Anzahl türkischer Gastmusiker bekam.
,Dalmak" ist ein türkisches Verb mit vielen Auslegungsmöglichkeiten: betrachten, sich auf etwas einlassen, eintauchen, baden, in etwas hineineilen, abstürzen.
Als Albumtitel bezieht sich ,dalmak" wörtlich auf das Einlassen auf die Kultur und Musik von Istanbul, beschwört jedoch auch passenderweise die Spannweite der Musik, die hier herauskam: eine Sammlung von Songs, die zwischen meditativem Pulsieren und umarmender Hemmnis und spontanem Ausbruch in Rhythmus und Groove pendelt." [label info]
www.cstrecords.com
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2013 |
€14.00 |
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Mechanics of Dominion |
LP |
180G AUDIOPHILES VINYL INKL. EINEM SET AUS FÜNF 12 "X12" KUNSTDRUCKEN (ARTWORK VON JEAN-SÉBASTIEN DENIS AUS DER IMBRICATIONS-SERIE) + DOWNLAD-CODE "Mechanics of Dominion" entstand durch das moderne Kammer-Ensemble ESMERINE, das von Rebecca Foon (SALTLAND, SILVER MT. ZION) und Bruce Cawdron (GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR) gegründet wurde. "Mechanics of Dominion" ist vielleicht ESMERINEs' dynamischste und narrativ informierte Arbeit, die einen Bogen durch neoklassizistische, minimalistische, moderne zeitgenössische, Folk-, Barock-, Jazz- und Rock-Idiome verfolgt, um Klage, Meditation, Entschlossenheit, Widerstand und Hoffnung aufzurufen. Es ist ein Requiem für unseren unerträglich leidenden Planeten und ein Lobgesang für die unergründliche, wesentliche Würde der indigenen Ethik, der natürlichen Welt, die moderne menschliche Schwäche und den Einfallsreichtum. Stilistisch bringt "Mechanics of Dominion" Schlag-Instrumente in den Vordergrund, mit Marimba, Glockenspiel, Klavier und Spieluhr. Die Beiträge von Multi-Instrumentalist Brian Sanderson nehmen einen immer größeren Teil in ESMERINEs Songwriting ein - seine melodischen Linien auf Hörnern und akustischen Streichern sind Elemente der zeremoniellen Lyrik und beleben diesen Songzyklus. "Mechanics of Dominion" ist außerdem eine weitere Superlative im Anspruch an Covergestaltung und Verpackung, diesmal mit der Arbeit des Montréal-Künstlers Jean-Sebastien Denis, die das komplizierte Gleichgewicht des Albums von Abstraktion, Spannung und emotionalen Färbungen genial widerspiegel
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2017 |
€22.50 |
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Lost Voices |
LP |
Montréal chamber rock ensemble Esmerine return with the new full-length album Lost Voices, the most dynamic and incendiary record of the group’s career, following its highly-acclaimed and Juno award-winning 2013 release Dalmak. Led by co-founders Bruce Cawdron (Godspeed You! Black Emperor) on various mallet instruments and Rebecca Foon (Thee Silver Mt. Zion, Saltland) on cello, Esmerine also includes drummer/percussionist Jamie Thompson (The Unicorns, Islands, Little Scream) and multi-instrumentalist Brian Sanderson.
Lost Voices is the result of multiple recording sessions led by Vid Cousins (Kid Koala, Amon Tobin, Colin Stetson) and was mixed/produced by Jace Lasek (The Besnard Lakes) at his Breakglass Studio in Montréal. The album features several tracks that are hands down among the band’s most rocking, making newfound use of electric guitars (courtesy a variety of guest players) alongside the group’s nucleus of marimba, strings and percussion. Expanding from Dalmak’s core quartet, Esmerine also welcomes bassist Jeremi Roy (who began touring with the group in 2013) as an official member; his contrabass work adds potent low-end to the heavier and more muscular jams on the new album. Lost Voices is equally notable for the appearance of GY!BE/Silver Mt. Zion violinist Sophie Trudeau as a featured guest; her intense and incomparable string sounds/styles elevate the potency of the record’s most soaring and high-octane pieces, particularly on opener “The Neighborhoods Rise”, “19/14” and the centerpiece track of Side Two, “Funambule”. Thompson’s drumming comes to the fore on these pieces too, and on the rock-steady minimalism of “A River Runs Through This City”, which satisfyingly harkens back to the likes of Tied & Tickled Trio, June Of 44, Shipping News and Lungfish.
Lost Voices can fairly be called Esmerine’s “rock” album, expanding upon the band’s celebrated prowess at deploying structure and dynamic, balancing melodic expression against methodical restraint through a diversity of stylistic touchstones (minimalism, post-rock, math-rock, desert rock) while allowing for explosive crescendos of exuberant density and maximalism that most notably distinguishes this record from previous work. The album nonetheless includes several instances of more spacious, searching and/or tender compositions – not only in some of the opening sections of the rock songs, but in stand-alone marimba-and-string-led pieces like “Pas Trop Pas Tropes” and “My Mamma Pinned A Rose On Me” and in the two piano-and-string minuets that close each side of the record.
Lost Voices is a deeply satisfying and evocative journey and another brilliant iteration of Esmerine’s distinctive instrumental chamber rock; cerebral and visceral, controlled and volatile, and wholly cinematic in scope throughout.
Thanks for listening.
PERSONNEL
Rebecca Foon: Cello, harmonium, piano, voice
Bruce Cawdron: Marimba, bowed marimba, glockenspiel, vibraphone
Jamie Thompson: Drums, marimba, glockenspiel
Brian Sanderson: Violin, ekonting, cavalry cornet, f horn, sarod, bass guitar
Jérémi Roy: Contrabass, bass guitar
GUESTS
James Hakan Dedeoglu: Guitar (tracks 1, 2, 4, 5, 7)
Sophie Trudeau: Violin (tracks 1, 5, 7, 9)
Jace Lasek: Guitar (tracks 1, 7), synth (track 6)
Pierre-Guy Blanchard: Darbuka, riq, glockenspiel (track 7)
Ian Ilavsky: Guitar (track 4)
Vid Cousins: Piano (track 5)
Colin Stetson: EVI (track 8)
Recorded by Vid Cousins at Mixart and Six Saint V in Montreal.
Mixed by Jace Lasek and Ian Ilavsky at Breakglass in Montreal.
Mastered by Ryan Morey.
https://esmerine.bandcamp.com/album/lost-voices
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2015 |
€22.50 |
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| ESOTERIC |
Subconscious Dissolution into the Continuum |
CD |
Langsamer Doom Metal mit extrem melancholischem & düsteren Einschlag von dieser britischen Band, die einen recht einzigartigen Stil begründet haben, die Gitarrenarbeit erinnert an GODFLESH oder mitunter gar COCTEAU TWINS, dann wieder gibt es disharmonische & abgründige Arrangements, immer langsam, schleppend und schwer... an den Gesang muss man sich vielleicht etwas gewöhnen, aber wir meinen der ESOTERIC Sound kann auch für Drone & Dark Ambient Hörer durchaus interessant sein..
"...ESOTERIC befinden sich irgendwo auf der Kreuzung von Noise, Psychedelia und extremem Doom Metal. Da sie mit Funeral Doom Geschwindigkeit mit stark verzerrtem Bass, einer Steinmauer aus Gitarren, verfolgenden Samples und haarsträubenden Vocals spielen, ist ESOTERIC’s Sound mit einem schlimmen LSD-Trip oder einer Überdosis einer harten Droge vergleichbar. Sie sind zweifellos die düsterste, selbstmörderischste, psychedelischste und verwüstendste derzeit existierende Band und schaffen es, mit ihren bizarren Soundlandschaften gleichzeitig zu entzücken und zu bedrücken. Und wenn euch diese Beschreibung nicht ausreicht, um euch ein Bild zu machen, kann ich euch nur empfehlen reinzuhören." [Ben Meulemann]
"It's never an easy job to review an Esoteric release. They have gained such a reputation for being one of the most unique and extreme bands in the Doom spectre that it is hard to oppose, they are almost untouchable - and with good reason. The fact is that "Subconscious Dissolution Into The Continuum" is not an easy listen. It's devoid of any pleasant human feeling; it's savagely cold, heavy and droning. It'll put you in a miserable state - yes, it is as fascinating as it seems.
The sombre torturous atmosphere of this album left me speechless. This is not typical Funeral Doom; it is basically as slow as you probably expect, but there's this whole psychedelic sense, and really raw and mechanical distortion. As opposed to that more ethereal sound of other bands that rely on keyboards and clean vocals, for example, like Pantheist or Skepticism. Esoteric is closer to bands like The Funeral Orchestra, with their frightening sound and disharmonic, multi-layered structuring [...] Esoteric may seem monotonous at first listen, but you have to let yourself be absorbed by its aesthetics, you can't listen to this on just any day. Once you get past beyond its fever-inducing slowness you'll be ready to realise the true power and beauty of "Subconscious Dissolution Into The Continuum" and actually enjoy everything about it. Even the same slowness that used to put you off. This is truly a devastating and intense experience that I recommend highly to anyone who can appreciate extreme Funeral Doom Metal." [Passenger / Metalstorm]
www.season-of-mist.com
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2004 |
€13.00 |
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| ESSEIVA, KIKO C. |
Sous les Etoiles |
CD |
Für Klang-Abenteurer genau das richtige, das zweite Album dieses uns bisher unbekannten Soundtüftlers auf dem Schweizer Label. ESSEIVA kreiert hochdynamische Geräuschmusik mit vielen breaks & cut-ups und meist instrumentellen & konkreten Klängen, en detail quasi unbeschreibbar da zu komplex (zum Glück aber gibt es Rigobert Dittmann), von der Machart an alte NWW oder spannende Elektro-Akustik erinnernd. Empfehlung !
"Sous Les Etoiles (HINT04) ist nach Musiques pour haut-parleurs (Music For Loudspeakers) und Improvisations / Bricolages I-IV im Split mit Eric Boros (1000+1 Tilt) eine weitere Manifestation der Kreativität von KIKO C. ESSEIVA in Lausanne. Es ist ein komplexes Werk, in Szene gesetzt als experimentelles Cinema pour l‘oreille, mit einem ‚Prélude‘, 8 Episoden und einer ‚Fanfare de fin‘. Hervorstechend ist dabei die Plastizität der Klänge, ob knackiger Apfelbiss, knurrige Drones oder windspielerisches Klimpern. Das erinnert an Hanna Hartmanns Bildprägnanz, geht aber eigene, geräuschhaftere Wege. Ein weiteres auffälliges Ingredienz sind Stimmen, als gutturale Vokalisation, dann ein Frauenmund, der den Titel ansagt. Aber auch andere Klänge scheinen per Mund erzeugt zu sein, wenn auch verfremdet bis zur Unkenntlichkeit zu perkussivem Rippeln, zu Knarren oder Fauchen. ‚En rêve‘ wirkt wie alte Streichmusik, wobei der Geigenbogen jede Rauheit der Saite übertrieben ausreizt. Aus vielen Fugen flattert, knarrt und knarzt es, ein Metalldeckel eiert, Wasser gluckert, Dulcimersaiten flickern. Keine Landschaft tut sich auf, alles ist hier konkreter, detaillierter, informeller, in plastischer Nahsicht vor das Tagtraumauge gerückt. ‚Sous les étoiles toujours‘ überrascht mit einem Piano, dumpfen Glockendongs, wooshenden Drones, fragilem Klingklang. Zum Finale erklingt keine Fanfare, sondern kaskadierendes Tamtam, Cymbalschläge, Scherenschnippen, eine quäkende Hupe, Posaunengeblubber, alles Teil eines surrealen Orchesters der Dinge. Ich drücke gleich mal auf repeat." [Bad Alchemy]
"We are proud to release - four years after his first longplayer on Canadian imprint 'Manufracture' - Kiko C. Esseiva's second album 'Sous les étoiles'. The electro-acoustic-musique conrète compositions he has constructed during the past years are brilliant soundpieces that remind sometimes on Luc Ferraris electro-acoustic works but also the very narrative nature of some older Nurse With Wound albums. The way he mixes (almost) melodic elements into a complex structure of well arranged sounds and noises is simply beautiful. 'Sous Les Etoiles' goes even a step further than Esseiva's debut 'Musiques pour haut-parleurs', the tracks being audibly held together by leitmotifs, making it one big opus instead of being just a collection of tracks." [label info]
www.hinterzimmer-records.com
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2008 |
€13.00 |
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| ETERNAL ICE |
Idyl |
CD-R |
Fünf neue Stücke vom Oldenburger Ambient-Projekt, das mehr und mehr auf Gitarrensounds setzt, die uns an seelige CHAMELEONS oder DURUTTI COLUMN erinnern, was aber dann durchsetzt und abgelöst wird von Stücken mit Analog-Synth Klängen und dronigen Effekten...
“The previous time I reviewed something by Eternal Ice, it was their release 'Skya' (see Vital Weekly 391), which looked a demo of sorts, but now with 'Idyl', it looks more like a real, albeit private, release. Still on the short side of things, five tracks in twenty minutes, but it still operates in the realms of darker ambient paths. Heavenly chords on analogue synths, occasional guitar strumming and feeding them through an endless line of sound effects, create a dense patterns of ambient sounds, but it's a good flow of events. Nicely chilling out, relax music for a sombre mind.” [FdW / Vital Weekly]
Address: http://www.eternalice.de
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2005 |
€5.00 |
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| EVAPORI |
Rehearsals for Objects |
CD |
"1000füsslers industriell gefertigte Releases erreichen einen neuen Maßstab. Neben Tietchens und der sehr schön angelegten Heizungs-CD ist Evaporis Beitrag zum CD-Labelkatalog ein weiteres ungewohnt klingendes Zeugnis Neuer Musik. Völlig losgelöst vom Digitalkrach oder jedweder PlugIn-Klangmasse erscheinen die hier versammelten Stücke wie alte Schneidetischexzesse eines digital aufgemöbelten Walter Ruttmanns. Die raumklangtechnisch ausgesteuerten Klänge und Geräusche werden mittels ihrer Aufnahmeposition verfremdet und steuern damit gegen den sonst allgegenwärtigen digitalen Verfremdungsprozess. Klanglich angesiedelt zwischen einer ausziselierten Kapotte Muziek Komposition und einer Esseiva Etude passiert im zeitlichen Rahmen dieser CD anfangs eine Menge: feine Schleifklänge wechseln teils in rapiden Wechseln ihre Soundzustände, lösen sich auf und bilden feine Schnittkanten, an deren teils gratfreien Oberflächen allerlei konkretes Material sich ansammelt, ehe es mit einem schnellen Schnitt in andere Ebenen gehoben wird. Der zweite Satz zeigt die stärkste Dekonstruktion mittels Audioschnitt und Collaging, weicht doch der geschickte Einsatz der Stille teilweise radikalen Rückwärtsrichtungen des Quellmaterials, ehe der letzte Akt der CD in teilweise recht droniges Basisbrummen gleitet und etwas schlüpfrig den Weg aus der Komposition weist. Evaporis Ansatz einer völlig raumklangbezogenen Kompositionsweise macht vor allem dann Sinn, wenn die ohnehin sehr liquiden und scharf gestellten (Rest)geräusche in teilweise verzweifelt wirkender Flucht ihre Plätze suchen. Die in endloser Rotation wiederholten Brummschleifen unter den gestreuten Sounds macht es fast schon wieder interessant, mal selber die Lautsprecher um einige Zoll im Raum zu verschieben und den damit verbundenen Akustiksituationen zu lauschen. Ganz schön interaktives Material." [Thorsten Soltau, AEMAG]
"The aim while composing was to create a sound landscape that is exclusively made up of recordings which are not processed by computer effects (so-called plug-ins). The sounds are influenced by the way they are recorded, e.g. by the positions of the microphone and the sound source in a room. The resulting sonic situations are the basis of the the composition. The sounds – most of them of an everyday nature – were transformed using computer editing only, in order to leave the recognizability of the sounds untouched, create tension and to arouse the listener‘s curiosity through different atmospheric cadences.
Recordings were made at Rauchhaus / Berlin, Fundbureau and Christianskirche / Hamburg
Mastering by Guy Saldanha
Artwork by Nicolas Wiese
Thanks to Celia Herrero and Christoph Lohse"
[label info / credits]
www.tausend-fuessler.de
"Das nenn ich doch mal eine Produktinformation: „Die größtenteils aus dem Alltag stammenden Klänge wurden am Computer ausschließlich durch Schnitttechnik verfremdet, um die Erkennbarkeit der Klangquellen offen zu halten, Spannung aufzubauen und durch verschiedene Stimmungsbögen bei dem Hörer Neugier zu wecken.“ Das hat man nicht oft, dass ein Geräuschkunstmacher auch mal an seine (potentiellen) Hörer denkt und dass er das Ziel seiner Bemühungen angibt - Stimmung, Spannung, Neugier. Oliver Peters ist in BA schon bekannt als AIC-Macher und, obwohl in Berlin aktiv, für seine guten Verbindungen zur Hamburger Szene, zur Hörbar, zu Guy Saldanha (Knistern), der hier das Mastering besorgte, zu Uli Rehbergs Walter Ulbricht Schallfolien, wo zuletzt seine LP Fumes (2007) herauskam, zu Gregory Büttner, der ihm auf 1000füssler bereits zum zweiten Mal ein Forum bietet. Was hier die Neugier weckt, sind Übungen, Turn- oder Tanzübungen von Gegenständen in einem menschenleeren Raum. Nur die vermeintliche Abwesenheit von Beobachtern oder Lauschern ermöglicht diese leicht gespenstischen, zumindest ominösen und odradekhaften Verspieltheiten. Es huscht, trappelt, kullert, von ganz feinen Drones umspielt. Vielgliedrig tockt, ratscht, schabt und klickt Holz an Holz, Metall an Metall, Was? an Was? -kreuz und quer durch den Raum, an Wänden und an der Decke. Odradek-Hockey? Odradek-Mikado oder -Kampfsport? Ein ‚interlude‘ zwischen ‚rehearsal I & II‘ lässt keine Atempause, sondern verdichtet sogar die Aktionen, mit fast menschlichen Zischlauten. Das hat nichts ‚Ambientes‘, sondern eine spielerische Dramaturgie, die allerdings ihr Geheimnis - wer sind die Spieler und was proben sie? - nicht Preis gibt, denn wir sehen nichts, wir können nur lauschen und rätseln." [Bad Alchemy]
"Oliver Peters, the man behind the AIC label and the musical project Evapori, likes his sounds to be free of computer plug ins. Take an object, place a microphone and record the object. The placing of the microphone is essential as it alters the sound. Take a whole bunch of objects, record them and then make a CD out of these recordings. The computer is merely a recording device, where, in good musique concrete tradition, cuts can be made, stereo adjustment and balancing the various sounds. That is most commendable, I think, as most computer plug ins do tend to sound too similar. What Peters does here, is not done a lot. Using natural space to create reverb, he carefully touches his objects and makes a very intense sound collage out of it. One that requires full attention. At times I was reminded of the live sound of Kapotte Muziek, but then multi-layered and with more concentration - but then of course the computer here can cut out all the unwanted sounds, which live is more difficult. By adding machine hum towards the end of 'Rehearsal 1', he manages to sound like drone music too. I think this is a great CD, but there is one thing I don't understand: why call this rehearsals? Rehearsal for what? It gives the impression that this is unfinished business, unless Peters wants us to cut further in this material, but somehow I don't think that this the case here. Why not go full on and state that these are 'compositions'? " [FdW / Vital Weekly]
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2009 |
€13.00 |
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| EVIDENCE |
Iris |
CD & DVD |
EVIDENCE ist der Projektname eines Duos von SCOTT SMALLWOOD und STEPHAN MOORE, dies die zweite Veröffentlichung mit 11 Stücken, die auf der DVD von verschiedenen Videokünstlern visuell "begleitet" wurden. Auf "Iris" dominieren flächige und loopige Arrangements, die wohl grösstenteils auf Feldaufnahmen basieren. Es ergeben sich mitunter rhythmische Muster, dröhnminimalistische (Anti)-Statik fusioniert mit field recordings...
"Iris, the second CD release from the duo Evidence (Stephan Moore and Scott Smallwood) on the Deep Listening label, is also their first video release. The DVD has the same sonic material as the music on the CD, but it features video pieces by the duo's favorite live-video performers, including Benton-C Bainbridge, Betsey Biggs, Fi$h2000, Madeleine Gallagher, Dawn Haleta, David Lublin, Jonathan Lee Marcus, Olivia Robinson, skfl, Diana Reed Slattery, Jack Turner and Walter Wright. These pieces emphasize the spontaneity of the artists' live performances, the practice of using 'found' materials, and suggest the emergence of a regional aesthetic stemming from the recent hotbed of media performance centered around Troy, New York. Stephan Moore is a composer, improviser, audio artist, sound designer and software programmer from Marquette, Michigan, currently based in New York City. His work is grounded in the collection and investigation of environmental sound recordings and a fascination with the perception and properties of acoustic environments. Scott Smallwood deals with real and abstracted soundscapes based on a practice of listening, improvisation, and phonography. Ranging from sonic photographs, studio compositions, instrumental pieces, and improvisations, the resulting pieces are often textural, always mindful of space and subtlety." [lable info]
www.deeplistening.org
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2007 |
€18.00 |
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| EXPO 70 (EXPO SEVENTY) |
Kinetic Tones |
LP |
Kinetic Tones front“Laced with drones, heavy and leaden as cinder block bunkers, and shot through with a cosmic strain of psychedelia that unwinds as much as unravels the soul.” – Raven Sings The Blues
500 copies on 140g bronze vinyl, housed in a 100% sustainable card sleeve. An additional 20 test pressing copies on black vinyl, housed in hand-crafted sleeves with alternative artwork, were available exclusively on this website. Both editions come with a free download code.
Tracklist:
A1 – Static Harmonic Pendulum (10:32)
A2 – Eidetic Memory (07:56)
B1 – Lucid Landscapes (07:50)
B2 – Ascensions from Dusk (12:34)
The Artist:
One of Drone’s most prolific artists, Justin Wright aka Expo ’70 can look back on an impressive discography counting more than 40 albums since 2003, which have undoubtedly influenced many other musicians in the Experimental/Psychedelic/Drone community and attracted a huge followership in the scene. This has resulted in extensive touring, the last one through 11 countries in Europe, and several live releases.
Now Expo ’70 returns with a brand-new studio album, showcasing his trademark organic guitar drones that propel the listener ever deeper (or higher?) into other states of consciousness. Kinetic Tones was recorded all to analog reel-to-reel with no over-dubs, which gives the whole album an even more personal and intimate feel. The album spans over four tracks that range from minimalist Drone over spooky Psychedelia to harmonic and beautiful soundscapes, reaching a total running time of just under 40 minutes.
The Animal: Flores Hawk-Eagle (Nisaetus floris)
Sumatra orangutan
Expo ’70 dedicates his release to the critically endangered Flores hawk-eagle. Due to ongoing habitat loss within its small range across the Indonesian forests of Flores, Lombok, and Sumbawa, capture for the cage bird trade, and persecution due to its habit of taking chickens, the Flores hawk-eagle is evaluated as critically endangered on the IUCN Red List of Threatened Species. It is estimated that less than 100 pairs remain.
All profits will be donated to the EDGE of Existence bird conservation project to finance much-needed research to establish population size and ecological requirements, and education of local people to halt persecution.
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2015 |
€20.00 |
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| EYELESS IN GAZA |
No Noise. A 25th Anniversary Celebration: the very best of Eyeless in Gaza |
CD |
Best of mit 22 Stücken, der ideale Einstieg in die Welt dieser absolut aussergewöhnlichen „Pop“-Band....
“Cherry Red signed the two piece synthesiser duo Eyeless In Gaza in 1980. Back then a cassette dropped through our letter box which was virtually the finished tape of their first, highly acclaimed, album 'Photographs As Memories.' So 25 years have now passed by and Cherry Red are proud to present 'No Noise - The Very Best Of Eyeless In Gaza' (CDMRED 279), a fascinating collection which contains all the best Eyeless tracks over those years. The band plan a re-union gig in London on the 29th July (Bush Hall) and press interest should be strong. Cherry Red Films also plan a DVD release – read on for more details!” [press release]
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2005 |
€13.00 |
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Plague of Years : Songs and Instrumentals 1980-2006 |
CD |
'Songs and Instrumentals 1980-2006'. Noch eine EIG-Zusammenstellung, die aber mehr auf die experimentelle Seite zielt, 21 Stücke die die ganze Bandbreite der Band aufzeigen, mit einigen sehr raren Stücken. Special low priced !
"One of the great bands that emerged post punk... They were truly unique.... I still love them..." [Alan Mc Gee / March 2005]
"this CD deals with two sides of the group. first is its deeply lyrical vein, with summits like See Red and Lights of April, tracks that have almost never been included on "best-of" projects, despite the fact that they represent some of the most moving songs these musicians ever wrote. this collection also explores the group's more adventurous side through a number of instrumental pieces. this aspect of their output is little known and often neglected, even though it was there from their very beginnings. these two combining currents, where experimentation precedes lyricism (and the other way around), turn this album into a truly new way of (re)discovering Eyeless in Gaza. This unique architecture creates the impression that each side strengthens the other one's presence. probably for the first time ever, the 21 tracks so redistributed provide the band with irrefutable arguments toward its rebirth. Yes, Eyeless in Gaza is one of the most underrated groups. in this world of ours, will integrity finally pay off ?" [label info]
"Plague of Years is a single-disc retrospective by Peter Becker and Martyn Bates, aka Eyeless in Gaza. The duo began recording with minimal instrumentation -- Becker's piano and keyboards, some primitive drum machines, a guitar here and there, as well as a traditional drum kit (or at least the snares and cymbals) -- and made music in the post-punk era that was both challenging and hideously beautiful. The reason for that description comes from the sound of Bates' voice: nasal, emotionally overwrought, and often flat, it was a voice that expressed things in his utterly naked and poetic words that the heart could comprehend, but that the intellect often could not. Long before Morrissey ever warbled, Bates ripped the door off the closet of his fear, longing, love, and disappointment, framing it with colors that held many shades of gray, but also held out the glimmer of gold for hope. There are 21 cuts on this set, beginning with their earliest tracks from 1980's debut album, Photographs as Memories ("John of Patmos"), and the amazing "Every Which Way" from 1981's Caught in Flux, issued by Cherry Red, and moving through their utterly brilliant albums Drumming the Beating Heart, Song of the Beautiful Wanton, Orange Ice & Wax Crayons, and Back from the Rains. There are cuts from compilations, such as "To Steven" and "Sun-Like-Gold," that appeared as two parts of a three-part suite on Sub Rosa's Myths. Instructions., singles such as "County Bizarre" on NDN, and the gorgeous "Falling Leaf/Fading Flower" from the 12" Pale Hands I Loved So Well, which was a bonus disc tucked inside the Drumming the Beating Heart CD. There are also cuts here from Bitter Apples, the album they released for World Serpent in 1995, and Saw You in Reminding Pictures from the Ambivalent Scale label. This is but a taste, of course, since Eyeless in Gaza needed to be taken album by album, but one honest encounter with one of their songs will send the listener scrambling for more. The music here is beauty that is so out of place in this world, it can scarcely be borne." [Thom Jurek / Allmusic.com] |
2006 |
€12.00 |
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Summer Salt & Subway Sun |
CD |
Nach vielen Jahren erscheint zum Jahresende 2006 endlich auch NEUES Material des legendären britischen Duos von MARTYN BATES und PETER BECKER ! "Wyrd Folk" ist in aller Munde, aber EYELESS IN GAZA haben Folk- und experimentell beeinflusste Musik schon seit ihrer Existenz gemacht und einen einmaligen Stil etabliert...
die 11 neuen Stücke sind z.T. erstaunlich spröde, einige wirken eher sessionhaft-improvisiert mit langen Instrumentalparts und
kontrastieren aufs beste mit den so verehrten melancholischen Gesangstücken von MARTYN BATES..
"Originally, the intention was to put together a double album, centering around an “escalated excitement with the idea of cities as new, blank texts – contrasted with the kind of sense of alienation and loss evoked in such works as J.G. Ballard’s Concrete Island.” The completed Summer Salt & Subway Sun works as a kind of survival or synthesis of these ideas – and also as an illustration of Eyeless In Gaza as ‘studio animal’, contrasted with their (newly re-discovered) life as a regularly gigging band. (– The band has been off the road since the late 80’s, but have recently gigged in Bruxelles, London, and Athens – with forthcoming gigs in Italy, Iceland and the U.S.). The album thus neatly encapsulates two key aspects of the music Eyeless in Gaza are presently creating – offering a balance of atmos/acoustic material and sprawling, rhythmic/semi-improvised spidery electric pieces. This has resulted in a heady blend of song based material juxtaposed with a distinctive brand of kaleidoscopic, “cityscaping” filmic musics. Perhaps unsurprisingly, it is the latter, primarily instrumental pieces which gleefully reflect the band’s recent activity in cinema – in Patrice Chereau’s controversial Intimacy, and Jim Jarmusch collaborator Glen McQuaid’s poetic, sub Hammer short, The Resurrection Apprentice.
After the plaudits attributed to the 25th Anniversary release of No Noise compilation (“They were one of the great bands that emerged (from the) post punk (period)” – Alan McGee) Eyeless In Gaza continue to display a characteristic “fierce independence” of style and attitude – with the release of Summer Salt & Subway Sun, issued via the band’s own A-Scale label...." [website info]
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2006 |
€13.50 |
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Sun Blues |
CD |
"An album of unusual songs, sounding both exotic and as a new take on things, but somehow familiar and the music comes together in a way only Eyeless In Gaza music can. The music often sounds stern and sometimes deeply melancholic, with exciting and successful soundscapes. I am sure this album will stand out as one of the more memorable albums from last 10 years, but we never know where they go from here. Always an exciting adventure to follow as it unravels!
Listen to Tamarisk (early version) on YouTube, which gives an idea of what to expect from the album, even if the album cover quite a big territory:
https://youtu.be/Lv1uXVByACw
Martyn Bates : e-guitars/voices/clarinet/kybds.
Peter Becker : bass/drums/e-guitars/voice/percussions/slide-guitar/piano/wasp/drum-machine/tapes/all engineering & recording.
❖ First album of all-new Eyeless In Gaza material since 2014’s Mania Sour.
❖ Completed August 2016 recorded at A-Scale studios Warwickshire, the Bates/Becker produced Sun Blues sees Eyeless In Gaza offering a 2016 styled distant cousin to 1982’s classic Pale Hands I Loved So Well. In an environment where the studio is very much a musical instrument, the band deliver a collection of filigree musics created via an organic osmosis, layering techniques, together with a painstakingly considered collaging of all elements. Here are instrumental discoveries & improvisations/pictures painted with words – songs that have an inbuilt claustrophobia and sonic density – playfully investigating the soundworlds/territories of the kosmische.
❖ On Sun Blues, of particular note is the combination of Martyn Bates’ at times melancholic, sometimes passionate vocals – which come across exceptionally strongly – teamed with the extraordinary, mercurial bass guitar work of Peter Becker. Sun Blues album would seem to be a groundbreaking distillation of everything that Bates & Becker have ever produced during their 36 year lifespan. Quite simply, Sun Blues is already being acclaimed as the definitive Eyeless In Gaza album."
www.eyelessingaza.com
"Eyeless in Gaza have had several trajectories since their original lo-fi outings in Coventry and Nuneaton in the early 1980s. The duo of Peter Becker and Martyn Bates seemed to be heading towards pop at one point, but en route diverted through textural soundscapes, improvisation, avant-folk, sonic experiment and occult rock; indeed, they still visit these places. Picture the Day is a well-overdue compilation that actually covers all the band’s output, including both the Cherry Red releases from the 1980s and the self-released albums on Ambivalent Scale that have been issued since the 1990s.
The story of course starts with Ambivalent Scale and a 7 inch single, following some cassette releases. The edgy, synth-driven ‘Kodak Ghosts Run Amok’ is tucked away here in the middle of the first CD (unfortunately the superb ‘Feeling’s Mutual’ from the B-side isn’t) which selects from the band’s Cherry Red releases. Listeners are edged into the music with some of the more accessible end of things, a quick drift through some folkier songs and then the gorgeous emotive instrumental ‘Falling Leaf/Fading flower’ before restlessly moving on, from genre to genre, or more often falling between genres.
The second CD features the Ambivalent Scale recordings, and is a similar mix of work. If more recent work isn’t as familiar to me it’s mainly due to growing up and not being able to spend time with new music in the same way that being a teenage and then a student previously facilitated with the original LPs. It’s clear I need to get my act together and have a relisten – this stuff is great.
Together, the two CDs paint a broad, involving picture of this peculiar and engaging band. I like the fact it in no way pretends to be a ‘best of’ or ‘greatest hits’, but simply showcases some of the highlights from their numerous releases. I’d like to have seen the uplifting brassy pop of ‘Sun Bursts In’ here, but otherwise it is a perfect snapshot of one of my favourite bands, lovingly compiled and superbly sequenced.
Eyeless’ new CD, Sun Blues, shares one track, ‘Tamarisk’ with Picture the Day and is a set of new music from the more experimental end of things. Having said that it’s more about mood and texture than the wild excesses of the band’s early output, although ‘Ill-Star’ is intense and loud, with some great honking sax in the pulverising maelstrom of sound. Elsewhere, Martyn Bate’s warm vocals are positioned within rich, dense music that both propels and entwines the songs and the listener. There are also three instrumental vignettes, two back to back in the centre of the album, the third a coda or finale.
It takes some time to truly ‘hear’ the layers and complexities of this album, in the same way it takes time to grasp the width, breath and achievement of Eyeless in Gaza’s musical history. But time spent will be rewarded: Eyeless in Gaza remain one of the most accomplished and interesting bands to have emerged from the music-making underground post punk and postpunk. Here’s to further decades of experiment and beguilement." [Rupert Loydell/ International Times]
"After nearly half a century performing together, Martyn Bates and Peter Becker must seem like a married couple – finishing each other’s sentences, telepathically sensing where their individual muse is leading them and effortlessly hopping on and enjoying the ride. With an extensive catalogue of well over two-dozen releases, they still sound as fresh and invigorating as that ground breaking EP, “Kodak Ghosts Run Amok” that started everything way back in 1980. Looking back to those early releases, the duo suggest their latest is a “distant cousin” to 1982’s classic Pale Hands I Loved So Well. But this is another century, and technological advances have enabled them to use their studio almost as an additional instrument, layering sounds, playing with various improvisational techniques, and offering, perhaps, a third pair of ears and hands to the proceedings.
Yet at its heart is the combination of Bates’ breathy, almost theatrical vocal styling (a little Antony Hegarty, a tad Andy McCluskey) and intelligent, thought-provoking lyrics, revealing numerous layers of meaning and intent as each verse trickles off his soothing, emotional delivery, and Becker’s inquisitive bass lines, harmonic tape manipulations, and various percussive effects. While tracks like ‘Solar Logic’ may initially sound like a simple love ballad, further listening reveals intricate harmonic vocal interweaving, funky, almost African percussives, and the perfect placement of bells and tape manipulations that demonstrate how much the studio has been welcomed in to add lustre to their creative juices.
‘Tamarisk’ envelops the listener in swirling effects and percussive embellishments that wouldn’t be out of place on a Peter Gabriel album, while ‘New Take/Notkar’ offers a harsher splash of ice water in the face, evolving out of an almost industrial percussive backbeat and syncopated guitars that push the listener towards Faust or Nine Inch Nails gut crunchers. But never ones to fall into a rut, the following ‘Longing Song’ is an uplifting, lilting lover’s plea that rises from the ashes of desolation “To bring the morning alive...to be amazed/n you’ll be mine....”
The duo occasionally include improvisational instrumentals in their albums, and the cinematic, provocative and evocative ‘Wind, Sand, Sea & Stars’ pretty much covers the gamut of the external universe – a breakneck journey through land, sea and sky, while ‘Unborn’ traverses the inner universe, wallowing, swallowing mouthfuls of life-giving amniotic fluids on the 9-month journey into a cold, shattering life that no one asked for or had any choice in bringing to fruition.
But before we get too deep, let’s enjoy the sprinkling, sparkling, shimmering flourishes of duelling ukuleles, thumb pianos and glockenspiel on the celestial ‘Juniper’, and the soft, reflective instrumental closer ‘Long Gon Pa’, full of meticulous slide and acoustic guitar and Becker’s fascinating, dreamy devices and tape loops. An imaginative, emotional, headswirling buzz to wrap up another fascinating release from the always reliable duo, who never fail to excite us while eliciting nuances of emotional responses that are all-too-rare in this cookie-cutter, commercial world of Voices, Idols, and other nameless, brainless distractions."
[Jeff Penczak/Ptolemaic Terrascope, November 2016]
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2016 |
€13.00 |
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| FEAR FALLS BURNING |
When Mystery prevades the Well, the Promise sets Fire |
LP |
deluxe edition (gatefold-cover, 180 gr. vinyl), ed. of 500 copies on black vinyl
Stilwechsel für das beliebte Guitar-Drone Projekt: WHEN MYSTERY PREVADES.. droned weniger dunkel und verzerrt, eher oberton-tänzelnd, verschwimmend, mysteriös....
"Mystisch wirken die Dronen auf "When Mystery Prevades The Well, The Promise Sets Fire" allemal. Zart, sanft und trotzdem mit einer Macht, der man sich nicht entziehen kann, lullen die Dronen den Hörer ein, umgarnen ihn, wollen ihn holen und einspinnen. Subtile Percussion-Variationen heben die beiden langen Stücke aus dem Drone-Einerlei heraus und machen diese Platte zu einem eher einzigartigen Hörerlebnis. Ist das Tor auf dem Cover noch verschlossen, so öffnet es sich dem Hörer zunehmend und zieht ihn unaufhörlich weiter in einen verwunschenen Garten, in dem es aus allen Ecken und Enden flimmert und schimmert. Fragile Hintergrund-Gitarren und helle Percussion, vordergründig mehr ein durchgängiges Dröhnen und brummen. Rein technisch gesehen sind einerseits auf "When Mystery Prevades The Well, The Promise Sets Fire" neue FFB Dronen enthalten, und andererseits hat FFB Kopf Dir Serries die Herangehensweise an sein Schaffen etwas neu konzipiert und strukturiert. So bringen die genannten Hintergrunddetails (Percussion) eine neue Dimension in das musikalische Oeuvre von FFB ein. Es entstehen weitere Dimensionen und deutlich mehr Vielschichtigkeit, auf subtiler Ebene. Beide Stücke sind harmonisch und kraftvoll und begeistern mich einmal mehr." [Creative-Eclipse]
"... with its highlight being the full-length studio album 'frenzy of the absolute' for the belgian conspiracy records, scheduled for release in 2008, this exclusive vinyl for tonefloat is the initiation of a change in method and playing for fear falls burning. not only has he turned around his studio in order to accommodate the new performances but the subtle incorporation of new elements will bring out an extra dimension in the vintage fear falls burning drone. this lp features two pieces, one per side, that are equally harmonic as powerful. fear falls burning's approach to playing the guitar chords changed, the production is different and the inclusion of guest musician dave vanderplas on subtle cymbal percussion marks this new tonefloat release as the first gentle step in fear falls burning's further exploration of the drone. when mystery prevades the well, the promise sets fire (tf38) is out now and can be ordered from our store." [label info]
"'When Mystery Prevades Well, The Promise Sets Fire' is a beautiful gate-fold sleeve LP with two pieces, one per side. Glacier like music in which it seems that the effects have a bigger role than the guitar. It's quite hard to recognize the guitar in this music, with moves in a minimal way. More Eno)) than Sunno)) I'd say, although there is a creepy undercurrent in Fear Falls Burning's music. This record sees Dirk moving away from the signature sound from before: the endless crescendo wall of sound building up, suddenly collapsing and stays more on the ambient side of things. Maybe a bit more Vidna Obmana than Fear Falls Burning - but I'm sure that would not be his intention. Very nice!" [FdW / Vital Weekly]
www.tonefloat.com
deluxe edition (gatefold-cover, 180 gr. vinyl), ed. of 500 copies on black vinyl
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2007 |
€10.00 |
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| FEARTHAINNE |
same |
do-CD |
FEARTHAINNE ist ein Band-Projekt mit den zwei Leuten von FAUNA, die mir ihrem Debut-Album kürzlich beeindrucken konnten. Auch hier sind ihre tracks episch angelegt und minimal instrumentiert, und nicht minder emotional wirkungsvoll. Nach einem fantastischen Poly-Drone Intro setzt sich ihr erhaben trauriger Akustik-Gitarren Folk (der an ruhigere NEUROSIS bzw. STEVE ON TILL oder MICHAEL GIRA erinnert) in Szene, der von Sehnsucht nur so durchdrungen zu sein scheint, begleitet von sparsamer Perkussion; auch Zither & Violine werden sehr schön integeriert. FEARTHAINNE entwerfen hier auf ihren urlangen Tracks die stets mehrere Teile haben, eine Art ambienten "Ritual Drone Folk" mit starkem Naturbezug, der einen nicht kalt lässt.. und wieder glänzt GLASS THROAT mit so einem wunderschönen grossformatigen Doppel-Klappcover aus speziellem Karton..
"I have the tremendous honor of announcing, what is to be our Winter Solstice 2008 release. From Cascadian soil, FEARTHAINNE will bless us with a pure nostalgia for being. A debut full length 2xCD, embracing four deeply potent healing crafts of acoustic mourning & regeneration. Featuring the two spirits of Cascadia's Ritual Black Metal atavism FAUNA.
Fearthainne's first release represents the nadir of a journey into earth. Conceptualized and written in wild environments in the West, this collection of songs is a picture of the labyrinth traveled by a human organism, seeking life outside the long shadows of unremitting gray. The seekers masquerading as musicians who have created this document have used these sounds as a conduit for the reconnection with being, and have chosen to make it available to those who might hear the voice of the Others speaking to them from within. Exclusively utilizing acoustic instrumentation, Fearthainne is the unending rain that calls forth the blossom, the harbinger of the organic future we inevitably face. A sonic expression of green in all its capacities, this project is a document of the search for Home, a declaration that we will never settle for existence in the meaningless maze of history.
As beings we have struggled for many years to imbue our lives with depth, bending our ears towards the chorus of elders that the natural world is. Brought to fruition in a culture whose theme is loss, we recognize the wisdom of Earth in the various shifts that will unravel these ten millennia of aberration, and celebrate the dawning of day for what is truly human. As participants in this calamity, we call forth those spirits of the land, sea and sky who have always borne witness to our cyclical lives, the deep mind of which we are only a part, to see us and hear our voices as we proclaim our allegiance to Life. May this blood that flows from us cleanse the land of its wounds. May our animal bodies shield our battered hearts as we break the hands of Time. May this be the end..." [label info]
"... But in Fearthainne, all of the buzz and lbuster have been replaced by delicate crystalline guitar, gruff emotive vocals, deep ominous drones, all woven into a slow, drifting, meditative mountain folk. On the same label that in the past has brought us mysterious sounds from At The Head Of The Woods, The Elemental Chrysalis, Ruhr Hunter, Alethese and Beneath The Lake, Fearthainne sound right at home, blending dense whirring minimal soundscapes, with gentle meditative folk rituals. Long long tracks that slowly blossom, smoldering, clouded in warm browns and cool greys, strings weep and moan, effects gently cradle the various elements, adding texture more than changing the sound. Mesmerizing, trancelike ruminations on nature, on death, on the beyond. Simple percussion demarcates sprawling folk strum and fields of lilting shimmer and and delicate flutter. The vocals are a strange contrast, almost atonal, moaned more than sung, reminding us of solo records by either of the Neurosis frontmen, giving the proceedings a much more ominous vibe, ritualistic and hauntingly spiritual. Gorgeous in its simplicity, mysterious in its minimalism, Fearthainne is the soundtrack to a land outside of time, of trees towering over a world unspoilt, clouds drifting across empty skies, night turning into day, the cycle of life continuing on, the world and the universe around it gradually moving into a new, more magical existence. Beautifully sublime. Incredible packaging, full color 6 panel oversized sleeve, amazing images of ancient forests, late night rituals, and the band gathered beneath a mighty tree, cradling a baby, dressed like witches, and looking like a band of bearded forest dwellers (which they may very well be!)." [Aquarius Records review]
www.glassthroatrecordings.com
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2009 |
€18.50 |
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| FENNESZ |
June |
LP |
"Der monat (oder eine frau)? "black sea", dieser granulierte edelstein, hat noch eine dunkle schwester. abseits seines trademark-sounds (=ohne diese hart zerspellten, gleichzeitig auch fragilen noisekonstrukte, die einen erheblichen teil seines soundspektrums beherrschen) erforscht fennesz auf der (konzeptuell einseitig bespielten) "june" die tiefen des hallraums. und das trotz der dunklen farbe der musik mit der leichtigkeit einer fingerübung: treffsicher die dynamik, spannend im aufbau, dabei flüssig ohne haken aber, (bei der musik und dem künstler kaum nötig zu erwähnen) natürlich ohne irgendwie seicht zu sein. der sound, eben ohne die harscheren anteile fast analog, sehr gitarre, sehr: weniger überlegung und planung, mehr bauch. und damit definitiv auch für die, die mit ihm sonst ihre schwierigkeiten haben. als teil der table of the elements "guitar" serie mit insgesamt 12 lps, alle einseitig bespielt, die andere jeweils reliefartig geprägt, in unterschiedlichen farben. und, bei 12 vös liegt das ja nicht so fern, von fennesz vielleicht genau so aus dem bauch heraus einfach mal nach einem der vö-monate benannt. vielleicht eine prüfung für manche(n) fennesz-freund(in), vielleicht ein weiteres beispiel für die anderes-label-mehr-freispiel-theorie. in jedem fall: sehr empfohlen." [N, Unruhr.de]
"9th installment in the Guitar Series Vol. 3 & 4. As much as any artist, he is responsible for establishing the laptop computer as both a compositional tool & concert instrument. Subsuming electro-acoustic strategies into a bedrock of pop, he terraforms vast new worlds of sound, within which both AMM & the Beach Boys can cozily coexist. His Guitar Series contribution, is a suitably lush transformation, as electric guitars flow into deep streams of sound." [label info]
www.tableoftheelements.com
".. But unlike the blurred beauty of Black Sea, June is something else entirely, a creaking, clanging, chiming post industrial landscape of processed guitars, rendered here in the shape of distant pulsing buzz, in shards of jagged chords ringing out and dissipating into the ether, and deep groaning waves of blackened Wolf Eye-d rumble, imagine even a super softened Blue Sabbath Black Cheer, this is less blissed out shoegazey dreamscapery, and more carving dark sonic figures from deep shadow, ominous, sinister, haunting, all words that most definitely apply to past Fennesz recordings, but usually those elements were lurking beneath a shimmery sun dappled exterior, a soft patina of whirling muted buzz draped over a roiling black sea of sound below, but here, those sounds are allowed to creep to the fore, creating a seriously dystopian chunk of cinematic black ambience, the guitars unleashing a murky black fog, that while lovely cloaks all the other sounds in a mysterious blackened grit, but it is Fennesz after all, so the corrosive crumbling darkness does eventually get smoothed out, transformed into into a soft, rolling, burnished shimmer, deep tones dreamily undulating and floating weightless in an expanse of hushed thrum, but by then, the track is winding to a close. Dark stuff from Fennesz, and we like it. A lot!
Pressed on super thick, swirled milky brown vinyl. One sided, the other side with an awesome etching by Savage Pencil, housed in a
thick PVC sleeve, and of course, as always, VERY LIMITED! " [Aquarius Records review]
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2008 |
€17.00 |
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| FIESEL, CHRISTIAN |
The Dark Orb |
CD-R |
Christian Fiesel (also known from Modul303 web radio) is an electronic musician, mostly into all kinds of ambient, dark ambient and drone. His work is based on musique concrete, treatments and analogue synthesizer sounds.
His approach to creating music is deeply moody, dark, creating small otherworldly spaces within the soundscapes.
Having about an hour long, The Dark Orb album is probably the most intense and expressive work from him. It can be described as cinematic dark ambient, with traditional electronic (analogue) music parts that give it a touch of originality and making it also a very enjoyable release.
https://essentiamundi.bandcamp.com/album/the-dark-orb-em041
"Christian Fiesels musikalische Produktivität ist schon erstaunlich, ist doch The Dark Orb sein mindestens drittes Album (ich weiß nicht, wie vollständig seine Diskographie auf unseren Seiten ist) im Jahre 2018 - und als es erschien (Ende Mai), war das Jahr nicht einmal zur Hälfte vorbei! Aber wie eine Rezension höher schon zu lesen ist, sind hier Aufnahmen aus den letzten fünf Jahren versammelt.
Der Infozettel des Labels bezeichnet die Musik als „cinematic dark ambient“, eine durchaus passende Kategorisierung, bei der das „cinematic“ allerdings meist im Vordergrund steht. Über weite Strecken wirkt die Musik geradezu abweisend, und auch in den Momenten, wo die Musik Form annimmt, sich eine melodische Struktur herausbildet, scheint sie von Einsamkeit und Verlorenheit zu künden. Wie die akustische Umsetzung eines Schneetreibens klingt etwa Of Passing Clock and Time, bei dessen später einsetzender, Oboen-artig klingender, elegischer Melodie über einem stoischen Mellotron-Chor man sich vorstellen kann, selbigem aus einer nicht gut beheizten Hütte heraus zuzuschauen. Und bei den mächtigen, dunkel und drohend wabernden Mellotron-Klängen von Cinematic, die noch von einem klagenden Cello begleitet werden, fühlt man sich endgültig mitten in einer nächtlichen Schneelandschaft. Beide Stücke zeigen übrigens deutliche Reminiszenzen an die frühen Tangerine Dream, also ihrer Prä-Sequenzer-Zeit; diese Einflüsse zeigen sich auf diesem Album immer wieder mal.
Gänzlich oder zumindest weitgehend abstrakt wird es in Winds of East II, das phasenweise schon wie eine Geräuschcollage anmutet, wenn sich seltsames Rasseln oder Klackern in den Vordergrund schiebt. Ansonsten steht die Musik im Spannungsfeld zwischen melodischen und Ambient-artigen Klängen, wobei letztere in den drei abschließenden Stücken noch einmal verstärkt zur Geltung kommen.
Somit ist The Dark Orb ein schönes Werk elektronischer Musik, das geschickt bis ins Abstrakte reichende Dark-Ambient-Klänge mit Einflüssen aus der Frühzeit deutscher Elektronik verbindet. Auf Bandcamp kann man reinhören und neben der Download-Variante auch die auf 50 (!) Exemplare limitierte CD erwerben." [Babyblaue Seiten]
www.babyblaue-seiten.de/album_17436.html
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2018 |
€8.00 |
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| FIRE IN THE HEAD |
As the nest burns |
CD |
Exzellenter Trauma-Harsh-Noise von diesem neuen US-Projekt mit surrealen und manischen Qualitäten, verstörend veränderte Stimmen und Sounds überall, extrem düster & psychotisierend! Intensiv ! Lim. 400
“Fire In The Head” is probably one of the garish artists of “noise/power electronics”, representing the famous school of the USA. The project’s author Michael Page previously participated at live performances of the legendary Giovanni Balistrer’s project SLOGUN, also closely linked to the livery of NY sound terrorists. “As The Nest Burns” is short, but highly hysterical, brutal and dark album of “noise/power electronics” stylistics. Michael Page masterly plays with amplitude of different tracks intension. Slackened, leaden, psychedelic sounds overgrow into the avalanche of terribly aggressive and hysterical noise, gradually flooding back as unusual and uncomfortable sound stream. “As The Nest Burns” is a sort of element of otherworld civilization, starting its sudden extension, transformation and smashing attack. There are many fragments of distorted vocal in this album, making the tracks especially threatful. This is a completely new, reformed attack of USA “power electronics” tradition against the normal and moral world. Do you know what happens as the nest burns??? Then the children burn!!!“ [Written by Lashisha]
"As The Nest Burns” is an album about the darkest depths of psychosis, about the delusions and actions over which one has no control when entrenched in a manic state and the nightmares from which some never awaken. It is an album born in the blackest of times, to be listened to in the blackest of times. With this recording F/I/T/H experiments with new arsenal of sounds and techniques adding a heavily psychedelic edge to his mix of noise/power electronics/drone. These are the straight-jacketed screams from the bowels of a mental institution.”[wrten by Michael Page, FIRE IN THE HEAD]
www.autarkeia.org |
2005 |
€13.00 |
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| FIRST HUMAN FERRO |
Stardust |
CD |
"Dedicated to the 50th anniversary of the manned flight into space a Russian label Nitkie presents a new recording by a Ukrainian project First Human Ferro. "Stardust" is an ambient anthem tribute to the scientists, engineers and space pilots who contributed to the remarkable date. Their earthly dust is drifting like particles of god in the infinite space now, endlessly multiplying through the minds eye of the enthusiasts to come and carry the banner of scientific and technological revolution further. The album was recorded in 2004-2010 and featured by collaborations with Claustrum, Oda Relicta, and Louisa John-Krol. Designed by Marcin Lojek the release is limited to 500 copies in a digisleeve." [label info]
www.nitkie.ru
"Vor einiger Zeit hat OLEGH KOLYADA im NONPOP-Interview Bedenken geäußert, dass ihn sein Studium wohl zukünftig von musikalischen Aktivitäten abhalten würde. Dies scheint nicht der Fall zu sein, denn die Dichte an Veröffentlichungen, die auf den Ukrainer zurückgehen, hat eher noch zugenommen. Immerhin kümmert sich OLEGH mit seinem zweiten Hauptprojekt FIRST HUMAN FERRO nun schon zum zweiten Mal innerhalb kurzer Zeit um eines seiner Lieblingsthemen, den Weltraum. Erst vor wenigen Monaten erschien mit "Homo Shargey" (NONPOP-Besprechung) die Hommage an den ukrainischen Raumfahrtvordenker YURI KONDRATYUK, nun folgt mit "Stardust" eine allgemeine Reminiszenz an die bemannte Raumfahrt, die am 12. April 2011 ihren 50sten Jahrestag feierte; JURI GAGARIN umkreiste 1961 als erster Mensch in einem Raumschiff die Erde.
Von der Anlage her ist "Stardust" ähnlich wie "Homo Shargey": OLEGH hat Stücke zusammengestellt, an denen er schon seit einigen Jahren arbeitet und die klanglich gut zusammen passen. Die zehn neuen Tracks sind in den Jahren 2004 bis 2010 entstanden, und wie auch auf dem Vorgänger merkt man dem Album diese Zeitspanne nicht an, es klingt wie aus einem Guss. Neu sind dagegen die Gäste: OLEGH KOLYADA war ja schon immer ein Bastler, hat mit seinem anderen Großprojekt ODA RELICTA mehrfach bewiesen, wie er ganz unterschiedliche Puzzleteile zusammenfügen kann. Diese Eigenschaft schlägt nun auch bei FIRST HUMAN FERRO durch, denn "Stardust" ist eine wohldosierte Mischung aus Dark Ambient, majestätisch-sakralen Klängen und einigen weiteren Einflüssen von CLAUSTRUM und LOUISA JOHN-KROL, die – neben dem eigenen Projekt ODA RELICTA – auf dem Cover genannt werden. Mit dem Dark Ambient-Projekt CLAUSTRUM aus Lettland ist es nicht die erste Zusammenarbeit, wohl aber mit der australischen Folk Pop-Nymphe LOUISA JOHN-KROL, die das hier schon häufiger besprochene PRIKOSNOVÉNIE-Programm ziert.
Mit den ersten Tönen fängt die Reise an, alles klingt und riecht nach kühlen, fremden Welten und Sternenstaub. Flirrende Synthieklänge werden ab und an unterbrochen von Morsezeichen, später setzen auch bedrohlichere Klänge ein, dröhnend navigiert das Sonar durch unbekannte Sonnensysteme. Überraschend, aber nicht unpassend sind die sich langsam einschleichenden, klassischen Klänge, militärische Bläserfanfaren wie aus einem Filmsoundtrack mit Verweis auf das erste (Marsch)Album von ODA RELICTA (NONPOP-Besprechung). Die Stimmung wechselt im weiteren Verlauf, hinter bedrohlichen Drones lauert ein Knistern und Kratzen, der eingespielte Funkverkehr eines Weltraumspaziergangs mit dem Klassiker "one small step for man" klingt wie ein Original, und die zahlreichen Geräusche symbolisieren perfekt die Zerbrechlichkeit und Gefährlichkeit des Unterfangens.
Über klassischen, höhligen und grollenden Dark Ambient arbeitet sich OLEGH in geheimnisvollere Gefilde vor, russischer Funkverkehr kratzt zwischen militärischen Trommeln und weichen, gleitenden Drones, dann dringt "Stardust" endgültig in die unendlichen Weiten vor. Einzelne Signale verschwinden im All, hinterlassen trommelnde Schallwellen. Eines der beeindruckendsten Stücke des Albums ist "Spectra Of Sferics" (08), Weltraumgefühl mit wenigen Mitteln: nur ein leises Knistern, dazu fremde, schöne und schwerelose Töne. Die Feenstimme macht "Of Earth Pristine" (09) zum ätherischsten Stück auf "Stardust"; wenige Keyboarddrones, auf die die Stimme von LOUISA JOHN-KROL vor sich hinsummt. Erinnert ein wenig an JACK OR JIVE. Das eindeutig ergreifendste Stück ist das letzte und längste, "Stars Scattered Pain" (10) zusammen mit CLAUSTRUM. Wunderschön und glänzend wird der Moment im Spacefilm vertont, an dem in der Einsamkeit ein Planet sichtbar wird und die Crew ahnt, dass sie doch nicht den Kältetod sterben muss. Eine langsame und majestätische Melodie, viele Klänge und Geräusche dazugepackt, wie ein 'Best Of' des ganzen Albums.
OLEGH kann es halt, so einfach ist das. Seine All-Epen verkörpern immer die richtige Mischung aus Erhabenheit, Melancholie und düsteren Gedanken. "Stardust" sticht dabei noch einmal besonders hervor, weil zusätzliche Elemente beigemischt wurden, die einzelnen Songs – vor allem den drei letzten – ein besonderes Gesicht geben. Feines Album!" [Michael We. für nonpop.de]
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2011 |
€12.00 |
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| FIVE ELEMENTS MUSIC / JIM HAYNES / ANDREA MARUTTI |
Tri-Ton |
CD |
"Three drone-centric artists from three different parts of the world... Five Elements Music is a Russian isolationist / ambient project spawned by one of the members of the similarly minded Exit In Grey; Andrea Marutti is an Italian dark ambient practitioner with a number of occultish recordings under the moniker Amon; and Jim Haynes is a Bay Area artist who "rusts things" and also happens to work here at aQuarius. Both Marutti's and Haynes' compositions are responses to the piece made by Five Elements Music. A massive tectonic rumble emerges from the onset of the Russian track, as if the resonant echo from a meteor striking the heart of Siberia were captured through the felling of a million trees. Out of these frequencies, Five Elements Music evolves this sound into a growling dissonance more dialed into those rasping drones that Oren Ambarchi or Birchville Cat Motel might broadcast from time to time. Over the 23 minutes, this track becomes steadily more placid and inviting, eschewing the desolate horror at the beginning for something beautifully introspective. Marutti builds from the bleak horror where Five Elements Music began, producing cavernous hues of black and grey on amorphous clouds of mist and fog. Marutti's work parallels those blackened static movements of Yen Pox and Inade. For Haynes' part, the theatrical cloak and dagger of Thomas Koner's isolationism comes to mind in his response to the Five Elements Music track, albeit constructed from his distressed textures and fluttering shortwave radio manipulation. Easily the most dynamic piece of this triptych, Haynes deftly transitions pools of nocturnal drones into snarling crescendos of volatile motors, turbines, and Kevin Drumm-esque guitar dissonance which morph into an evocative movement of super-slow-motion heartbeat rhythm and radio frequencies detuned into sweeping, ghostly sinewaves, captured from within one of those WWII era bunkers that dot the California coast. Haynes presented a version of this at the San Francisco Museum of Modern Art in a collaborative, expanded cinema piece involving a massive diorama, lots of old scientific gear, a couple of surveillance cameras, and a toy train. Alas, there's little video documentation of that performance, but the audio here works amazingly well on its own." [label info]
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2011 |
€13.00 |
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| FLYING SAUCER ATTACK |
Further |
CD |
„F.S.A. gelten schon seit Jahren als die Vorzeige Drone-Rocker, die feedbackende Hallwände mit psychedelischen Strukturen zu verbinden wissen... Dieses Album erschien 1994 und vereint zarte Akustik-Gitarren & Gesang mit himmelwärts strebenden sphärischen Gitarrenwänden, was sich mitunter in noisigere Gefilde steigert..
Old Album of the guitar-drone-rock-band from England, who create very sensible, emotional, at times noisy guitar-drones. Gatefold cover.” [old Drone Rec. info]
"Wish pulses and wish structure. Make the time to take the time to get stoned on reality." [label info]
www.dragcity.com |
1995 |
€14.50 |
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| FOVEA HEX |
Neither speak or remain silent part 3 : Allure |
maxi-CD |
Dritter Teil der himmlischen Trilogie mit drei weiteren Stücken von mehrstimmigen Elogen in denen sich elektronische Flächen & mit Folk-Einflüssen vermischen, getragen & ultra-slow und von fast schon nicht-irdischer Schönheit.... das geht fast als sanftere & weibliches Pendant zu MARTYN BATES durch!
"Third and final part of the Neither Speak Nor Remain Silent series by Fovea Hex, the critically-acclaimed project featuring Clodagh Simonds, Colin Potter, Laura Sheeran, Cora Venus Lunny, Robert Fripp, Percy Jones, Donal Lunny, John Contreras, Michael Begg, Steven Wilson (Porcupine Tree)." [label info]
www.diestadtmusik.de
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2006 |
€13.00 |
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The Salt Garden III |
10inch + CD |
Janet Records, in association with Headphone Dust and Die Stadt present
Fovea Hex The Salt Garden III
Cat No HDFH1034 (vinyl) / HDFHCD32 (CD)
(Bonus CD Cat. No: HDFHCD33)
Shipping Date - 26/11/2019
Ltd Edition - 10" vinyl + CD + bonus remix CD
Standard Editions - 10" vinyl + CD / CD / DL
"The starlit nocturnes of Fovea Hex bind electronics, drones and voices into song-spells that are untimely in the best possible sense; their intimacy and raw emotional power feel centuries old, but the experimental sound-design can be shockingly modern." Drew Daniels (Matmos)
The new EP from Fovea Hex THE SALT GARDEN 3 will be released on November 26th 2019 on Steven Wilson's Headphone Dust label.
The Salt Garden 3 is the final word, and the concluding instalment to the critically lauded The Salt Garden Trilogy. Issued in 3 standard editions; 10 inch vinyl + CD, CD only, and Digital Download. There will also be a limited edition release featuring a bonus remix CD by Steven Wilson. The pre-sale for this limited edition, featuring 4 remixes by Steven, presented in individual and combination treatments, will only be available online via Janet Records.
The core ensemble of Clodagh Simonds, Michael Begg, Colin Potter, Cora Venus Lunny and Kate Ellis is joined by special guests Guido Zen, and the Medazza and Dote Moss choirs.
Critical Reaction to The Salt Garden 1 and 2
5 Against 4 (UK)
"Whenever Irish experimental electronic folk group Fovea Hex put out something new, it's not just a cause to rejoice but a guarantee of something unique and indescribably wonderful..."
The Wire (UK)
"...fragile baroque instruments and synthy atmospheres surround Simonds's singing and songwriting, both on better and less predictable form than ever... A Robert Wyatt's Rock Bottom for the 21st Century: emotionally deepens with extra listens"
Brainwashed (US)
(Readers Poll Winner: Single of the Year, 2016 for Salt Garden 1)
"Another beautiful piece in a flawless catalog..."
Igloo (US)
"The superlatives left to describe this unique chamber ensemble are fast running out..."
Dusted (US)
"... a blending of acoustic and electronic that attains a kind of smooth, vatic timelessness. Every element feels precisely placed and oddly haunting... Spellbinding".
Subjectivisten (NL)
"...an almost indefinable sound...the music is a hybrid of (dark) ambient, experimental music, neoclassical and ethereal folk and yet no label feels completely comfortable. . It is of an unearthly beauty!"
Touching Extremes (IT)
"no actual comparison is conceivable - sonic poetry"
Gonzo Circus (NL)
"if you like unique sirens like Nico, Dead Can Dance and This Mortal Coil, you will also unconditionally embrace Fovea Hex."
Fovea Hex Background
Having first emerged at the tender age of 15 as the main writer behind 70s cult Irish psych-folk band Mellow Candle, and with sessions for both Thin Lizzy and Mike Oldfield under her belt by the age of 21, Irish singer Clodagh Simonds relocated to New York and subsequently "went quiet" for almost two decades, before re- emerging in 2005 with Fovea Hex, supported by an extraordinary assembly of friends and colleagues, including Brian Eno, Robert Fripp, Carter Burwell, Donal Lunny, Roger Doyle, and Steven Wilson. Their first trilogy of eps, NEITHER SPEAK NOR REMAIN SILENT, was, upon its release, greeted by a growing momentum of critical acclaim. Their nascent cult reputation was further affirmed by a personal invitation from David Lynch to perform live in Paris at the Cartier Foundation in Paris as part of his THE AIR IS ON FIRE exhibition.
In 2008 a full length album, HERE IS WHERE WE USED TO SING, was released, to yet more glowing reviews. The album made several end-of-year lists and was awarded album of the year in periodicals in the UK, North America and Italy.
THE SALT GARDEN 1 was released in 2016 and THE SALT GARDEN 2 in 2017, consolidating and deepening the high esteem and critical regard in which this most beguiling of ensembles continues to be held.
The frequently claimed "impossible to categorise" tag applies well to Fovea Hex. The songs are dominated by a voice that's too strong to be deigned ethereal, but remains too otherworldly to file alongside more conventional female singer-songwriters. The pace tends to be languid, the arrangements intricate and fragile. Comparisons have been made to This Mortal Coil, Emily Dickinson, Nico, Dead Can Dance, and even Schubert, but really this music is quite unique, a mix of electronic and acoustic sounds from a palette which ranges from state-of-art to ancient and arcane.
"If Emily Dickinson had ever been allowed to make a record, this is probably what it would have sounded like" (The Wire)
janetrecords.com/SG3/press-release.html
"2019 findet die “The Salt Garden”-Trilogie mehr als zwei Jahre nach Veröffentlichung des zweiten Teils ihren Abschluss. Das Projekt von Clodagh Simonds – die (u.a. mit Mellow Candle) schon in den 60er Jahren Musik machte – kehrt mit „The Salt Garden“ wieder zur kleine(re)n Form der EPs zurück, mit der Fovea Hex in der zweiten Hälfte der 00er Jahre debütierte. Erneut beeindruckend ist die Konsistenz und Kohärenz dieser drei EPs.
Anlässlich des ersten Teils der Trilogie wurde Fovea Hex hier attestiert: “[Die] Musik, die Begriffe wie Ambient, Folk oder experimentelle Musik überflüssig erscheinen lässt, ist erdverhaftet und zugleich entrückt, ist ebenso traumwandlerisch wie meditativ. Die meisten der getragenen Stücke haben starke Songqualitäten und sind doch von der verschwimmenden Struktur abstrakter Kompositionen. Und was in dieser Musik emotional passiert, lässt sich besser empfinden als rational erfassen.” Über das 2011 erschienene Langzeitdebüt “Here Is Where We Used To Sing” schrieben wir: „[T]rotz aller hypnagogischen, traumhaften Momente [...] verlier[t] sich [Simonds] nie im Unterholz und inmitten aller getragenen Momente gibt es auch immer die Gewissheit des Gelingens” und diese zumindest vom Rezensenten so wahrgenommene „Gewissheit des Gelingens“ trifft die auf dem dritten Teil von “The Salt Garden” evozierte Stimmung gut. Denn obwohl die Musik wieder getragen und elegisch ist, sollte man die vier Stücke nicht als Soundtrack zu einer Reise in den Untergang verstehen. Sucht man nach (eigentlich unnötigen) Vergleichen, so kommen einem manche Soundtrackarbeiten Hilmar Örn Hilmarssons oder aber (geographisch vielleicht etwas naheliegender) Richard Skeltons immer wieder von Orten und Plätzen geprägten Streicherdrones in den Sinn.
Eröffnet wird die EP von „The Land’s Alight“, einem von Keyboarddrones geprägtem Stück, auf dem Simonds singt: “I dreamed I flew, the whole night long…./Ah but the light is on the land/and the hand upon the heart/and the open road is a real thing”. Diese Haltung erinnert an Coils “Bee Stings”, auf dem es heißt: “Don’t believe A.E./See for yourself the summer fields”. Wenn Simonds dann intoniert, “The land’s alight/And this vital eye/and the view…”, dann bekommt ihr Gesang etwas Hymnenhaftes. “Trisamma” ist ein instrumentales Stück, auf dem dezente Klavierpassagen mit Streichern kombiniert werden. „A Million Fires“ ist das vielleicht beeindruckendste Stück: Simonds’ Gesang wird von Harmoniumdrones und den Stimmen des The Date Moss Choir untermalt. Wenn sie singt “glory be upon the hapless writer/ glory be upon the spotless page/to call the woman with the fire inside her/to bring the luminous from age to age”, dann kann man das fast schon programmatisch lesen. Beendet wird diese Veröffentlichung und damit die Trilogie mit “The Given Heat”, auf der traurige Streicher zu hören sind, wobei es am Ende heißt: “suddenly there it is –/ the molten gold on the city street”.
Wie auch schon bei allen anderen EPs liegt einer limitierte Version eine Remix-CD bei. Steven Wilson hat unter dem Titel “Is Lanza Light & Given” die vier Stücke zu einem Track verschmelzen lassen und gerade zu Anfang gibt seine Neuinterpretation den Stücken einen leicht entrückteren Charakter." [MG/African Paper] |
2019 |
€17.50 |
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The Salt Garden III |
CD-EP |
Janet Records, in association with Headphone Dust and Die Stadt present
Fovea Hex The Salt Garden III
Cat No HDFH1034 (vinyl) / HDFHCD32 (CD)
(Bonus CD Cat. No: HDFHCD33)
Shipping Date - 26/11/2019
Ltd Edition - 10" vinyl + CD + bonus remix CD
Standard Editions - 10" vinyl + CD / CD / DL
"The starlit nocturnes of Fovea Hex bind electronics, drones and voices into song-spells that are untimely in the best possible sense; their intimacy and raw emotional power feel centuries old, but the experimental sound-design can be shockingly modern." Drew Daniels (Matmos)
The new EP from Fovea Hex THE SALT GARDEN 3 will be released on November 26th 2019 on Steven Wilson's Headphone Dust label.
The Salt Garden 3 is the final word, and the concluding instalment to the critically lauded The Salt Garden Trilogy. Issued in 3 standard editions; 10 inch vinyl + CD, CD only, and Digital Download. There will also be a limited edition release featuring a bonus remix CD by Steven Wilson. The pre-sale for this limited edition, featuring 4 remixes by Steven, presented in individual and combination treatments, will only be available online via Janet Records.
The core ensemble of Clodagh Simonds, Michael Begg, Colin Potter, Cora Venus Lunny and Kate Ellis is joined by special guests Guido Zen, and the Medazza and Dote Moss choirs.
Critical Reaction to The Salt Garden 1 and 2
5 Against 4 (UK)
"Whenever Irish experimental electronic folk group Fovea Hex put out something new, it's not just a cause to rejoice but a guarantee of something unique and indescribably wonderful..."
The Wire (UK)
"...fragile baroque instruments and synthy atmospheres surround Simonds's singing and songwriting, both on better and less predictable form than ever... A Robert Wyatt's Rock Bottom for the 21st Century: emotionally deepens with extra listens"
Brainwashed (US)
(Readers Poll Winner: Single of the Year, 2016 for Salt Garden 1)
"Another beautiful piece in a flawless catalog..."
Igloo (US)
"The superlatives left to describe this unique chamber ensemble are fast running out..."
Dusted (US)
"... a blending of acoustic and electronic that attains a kind of smooth, vatic timelessness. Every element feels precisely placed and oddly haunting... Spellbinding".
Subjectivisten (NL)
"...an almost indefinable sound...the music is a hybrid of (dark) ambient, experimental music, neoclassical and ethereal folk and yet no label feels completely comfortable. . It is of an unearthly beauty!"
Touching Extremes (IT)
"no actual comparison is conceivable - sonic poetry"
Gonzo Circus (NL)
"if you like unique sirens like Nico, Dead Can Dance and This Mortal Coil, you will also unconditionally embrace Fovea Hex."
Fovea Hex Background
Having first emerged at the tender age of 15 as the main writer behind 70s cult Irish psych-folk band Mellow Candle, and with sessions for both Thin Lizzy and Mike Oldfield under her belt by the age of 21, Irish singer Clodagh Simonds relocated to New York and subsequently "went quiet" for almost two decades, before re- emerging in 2005 with Fovea Hex, supported by an extraordinary assembly of friends and colleagues, including Brian Eno, Robert Fripp, Carter Burwell, Donal Lunny, Roger Doyle, and Steven Wilson. Their first trilogy of eps, NEITHER SPEAK NOR REMAIN SILENT, was, upon its release, greeted by a growing momentum of critical acclaim. Their nascent cult reputation was further affirmed by a personal invitation from David Lynch to perform live in Paris at the Cartier Foundation in Paris as part of his THE AIR IS ON FIRE exhibition.
In 2008 a full length album, HERE IS WHERE WE USED TO SING, was released, to yet more glowing reviews. The album made several end-of-year lists and was awarded album of the year in periodicals in the UK, North America and Italy.
THE SALT GARDEN 1 was released in 2016 and THE SALT GARDEN 2 in 2017, consolidating and deepening the high esteem and critical regard in which this most beguiling of ensembles continues to be held.
The frequently claimed "impossible to categorise" tag applies well to Fovea Hex. The songs are dominated by a voice that's too strong to be deigned ethereal, but remains too otherworldly to file alongside more conventional female singer-songwriters. The pace tends to be languid, the arrangements intricate and fragile. Comparisons have been made to This Mortal Coil, Emily Dickinson, Nico, Dead Can Dance, and even Schubert, but really this music is quite unique, a mix of electronic and acoustic sounds from a palette which ranges from state-of-art to ancient and arcane.
"If Emily Dickinson had ever been allowed to make a record, this is probably what it would have sounded like" (The Wire)
janetrecords.com/SG3/press-release.html
"2019 findet die “The Salt Garden”-Trilogie mehr als zwei Jahre nach Veröffentlichung des zweiten Teils ihren Abschluss. Das Projekt von Clodagh Simonds – die (u.a. mit Mellow Candle) schon in den 60er Jahren Musik machte – kehrt mit „The Salt Garden“ wieder zur kleine(re)n Form der EPs zurück, mit der Fovea Hex in der zweiten Hälfte der 00er Jahre debütierte. Erneut beeindruckend ist die Konsistenz und Kohärenz dieser drei EPs.
Anlässlich des ersten Teils der Trilogie wurde Fovea Hex hier attestiert: “[Die] Musik, die Begriffe wie Ambient, Folk oder experimentelle Musik überflüssig erscheinen lässt, ist erdverhaftet und zugleich entrückt, ist ebenso traumwandlerisch wie meditativ. Die meisten der getragenen Stücke haben starke Songqualitäten und sind doch von der verschwimmenden Struktur abstrakter Kompositionen. Und was in dieser Musik emotional passiert, lässt sich besser empfinden als rational erfassen.” Über das 2011 erschienene Langzeitdebüt “Here Is Where We Used To Sing” schrieben wir: „[T]rotz aller hypnagogischen, traumhaften Momente [...] verlier[t] sich [Simonds] nie im Unterholz und inmitten aller getragenen Momente gibt es auch immer die Gewissheit des Gelingens” und diese zumindest vom Rezensenten so wahrgenommene „Gewissheit des Gelingens“ trifft die auf dem dritten Teil von “The Salt Garden” evozierte Stimmung gut. Denn obwohl die Musik wieder getragen und elegisch ist, sollte man die vier Stücke nicht als Soundtrack zu einer Reise in den Untergang verstehen. Sucht man nach (eigentlich unnötigen) Vergleichen, so kommen einem manche Soundtrackarbeiten Hilmar Örn Hilmarssons oder aber (geographisch vielleicht etwas naheliegender) Richard Skeltons immer wieder von Orten und Plätzen geprägten Streicherdrones in den Sinn.
Eröffnet wird die EP von „The Land’s Alight“, einem von Keyboarddrones geprägtem Stück, auf dem Simonds singt: “I dreamed I flew, the whole night long…./Ah but the light is on the land/and the hand upon the heart/and the open road is a real thing”. Diese Haltung erinnert an Coils “Bee Stings”, auf dem es heißt: “Don’t believe A.E./See for yourself the summer fields”. Wenn Simonds dann intoniert, “The land’s alight/And this vital eye/and the view…”, dann bekommt ihr Gesang etwas Hymnenhaftes. “Trisamma” ist ein instrumentales Stück, auf dem dezente Klavierpassagen mit Streichern kombiniert werden. „A Million Fires“ ist das vielleicht beeindruckendste Stück: Simonds’ Gesang wird von Harmoniumdrones und den Stimmen des The Date Moss Choir untermalt. Wenn sie singt “glory be upon the hapless writer/ glory be upon the spotless page/to call the woman with the fire inside her/to bring the luminous from age to age”, dann kann man das fast schon programmatisch lesen. Beendet wird diese Veröffentlichung und damit die Trilogie mit “The Given Heat”, auf der traurige Streicher zu hören sind, wobei es am Ende heißt: “suddenly there it is –/ the molten gold on the city street”.
Wie auch schon bei allen anderen EPs liegt einer limitierte Version eine Remix-CD bei. Steven Wilson hat unter dem Titel “Is Lanza Light & Given” die vier Stücke zu einem Track verschmelzen lassen und gerade zu Anfang gibt seine Neuinterpretation den Stücken einen leicht entrückteren Charakter." [MG/African Paper]
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2019 |
€10.00 |
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| FRANCK, YANNICK |
Hierophany | Иерофания |
CD |
"In such conservative genre like ambient there is not easy to find something to discover, but the music of Yannick Franck can change this widespread prejudice. Infuenced by recent trip to Russia and the orthodox culture, he composed the continuous suite of three movements, showing his personal vision of the ancient rite. Release date is 29th December 2012. Limited edition of 500 copies in jewelcase." [label info]
www.monochromevision.ru
"Oily drones be found on Hierophany, an album released on the Russian imprint Monochrome Vision, inspired by the ancient rites of Russian orthodoxy, and produced by a Belgian on a working holiday whilst touring to the east of his homeland. Over the years, Franck has worked with Pietro Piparbelli (aka K11) with the two of them collaborating on a project based on recordings from Aleister Crowley's Abbey of Thelema (yes, K11 has released at least three other albums drawn from Thelemic residues). Theological differences aside (which are obviously massive), Franck's interest in both Crowley and the Russian Orthodox church seems to find common ground in the gnostic mysticism of meditation rituals and their capacity to introduce the process of transcendence. The massively thrumming drones that Franck presents on Hierophany seem to be based on field recordings made within a cathedral during a service, with the bell tones and chants reflecting into a gray wall of steely reverb and delay. Elements of human speech sporadically bounce within his system of acoustic and processed sound, creating something of a feedback loop of particular sonorous frequencies, reinforced and thickened by Franck's sonic sensibilities. The album quickly hits a uniform plateau of saturated environmental and electronic din, slipping rather subtly from one complementary movement to another. Well executed work that conceptually and aesthetically may have more than a few similarities to Current 93's early tape collage days." [Aquarius Rec.]
"More field recordings, but perhaps a bit differently when it reaches the point of release, is the new release by Belgium's Yannick Franck. He's been releasing on various labels before, such as Silken Tofu, Young Girls Records and Silentes, and has worked with K11, Craig Hilton, Alan Trench and Esther Venrooy. Here however he is solo and he uses instruments and 'non musical objects', voice, radio signals and field recordings. Perhaps so far not much difference, but it's the way Franck executes his music. Instead of using the collage form, Franck sets wheels in motion, and when they are all in motion, then he subtly moves them about. Perhaps the word 'drone' music could apply to his music? Derived from various sources, his music is played altogether at the same time, adding and subtracting on microscopic level, all along using minimal changes in the use of sound effects. Quite a dense sound he arrives at here and like with the other release, the three pieces flow nicely into eachother. In the final part, 'Dying Down', you realize you are in a church, with whispering voices, and a far away choir practice. And then it seems like the other two pieces shared that same sort of big hall/cathedral reverb. That makes it perhaps all a bit too religious for my taste, but throughout I thought this was a very refined disc of challenging drone music." [FdW/Vital Weekly]
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2012 |
€12.00 |
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| FRANKLIN, MARTIN & MICHAEL NORTHAM |
An Opening of the Earth : recovered |
CD |
Remasterte Wiederveröffentlichung dieser Zusammenarbeit von MNORTHAM mit dem TUU-Mitglied MARTIN FRANKLIN, erschien bereits 1991 als MC auf dem legendären SOUNDS FOR CONSCIOUSNESS RAPE, dann 1993 als CD auf SDV Tonträger.
Das ganze ist eine improvisierte Aufnahme vom September 1991, die erstaunlich rauh und fast schon ungestüm ausfällt, wenn Drone-Loops auf knirschend-feedbackende Objekt-Sounds stossen, oder obskure Diktaphon- & Cassetten Recorder-Versatzstücke auftauchen..
von der Original 3 Stunden-Session hat FRANKLIN nun die besten Passagen erneut re-mastered, es sind dabei auch vorher ungehörte Sektionen auf diesem Re-Release gelandet, der zudem in typischer FARIA-Manier in einem Hochglanz Klappcover mit 3 Postkarten / Inlays angeboten wird.
"...excavating the sonic crust with heavy synthesised drones, trebly buzzes and popping bursts of sound……eerie as hell.”
Darren Bergstein, I/E (from review of original release). "An Opening Of The Earth: Recovered" revisits a spontaneous collaboration between the two musicians, captured in the early 90's. Recorded in an obsolete format, no longer playable with today's technology. The old playback device, recovered from dusty storage for one last use, and the recording of this event brought back into the present - recovered once again.At once a sonic artifact of the recent past and a touchstone for contemporary developments in lo-fi electronic sound.
Franklin and Northam's original meeting saw them both on the cusp of developments in their own careers. Franklin's seminal Ambient trio, TUU shortly after embarked on an enduring series of CD releases and performances across Europe. Michael Northam's nomadic life as a travelling sound artist continued from this point onward, leaving a trail of recorded evidence from projects in 25 countries.
Mythic imagery of man descending into the mysteries of the Inner Earth is conjured in this intense recorded performance.Using lo-fi sampling, eerie drones, percussive metal instruments and effects, the players trace an intuitive path through a midnight electronic improvisation. Snippets of sound from other projects of that time slip in and out of the mix, roughly recorded Theatre rehearsals, and audio of UK street life appear from dictaphone tapes. Like an unearthed archeological find, the recordings of this ritualistic performance tie the pieces to their location, as well as the events of their time.
After unearthing the original tapes, Martin Franklin has created all new mixes for this Faria Records release, including previous unheard sections, re-interpreted and enhanced for the 21st Century listener." [label info]
"Martin Franklin and Michael Northam began communicating in the early '90s, both engrossed with the realm of possibilities extant in the laboratory that was the experimental cassette culture. At the time, Northam was beginning a career of sound-art globetrotting by way of festivals, residencies, and the generosity of others, having emerged from the Austin, Texas sound community that spawned the likes of John Grzinich, Olivia Block, Rick Reed, and Seth Nehil. Martin Franklin had gone on to form the British ambient ensemble Tuu, with releases through Beyond, Hic Sunt Leones, and Amplexus. It seems that Franklin and Martin enjoyed a single three hour session back in 1991, and out of that session came the original set of recordings which made their way on to a cassette, released by Sounds For Consciousness Rape, and later onto cd by SDV Tontrager. As both the cd and the tape have been long out of print, we can't comment on the differences between the original recording and this 'recovered' remix of the original source material.
Franklin and Northam settle organic textures from metal, dirt, and wood clattering against each other and building softened drones amidst the aggregated sounds. It makes perfect sense that Northam would later work with Darren Tate in one of the final Ora recordings, as these sodden ambient passages and quietly gritty noises share plenty of similarities. Northam had also brought to the session a cassette deck rewired to generate feedback systems, and Franklin had a handheld dictaphone with static and white noise broadcasting through the hypercompressed speakers. These elements give the recordings a rough hewn edge which counterpoint Franklin's sinewy ambience and ghostly half-melodies which are evidence of the contemporary remix work. Altogether, this redux has a darkly ritualized feel of isolationist drones divining something tactile out of the void, much like one would expect from the occluded sounds of the recent Drone Records catalogue." [Aquarius Records review]
www.faria.ru
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2009 |
€13.00 |
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| FRITH, FRED |
Technology of Tears |
CD |
"FRED FRITH erfand The Technology of Tears (ReRFRO011) 1986/87 für eine Choreographie von Rosalind Newman. Er konnte dabei auf Henry
Kaisers neuem Synklavier im Maximum an Samplingtechnologie jener Zeit schwelgen. Der Duktus ist hämmernd und zuckend, das Klangbild gesättigt mit synthetisierten Gitarren- und Geigensounds. Dazu schrillt im ersten Drittel ‚Sadness, its bones bleached behind us‘ John Zorns Altosax und Tenko skandiert kläffend ihre Kampfkunstschreie. Mensch und Automat, heiß und kalt, reiben sich im ostinat hackenden Chop-chop-chop des Maschinenbeats. Die beiden folgenden Teile behalten die Motorik bei, ein
tänzerisches Hmtata, aber zunehmend auch ein kniebrecherisches Zickzack, gespickt mit Tenkos Ha!s und Ho!s, mit repetitiver Gitarrenarbeit
und Geigenstrichen in Frith-typischer ‚Imaginary Folk‘-Manier, d. h. eingetaucht
in urbane Dynamik und auf sarkastische Weise futuristisch statt idyllisch und nostalgisch. Der Beat ist dabei so ‚imaginär‘ und dominant
wie bei Skeleton Crew. Christian Marclay stiftet Phantomklänge per Turntable, die den ‚Palace of Laughter‘ mit plunderphonischem Trubel rocken. Für ‚Jigsaw‘, ebenfalls eine Tanzmusik für Newman, die mit ähnlicher
rhythmischer Hartnäckigkeit motorische und dynamische Anstöße gibt, machte Frith das Meiste selbst, sogar die Schreie und skelettierten Gesänge. Vielspurig häuft er Gitarren-, Geigen-, Bass- und Drumloops und
diesmal stößt Jim Staley mit der Posaune dazu. Das Ganze hat einen Schwung, der immer und immer wieder angriffslustig gegen die Fassade
von Trägheit und Unlust rammt. Doch bis heute gilt: Man muss sich Sisyphos als glücklichen Menschen vorstellen." [Bad Alchemy]
"With an all-star line-up that features Tenko, John Zorn and Christian Marclay (with guest Jim Staley on trombone), Technology of Tears started life in New York in 1986 as a dance commission by Rosalind Newman. Fred took this opportunity to experiment with Henry Kaiser's brand new synclavier (the absolute state-of-the-art sampling and processing technology of the time - Henry had to take out a second mortgage on his house to buy it). It was the sophisticated sampling that fascinated Fred, and the piece is characterised by technological "comparisons" between real and virtual voices which constantly merge into one another. Tenko and Zorn tear through it all with breathless intensity. Parts two and three, which follow, couldn't be more different, for them Fred adopts a completely different methodology, playing everything himself mostly on low-grade instruments, then inviting turntablist Marclay to add plundered parts. Here is a completely different approach to "sampling": exploring dense layers of quotation intercut with melodies formed using random editing processes (with subsequent transcription and re-performance). Lastly there is Jigsaw, a later work, also made for Rosalind Newman, reflecting the frustrations experienced making Technology... where, every time Fred would complete a stable version, Rosalind would ask for changes (incidentally, sending the recording way over budget). This time Fred decided to make a modular piece that could be re-assembled in any way requested - and having no pre-determined structure at all. The original composition consisted of dozens of musical cells, each recorded separately in increments of between 3 and 12 measures; all at the same tempo, and in the same key. The idea was to play the elements separately and then ask Rosalind how she would like them constructed. Ironically, the test assembly, made as demonstration of what was possible, won instant approval, and no reconstruction was ever necessary." [label notes] |
2008 |
€14.00 |
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| FRITH, FRED & JOHN ZORN |
The Art of Memory II |
CD |
"Art of Memory II (ReRFRA06) ist kein Nachfolger zu Art of Memory (Incus, 1993), sondern geht ihm voraus. Nachgeliefert werden nämlich Konzertmitschnitte vom Januar 1983 und Juli 1985 und man hört FRED FRITH & JOHN ZORN dabei in geräuschverliebtester Spiellaune. Der eine bekrabbelt Tableguitar & ein Casio Monophonic Keyboard, der andere tobt sich an Mundstücken & Vogelpfeifen aus, dass nur so die Spucke und die Federn fliegen. Zorn strebt in den Siebten Looney-Tune-Himmel, zumindest
bohrt er ihn ständig und hartnäckig an. Er quäkt, kirrt und schnattert wie die Ducks-Sippe in Aufruhr, die sprudelnden, oft schrillen Altosaxophontiraden wirken in diesem Kontext dann ebenfalls wie hyperventiliert.
Frith lässt entsprechend seiner Itchy & scratchy-Seite die Zügel schießen, lässt die Saiten flattern, macht den Kasper, der Krokodile verdrischt und Polizisten die Nase verdreht. Plinkplonk wird abseits aller explorativen Seriosität zur anarchistischen Zirkusclownerie, zum Geek-Spektakel, zum polymorph-perversen Sturm im Wasserglas, bei dem einem Caliban ein Bein stellt und der Inhalt von Harpo Marxens Manteltaschen um die
Ohren fliegt. Kein Gedächtniskünstler - der Titel ist ja offenbar von Francis A. Yates‘ The Art of Memory geliehen - könnte diese Splitter wieder sortieren." [Bad Alchemy]
"The long-awaited follow up to their first release on Derek Bailey's Incus label and a kind of prequel, going back to the time when Fred was playing home-made instruments and John was using mouthpieces and duck-calls as much or more than alto sax; this was back in the New York glory days when 100 new ideas popped up somewhere every day, and these performances lie right at the fringe of what most people would accept as "music". Anyone wanting to get back to one of the roots of what later became known as "noise music" will want this CD, since these performances encapsulate an approach to improvisation that has much more to do with listening to the world than perpetuating an existing musical tradition that works through safe, mutually understood, rules and conventions. AOMII is a vintage document from a lost era when innovation, energy and imagination were valued, and still had the power to shock and surprise." [label info] |
2008 |
€14.00 |
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| FUNGI FROM YUGGOTH / LITURGIA MALEFICARUM |
split |
MC |
Fungi From Yuggoth: raw and primitive ritual industrial, in the vein of early Current 93, Ain Soph, Zero Kama...
Liturgia Maleficarum: blackened doom ambient noise, hellish screams, dissonant riffs, haunting synth lines...For fans of Abruptum, Darkness Enshroud, Black Mass OF Absu...
Limited edition of 47 copies
dzpm.blogspot.de |
2015 |
€6.50 |
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| G*PARK |
Gour |
LP |
"New works by Swiss musique concrete composer and visual artist Marc Zeier / G*Park. Active since the early 80's Zeier was a founding member of the Schimpfluch-Gruppe. He lives and works in Zürich as a composer, installation- and video-artist and plankton fisherman. Gour presents one long composition of his highly fascinating and unique crypto electro-acoustics based solely of micro field-recordings and natural phenomena. 'Musique concrete seems eternally old-fashioned and eternally modern. Marc Zeier makes you fall in love with the form all over again'. Thanks Are Due To: The Etang of Gour and its Creatures, A Singing and Cracking Chimney, Wild Bees and Wasps from Piemonte, Limnodromus griseus, Unidentified Voices from the Gemauge House, The Uwaga Squad, The Flies (Sarcophagidae), The Crows and Pigs of Chants, The People of Tiananmen, The Frozen Lakes, The Wolves. Edition of 350 copies." [label info]
www.tochnit-aleph.com
"The Swiss aktionist collective Schimpfluch has been active since the mid-'80s, with its various members seeking out the transgressive, the ultra-violent, and the transcendent all at once, via a dystopian hybrid of noise, punk theatrics, and / or musique concrete. In doing so, these provocateurs follow what their Viennese progenitors had started in the '60s through performance, sculpture, and painting. It can't go unnoticed how much of the iconography that Sudden Infant of Schimpfluch incorporates from Gunter Brus, and how much the hellish comedies of Otto Muehl filter through the modern day work of Rudolf Eb.Er. G*Park (aka Marc Zeier) is the most enigmatic of all the Schimpfluch artists, with no obvious parallels to anyone before him, as he trades in the modern day techniques of musique concrete, although his work acquires a tension, a dynamism, and an existential blight that were never achieved by the likes of Xenakis, Schaefer, Ferrari, or Chion.
G*Park's epic double cd Sub from two years ago still proves to be an exhausting and exhilarating document into the denatured field recordings, cryptic collage, and subcutaneous electro-acoustics from Zeier, with Gour standing a continuation of those themes. Like on Sub, Zeier states the origins of his sound material - crows, pigs, flesh flies, wasps, wolves, frozen lakes, and some less obvious sounds from the Uwaga Squad and the Etang of Gour. Zeier locates mechanized bursts against a backdrop of very distant blackened noise, with all sorts of whipcrack slashes, wooden creaks, watery plops, corvid calls, and porcine squeals constructing a strange and hostile narrative of ritualized violence against an unknown subject. The genius of G*Park lies not in the sounds themselves (even as they are immaculately presented) but in the psychological voids left where Zeier eradicated everything through deathray, sterilizing cauterization, or fastidious vacuuming. A brilliantly done record from one of the very best technicians of the cruel theater of musique concrete." [Aquarius Records]
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2015 |
€18.50 |
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| GAL |
Defragmentation / blue |
CD |
"Hinter GAL steckt der österreichische Komponist Bernhard Gal, der für 'Defragmentation/Blue' mit dem japanischen Architekten Yumo Kori zusammengearbeitet hat. Ihr Ziel ist die Erforschung der Interaktionen zwischen zeitlichen und räumlichen Bedingungen und ihre Begegnung mit menschlicher Wahrnehmung und Vorstellung. Diese Arbeit wurde zuerst im September 1999 in einer New Yorker Galerie (Studio Five Beekman) präsentiert, und ist GAL's zweite CD nach 'Bestimmung New York' (Durian, 1999). Wir hören hier: einnehmende, langgezogene & klare Wellen von sich überlagernden Tönen, denen man sich schwerlich entziehen kann, sowas wie Atem, Glockensounds dazwischen, seltsame Interferenzen von Frequenzen, die Zeit scheint stehen zu bleiben... hoch suggestible Musik, absolut hypnotisch & großartig!" [Drone Rec. info 2000]
"The Austrian sound artist and composer Bernhard Gal developed the concept for defragmentation-blue over the past two years in collaboration with the Japanese architect Yumi Kori. Their aim is to explore the interactions between temporal and spatial conditions and their impact on human perception and imagination. defragmentation-blue -- an audio-architectural exploration of time -- was exhibited for the first time in September 1999 at Studio Five Beekman, a music gallery in New York which is specifically committed to the presentation of multimedia-sound installation art.This is Gal's second CD-release. His first CD-release Bestimmung New York -- very different in concept and sound compared to his recent CD -- has been released on Austria's Durian label in 1999. defragmentation-blue is a minimalistic, yet haunting listening experience. Gal's use of psycho-acoustic phenomena creates a highly intense and entrancing atmosphere where time seems to stand still." [label info]
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2000 |
€13.00 |
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| GALBRAITH, ALASTAIR & MATT DE GENNARO |
From the Dark (South Island) |
CD |
"ALASTAIR GALBRAITH ist der Klebstoff, der den Underground von Neuseeland zusammenhält. Ob er nun schmerzhaft-schön Geige für so verschiedene Künstler wie PETER JEFFERIES oder THE BATS spielt oder sich mit dem Feedback bei A HANDFUL OF DUST beschäftigt oder zusammen mit dem Amerikaner MATT DE GENNARO neue Performances im Stile der Soundskulpturen von HARRY BERTOIA erschafft. Auf ,From The Dark" verwandeln sich architektonische Eigenarten in hypnotische Sounds. Stahlseile, die manchmal länger als 30 Meter sind, werden durch den Raum gespannt. Wenn die Seile noch mit geharzten Händen oder Lederstücken angeschlagen werden, schicken sie vibrierende Resonanzen zur ihren Fixpunkten. Nicht die Seile erzeugen Geräusche, sondern die Wände, Geländer oder Fensterrahmen, an denen die Seile befestigt sind. Das Resultat, eine Sinfonie in totaler Dunkelheit, ist eine wunderschön gruselige Zusammenstellung von Zufall, Architektur und Improvisation." [press release]
"Alastair Galbraith is the glue that binds the New Zealand underground. His work ranges from achingly lyrical violin for artists as disparate as Peter Jefferies and the Bats, to the feedback squalls he conjures as member of A Handful Of Dust, to the otherworldly miniatures he crafts for his own solo albums. However, in recent years, Galbraith, along with American Matt De Gennaro, has developed another remarkable performance idiom, one that is positioned closer to the sounding sculptures of Harry Bertoia. In From the Dark (South Island), architectural idiosyncrasies are transformed into nuanced and hypnotic audio. Wires _some as long as 100 feet_ are affixed throughout a building. When the wires are taut and stroked with rosined hands or a piece of leather, longitudinal vibrations are sent to the points of attachment, creating a natural resonator. It is not the wires that make the sound, but the wall, railing or window frames at their end; wire length and room acoustics determine the pitch. The result, achieved in a veil of total darkness, is a beautiful and eerie confluence of chance and accident, architecture and improvisation. As Galbraith puts it, "There is some quite magical feeling of communion turning the lights off and making the building sing." [press release]
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2006 |
€14.50 |
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| GEINS'T NAIT & L. PETITGAND |
Je vous dis |
CD |
"Geins't Naït is a project initiated in 1986 with a first album released by Thierry Merigout (drummer with Kas Product on their 1981 tour) and Vincent Hachet, who quickly stepped back from this project to work on his film-maker career.
The L'or'n Cät album's release in 1987 marked the arrival of Laurent Petitgand, a singer-songwriter recognized for his composing work for (the late French singer) Bashung and original soundtracks for film directors such as Wim Wenders (including Tokyo-Ga, 1985, Wings of Desire, 1986, and the future The Salt of the Earth, scheduled in 2014), Paul Auster (The Inner Life of Martin Frost), as well as ballet music for Angelin Preljocaj (Liqueurs de Chair, Amer America).
Bases are thus set down. While Geins't Naït offers rough pieces of music as an extension of its punk attitude which deeply moved the Berlin scene years ago, Laurent Petitgand is busy refining them and creating some musicality within the post-industrial collages, adding guitars, piano or any classical instrument.
In 1993, following the release of C/O Lisa on the Permis de Construire label, noise gave way to a silence that lasted 20 years.
Coming from nowhere, Si j'avais su, j'aurais rien dit, a particularly tormented album which, against all odds, revived the project in 2011.
An album which showed an increasing alchemy between the two musicians whose different routes, this common project aside, seem to fit perfectly well now.
Now, and more than ever, the duo's approach is based on an in-depth field. To sharpen the sounds, give them some kind of balance, a density and a mark.
More than anything else, to make sure that music is a langage, an experience in the deeper meaning of the term.
In its form, the collaboration between Geins't Naït and Laurent Petitgand echoes the adventurous musics from the eighties and is the French counterpoint to experimental british scenes (Coil, Current 93, Test Dept) and german scenes (Einstürzende Neubauten, Sprung Aus Den Wolken), so much so that this new work is difficult to label in its totality, entering ambient or industrial fields, as well as minimalist or repetitive music.
Je vous dis is obvious in its ability for listeners to give life to the smallest element which is part of it, would it be a sample, a piano melody, or even the amazing work on voices, which, as well as instrumentation, assume a central part in the tracks balance.
Melancholic, with a retained violence, sometimes even with a fearsome violence, Je vous dis surprises and captivates in its way to subtly catch the listener, thanks to a disturbing nocturnal mood, but also to an unsettling humanity.
But this record is far from being an hermetical work : it's quite the opposite. Difficulty is not to get in this world, however particular or deviant it is, but to get out.
More than just music, Je vous dis is a visceral obsession about detail, a sound sculpture with changing forms and various aspects, an unsleeping creature with inscrutable soul.
As soon as one believes to have understood it, the next listening brings the listener back into doubt and questions.
As in a situationist movie for which that album would be a perfect soundtrack, each complete immersion offers its lot of news interpretations and details, with were unkown until now but are definitively obvious in the end.
A real masterpiece for the mind : complex, poetic and sophisticated, even in its darkest moments." [label info]
www.icidailleurs.com
"Years and years ago I worked in a space, which also functioned as a record store, and before, that I was a volunteer at another record-store/mail-order. In both 'stores' I saw the name Geins't Naït, but for whatever reason I no longer recall, I never played any of their records or CDs that we sold. Maybe it was because there was so much other great stuff to play? Let's keep it at that. So up until this CD I never heard their music properly, but in my defense, they didn't have any new release since 1993. The name Laurent Petitgand (not to be confused with Dominique Petitgand) I never heard before, despite the fact that he did soundtracks for Wim Wenders and Paul Auster as well as being a singer-songwriter. In 2011 he and Geins't Naït worked together for the first time and now there is a new album. But for me this is maybe a first introduction all around. And I am quite surprised. The label makes references to Coil, Current 93, Neubauten, none of which are really particular favorites
with me, but in these hands it works out differently and actually quite well. There is quite some drama in this music, through the use of samples, melancholic piano bits and the dark voice of Petitgand. Geins't Naït provide a rather minimal set of music - not as in 'empty', but as in 'repetitions', which makes rather odd pop music. Petitgand's voice is most of the time heavily transformed (vocoder perhaps?), which makes that a rather darker atmosphere hangs over these pieces. It bumps and collides but that I think is the beauty of this music, it's rather unusual atmosphere. Tacky and clichéd it seems at times but it works out quite fine. Maybe because there are some cliché's in here, but also some more unusual aspects, that it all makes up for something strange and estranged. A most enjoyable album, I thought. A fine introduction indeed." [FdW/Vital Weekly]
"Das Duo mit dem exotisch klingenden Namen Geins’t Naït entstand irgendwann im Dunstkreis der legendären Coldwaver von Kas Product und existiert nun bereits seit fast dreißig Jahren, bei denen allerdings eine lange Pause mitgerechnet wird. Hierzulande überwiegend frankophilen Kennern ein Begriff, ist die Band auf der anderen Rheinseite kein Geheimtipp mit ihrem eigenwilligen Stil an der Schnittstelle von Punk- und Industrial-Einflüssen, Songs und Soundscapes sowie technoiden und klassischen Arrangements. Der Sänger und Komponist Laurent Petitgand arbeitet auf “Je vous dis” zum zweitenmal mit GN zusammen und bringt klassische, v.a. akustische Elemente ein. Das Label zieht Vergleiche zu den Neubauten, Coil und Test Dept., was natürlich eine respektable Messlatte darstellt.
Wollte man in dem ausgesprochen welchselseitigen Album so etwas wie einen roten Faden benennen, so ließe der sich eher noch in einer immer leicht aufgekratzten Wehmut finden, als im Sound, der leicht retrolasigen Akustikklängen ebenso Raum gibt wie hallunterlegter, leicht housiger Elektronik, bei der ich tatsächlich an Coil-Werke wie “Love’s Secret Domain” denken musste. Viele Songs wecken filmische Assoziationen und versprühen einen nostalgischen und oft auch ein wenig naiven Charme. In den Passagen vor dem Einsetzen zum Teil vertrackter Rhythmen lockern reichliche zitathaft integrierte Klangbrocken den Wohlklang auf und versetzen die Szenerie an einen nur schwer zu ortenden Schauplatz, den Petitgand mit seinen mantraartigen Stimmbeiträgen, die teilweise wie versoffenes Bellen klingen, dominiert.
Oft entfalten sich mehrere musikalische Erzählstränge simultan, und selbst da, wo es schlicht auf die Schönheit der Unordnung hinausläuft, entsteht nie der Eindruck, dass es um bloßes Muckertum geht." [U.S./African Paper]
africanpaper.com/2015/03/28/geinst-nait-laurent-petitgand-je-vous-dis/
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2014 |
€13.00 |
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| GHOSTS ON WATER |
same |
CD |
Mini-Album welches es eine sehr introvertierte und zarte Stimmung ausstrahlt: Pianotupfer, ätherische Gesänge, Flötenbrisen, sanfte drones.. dahinter stecken NAOKU und DAISUKE SUZUKI und ANDREW CHALK.
"The second full release of recordings by Naoko & Daisuke Suzuki with Andrew Chalk, now titled as Ghosts on Water." Naoko Suzuki (vocals), Daisuke Suzuki (vocals, flute, percussion, field recordings), Andrew Chalk (keyboards, kantele). "'Pale shadow" whispers its intentions to the wind amidst gentle melodies (courtesy of Chalk's keyboards and kantele) whose East-tinged imperturbability attribute a deep thrust to something that, coming from other hands, could even have been classified as an outtake. Both 'Fall and flow' and 'In October skies' are heavily typified by Naoko and Daisuke Suzuki's voices, first through uncertain lines on a field recording-based, extremely subtle background, then in a dissonant prayer made of intersecting improvised chants that depict strange colours and shapes for about three minutes. 'Snowy fields sparkle aglow' is the record's top as far as sheer beauty is concerned, a mix of melancholically tranquil piano figures over murmuring layers of uncertain origin, moving between remembrance and pastel-like sadness with the right touch of naïveté. 'Wings of day' ends this (unfortunately) short CD with the same atmospheres, keyboards and vocals informing a barely seamed tapestry whose levity is directly proportional to its soulful substance." [Massimo Ricci]
www.farawaypress.net
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2007 |
€15.00 |
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| GODSPEED YOU BLACK EMPOROR! [GYBE] |
Lift your skinny fists like antennas to heaven |
do-LP |
\"Das neue, phänomenale Album der innovativen Post-Rock-Band ! Vier lange, ausufernde Stücke die nur noch manchmal entfernt an gängige „Rock“-Strukturen erinnern, vielmehr entwickeln sich zarte Anfänge aus z.B. Guitars, Streichern, Bläsern & Bass hin zu monumentalen Instrumental-Stücken; voller Harmonien und unterschwelliger Kraft, die manchmal fast explodiert.. es gibt auch atmosphärische Zwischenparts mit piano, field recordings, etc.. hier treffen sich GLENN BRANCA, RACHEL’S, und LABRADFORD. Intense !\" [Drone Records info 2000]
\"...like Antennas to Heaven After two years of constant touring and near-unanimous critical acclaim, Godspeed You Black Emperor! assembled a collection of new recordings that charted the creative evolution of the band as well as its literal physical movement on the road, criss-crossing North America and Europe.
Five expansive full-band compositions are framed by various field recordings, tape manipulations and ensemble pieces in a return to the narrative sonic collage techniques that marked their 1997 debut (F#A#8).
Four seamless sides of vinyl unfold a world of aching sadness and beauty, with musical quotes ranging from heartland americana to mitteleuropa folkways, all distilled through the unique sonic filters of Godspeed\'s pedal-crazy orchestral rock instrumentation.
Harrowing guitars, plaintive strings, pulsing basses and explosive drums combine with glockenspiels, horns and tape drones to form an overwhelming palette of sounds, always driven by fierce melodic momentum and intense emotional resonance.
GYBE! continued to paint on an impossibly large canvas, with an uncanny blend of world-weariness and naive exuberance that spoke volumes about the conflicts and contradictions permeating our political and cultural life.
The tension between humility and hubris conjured an epic scope and a raw hope that such sweeping gestures might survive with some semblance of substance.\" [label info]
www.cstrecords.com
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2000 |
€26.00 |
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F# A# °° |
CD |
"Originally released on vinyl in a pressing of 500 on the Constellation label, F# A# ∞has been remixed and resequenced. Take the epic scope of Ennio Morricone, the artsy slash of 17 Pygmies, the desert tones of prime Savage Republic, bolster the mix with the rhythmic chugalug of The Ex and add the Canadian tradition of radio drama and you begin to get a hint of what this band are up to. With twin percussionists, three guitar players, violin, cello, glockenspeil and tape loops, godspeed you black emperor! can make a big rumbling sound or stretch out into delicate filigrees. The nontet has developed a reputation in their hometown for gripping multimedia shows at their recording and performance space Hotel 2 Tango. At the Lounge Ax twin film projectors emitted grainy backdrops while the band built up their cinemascope sound world. The original home recordings were made at Hotel 2 Tango and have been tweaked at Toronto's Chemical Sound studios (with the help of Daryl Smith of Slow Loris). Two new pieces,"Dead Metheny" and "Sad Mafioso," have been recorded for the compact disc." [label info]
www.brainwashed.com/kranky
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1998 |
€15.00 |
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| GOGOOO |
Long, lontain |
CD |
"Gabriel Hernandez, das Gesicht hinter dem Namen GoGooo, hat ein außerordentliches Gespür für das Strecken einer kleinen harmonischen Idee. »Long, Lointain« (Baskaru) ist dadurch ein sehr freundliches, wenn auch in gewisser Weise unscheinbares Album geworden: Was sich hier an Tönen und Geräuschen tummelt, hinterlässt einen Gesamteindruck, der sich blendend mit der klassischen Ambient-Definition nach Brian Eno verträgt. Diese Musik also verschwindet scheinbar, schon während sie erklingt. Doch das Erlebnis wird dadurch andererseits ein sehr gegenwärtiges, das auf den bleibenden Eindruck zu Gunsten einer feinsinnig ausgestatteten Begleitung durch den Augenblick verzichtet. Die Art von Field Recordings, die Hernandez seinen geschmackvollen musikalischen Miniaturen beigegeben hat, ist recht stark konzentriert auf Regen und Schlamm, auf organisch schmatzendes Material, das dem kurz gehaltenen Longplayer in der abschließenden Zusammenstellung eine charmante persönliche Note verleiht. Andernorts hat man all das schlicht elektroakustischen Folk genannt – eine Beschreibung, die dem sanften, kuriosen und gewitzten Wohlklang von GoGooo tatsächlich gerecht wird." [Kai Ginkel / SPEX]
"Far-away sounds, close to the heart...
Delicately-played instruments whose sounds, once sampled and digitally treated, seem to permeate our ears from a distant world both strange and strangely familiar. And yet, the resulting music is intimate as can be, full of untold and evocative imagery.
GoGooo is Gabriel Hernandez, born in 1979 in Grenoble, France. Gabriel started making music because he wanted to accompany his guitar-playing cousin. Untrained, he turned to the computer, and thus came to life their duo Simagrée. Other collaborations ensued with Alain Basso (Sol III) and Daisuke Miyatani (Miyagooo).
"Long, lointain" [Long, far] is GoGooo’s first professional full-length release, following a number of net releases, CDR EPs and compilation appearances. 2007 is a coming-out year for GoGooo, with additional releases on labels such as (1.8)sec Records (Canada), Magic Book (Japan), EKO (France) and his own netlabel Rain Music.
"Long, lointain" features 10 short pieces exerting a fleeting charm, populated with field recordings, found sounds and skeletons of melodies, all delicately arranged to titillate and soothe your ears. This music can be compared to electroacoustic folk for its instrumentation, but is actually unique in style.
Gabriel Hernandez is also a drawing artist, photographer and video artist, and most of these other facets of his art are represented in "Long, lointain"s packaging, including drawings decorating the digipack cover and four short videos." [label info]
www.baskaru.com
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2007 |
€12.00 |
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| GOOSE |
Isabel |
mCD-R |
Klangschalen, Becken- & Glockensounds vermischen sich mit dem tiefen (genial effektierten) Rumpeln eines Hurrikans! Ein sehr kraftvolles & hypnotisches Stück, auch wenn (fast)-Stille eine grosse Rolle spielt.
"Also known for his Stolen Light noise project and his annual xmas compilations on his Zaftig Research label, Goose is Brett Lunceford's alias for his drone & dark ambient sounds. this track was quite an experience/experiment for him: "i recorded part of that track while hurricane isabel was coming through pennsylvania, hence the title of the track. all we got was a lot of wind and rain and not a lot of damage, but it was nice to record. i had just bought a tibetan singing bowl and i have played drums for about 20 years now, so i love percussion sounds. i was just hoping that the people downstairs from me would not be too annoyed as i was playing the cymbals and bells! this was a bit of a departure from my typical long form drones that i generally do as Goose, but i like it a lot." so here is this hypnotic & acoustic droney track. to make it yet more hypnotic, it's been carefully mastered by our beloved italian master andrea marutti. let yourself carry along by isabel..." [label info]
www.taalem.com
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2007 |
€5.00 |
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| GRUNTSPLATTER |
Pest Maiden |
CD |
Die ersten GRUNTSPLATTER-Aufnahmen (MC von 1999 und 7”) wurden auf PAC wiederveröffentlicht! Apokalyptischer Doom-Industrial, klingt hier noch recht „old-school“ analog.... endlose, verlassene, zerstörte Landschaften entstehen vor dem geistigen Auge... unheimlich und bedrückend !
"YOU CANNOT ESCAPE. Grim, opressive deathscapes. haunting atmospheres / impending doom / obsessively constructed heavy electronics detailing the plague devastation. Reissue of his early 7" + cassette release on Troniks (1999). Remixed & remastered for your ultimate death trip." [label info]
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2005 |
€10.00 |
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The Eulogists Assembly |
CD |
10 tracks, im Booklet Zitate von Einstein, Jung, Artaud und H.G.Wells, Sounds die einen in den Boden drücken, furchteinflössend mächtig,
das ist die Reaktualisierung der Ur-Angst, dumpf, einnebelnd & betäubend.... das neue Album von GRUNTSPLATTER !
”Bringing "death industrial" to new, never before experienced levels, GRUNTSPLATTER throw us in a desertic, abandoned, outworldly land where the only sounds come from agonizing machineries, abandoned to their inevitable rusting processes. A flow of energetic noise bursts mixed with dark ambiences, a new sensational chapter in the GRUNTSPLATTER saga.” [label info]
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2005 |
€13.00 |
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| HAFLER TRIO |
An Utterance of the Supreme Ventriloquist |
CD |
Wiederveröffentlichung einer der besten H30-LPs, erschienen 1996 auf Soleilmoon. Auf den beiden Stücken klingt Andrew Mc Kenzie noch weitaus „fordernder“ und elektro-akustisch-experimenteller als auf den heutzutage erscheinenden, eher ruhig-dronigen Werken: minimale elektronische Klangwellen und Pulsationen, dazwischen aber auch immer Breaks & hereinbrechende Soundeffekte, „konkrete“ field-recording-Schnipsel, dabei aber in derart fremdartige Klang-dimensionen vordringenden, dass es (zumindest für uns) eine wahre Freude ist! Geniales Werk in wunderschöner Verpackung !!
"An Utterance of the Supreme Ventriloquist was originally issued by Soleilmoon in 1996 in a hand-numbered edition of 451 clear vinyl LPs. Utterance consists of two 21-minute pieces, 'Placing the Seed' and 'Seeding the Place.' It's a psychedelic head-trip that reaches a similar plane of consciousness occupied by Nurse With Wound. The material has been completely remastered for maximum digital appreciation, and is presented in a deluxe embossed folder with lavishly printed inserts, all wrapped in semi-transparent paper, very much in the style of the recent reissues of 'The Sea Org' and 'Mastery of Money.'" [press release]
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2005 |
€15.00 |
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| HAMNSKIFTE |
Födzlepijan |
CD |
"First record from a mysterious Swedish duo, whose sound is inspired by, according to the band themselves, Burzum, Earth, Skepticism, Nortt and Trollmann Av Ildtoppberg. But imagine those influences channeled into something more medieval sounding, and WAY more post rocky, a sort of droning medieval slowcore laid beneath softly buzzing metallic rumble and shimmer, and you'll get an idea of Hamnskifte's sound. This is drone and ultimately slow meditative Black Metal with hypnotic medieval folk melodies recorded with guitars, drums, bass, organ, bodhran drum, bells and some self-invented percussion instruments. Originally released to the world in the spring of 2010 by, now-defunct, American label Starlight Temple Society, as a limited edition of 125 copies." [label info]
hamnskifte.blogspot.de
"Fodzlepijnan first appeared on the now-defunct Starlight Temple Society label back in 2010 as a limited-edition CDR release (we still have a couple of copies of this version in stock, as a matter of fact), and it offered a beautifully eerie and ghostly collection of funereal folk-rock and desolate, doom-laden slowcore from the mysterious Swedish duo known as Hamnskifte. The band seemed to have roots in both funeral doom and black metal (indeed, the band cited the likes of Nortt, Burzum, Trollmann Av Ildtoppberg, Earth and Skepticism as direct influences on their music), but their music didn't really sound like either of those forms, and in fact only marginally sounded like a metal band at all. Instead, Hamnskifte craft this strange sound that is more "post-rock" than anything, a mysterious, low-fi sound that creeps across the album using hand-made percussive instruments, organs, bells, and bodhran drums alongside their standard rock lineup of drums, guitar and bass. That original disc really impressed me when we first picked it up, and it's haunting blackened slowcore sound filled the office here at C-Blast for weeks after we picked it up. While the original Starlight Temple CDR came in a handmade package that consisted of a screen-printed silver envelope, an eight page booklet and foldout poster and was limited to just one hundred twenty five copies, the new CD version of Fodzlepijnan that just came out on the black metal label Myrkr presents the album in a handsome new six-panel digi-sleeve that includes a printed vellum inner sleeve for the disc.
At first, Fodzlepijnan opens with a brief intro of wheezing harmonium and martial snares playing a slow, haunting folky melody, the sound very neo-folkish and atmospheric, and that leads right into the first proper song, "Ther Skall Wara Gråt Och Tandagnisslan". It's here that Hamnskifte fully unfurls their sound, a combination of tranquil, almost funereal drumming that incorporates other shuffling percussive instruments into it's deliberate, processional-like tempos, moody strummed chords that seem to be emanating from sort of banjo-like stringed instrument, and swells of lush feedback and distorted guitar. The band weaves these sounds together into simple, dark melodies that sound more like something from Swans than anything vaguely black metallish. But there's also that doom-laden creepiness that lurks beneath the surface of these melancholy folk-dirges, a subdued heaviness heard in those slow-motion drums, waves of vast keyboard drift and that buzzing harmonium-like drone that makes a reappearance, and the deeper you get into this, the more that you can hear the band's admitted Skepticism influence, a vague funeral doom quality to this music that you hear more in the atmosphere and pace of the music than in any overt metallic qualities. It's all some surprisingly beautiful stuff, in fact. The following song "Wäsende" might be my favorite, another instrumental piece that resembles some particularly gloomy, darkened 70's psych-folk, with some of the prettiest acoustic guitar arrangements on the album, laid out over delicate droning organs and that slow, shuffling backbeat. Further in, the sound starts to get heavier as some muffled distorted guitars creep into "Foglarna Warda Fångna Medh Snaror", lending an undercurrent of clanging, doom-laden rumble to the song's hauntingly pretty folk melody and stretches of ghostly, cavernous drone. "Dageligh Beredelse Emoot Döden" has a more ominous feel, death-march drums and minor key jangle woven into a Goblin-esque groove, and closer "Uthi Thet Ytterste Mörckret" unfolds into a twelve minute kosmische trance of pounding tribal drums and slithering bass, moody acoustic strum draped over droning keyboards and sheets of electrical hum, the album closing within the sway of this last krautrock-tinged hypno-trance. Highly recommended." [CrucialBlast] |
2012 |
€12.00 |
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| HAMPSON, ROBERT |
Vectors |
CD |
"Robert Hampson (geb. 1965 in UK) ist Gründungsmitglied der Bands "Loop" (1985-90) und "Main" (1990 -96). Nach dem Ende der Band "Loop", konzentrierte siche Hampson im Rahmen der neuen Band "Main" darauf, den charakteristischen Sound der Gitarre für sich neu zu interpretieren und umzuformen in dem er sich im Detail mit dem Stil des Instrumentes beschäfitgte. Er kreierte so neue und abstrakte Sounds. Je mehr sich die Band "Main" entwicktelte, desto mehr lösten sie sich von dem eigentlichen Sound der Gitarre und kamen ihrem eigenen revolutionären Stil nahe. Mittlerweile komponiert und spielt Hampson unter seinen eigenen Namen. Er widmete sich nun mehr und mehr der Akusmatik, einer Weiterentwicklung von natürlichen Klängen, aufgehend in einer Kombination dieser mit synthetischen Klängen. In einer gleichberechtigen Zusammensetzung dieser, gelang es ihm völlig neue Sounds und Ideen umzusetzen.Umbra :Das Phänomen der "Umbra" - des Kernschattens, ist es was die Arbeit an diesem Stück inspirieren sollte: Geräusche die in den Schatten anderer eingefangen zu sein scheinen, die immer mehr Form annehmen, sich entfalten und materialisieren bis sie selbst einen Schatten werfen.Ahead -Only The Stars (2007) beauftragt vom Label "Vibrö" für eine Performance im Planetarium de Poitiers in 7.1. Surround Ratio.Inspiriert von dem ,Austronauts of the NASA Mercury Missions" Programm und dem wohl größten Piloten aller Zeiten: Chuck Yeager. Ihm ist dieses Stück auch gewidmet.Nach einer Einführung der überwältigenden und beeindruckenden Jets-Sounds, ist das Stück durchsetzt mit Radio-Transmissionen, die den künstlerischen Rahmen dieses Werkes bilden.Dans le Lointain (2008) - Geräusche kurzwelliger Funktöne, aufgenommen von Hampson in den frühen 80er Jahren und neulich auf einer Kassette wiederentdeckt, wurden neu auf klassische Art und Weise bearbeitet und digital neu interpretiert. Der Titel des Werkes bezieht sich auf die Distanzen, die Radiowellen fähig sind zu meistern, so aber auch soll es die Zeitspanne darstellen, beginnend mit der Aufnahme auf Kassetten Anfang der 80er bis in die jetzige Neuzeit der High Technologies."
[label info / Cargo]
www.myspace.com/roberthampson
"A long time I met Robert Hampson and talked with him about the movie '24 Hour Party People'. What I didn't knew is that Hampson and his band Loop toured with the Happy Mondays, so he shed some extra light on those scenes involving the Mondays. I was thinking of the curious career of Hampson when listening to 'Vectors'. The rock days of Loop merging into the ambience of Main to the electro acoustic of Hampson, who no longer uses the name Main anymore. I liked Loop, I truly loved Main and sometimes I found myself thinking 'what is Robert Hampson doing these days?'. Its been some years since his last Main release, but apparently his into France these days. All three pieces here were recorded for things in France, festivals, commissions of INA GRM. Indeed a curious career. Robert Hampson - serious composer. Who would have guessed? One could see it coming I guess, as the last Main releases forecasted the music on 'Vectors': computer manipulated electro-acoustic music, brought to you in the form of an audio collage. If you need to compare it with something, then the whole microsound posse comes to mind, but Roel Meelkop in particular. Hampson shares the same sensibility of creating intense audio compositions, with slow curves, occasional rapid change and a keen ear for atmospherics. Crackling, ambient, computer treatments of acoustic objects. Well crafted compositions, that never seem to leap into the doodling that some of the 'real' (what is real anyway?) acousmatic composers in this scene seem to be doing. Challenging music of the highest order. Its only a pity that there is not so much of that from Hampson. Let's hope the next one is not three years away." [FdW / Vital Weekly]
"... On Vectors, Hampson teases with repetitions of astronaut bleeps, electrical warblings, digitally vaporous static, and wisps of sound design that could build into something off of Hydra-Calm or Motion Pool, but
don't. Many folks (including some here) have been frustrated by Hampson's work after Motion Pool, and that sentiment probably won't be changed with Vectors. The three lengthy pieces on Vectors are all commissions with lofty goals of avant electronics; and two of the commissions came by way of the legendary GRM studio in France. In this context as opposed to the Loop / Main axis, Vectors turns out to be a smoldering musique concrete album with acousmatic allusions to the work of Michel Chion and Luc Ferrari." [Aquarius Records review]
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2009 |
€15.00 |
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| HARTH, ALFRED 23 & WOLFGANG SEIDEL |
Five Eyes |
CD |
"Credits:
reeds, trombone, key, misc: Alfred 23 Harth
drums, percussion, misc: Wolfgang Seidel
vocals: Nicole van den Plas, Bill Shute (04),
Boris Stout (06), A23H (08)
compositions:
Alfred 23 Harth, Wolfgang Seidel-Meissner
recorded in Berlin and Seoul
produced & mastered by A23H at LaubhuetteStudio Moonsun, Korea, 2014
cover drawing: Wolf Pehlke
cover: Robert Schalinski
Thanks to Bill Shute from Kendra Steiner Editions for triggering this album.
Five Eyes Long Distance Call
Seoul und Berlin – das ist weit voneinander entfernt. Bei heutiger Musikproduktion sind geografische Entfernungen kein Hindernis. Und die beiden Komponisten von Five Eyes sind sich zugleich nah und fern, gibt es doch in unseren Biografien trotz unterschiedlicher Wege und Orte immer wieder Punkte, wo wir aus unterschiedlichen Richtungen kommend zu gleichen künstlerischen Fragestellungen gelangt sind. Alfred Harth ist in der Nähe von Frankfurt/Main geboren, wo man in der Philosophie und Kunst nach Westen, nach Frankreich und über den Atlantik blickte. Ich bin im selben Jahr in West-Berlin geboren, das damals eine mit viel Subventionen künstlich am Leben erhaltene Geisterstadt, der Hinterhof der westlichen Welt war. Für Alfred war Jazz die klangliche Verheißung, dass es etwas anderes geben muss, als das verdruckste Nachkriegsdeutschland. Für mich als Hinterhofgöre und in einer Stadt, die keine nennenswerte Jazz-Szene hatte, erfüllte Rock n’ Roll die gleiche Funktion. Für Alfred führte der Weg in die freie Improvisation, seine Gruppe Just Music verkündete Ende der 60er in einem Flyer als Konzept ein „Modell für annähernd herrschaftsfreie Kommunikation und Interaktion“ sein zu wollen. Zur selben Zeit passierte eine ähnliche Entwicklung bei denen, die von der Rockmusik her kamen. In der experimentierfreudigen Phase des Psychedelic Rock lösten sich vorgegebene Strukturen auf. Das brachte uns das erste Mal am gleichen Ort zusammen, in Conrad Schnitzlers Zodiak Free Arts Lab, wo sich für ein knappes Jahr Free Jazz, Happening und das, was später mal Krautrock genannt werden sollte, mischte. Die Sessions mit Conrad Schnitzler, die in eine langjährige Zusammenarbeit mündeten, waren meine erste Begegnung – wie es ein Flyer verkündete – mit „Total freie[r] Musik“. Schnitzler, ein Beuys-Schüler, bezeichnete sich als Intermedia-Künstler, um bewusst alle Kategorisierung und alle Begrenzung auf ein Medium zu vermeiden. Auch wenn Alfred diesen Begriff nie verwendete, würde er auf ihn passen als jemandem, der gleichermaßen in der Musik, Literatur und den visuellen Künsten unterwegs ist. Für beide war Fluxus und die Begegnung mit Künstlern wie Nam June Paik eine Weichenstellung.
Den nächsten Schritt vollzogen Alfred und ich von unterschiedlichen Ausgangspositionen in dieselbe Richtung – hin zum gesprochenen oder gesungenen Wort. Ich schloss mich einer Lehrlingstheatergruppe an, aus der dann die Band Ton Steine Scherben hervorging, die Rockmusik und radikale, auf Deutsch gesungene Texte zusammenbrachte und auf deren erster Platte auch ein Stück von Hanns Eisler zu hören ist. Mit dessen Musik und der Verbindung von Musik und Poesie jenseits des Jazz und Lyrik-Klischees beschäftigte sich auch Alfred zusammen mit Heiner Goebbels. Während die Scherben das Straßentheater bald zugunsten der Rock-Bühne hinter sich ließen, gehörten die beiden zu den Mitbegründern des Sogenannten linksradikalen Blasorchesters, das die Musik auf die Straße brachte. Der nächste Schub kam durch Punk und vor allem durch die in dessen Windschatten blühenden Experimente, die Stilmittel der musikalischen Avantgarde, Collage- und Montagetechniken mit der Energie von Rock zusammenbrachte. Für Alfred war das dann unter anderem die Band Cassiber zusammen mit Chris Cutler, Christoph Anders und Heiner Goebbels. Für mich war das in Berlin die Gruppe Populäre Mechanik, die noch als reine Gitarrenband in der Rocktradition begann und sich mehr und mehr Elektronik, als auch durch die Erweiterung mit Bläsern Jazzeinflüssen hin öffnete. Diesmal bewegte sich Alfreds und mein musikalischer Weg so weit aufeinander zu, dass es tatsächlich 1983 zu einem gemeinsamen Konzert kam.
Ein Ausschnitt aus diesem Konzert fand dann seinen Weg auf Alfreds Platte Sweet Paris, einer 1990 erschienenen Text- und Musikcollage – ein multimediales Tagebuch, in dem Alfred seinen Briefwechsel mit dem damals in Paris lebenden Maler Wolf Pehlke – er machte die 5E-Coverzeichnung - umsetzte und in das Solos, Fieldrecordings und Ausschnitte aus zahlreichen musikalischen Begegnungen einflossen. Zu Cut-up mit seiner Eröffnung neuer Zusammenhänge und zu Collage, mit der man Realität in die Komposition holen konnte, hatte Alfred vor allem auch über Literatur, über Brinkmann und Burroughs, und seine Arbeit als visueller Künstler gefunden. Die Entwicklung des Samplers machten die vorher ans Studio gebundenen, geduldigen Techniken der Musique Concrète musikalisch handhabbarer und zu einem Ausweg aus einem linearen Zeitbegriff, der sich mit seinem Versprechen einer höheren Ordnung in der Musik immer weniger durchhalten ließ.
Für mich führte der Weg von der noch von diesem Heilsversprechen angetriebenen Musik der Scherben, über die Auflösung der Zeit in psychedelischen Krautrock-Erfahrungen in die Fluxus-inspirierte Zusammenarbeit mit Conrad Schnitzler, der Ende der 1970er mehr als ein Dutzend Kassettenrecorder stapelte, mit denen er eigenes und gefundenes Material bei Konzerten mischte.
Mit Five Eyes, für die wir monatelang Tracks her- und hinschickten, auseinandernahmen und neu zusammensetzten, konnten wir den Faden wieder aufnehmen – denn nach der Session, die auf Sweet Paris dokumentiert ist, trennten sich die Wege erst einmal wieder. Für mich gab es Ende der 80er mit dem Untergang des alten Westberlins auch persönlich eine Umbruchzeit, die dazu führte, dass die Musik erst einmal weitgehend Pause machte. Als ich dann wieder anfing, aktiv zu werden, sah man sich als Musiker einer veränderten Situation gegenüber. Eine Musik, die sich mehr oder weniger gradlinig auf ein Ziel bewegt, war endgültig obsolet geworden. Die Durchsetzung von There-Is-No-Alternative als herrschender Ideologie brauchte ebenfalls eine musikalische Antwort. Dazu kommt die durch die Digitalisierung gigantisch beschleunigte Bilderflut, in deren Geflicker alle Konflikte dieser Welt gleich aussehen. Die Frage nach Gut und Böse reduziert sich da auf die Frage, welche Seite die emotionaleren Bilder liefern kann, die dann am effektivsten wirken, wenn sie an vorhandenes Ressentiment andocken können. Als dann beim Anschlag auf das World Trade Center etliche Antiimperialisten im Anblick der Katastrophe applaudierten, wurde klar, dass man noch einmal neu nachdenken muss.
Alfred zog es nach Südkorea, das in den letzen 100 Jahren von der Geschichte nicht gut behandelt wurde. Japanische Besetzung, Unterdrückung und Ausbeutung, dann der Koreakrieg, in dem das Land nur Figur auf dem Schachbrett des Konfliktes zwischen Ost und West war. Jetzt ist das Land eingezwängt zwischen dem autoritären Nordkorea und dem wirtschaftlich dominierenden Japan, das nie eine Debatte über seine gewalttätige Vergangenheit geführt hat. Ich dagegen brauchte keinen Ortswechsel vorzunehmen. In Berlin wechselte sich der Ort in rasantem Tempo selber aus – zumal aus der Sicht des Westberliners. Aus der verschlafenen Nische wurde eine Wir-sind-wieder-wer-Hauptstadt eines Landes, das ziemlich schnell an seine alten Hegemonialansprüche anzuknüpfen begann. Nach außen wie innen wurde dies zunehmend aggressiv durchgesetzt, begleitet und gefeiert von einem Kulturbetrieb, der mehr und mehr nationales Pathos produziert.
Vor ein paar Jahren kam über den inzwischen verstorbenen Conrad Schnitzler der Kontakt zwischen Alfred und mir wieder zustande. Dabei stellten wir fest, dass wir von den beiden Enden der Welt, an denen wir inzwischen gelandet waren, zu ähnlichen Überlegungen gekommen waren. Zumal die Enden der Welt sich immer ähnlicher werden. War in den 60ern ein Lied, dass man gerne sang, Break on through to the other side, ist man heute damit konfrontiert, dass es auf der anderen Seite genauso oder schlimmer aussieht. Die Propaganda für das Bestehende funktioniert heute nicht mehr durch Lügen. Man gibt alle Kritik zu, um dann darauf zu verweisen, dass alles andere schlimmer ist, was durch den tatsächlich stattfindenden Angriff der Barbarei auf das Bisschen erreichten Fortschritts eine fatale Komplizenschaft erzeugt. Wie positioniert man sich als Musiker in einer Welt, die sich gleichzeitig in zwei nur scheinbar entgegengesetzten Richtungen entwickelt? Auf der einen Seite eine fast unendliche individuelle Freiheit, die keine Emanzipation von gesellschaftlichen Zwängen ist, sondern bloßes Selbstunternehmertum in einem Dog-eats-dog-Kapitalismus. Parallel dazu entwickelt sich der Staat, den die neoliberalen Apologeten angeblich mindestens verschlanken, am liebsten aber abschaffen wollen, zu einer immer perfekteren Kontroll- und Repressionsmaschine.
Mittlerweile ist eine Generation herangewachsen, die gar keine persönliche Erinnerung mehr daran hat, dass irgendwann einmal etwas Anderes war. Dabei war das Andere nicht automatisch besser, aber allein durch seine Existenz machte es klar, dass die Beschaffenheit der Gesellschaft, in der wir leben, verhandelbar ist. „Herrschaftsfreie Musik“ ist nach wie vor eine mögliche Antwort. Wobei das nicht nur heißt, frei von einer vorgegebenen Komposition oder einer Führungsfigur zu sein. Herrschaft maskiert sich heute vor allem als Sachzwang. Dagegen steht eine Musik, in der die Musiker stets die freie Entscheidung über die Musik und ihre Weiterentwicklung haben, als eine ständige, für den Hörer nachvollziehbare Verhandlung. Die andere Antwort ist das Hereinnehmen und Rekontextualisieren von ausgewählten Klangsplittern als Spuren von Realität, Zitate, Field-Recordings, um das abstrakte Medium Musik mal assoziativ, mal verwirrend und zum Neudenken auffordernd an die umgebende Wirklichkeit anzubinden. Beides kann zu einer Entdeckungsreise werden.
Wolfgang Seidel, 23.10.2014" [credits & liner notes] |
2014 |
€15.00 |
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Malcha |
CD |
Harth/Seidel/Spera/Van Den Plas: Malcha
Format: CD
Country: Korea, Italy & Germany
Released: 01.10.2016
Tracklist
01 Gate 2 Not
02 Ceremony Behind Buddha’s Garden
03 Begum Of Oudh
04 Resilient Cup Of Crushed Diamonds
05 Send A Revolver The Night Before The
00 Interview
06 Delhi Green Mousse
Musicians
Alfred 23 Harth – ts, ss, dojirak, voice
Wolfgang Seidel – buchla music easel, prepared guitar, perc, vibes
Fabrizio Spera – dr, perc
Nicole van den Plas – voice, piano, zither, balalaika, kalimba, whistling
Credits
Compositions by Alfred Harth, Wolfgang Seidel-Meissner, Fabrizio Spera
Recorded by Wolfgang Seidel at Exrotaprint Studio, Berlin, 2015.11.13
Production, arrangement, mix & premastering by A23H at LaubhuetteStudio Moonsun, Korea
Mastering by Wolfgang Seidel at Exrotaprint Studio, Berlin, 2016
MALCHA
Berlin, November 2015. In einem Café in Mitte, in der Auguststrasse, sitzen Alfred Harth (seit 15 Jahren auch in Seoul), Fabrizio Spera (Rom), Elliott Sharp (New York) und ich – Wolfgang Seidel (Berlin). Am Abend vorher hatten Alfred, Fabrizio und Elliott ganz in der Nähe gespielt, zusammen mit Kazuhisa Uchihashi (Tokio) und Clayton Thomas (Sydney), die nun schon unterwegs waren zu ihren nächsten Konzerten. Mit beiden wäre die Runde noch globaler gewesen, was in der Improvisierten Musik allerdings nichts besonderes ist. Das grosse „I“ bei Improvisierter Musik ist Absicht. Improvisierte Musik als eigenes musikalisches Genre – so wie die Neue Musik. Improvisierte Musik als Genre, dass sich von lokalen Traditionen emanzipiert hat und in der Musiker aus aller Welt miteinander spielen. Wäre der Vorsatz „post“ nicht so inflationär an alles mögliche geklebt, würde ich diese Musik postnational nennen. Im alten West-Berlin hatte ich einen Bogen gemacht um die Jazz-Szene. Die war mir zu bürgerlich und von einem altbackenden Handwerker-Ethos mit strikten Regeln, was man denn geübt haben müsse, ehe man es sich erlauben dürfe zu improvisieren. Da passte ich mit meiner Psychedelic Rock-Sozialisation nicht hinein. Anfang der 80er, im Windschatten von Punk, wurden Genregrenzen für einige Zeit durchlässig. In diese Zeit fällt dann auch das bisher einzige gemeinsame Konzert mit Alfred und meiner damaligen Band Populäre Mechanik. Dann war erst mal wieder Pause, die erst zu Ende ging, als sich ab der Jahrtausendwende die Szene Improvisierter Musik entwickelte, die in Berlin unter dem Label Echtzeitmusik agiert.
Als einzigem "Eingeborenen" fiel mir der Part zu, zu erzählen, wie sich die Gegend in den letzten zwei Jahrzehnten verändert hat. Eingeborener stimmt auch nur halb - als Westberliner habe ich diesen im Zentrum der „Hauptstadt der DDR“ gelegenen Teil der Stadt erst 1989 kennengelernt. Da war das Scheunenviertel genannte Areal hinter dem Hackeschen Markt grau und düster von verwahrlosten Häusern mit abbröckelndem Putz und leeren Wohnungen. Mich erinnerten die Straßen an das Westberlin meiner Kindheit, als die Spuren des Krieges noch überall sichtbar und die vorherrschende Farbe grau war. Das urbane Vakuum im Scheunenviertel füllte sich nach 1989 ganz schnell mit neuem Leben. In den leeren Läden entstanden Clubs und Galerien, bis die Gentrifizierung dem fröhlichen Experimentieren ein Ende setzte. Die Fassaden sind renoviert, die Läden elegant und teuer und die Galerien bieten Dekoratives für die obere Einkommensklasse.
Ein paar tausend Kilometer weiter östlich in Korea, ist die Welt noch geteilt. Im Schatten der euphemistisch DMZ – Demilitarized Zone – benannten Grenze zwischen Nord- und Südkorea, befindet sich Alfreds LaubhuetteStudio. Es klingt idyllisch, wenn er schreibt, dass Rehe dort herumstreunen und auf Fotos von seinen Exkursionen sieht er aus wie ein Botaniker auf der Jagd nach seltenen Schmetterlingen. Irgendwie erinnert mich das auch an die trägen Sommertage im ehemaligen Westberlin, wo man im Schatten der Mauer sein Bier trank. Solche dem Verwertungsdruck entzogenen Areale scheinen auf geheimnisvolle Weise der Kreativität besonders zuträglich sein.
Nach dem Frühstücksmeeting gingen wir drei – Alfred, Fabrizio und ich – dahin, wo die Stadt nur arm und kein bisschen sexy ist – in den Stadtteil Wedding. Dessen Wandlung vom Arbeiterbezirk zum deindustrialisierten Arbeitslosenbezirk hat viel leerstehenden Gewerberaum hinterlassen. In einer dieser ehemaligen Fabriken war ich mit meinem Studio eingezogen. Zwei Stunden später konnte ich zufrieden auf den Aus-Knopf der Aufnahmeapparatur drücken. Wohin diese musikalischen „Gespräche“ ohne jede Vorgabe oder Planung letztlich führen, ist immer wieder eine Überraschung. Begonnen hatte es vor fast fünfzig Jahren mit „herrschaftsfreier Musik“ – so das Konzept von Alfreds Gruppe Just Music. Ich spielte zur selben Zeit mit dem Beuys-Schüler Conrad Schnitzler "Total freie Musik". So stand es auf einem Poster. Über Conrad Schnitzler, der leider 2012 verstarb, hatten Alfred und ich uns näher kennengelernt.
Auf dem „Total freie Musik“-Plakat stand außerdem: jeder kann mitmachen. Bei anderer Gelegenheit war das Publikum aufgefordert, Transistorradios mitzubringen und während der Performance eifrig am Sendersuchlauf zu drehen. Die Verwendung von aussermusikalischen Geräuschen und die Technik der Collage sind für Alfred und mich früh zur Arbeitsweise geworden. Unsere CD Five Eyes ist so entstanden, als Collage aus Tracks, die wir uns um den halben Erdball schickten. Und nach Beendigung unserer Trio-Session im Wedding, war das noch nicht das fertige Werk. Zurück in Korea, ergänzte Alfred noch Passagen mit seinem Sopransaxophon aus dem 70er Archiv. Hinzu kamen gefakte Field-Recordings aus Indien. Nicole van den Plas schickte Gesangs- und Instrumentalaufnahmen (Voice & Bells, 40° Celsius und If Any, drei ihrer jüngsten CDRs) die sich wunderbar in das Gewebe von Klängen, das Alfred in seiner Laubhütte schuf, einfügten. Dieses Gewebe ist so dicht, dass ich erst nach mehrmaligem Anhören entdeckte, dass auch ein Track Eingang gefunden hatte, den ich ihm schon vor längerer Zeit geschickt hatte, in dem, als Erinnerung an unsere erste Westberliner Begegnung, die Sendekennung des RIAS (Rundfunk im amerikanischen Sektor) zu hören ist. Genau das ist es, was den Spass an diesen Aufnahmen ausmacht. Man macht immer wieder noch Entdeckungen im Dickicht der Klänge.
Am Schluss wartet eine Aufgabe, um die ich mich gerne drücke. Eine Veröffentlichung muss einen Namen haben, die Tracks darauf auch. Bei Songs ist das ja einfach. Aber wir haben keine weitere Geschichte, die wir zur Musik erzählen. Bei uns ist die Musik die Geschichte. Wir machen abstrakte Musik und keine Programm- oder Illustrationsmusik. Wir denken beim Spielen an nichts ausser an die Klänge, die wir produzieren und wie diese sich mit den Sounds der Mitspieler verflechten. Conrad Schnitzler löste für sich das Problem, indem er irgendwann seine Kompositionen nur noch nummerierte. Er kam damit bis 830. Alfred löste das Problem, in dem er zunächst an unsere Café-Frühstücksrunde anknüpfte. Latte Macchiato? Nein „Malcha“. Er berichtete, dass das koreanische Getränk, mit dem man sich munter macht, Malcha heißt – ein grüner Tee, zu Pulver zerstampft und mit Bambusbesen wie Cappuchino aufgeschäumt. Da koreanische Restaurants gerade die neue Gründerwelle in Berlin sind, ist es nur eine Frage der Zeit, bis Malcha zum neuen Hipster-Getränk wird.
Damit war ein Titel für die CD gefunden. Es fehlten noch die Titel für die einzelnen Stücke. Ueber Indien war Alfred auf eine andere Bedeutung von Malcha gestossen: Malcha Mahal – ein 600 Jahre alter, verfallender Palast in Delhi. In ihm leben zwei Geschwister, ein Prinz und eine Prinzessin, isoliert von der Umwelt. Prinz Ali Raza und Prinzessin Sakina sind die letzten Nachfahren einer aus Persien stammenden Dynastie, die bis Mitte des 19. Jahrhunderts über das Königreich Oudh herrschte. Nach vergeblichem Aufstand gegen die britische Kolonialmacht wurde Oudh besetzt und die Herrscherfamilie befand sich auf der Flucht, da sie sich weder den Briten noch dem unabhängig gewordenen Indien unterwerfen wollte. Die letzte Begum von Oudh fand mit ihren Kindern schliesslich Zuflucht im Malcha Mahal, wo sie 1983 auf wahrhaft fürstliche Art Selbstmord beging. Sie trank ein Pulver aus den Splittern ihres Diamantringes. Ihre Kinder leben seitdem von der Aussenwelt isoliert im Dickicht des Malcha Mahal Parks. Das klingt nach exotischem Liebesromanstoff, in dem sich die britische Begeisterung für Spukgeschichten mit der mindestens ebenso grossen indischen Begeisterung für Geistergeschichten mischen, auf der Folie einer Reminizenz an Extremaussenseiter, die aus aristokratischem Stolz ein Leben lang in einer Gegenwelt verharren. Spätestens jetzt war unser anfänglicher Berlinausflug definitiv über andere Assoziationsebenen auf Reisen geraten.
Wolfgang Seidel, 2016.5.31
www.molokoplusrecords.de
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2016 |
€15.00 |
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| HARTMAN, HANNA |
Longitude / Cratere |
CD |
Zwei grossartige drone-artige musique-concrete Stücke der Schwedin HANNA HARTMAN, bei „Longitude“ mit beeindruckendem Klang-Material aufgenommen auf Segelbooten, bei Cratere bestehend aus (u.a.) : Atmen, Rauschen, Donnern, Vulcan-Granular-Sounds.... to discover !! (Sie bekam übrigens 2005 den Karl-Sczuka-Preis für eine andere Komposition, als Nachfolgerin von u.a. ASMUS TIETCHENS!)
“The second release of the year on the Komplott label is two pieces by sound artist Hanna Hartman. Until now the two compositions of the album,/ Longitude 013° 26' E / and / Cratere,/ which were originally commissioned pieces for the Swedish Broadcasting Corporation and DeutschlandRadioBerlin, have only been available to the public as radio broadcasts. The music is not dependent on the medium of radio however, but consists of concrete sounds composed as independent pieces. The material of the piece Cratere partly consists of recordings of the Italian volcano Etna, whereas much of the material on Longitude 013° 26' E - a longitude which runs through Berlin, Kap Arkona and the Baltic Sea - was recorded on sailing boats. The album cover is to be interpreted as a commentary between map and terrain, an abstraction which points to the difference between the origin of the sounds and its musical form. The terrain can be conceived through the map, the map through the knowledge and experiences which arise from the relation between the two. Hanna Hartman has received several awards for her music such as the recent Svenska Författarförbundet Radiopris (Swedish Writer Associations Radio Award) 2004 and the Karl-Sczuka Prize 2005. She will be presenting a sound installation at the GAS Festival (Göteborg Art Sounds, 1-8 October 2005). Longitude / Cratere will be released on September 23.“ [label description]
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2005 |
€14.50 |
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| HATED BRUIT KOLLEKTIV |
Aktion One |
CD-R |
Noisiger Zusammenschluss dreier polnischer Projekte auf neuem Label, nach einem ironischen Jodel-Folk Song Einstieg breitet sich ein gut arrangierter Industrialnoise One-Tracker aus, eher im bassig / tiefnoisigen Bereich, mit sehr schönen atmosphärischen, fast dark ambienten Abschnitten.. Kommt in grossformatigem, dicken Postercover.
"HBK is an ephemeric project held among musicians behind Genetic Transmission, Moan and Nojsens. Three minds, three individualities, tree artists sharing one inspired vision. These are people we know for years so it became somehow natural to invite their bastard child to our NN therapy group finally, starting the "Harsh Kontakt" series of relases from now on.
The sound sculpture presented hereby has been captured at Bez Kontroli Fest 2007 as probably HBK's best gig to date. Expect the unexpected, as they have gone the whole hog, without no mercy to the audience or themselves. OK, it's all there: refreshing traditional industrial, warming harsh noise, stoned bruitist plunderphonics, and last but not least—good taste and the fucking clue, VSOP.
The packaging consist of a huge, A2-sized heavy stock poster folded to form A5 sleeve housed in a solid plastic wrapper. Limited to 250 hand numbered copies." [label info]
www.newnihilism.com
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2008 |
€10.00 |
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| HAUSCHKA |
A NDO C Y |
LP |
"Limitiertes Vinyl mit Remixen von DEVENDRA BANHART und ELUVIUM. Im letzten Jahr veröffentlichte HAUSCHKA (alias Volker Bertelmann) mit ,Abandoned City" ein Album von Klavierstücken, die von vergessenen Orten inspiriert wurden, die langsam verfallen und zurück in die Natur übergehen. Das Album war prachtvoll und einzigartig bewegend - Kritiker applaudierten und HAUSCHKA unterstrich einmal mehr seinen Status als Mitglied der Elite moderner Komponisten. ,A NDO C Y" ist eine Fortsetzung der Geschichte von ,Abandoned City", erzählt über zwei Seiten. Seite A versammelt fünf Tracks aus den Sessions zu ,Abandoned City"; eine Suite aus Songs, die sich zu einem ausnehmend stimmigen Ganzen fügen. Diese Songs verarbeiten minimalistischen Techno ebenso wie moderne Komposition, was die Tracks wie gemacht für Remixe erscheinen lässt. Auf Seite B interpretiert die Folk Ikone DEVENDRA BANHART ,Agdam" von ,Abandoned City" neu - zu Fragmenten aus einzelnen Klavierbeiträgen und aufbrausenden Synthies. Im Vergleich ist die Interpretation von ,Stromness" von ELUVIUM beinahe schockierend euphorisch, während Kaskagen aus Verzerrung sich über einzelne Klaviertöne ergießen. Als Download gibt es hier noch überdies ein atemberaubendes Livealbum, das Ende 2014 in Japan aufgenommen wurde. Die 40-minütige Performance teilt sich in zwei 20-minütige Improvisationen, die sich auf Themen von ,Abandoned City" gründet.
A NDO C Y is a continuation of the Abandoned City story, told as a tale of two sides. Side A features five tracks conceived during the Abandoned City sessions, a suite of songs that together form an exceptionally resonant whole. As with Abandoned City, these songs owe as much to minimalist techno as modern composition, which makes them particularly conducive to remixes. On Side B, experimental folk icon Devendra Banhart distills Abandoned City standout, "Agdam", to barely-there, fractured clusters of solitary piano strikes and swelling synths. By comparison, Eluvium's transformation of "Stromness" sounds almost shockingly euphoric, all cascading waves of distortion washed over a plethora of plucked piano pings. Included as a special bonus download is a stunning live album recorded in Yufuin, Japan in late 2014. The 40-minute performance is split into two 20-minute improvisations built on themes from Abandoned City. It's a gorgeous glimpse of live Hauschka, a world where songs you think you know become entirely new works of art at the mercy of Bertelmann's whims.
LIMITED EDITION OF 1,000 COPIES" [label info]
www.temporaryresidence.com
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2015 |
€20.00 |
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| HAYLECK, ANDY |
The Disappearing Floor |
CD |
Interessanter US-composer mit erster CD! Die 10 Stücke hier basieren auf Field Recordings und mit Bogen gespielten grossen Becken oder Gongs. Bei seinen Feldaufnahmen nimmt er verschiedene Plätze auf oder versucht die physische Vibration von Gasen, Flüssigkeiten und Gegenständen akustisch abzubilden... das klingt meist nach ruhigen, metallischen Drones, irgendwo zwischen HARRI BERTOIA und T. TSUNODA....
Interesting US-composer with first CD ! 10 tracks based field recordings and gongs & cymbals played with a bow, he also tries to record the physical vibration of gases, liquids or solid objects...
[Drone Records info]
"Andy Hayleck has lived in Baltimore, Maryland since 1998. 'The Disappearing Floor' is Hayleck's first factory-made solo disc, gathers two years of patient and purposeful field recording in combination with bowed metal performance and carefully structured editing. The results are an exceptional series of pieces that breathe in short sips and massive whale-gasps through your speakers." [label info]
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2004 |
€13.00 |
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| HAYNES, JIM |
The Decline Effect |
do-LP |
"Parapsychology introduced the notion of the decline effect as a statistical phenomenon of diminishing results whilst investigating extra-sensory perception and psychokinesis. Where initial findings might substantiate proof of such abilities, further studies would almost always demonstrate the contrary. As such, this ontological disappearing act stands in allegorical parallel to the entropic art of Jim Haynes and frames his 2011 opus of the corroded drone and a compacted disintegration of sound.
This San Francisco Bay Area artist has long defined his work through the pithy phrase: "I rust things." The Decline Effect continues his investigations with electroacoustic decay through four bodies of evidence left behind from ephemeral aktions, shipwrecked electronics, re-engineered field recordings, and transmissions from the ether. Haynes composes through all of these sources through a patient suturing of sympathetic elements, whether they be textural, tonal, visceral, heavenly, sodden, or monolithic. Here, embers foretelling a nuclear winter gently waft upon industrial chorales amassed from an army of fidgeting motors; the sulfur-laden hiss from volcanic vents erupts from an organic thrum into boiling crescendos of environmental noise; geiger counter palpitations stream along a leaden sea of modulated radio noise; a warm explosion of sun-bleached distortion caresses the evanescent halos from an undulating mesmerism inexplicably not sourced from a guitar and / or digital patch authored by Christian Fennesz. Haynes' broken minimalism orbits somewhere near the work Joe Colley, G*Park, Nurse With Wound, and BJ Nilsen.
The 2LP of The Decline Effect is strictly limited to 350 copies, comes in a handsome gatefold sleeve, and sports the necessary download coupon. Zener cards not included." [label info]
www.helenscarsdale.com
"Another mysterious sonic missive from our very own resident dronologist Jim Haynes, another excursion into the sound of decay, this time in the form of four sprawling sidelong epics, each its own self contained soundworld, culled from various field recordings, vibrating strings and other sonic errata. Recorded over the last three years, these recordings require headphones to truly explore their depth, and once strapped on, it's easy to get lost in these strange lands of decay and declines.
The A side was originally a commissioned soundtrack for a pair of films that screened at the Hauntology exhibition at the Berkeley Art Museum in 2010, and while we've yet to see either of these films, the smoldering slow moving "Ashes" does evoke a certain ontological sonic dread, the core of the sound is of course the drone, but that drone is pulled taut, and the sound seems to fray as the track progresses, shedding sonic detritus in the form of fractured melodies, strange clicks and muted buzz. At times, this begins to sound like perhaps Haynes' most overtly musical record, but that musicality is eventually picked apart, the remaining elements litter the landscape like bits of some sonic wreckage, but then the edges are smoothed, and the stray shards are reigned in, the sound is truly beautiful, whether a deep sonorous drone, or a lush layered stretch of celestial shimmer.
Named for the performance space at which the piece was debuted, "Terminal" is another sidelong soundscape, the majority of the sounds sourced from field recordings of geysers and thermal vents, the opening few minutes unfurling like a raw field recordings, playing out like some obscure scientific document, unearthed from some dusty box filed away in a warehouse, chronicling some lost expedition. The sound doesn't necessarily grow more musical, but instead, seems to blossom and display more texture, and more depth, as if more sounds were introduced and then layered or woven into one another, streaks of blurred hiss, peppered with the sound of wind on microphone or the trickle of water, the white noise of eruption balanced by the hushed murmur of calm before and after.
Side three finds Haynes exploring radioactive decay, unclear what the sound sources are, we'd like to think, that it's indeed recordings of Strontium or Uranium, the radioactivity causing the tape to warp and curdle, but in fact, it sounds more like an assemblage of intercepted short wave broadcasts, and deep bellows of bowed metal, lush chordal swells washing over strange effects, muted glitches, lush tones and surprisingly dreamy overtones, bell like chimes, chittering cricket like clicks, Geiger counter like bleeps, all blurred and smeared into a gorgeous hazy of soft focus shimmer, those clicks coalescing into an almost-rhythm, while the surrounding sounds seem to lose cohesion, the edges softening, all bleeding into one another and drifting like blackened clouds of whir and thrum.
And finally, the last movement in this crumbling sonic tetraptych is the wire recording sourced "Cold", in which Haynes captures the sympathetic buzz of wires and plays them like some sort of abstract harp, at least that's how we picture it, a huge stone room, with metal wires running across in wild tangles, Haynes at the center, wildly bowing and striking wires, creating this delicate crystalline symphony, another blurred buzzscape, that peppers the lush layered shimmer, with creaks and clatter, skitter and crunch, but those errant sounds are quickly subsumed by the warm whirls of hushed bleary drift and an unexpected eruption of caustic blown out noise, a psychedelic squall that acts as the record's coda, before the inevitable decline, the sound slipping into nothingness. Gorgeous stuff.
LIMITED TO 350 COPIES!! Housed in a luxurious full color gatefold sleeve, and pressed on nice thick black vinyl. Includes a download coupon as well." [Aquarius Rec.]
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2011 |
€22.50 |
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| HECKER, TIM |
Love Streams |
do-LP |
"Zwischen Noise, Ambient und Minimal: Elektronische Musik, die in keine Schublade passt.
Für die Werke des Kanadiers Tim Hecker, der als einer der wichtigsten Musiker in der E-Musik-Szene gilt, eine Schublade zu finden, gleicht einer Herausforderung. Er selbst nennt seine Ergebnisse »fake church music« oder »neo metal drone«. Tatsächlich verbinden seine Sounds an der Schnittstelle von Melodie, Dissonanz und Lärm so ziemlich alles, was - vielleicht? - nicht zusammengehört, aber dennoch gut klingt.
Mal sind das Kirchenorgeln, mal Samples von Streichern, Pianos oder elektroakustischen Komponenten, die in eine rauschend-ozeanische Klangwelt ausufern: tiefgründig, majestätisch und eine Brücke zwischen Noise, Ambient und Minimal schlagend. »Love Streams« entstand Ende 2015, nachdem sich Hecker für längere Zeit nach Los Angeles bzw. zusammen mit Johan Johanssen und Ben Frost ins isländische Greenhouse Studio zurückgezogen hatte.
Das Album ist das vielleicht ambitionierteste Werk in der mittlerweile fünfzehnjährigen Schaffenszeit Heckers sowie ein konsequente Weiterentwicklung seiner Schlüsselwerke »Radio Amor«, »Harmony In Ultraviolet« und »Virgins«, die in den Jahren ihrer Veröffentlichung sowohl von Kritikern wie auch Fans jeweils in allerlei Bestenlisten gewählt wurden." [label info]
www.4ad.com
"Ah, Tim Hecker signs to 4AD. The modern-day maestro of digital etherealism recording for a label that was once defined by the siren-song haunt from Liz Frazer's voice and Robin Guthrie's guitar, with many a 4AD act through the '80s consciously or otherwise paralleling that aesthetic. Hecker's "power ambient" luminosity and the scope of his music continue to be very much his own, and this album seems all the more baroque and exaggerated than his previous spirals of pixelated noise and dusted drone. Much of the source material for Love Streams originated with the vocals from an Icelandic choir, whose melodies were arranged by Johann Johannsson. The content of the choir's plainsong may have begun with a 15th century score, with the lyrics reversed from the original Latin and then wholly obliterated into mere phonemes of language by Hecker. So, yeah, there's voice... but a voice that utters only its connection to humanity and not any philosophical musings. That task is for Tim Hecker and Tim Hecker alone, whose romantic crescendos of manipulated, re-manipulated, and lushly re-drafted electronic smear and pointillist melody is wrapped up in the tapestry of detail and a magnificent luxury of his surface. The compositions bluster and quiver as semi-gelatinous chunks of sound, rippling with somewhat extemporaneous electro-glockenspiel melody and Icelandic vocal deconstruction, all self-aware of their shimmering beauty." [Aquarius Rec.]
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2016 |
€27.50 |
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Love Streams |
CD |
"Zwischen Noise, Ambient und Minimal: Elektronische Musik, die in keine Schublade passt.
Für die Werke des Kanadiers Tim Hecker, der als einer der wichtigsten Musiker in der E-Musik-Szene gilt, eine Schublade zu finden, gleicht einer Herausforderung. Er selbst nennt seine Ergebnisse »fake church music« oder »neo metal drone«. Tatsächlich verbinden seine Sounds an der Schnittstelle von Melodie, Dissonanz und Lärm so ziemlich alles, was - vielleicht? - nicht zusammengehört, aber dennoch gut klingt.
Mal sind das Kirchenorgeln, mal Samples von Streichern, Pianos oder elektroakustischen Komponenten, die in eine rauschend-ozeanische Klangwelt ausufern: tiefgründig, majestätisch und eine Brücke zwischen Noise, Ambient und Minimal schlagend. »Love Streams« entstand Ende 2015, nachdem sich Hecker für längere Zeit nach Los Angeles bzw. zusammen mit Johan Johanssen und Ben Frost ins isländische Greenhouse Studio zurückgezogen hatte.
Das Album ist das vielleicht ambitionierteste Werk in der mittlerweile fünfzehnjährigen Schaffenszeit Heckers sowie ein konsequente Weiterentwicklung seiner Schlüsselwerke »Radio Amor«, »Harmony In Ultraviolet« und »Virgins«, die in den Jahren ihrer Veröffentlichung sowohl von Kritikern wie auch Fans jeweils in allerlei Bestenlisten gewählt wurden." [label info]
www.4ad.com
"Ah, Tim Hecker signs to 4AD. The modern-day maestro of digital etherealism recording for a label that was once defined by the siren-song haunt from Liz Frazer's voice and Robin Guthrie's guitar, with many a 4AD act through the '80s consciously or otherwise paralleling that aesthetic. Hecker's "power ambient" luminosity and the scope of his music continue to be very much his own, and this album seems all the more baroque and exaggerated than his previous spirals of pixelated noise and dusted drone. Much of the source material for Love Streams originated with the vocals from an Icelandic choir, whose melodies were arranged by Johann Johannsson. The content of the choir's plainsong may have begun with a 15th century score, with the lyrics reversed from the original Latin and then wholly obliterated into mere phonemes of language by Hecker. So, yeah, there's voice... but a voice that utters only its connection to humanity and not any philosophical musings. That task is for Tim Hecker and Tim Hecker alone, whose romantic crescendos of manipulated, re-manipulated, and lushly re-drafted electronic smear and pointillist melody is wrapped up in the tapestry of detail and a magnificent luxury of his surface. The compositions bluster and quiver as semi-gelatinous chunks of sound, rippling with somewhat extemporaneous electro-glockenspiel melody and Icelandic vocal deconstruction, all self-aware of their shimmering beauty." [Aquarius Rec.]
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2016 |
€13.00 |
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| HEGRE, JOHN |
Colors Don't Clash |
CD |
"Hegre ist vermutlich bekannt durch sein projekt Jazkamer mit Lasse Marhaug und ihr famoses Album "Metal Music Machine" von letztem Jahr. Der Opener seines Solo-Albums "Don't" aber läßt aufschrecken: die 1003. Gitarren-Ick-hab-auch-Laptop-CD? Schnell wird jedoch im Verlauf des Albums klar, dass Hegre wesentlich besser wird, wenn es ums Aneinanderreihen der schnellen und eher kaputten Sounds geht. Vornehmlich produziert mit Gitarre, Drums, Bass und Digitalität schert sich der Norweger um keine Vorgaben und kappt schnell die laut stehenden Wände dreckiger Schwärze mit Orgeldrone und Schattenmond ("They"). "Never" erinnert leider etwas zu stark an Earth und bleibt seltsam unkräftig und eindimensional, "Do" schabt sich durch kantige Rothko-Referenzen und schwappt in ein vergnügtes Ende mit palawernden Kids. Durchwachsen, verspielt, ernsthaft und im Grunde spannend, da von Hegre mit Sicherheit noch richtig gute Alben kommen werden." [ed **** DEBUG]
"...On his debut release, Hegre plays guitar, like he used to do before turning all things laptop. It seems as if Hegre wants to convince us that he knows how to play the thing, since it starts out with a rather soft and sweet multi layered guitar piece of gentle guitar sounds. However Jazkamer fans shouldn't worry: noise is here too, just as in 'Worry', 'They' and 'Never' (the five pieces read as 'Don't Worry They Never Do' as a response to the title of the CD - all to be said by Snakefinger in an interview in 1987 just before he died), both of which die out in a very slow manner. Hegre's version of a blues piece closes the CD and that is the only piece in which there is an actual band playing, including bass, drums and Tore Boe and family on vocals. 'Worry' is for me the best piece, since it combines in a single tracks various approaches, but make throughout a great piece of music. Hegre shows us all the possibilities of the guitar as an instrument, or perhaps, his instrument, and as such he produced a pretty varied album, but we can wonder if it's perhaps not a bit too varied. One could wonder: what does Hegre want with this? A display of his no doubt great skills, but the coherency of the album is somewhat gone. But fans of Jazkamer, once again, will pleased with this." [FdW/Vital Weekly]
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2006 |
€10.00 |
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| HEIRS |
Fowl |
CD |
"Upon returning to Melbourne after 67 shows across Europe and Japan, Heirs commenced work on their second album, Fowl. With the baton of core song-writing being handed from drummer Damian Coward to guitarist, Brent Stegeman, Heirs turned their attention toward their electronic underbelly, honing in on the industrial vapour and blackened ambience that
permeated their debut, Alchera, distilling the underlying sense of melody with an arresting sense of dread. Fowl displays a deliberate shift towards a broader sonic palette, enabling the band to incorporate disparate inuences and approaches to create a sound that is uniquely their own.
Fowl deals with the human processing of the ornery – the filth we feed upon to entertain us, to sate our hunger, to gratify our sexual desires, to escape our reality or simply to facilitate our survival. Fowl is an exploration of the consumption of filth, the nourishment it provides and the way we excrete it back into the world, calling into question the notion of morality and its place in an increasingly faithless populace.
From wheezing blasts of industrial steam to weeping passages of gothic suspense, Fowl is a fully realised analysis of the repugnant. Its pugilistic rhythmic foundation, reverb soaked guitars, crackling electronics and deadpan dark-wave meditation create an abstract dronescape of industrial dirge and metallic ambience coalesced into an ambitious whole.
Recorded and mixed by Neil Thomason at Head Gap in June/July 2010, and produced by Brent Stegeman and Damian Coward, Fowl is a 45-minute journey inside the proverbial machine and represents a band confronting the visual and aural atrocities of the quotidian.
The VINYL VERSION comes with a fantastic design in three different colors (white with yellow, Black/Yellow - A Side / B Side, Black) in a heavy gatefold sleeves with thick printed inner sleeves and on 180g. The CD is available as a limited card pack. For fans of Swans, Controlled Bleeding, HTRK, Pelican, Godflesh & Nadja." [label info]
www.denovali.com
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2010 |
€14.50 |
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| HELM |
Axis |
LP |
"London exploratory industrialist Luke Younger characterizes the creation of his latest collection, Axis, as a liberating return to roots: “It felt like going back to the beginning, it felt freeing.” Begun before the pandemic as a soundtrack to a dance performance, the initial vision was for something “visceral, with physical movement in mind.” When the project shifted to indefinite hiatus, he reimagined the material in the context of an LP, while retaining its sense of dynamic physicality. The result is grim and gripping, seasick throbs lurching in a low-ceilinged space, strafed with fractured clanging, hissing steam, and grinding spirals of granular haze. Noise in its most elevated and compelling form, from and for the body as much as the mind.
The album’s unique immediacy stems from Younger’s instinctual muse, reactivating raw methods with fresh energy. “I tuned back in to working with noise techniques again: more primitive equipment, cheap FX, contact mics, noise boxes.” Key guest contributions by Lucy Railton (cello), Mark Morgan of Sightings (guitar), Alex Tucker (vocals), and the late, legendary John Hannon (violin) further enrich the record’s bristling palette. Although half the tracks were begun pre-Covid at Hannon’s Essex studio, the rest were finished in Younger’s kitchen and living room during lockdown. The final tracks were then relayed to veteran mix specialist Randall Dunn, who further honed the material, adding a vivid spatial quality before entrusting the album to Stefan Betke (Pole) for final mastering.
From the hellscape metronome of “Moskito” to the insectoid warzone pulse of “Repellent” to the seething orchestral undertow of “Axis,” this is music of ominous gravity and worlds in peril. But it’s the closing cut, “Tower,” which Younger calls “perhaps the most dramatic piece of music I’ve ever made.” A lurking, blackened descension conjured on keys, guitar, and wormhole wah, the melody simmers and swells until suddenly exploding in a chaos of distorted blast beats. From their ashes the three-note riff slowly returns, like some astral dungeon synth exorcism, rising in a searing arc towards frenzied immolation before finally fading away in white fire and afterlife whispers."
"HELM has consistently been one of the most fascinating (projects) in British experimental music the past decade" - The Quietus Luke Younger, der unter dem Moniker HELM Alben veröffentlicht, die bereits Kult-Status genießen, hat beim Label DAIS angedockt. HELM hat bislang fünf Studioalben und drei EPs mit experimenteller Musik veröffentlicht, in denen er eine Beziehung zwischen akustischen, elektronischen und realen Klängen erforscht. Ab 2012 veröffentlichte er seine Alben beim renommierten PAN Label, darunter die von Kritikern und Fans gleichermaßen gefeierten Alben "Olympic Mess" und "Chemical Flowers". Der Londoner Industrial-Musiker Luke Younger aka HELM beschreibt die Kreation seiner neuesten Kollektion "Axis" als eine befreiende Rückkehr zu den Wurzeln: "It felt like going back to the beginning, it felt freeing." Das Ergebnis ist düster und fesselnd: Seekranke Klänge, die in einem niedrigen Raum taumeln, durchsetzt von gebrochenem Klirren, zischendem Dampf und mahlenden Spiralen aus körnigem Dunst. Lärm in seiner höchsten und fesselndsten Form, von und für den Körper ebenso wie für den Geist. Wichtige Gastbeiträge von Lucy Railton (Cello), Mark Morgan von Sightings (Gitarre), Alex Tucker (Gesang) und dem verstorbenen, legendären John Hannon (Violine) bereichern die schillernde Palette des Albums zusätzlich. Mix-Spezialist Randall Dunn verfeinerte das Material und fügte eine lebendige räumliche Qualität hinzu, bevor er das Album Stefan Betke (Pole) für das endgültige Mastering anvertraute. Vom höllischen Metronom von "Moskito" über den insektoiden Warzone-Puls von "Repellent" bis hin zum brodelnden orchestralen Unterton von "Axis" ist dies Musik von bedrohlicher Schwere und Welten in Gefahr. Aber es ist das abschließende Stück "Tower", das Younger als "perhaps the most dramatic piece of music I've ever made." bezeichnet. Ein lauernder, geschwärzter Abstieg, beschworen von Tasten, Saiten und Wurmloch-Wah, die Melodie brodelt und schwillt an, bis sie plötzlich in einem Chaos aus verzerrten Blastbeats explodiert. Aus ihrer Asche kehrt das dreistimmige Riff langsam zurück, wie ein astraler Kerker-Synthie-Exorzismus, der sich in einem brennenden Bogen zur rasenden Verbrennung steigert, bevor er schließlich in weißem Feuer und Jenseitsgeflüster vergeht.
"Mit einem an Bauhaus’ „The Sky’s Gone Out“ erinnernden Cover erscheint nach einer Reihe von Alben mit “Axis” der neue Longplayer von Helm, dem Einmannprojekt von Luke Younger, auf Dais Records. Younger bezeichnet sich auf seiner Bandcampseite als „sound artist and experimental musician“, dabei hat er eine lange und durchaus heterogene(re) musikalische Biographie (u.a. Hardcore mit The Lowest Form).
Auf „Axis“, ursprünglich vor der Pandemie konzipiert als Soundtrack für eine Tanzperformance, die dann doch nicht zustande kam, setzt Younger bewusst „primitives“ Equipment ein (“cheap FX, contact mics, noise boxes”). Hinzukommen Gastmusiker an Geige, Gitarre, Cello sowie Gesang von Alex Tucker.
Mit zerhäckselten Störtönen beginnt das das Album eröffnende „Para“, bevor melodische Passagen einsetzen. Das elektronische Gebrutzel, das sich immer wieder verdichtet, gibt dem Stück eine dissonante Unruhe. „Moskito“ mit seinem kuriosen, kargen und schleppenden Rhythmus, klingt anfangs nach Minimaltechno, dann lassen sich dissonante Streicher erahnen. “Crash” dagegen ist – dem Titel zum Trotz – ruhiger, besitzt fast schon Ambientcharakter. Hier sorgen Streicherpassagen für Momente der Melancholie. Dieses Innehalten wird mit den Zahnarztbohrersounds, die “Repellent” einleiten, beendet. Dann setzen verzerrte Beats ein. “Mole” knistert, als werde eine Verpackung geöffnet. Das ist ein dunkles Stück Geräuschmusik mit Streicherpassagen, die an einen Folk Horror-Soundtrack denken lassen. Auf dem düsteren Titeltrack hört man übereinandergeschichtete schabende und nach Sirenen klingende Sounds, die in einer Kakophonie untergehen. “Tower” schließlich ist ein im Kontext des Albums fast schon orchestraler, dramatischer Track. The rest is silence." [MG / African Paper]
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2021 |
€23.00 |
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| HODELL, AKE & DAVID GRUBBS |
Igevär / Yellow Sky |
LP |
Rare Scheibe mit zwei unveröffentlichten Stücken des legendären schwedischen Sound-Poetikers AKE HODELL (unglaubliche Stimmen-Drones, von 1963 und 1965, extrem!), dazu hat HODELL-Fan DAVID GRUBBS eine theatralisches Hörspiel-artiges Stück komponiert! Weisses Vinyl, Klappcover, ausführliche liner notes.
"The first release by Kning Disk is a 12 vinyl, consisting of two legendary works (one previously unreleased) by Swedish text-sound pioneer Ake Hodell; Igevr (1965) and General Bussig (1963), coupled with a specially composed piece by the north American pop-experimental musician David Grubbs; Yellow Sky (2004). The cover is created by Swedish artist Elis E. Eriksson." [label info]
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2004 |
€20.00 |
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| HOTOTOGISU |
Under the Rose |
LP |
"Hototogisu's first LP release on their own imprint Heavy Blossom. Under The Rose is a pair of incantations for the dark and vengeful animal spirits. Sung in two parts, malignant coronation and origami skulls are blackened arias, dizzying vortices and canyons of screams, guitars and chaotic rhythms. Arising from this richly recorded and mastered vinyl slab come black tarpits of malevolence and savage beauty, harking back to a pre-Christian universe of animating spirits and tutelary daemons. Comes in a black jacket with a full-color photograph attached to the front cover and thickly inked silk-screened backs. Edition of 600." [label notes]
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2008 |
€20.50 |
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| HUDAK, JOHN |
Sotto Voce |
CD-R |
JOHN HUDAK ist zurück mit fünf ultra-minimalen Stücken für gezupftes Cello, so extrem minimal dass einem MORTON FELDMANN dagegen fast schon als dynamisch erscheint.... Reine Atmosphäre.
“Poised somewhere between mechanical music & chamber pieces (for pizzicato cello), these tracks herald the return of the avantgarde to her original locality: the salon, this heart of 'bourgeois' society. The non-communicative qualities of the modernistic literary avantgarde (of which James Joyce & Gertrude Stein in particular may be considered iconographic), we find here in the sublimated form of tranquil and austere monophonies, the unique character of which - each voice, each work, each individual genius - now comes to reside purely in the abstracted prosody of midi-triggered cello samples. This is altogether an undeniably 'post-modern' take on modernism: the unrelentless and self-consuming presence of the original art of which these pieces are derived (the pieces are taken from the voices of Gertrude Stein and James Joyce reading from their works) has now taken a much more diluted and yet more immanent form: a music which having soaked up all the heavy-weighing ambiance of artistic ideals & pretension and, having become satiated, now softly leaks out into the salon as conversation pieces, bringing human life in all its 'ordinariness' (the inverted comma's, being the trade-mark of postmodernity, signifying its own special character) back into the room, and perhaps breathing new life into the idea of the salon.” [liner notes by Mark Pauwen]
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2005 |
€8.00 |
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| HUM |
Flesh of the Soul |
CD |
Nach vielen selbstveröffentlichten CDRs hier endlich die erste "grössere" Veröffentlichung von HUM, "Flesh of the Soul" besteht aus neun mantrischen Drone-Meditationen, die einen sehr sanft und fast unmerklich umschlingen....Musik wie das geheimnisvolle Wispern der Natur, wie der hörbar gemachte Gesang des Äthers. Klänge die das Mysterium der Existenz ausdrücken & wiederspiegeln, dunkel aber überhaupt nicht depressiv...
HUM schafft es immer wieder, die Drones nicht "banal" klingen zu lassen, sondern voller emotionaler Tiefe... und höchst authentisch!
"Being well-known to the inner circles of russian industrialists for his long-time work under different names, Hum didn’t have such an attention that he deserves until now, when Quag decides to change the situation and to offer the first CD of this brilliant russian talent. His mystical cold ambient explores the nature of soul and the soul of nature, the mysteries hidden in the sky, the earth, the water, the forest. Simple and minimalistic musically, Hum is very complex in its influence on a listener’s perception. Quiet unconstrained sound sorcery opens the higher realms of the unseen. Being far from dark and depression Hum is even more far from New-Age-like garbage. Recommended for those who wants to have a rest from darkness without dipping in syrup. The first edition of 300 copies in a special “Quag-pack” printed silver-on-black. IST 024 CD" [label info]
"Finally, after the numerous CDRs and one 7” on Drone Records, this is the first factory-pressed CD of this brilliant drone-ambient project. “Flesh Of The Soul”, which is definitely one of the best works Dmitry Chistov has ever done, is a real masterpiece of cold transcendental soundscapes. The album is filled with majestic melancholy, it is clear and soothing, there’s a plenty of veiled melodies and celestial harmonies hidden inside its simple sound structures. It sounds a bit nostalgic cause Dmitry uses only old-fashioned tape-technique and analogue synth loops, utilizing digital devices just for the final mastering, but the atmosphere is very special, reminding of early Zoviet France, Maeror Tri, Tesendalo or Aidan Baker. It could seem very peaceful and calm, but beyond this bright and peaceful surface the sorrow and darkness is hidden. The beauty of this music is enchanting and it is hard to resist its magical spells, so it might be difficult to fight the desire to play this album over and over in yearning to experience again the tender touch of this unearthly Flesh Of The Soul. The album is limited to 300 copies and comes in special package printed silver on black. Very recommended!" [press release / Indiestate]
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2007 |
€13.00 |
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| HUMAN QUENA ORCHESTRA |
Means without ends |
CD |
Für Fans des ultra-langsamen Noise-Rocks a la SWANS, GODFLESH, etc. kommen HUMAN QUENA ORCHESTRA genau richtig! Ihr Slow-Drone-Noise aus herrlich verzerrten & scheppernden Snare-Drums, entmenschlichtem Schreigesang & dunkel Noise-Flächen klingt unfassbar abgründig & visionär, wie ein letzter Aufschrei vor dem Untergang.
"Various permutations of this disc have been floating around for a while, each in various states of completeness, but every one we'd heard sounded even better than the last. But this is the one, the final, finished product. The long in the works Human Quena Orchestra, the work of Ryan Unks, formerly of techgrind combo Creation Is Crucifixion, but don't be expecting grind, or even technicality, this all the way on the other side of the spectrum. Abject, filthy, pummeling, slow motion noise drenched doom. A plodding sonic monster, guitars, not just distorted, but treated and twisted into harsh, skin scraping, caustic slabs of sinister sound, a low end so thick, it's like dunking your head in a cement mixer, insane sounding drums, each snare crack like the recording of a million breaking windows, each kick drum the sound of a slowed down car wreck. And beneath it all, thick swells of black ambience, drifting and slithering, pulsing and swelling. A lurching, stumbling
blackened doom dirge behemoth.
Think Swans, Godflesh, Pitchshifter, that sort of machinelike apocalyptic industrial pound, mixed with some funereal ultra doom a
la Moss, Bunkur, etc., but filtered through a druggy psychedelia, with a minimal shimmery drone bent, that ends up sounding like a way
more brutal, way more harsh, tripped out, psychedelic, industrial version of Jesu, that sort of blissed out sun baked vibe, but as if
played by some misanthropic black metal horde, harsh blackened vocals, shrieking hysterically and growling demonically over the relentless amp melting metallic trudge. Every track is rife with layer after layer of undulating low end. Like being tossed about on a stormy sea, but instead of water, it's an endless expanse of roiling black sound waves, rumbling drones, and thick snarled streaks of throbbing bass.
The magic Of Unks' Human Quena Orchestra though is that this hellish harshness is balanced with a nearly equal amount of
meditative ambience, long stretches of deep shimmer, and even some of the harshest tracks are tempered by the swirling low end drift
lurking beneath. So brutally gorgeous.
Definitely essential listening for fans of all the above mentioned outfits, as well as Monarch, Nadja, the Angelic Process, Fear Falls Burning, Skullflower, Abruptum, Monument Of Urns, Trollmann, Khanate, The Body and all our favorite purveyors of crumbling downtuned beauty and dreamy damaged doom.
Packaged in a gorgeous hand screened multiple panel fold over sleeve with super striking ADD style microscopic super detailed artwork." [Aquarius Records]
label-website: www.daftalliance.com
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2007 |
€12.00 |
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The Politics of the Irredeemable |
CD |
Instrumental Apocalyptic Doom Ambience! Musik von erdrückender Intensität & urwüchsiger Kraft! Heftige Gitarren-Drones, wuchtige ultralangsame Pulses, Schreie, Noise... So brutal wie wunderschön. Gehört mit zum intensivsten, was es im Bereich "Industrial-Rock" der schleppend-zermahlenden Sorte zur Zeit gibt, natürlich muss man an alte SWANS denken, aktuell fällt uns sonst nur noch TRANSITIONAL, KHANATE oder BUNKUR ein. Das zweite Album!
"Ein bisschen Fantasie vorausgesetzt, stelle man sich folgendes Szenario vor: NAPALM DEATH wären keine Grindcore-, sondern eine Black-Metal-Band, und als Justin Broadrick sie 1986 verließ, um dann GODFLESH zu gründen, hätte er neben Industrial, Noise und Ambient eben auch einen Teil Black Metal in sein Projekt gebracht, aber mit dem Wissen, wie sich so etwas eben 2009 anhören müsste. Ein alberner Vergleich vielleicht, aber das aus Pittsburgh, Pennsylvania stammende Duo HUMAN QUENA ORCHESTRA schafft es mit seinem zweiten Album, eine ähnlich bedrückende Atmosphäre aufzubauen, wie es einst GODFLESH konnten und das eben mit ganz ähnlichen, aber noch heftigeren Mitteln, denn auf einen nachvollziehbaren Rhythmus und eine Songstruktur muss man verzichten. Eine den Songs als Fundament dienende Geräuschkulisse, darüber Schreie, Noisefetzen und ein sich ständig wiederholendes brutales Riff, das nur alle zehn Sekunden zusammen mit einem Drumschlag auftaucht: „The Politics Of The Irredeemable" ist statisch und undynamisch, wie eine massive, undurchdringliche Wand, die so dunkel, hoch und breit ist, dass du ihre Dimensionen nicht abschätzen kannst." [André Bohnensack, OX-Fanzine]
"Human Quena Orchestra first took shape as a solo project from Ryan Unks, who had previously played guitar in the final lineup of the Pittsburgh metal band Creation Is Crucifixion. After moving from CIC, Unks began to work on a new project that would incorporate elements of black metal, crushing drone music, extreme psychotropic noise and psychedelic/krautrock influences into a sound that would be much heavier any of his previous projects. The first album from Human Quena Orchestra was released in 2007 on Daft Alliance; Means Without Ends was a disturbing, introspective slab of blackened industrial doom that stood out in stark contrast from the rest of the slow n' low extreme doom scene, utilizing layers of harsh textured distortion and electronics to create a caustic form of monstrous doom that shared as much of industrial music's cold, machine-like aesthetic as it did the ultra-slow riffage of the most extreme variants of doom metal. At the same time that the bands debut was taking shape, Unks was joined by another former member of Creation Is Crucifixion, Nathan Berlinguette (who was also a member of the dark ambient project M.Kourie and the deathdrone duo 5/5/2000). With the addition of Berlinguette's skilled application of dark ambience and expansive soundscapes, Human Quena Orchestra began to move into even more textured territory which has culminated with the second HQO full-length, The Politics of the Irredeemable, a series of apocalyptic visions and epiphanies of endtime realization, prophetic screeds that look to a future rendered pustulent and war-stricken by the failed machinations of the human race, presented as six chapters that enter your consciousness through a delivery system of extreme industrial dread. The Politics of the Irredeemable is crushing and oppressive, a crawl through abstract fields of low-end sound that move from punishing blasts of ultra-heavy machine-doom and earth-shaking tectonic riffs, to thick fogs of black electronic ambience that shimmer with subsonic pulses and celestial drones, the presence of malevolent electricity crackling in the air around the lumbering, nightmarish electro-sludge monstrosity of the Human Quena Orchestra. And at the same time, there are passages of immense beauty on this album that lurk at the peripheries of HQO's malevolent crush; the track "Aspirations" for instance, where pummeling slow-motion industrial percussions grinds in an infinite loop beneath a swirling nightsky of kosmiche synthesizers and heavenly, blissed-out ambience, the drums becoming like distant mortar blasts heard over the horizon as terrified screams ring out and stars fall dead from the skies. Total deathmachine grind ambience. The CD is packaged in a heavy gatefold jacket with murky, dismal images of blasted city streets and torched monuments, with lyrics and quotations relevant to the apocalyptic themes on the album printed on the inside jacket. Comes with three 1" color buttons featuring artwork from the album." [label info]
www.Crucialblast.net
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2009 |
€12.00 |
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| HUNTSVILLE |
For the middle class |
CD |
Sehr schwungvoll-polyperkussive Instrumental-Melangen dieses norwegischen Ensemble, absolut hörenswert !
"Die drei Musiker von HUNTSVILLE - Ivar Grydeland, Tonny Kluften und Ingar Zach - stammen allesamt aus Norwegen. Grydeland und Zach gründeten zusammen das Sofa Label für improvisierte Musik und tauchten schon zusammen in ebenso unzähligen wie vielfältigen Gruppen wie dem Improvisations-Ensemble NO SPAGHETTI EDITION oder gemeinsam mit dem britischen Keyboarder Pat Thomas im Quartett HISS auf. Die Tatsache, dass alle Mitglieder von HUNTSVILLE Multiinstrumentalisten sind, zeigt, dass die Band um Lichtjahre von einem konventionellen Trio mit Gitarre, Bass und Drums entfernt ist. Grydeland mischt akustische und elektrische Gitarre und am Banjo mit Fingerpickung, verschiedenen Bögen und obskuren Effektgeräten. Ebenso benutzt Kluften am Bass unterschiedliche Bögen, Stöcke und Gummibänder, während Zach dies mit den diversesten Klängen seines Drumkits untermalt. Am Ende ist es ganz unmöglich, herauszufinden, wer welches bizarre Geräusch zu Tage gefördert hat. HUNTSVILLE treiben den polyrhythmischen Zugang, wie ihn ORNETTE COLEMAN bei "Lonely Woman" kultiviert hat, auf neue Höhen. Verschiedene Tempi der Instrumente konkurrieren miteinander und kommen am Ende der Reise doch als homogenes Ganzes im Gehör des Zeugen an. //
_This is the debut release for Norwegian trio Huntsville. Huntville are Ivar Grydeland, (guitars, banjo, pedal steel guitar, etc.) Tonny Kluften (double bass, etc.) and Ingar Zach (percussion, tabla machine, sarangi box, shruti box, etc.) Grydeland and Zach founded the Sofa label for improvised music in 2000 and appear together in various projects on several of the label's releases. They have worked with Kluften since 1998, as the core of improvising ensemble No Spaghetti Edition and in the quartet HISS with British keyboardist Pat Thomas. The HISS CD from 2003, Zahir, shows the group's intense application of so-called free improvisation. The Huntsville project contrasts sharply with their earlier work, and this release reveals a quite different, more groove-based approach with strong elements of composition. Zach comments, "... during the last two or three years, our interest in country music and electronic music has developed into a sound we really wanted to investigate -- also Feldman and Cage, drone music, folk music..." The group's multi-instrumentalism means that this is no conventional guitar-bass-drums trio. On acoustic and electric guitar as well as banjo, Grydeland mixes finger-picking techniques with various types of bow, as well as acoustic and electronic devices. Tonny Kluften on double-bass uses various bows, sticks and rubber bands, while Zach produces a wide range of sounds on drum kit. They make striking use of a marvelous polyrhythmic approach pioneered by Ornette Coleman on "Lonely Woman," and Zach's locomotive groove is contrasted by the free tempo of plangent, folk-like acoustic guitar, in a kind of fractured descendent of the railroad blues. Alternately, the drums set up a tight and furious high-tempo, with the other instruments either at a slower tempo, or out of tempo completely. When the group lowers the energy levels, soft arpeggios on acoustic guitar are heard against percussive objects and a lone, rather erratic bass drum -- these effects are spare, haunting and quite beautiful. For The Middle Class displays a genuinely musical use of unexpected sounds and textures, allied with echoes of traditional genres in a radical new conceptual language." [press release]
"Pretty incredible long-player by the Norwegian trio of Ivar Grydeland, Tonny Kluften and Ingar Zach, who’ve long been involved with the free improvisation world already documented by Grydeland’s Sofa label on a number of releases since 2000. Here, however, they utilise all manner of instruments from guitars, double bass, banjo, tabla machine and various others originating from India to explore a more recent interest in drone, country, folk and electronic music. Opening song, ‘The Appearance of a Wise Child’, tethered to around 15 mins worth of driving, hypnotic percussion and snatching some random vocals along the way, largely sets the tone for the remainder of the release. Organic textures snake around each other, rhythms staple everything to that juncture where everything points to an apex of unadulterated ecstasy, and discernible ur-strums combine with frenetic bows and scrapes for that only too important raw effect so hard to find in this day of software-generated sterilisation. Only second track, ‘Serious Like a Pope’ loses its grip slightly as the pace is whittled back to a near Fahey-esque approach rendered better on fourth and final cut, ‘Melon’, which furnishes us with a comparatively stripped and gentle touchdown to the proceedings. Nonetheless, Huntsville sound like their experience within such realms of music is paying off. The product of people who know their game without having let their imagination or yearning to voyage to new places suffer. Fucken dandy in my book, I have to concede." [RJ, Adverse Effect]
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2006 |
€10.00 |
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| HYBRYDS |
The Rhythm of the Ritual / Ein Phallischer Gott |
do-CD |
"Zoharum continues reissuing past works of one of the most interesting projects coming from the 1980s underground - Hybryds. ”The Rhythm of the Ritual / Ein Phallischer Gott” is the fifth instalment in the reissue series of Hybryds classic releases.
Sandy tells a few words about the period: In the 1990s only small independent labels existed which had their own area to cover distributionwise hoping to spread our music in the world. ”The Rhythm of the Rituals” (1994, Charnel Music) and ”Ein Phallischer Gott” (1997, Crowd Control Activities) shared some songs. There were no official media supporting this world of “underground” music. Acid and rave became popular in the “commercial” scene. Pro Tools was the magic word. But we made our music live on the 8-track. The only sequences were the drum machines. We stayed loyal to working the old-fashioned way. It's the more rhythmical and ethnical site of Hybryds, lots of percussion, played acoustically, or sampled and looped, or from drum machines. Some of the basic music was from the 1980s but by then we worked on a reel-to-reel 8-track tape recorder with a bigger mixing desk. Livewise we started to transfer to our cyberpunk period (as visible in the live version of ”Whisper”). Depending on the demand we had two live shows, the “magical” or the cyberpunk. It was also the time when Yasnaïa and me did the live shows alone. We did not work live on stage with others anymore. We had a manager, Patty Hele from Motherdance. It was easier to travel and perform with two people only. Yasnaïa released her solo album and started playing live with her solo project.
The first CD collects tracks from two studio releases ”The Rhythm of the Ritual” and ”Ein Phallischer Gott”. The live CD contains live versions of the studio CD (some taken from the live Obuh vinyl LP) and some extras, like an unreleased song ”Dusk Falling”." [label info]
www.zoharum.com
"Neben dem Backcatalog anderer Bands taucht in den letzten Jahren auch immer wieder ein Album der HYBRYDS via ZOHARUM auf. Mit „The Rhythm Of The Ritual/ Ein Phallischer Gott“ ist man dabei bei zwei Werken von 1994 bzw. 1997 angekommen, die nun ergänzt um Live-Aufnahmen aus der Zeit als Doppel-CD, wiederaufgelegt werden. Hierzu ist allerdings anzumerken, dass nur drei Stücke des „The Rhythm Of The Ritual“-Albums enthalten sind. Die drei anderen wurden bereits mit der (Wieder-)veröffentlichung von „The Ritual Should Be Kept Alive“ 2015 erneut ans Tageslicht befördert. Auch nicht alle Stücke von „Ein Phallischer Gott“ haben es auf diese Zusammenstellung geschafft. Dafür taucht z.B. das eindrucksvolle „Call Of The Tuareg“ auf – ein Compilation-Track aus jener Zeit. Auf die fürchterlichen, quietschbunten 90er Jahre Computer-Cover der Originale wurde zum Glück nicht zurückgegriffen. Stattdessen wurde dem Release ein absolut stimmiges Artwork verpasst, das sich in die aktuelle, künstlerische Darstellung der HYBRYDS einpasst.
Dass die vorliegenden Aufnahmen um die zwanzig Jahre alt sind, lässt sich tatsächlich nur schwer heraushören. Frei von damaligen Trends wirken die Stücke eher zeitlos. Die stark Ritual-, Tribal-lastige Musik wird zumeist von einem Rhythmus-Loop zusammengehalten, über den nicht durchgängig aber hin und wieder YASNAIAs Stimme gelegt wurde. Daneben erklingen Flötenklänge und Synthesizerpads, so dass der Gesamtsound mal organischer und mal elektronischer wirkt. Beteiligt waren an den Arbeiten damals auch illustre Gäste wie HERMAN KLAPHOLZ (u.a. AH CAMA-SOTZ) oder MOON FAR AWAY.
Die Live-Aufnahmen und Proberaumaufnahmen der zweiten CD stammen ebenfalls aus der Zeit – zumeist 1996. Neben anderen Stücken, sind hier auch einige Tracks noch einmal in der Live-Version vorhanden, die auf der „Studio-Seite“ bereits zu finden sind. Der Sound ist dabei bis auf einige Ausnahmen durchweg recht gut.
Wie oben dargestellt ist „The Rhythm Of The Ritual/ Ein Phallischer Gott“ keine Wiederveröffentlichung im eigentlichen Sinn, sondern eher eine Zusammenstellung von Stücken aus einer zeitlichen Periode, die in sich aber absolut stimmig und geschlossen wirkt und mit den zusätzlichen Live-Versionen und Outtakes einen gewissen Mehrwert mitbringt. Hörer, die sich für rituellen und Tribal-lastigen Ambient interessieren, sollten ruhig ein Ohr riskieren, da die Musik ohne Frage gegenüber der heutigen Konkurrenz mithalten kann – mindestens."
[Tony F. für nonpop.de] |
2016 |
€16.00 |
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| HYPNOZ |
Breath of Earth |
CD |
CISFINITUM-Fans aufgepasst! Aus dem Umfeld des grandiosen Moskauer Projekts stammt HYPNOZ, und auf diesem Album ist CISFINITUM aka E. VORONOVSKY auch bei 5 von 7 Stücken mit dabei. BREATH OF EARTH ist voller pulsierender elektronischer Ambience, dicht & spannend arrangiert, leicht rhythmisch und mit gewissen Reminiszenzen an die "kosmischen" 70er Jahre, aber mit ganz eigener Note..
"Hypnoz is a project of Dmitry Zubov, a musician from Moscow suburb Fryazino, the town that endowed the lovers of post-industrial music with such names as Hum and Staruha Mha. His first composition was recorded in 1993, and during its existence Hypnoz has released one CD on the Moscow label Insofar Vapour Bulk, which gathered tracks from different periods, a couple of very limited CD-Rs, and participated on the compilation "Iznutri" by the Ewers Tonkunst label with a fragment of a composition from this album. Aside from Hypnoz Dmitry plays in several other projects: Zuboff Sex Shop (post-punk / new-wave), Circle Of Iron Tape (harsh noise), BRZB (electronics, with Alexey Borisov), etc... The basis of most of the tracks for "Breath of Earth" was recorded by Dmitry together with Evgeny Voronovsky (Cisfinitum) during their joint night psychedelic sessions, and this is evidently felt in their mood. Stylistically this can be called tranquil electronic ambient with a remarkable experimental touch – but who thinks about it while recording? Slowly twisting sound helixes, drawing inside the astral subspaces, pulsating rhythms, cosmic sounds of old analogue synthesizers, – all this produces an appropriate effect on the listener's mind, and there's nothing more to demand from music." [label description] |
2008 |
€12.00 |
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| IL SANTO BEVITORE |
Sorge Il Buio |
CD-R (EP) |
Taking inspiration from the great sci-fi book “Nightfall”, first IlSantoBevitore's Ep, explores conceptually the contrasts between dark and bright through a deep research of a certain sound. More deeply this matter has been transposed to music production in which bright percussions and distortions live all together. Harsh and unpleasant high frequencies crash against a wall of sub bass frequencies. All leaded by layers of acoustic world percussions and dynamic polyrhythms.
https://emerge.bandcamp.com/album/sorge-il-buio
"IL SANTO BEVITORE, das ist Nicola Serra aus Sardinien, der allerdings in Nordlondon mit Beats, Synth and Percussions die Dröhngitarre von Francesco Garau in D503 betickt und durchpulst. Joseph Roths "Legende vom Heiligen Trinker" ist ihm wohl durch Ermanno Olmis Verfilmung (1988) zu Kopf gestiegen. Auf Sorge il Buio (ACK 1038, CD-R, EP) kündigt er ein mit knurrigem Synthiebassdrone unterspültes Drumsolo gleich mehrfach als 'Luce perenne' an. Gefolgt von 'Oltrepassare' als Reigen aus Drumming, Dudelsackgetriller, Gerassel, einer stehenden Vokalwelle, Klangschalenklang, pochendem Elektroherzschlag. Schließlich entfaltet noch das Titelstück zu schnarrendem Puls und tackenden Beats einen elektroperkussiven Groove, verziert mit Gong- und Beckenschlägen und feinen Klicks. Er überschreitet damit das Dunkel, ich bin dazu noch zu nüchtern." [Bad Alchemy]
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2016 |
€6.00 |
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| ILLUSION OF SAFETY |
Time remaining |
CD |
“WARNING: use extreme caution when playing contents through headphones or inferior speakers”. IOS (inzwischen studiomäßig meist DAN BURKE alleine) loten hier in jeder Beziehung Extreme aus – radikale elektronische Experimente breiten sich hier auf 8 Stücken aus, jedes bietet einen eigene Mikrokosmos von fremdartigem Klang – zwischen schneidenden Elektroniklärm und ruhigen Collagen. 20 Jahre gibt es diese Industrial-Pioniere jetzt schon, und mit jedem neuen Werk scheint eine weitere Wandlung und Erneuerung einzutreten..
Great new IOS-Work where they plumb the very extreme poles of noise and calmness...
“....Somehow it reminds me of 'Historical', compact disc number one. Drones, noise and sound collage - each seems to have it's own place on this CD. Whereas a lot of other CDs were in one direction, this CD is in more places, sometimes even within one track. I was thinking that despite the various tracks (each having their own title), this is more a continious work, just one long piece of music, each track flowing in the other. With this CD one can hear the experience of Dan Burke, both as a studio musician and a live one - the sheer elegance with which is this is made. Unlike many others, Illusion Of Safety changes all the time, and comes up with something new, based on twenty years of experience. Let's hope there is a lot of remaining time, for lots more. [FdW, Vital Weekly]
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2003 |
€15.00 |
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| ILSE LAU |
De tinnen mannen |
CD |
Das vierte Album der Bremer „keine Schublade gefällig“-Band: noch besser produziert, vertrackter und gewagter in den Harmonien,
mit Einsatz von Bläsern, Piano, und Sprechgesang.... if you like RECOMMENDED RECORDS No Wave-Stuff,,,,,if you like THIS HEAT....... if you like Jazzcore-stuff..... if you like CPT. BEEFHEART....... check out the fourth album of this un-categorizable band from the sweetest town in Germany !!
„Jetzt machen wir'ne Tanzplatte..." - so sagten sich die drei von Ilse Lau beim Gang ins Studio. Tanzen jetzt aber nicht so, wie man denken würde. Keine Disco, kein Rock'n'Roll, kein Rave. Sondern statt Rockdekonstruktion und grandioser Neuzusammensetzung, bislang auf drei exzellenten Alben mit eigener Handschrift vorexerziert, nunmehr das: gerade Takte, vergleichsweise knappe, entschlackte Kompositionen. Erstmals zusätzlich akzentuiert durch gelegentliche Gesangseinlagen. Die Band hat sich gründlich neu erfunden. Ilse nimmt ihre HörerInnen auf Album Nummer 4 ganz freundlich bei der Hand, trägt auch in dieser Saison jenen zarten Dub-Hauch-von-einem-Schleier, der ihr schon im letzten Sommer so gut stand. Dabei ist Ilse Lau immer noch von ganzem Herzen den entlegeneren Regionen fortschrittlicher Rockmusik zugetan - Captain Beefheart, Pere Ubu oder U.S. Maple zum Beispiel -, hat aber das Wissen darum derart durchdrungen, dass sie leichter Hand daraus etwas ganz Eigenes machen kann, das ihre bisherigen Alben zusammenfasst und in eine verbindliche Form überführt. Kompakter, zupackender als zuvor klingt das Trio auf "de tinnen mannen", spielt funky, lässt Gäste strahlende Bläsersätze setzen, und manchmal klingt gar eine Art Drum'n'Bass-Beat an. Ihre reifste Platte bis zum heutigen Tag. "[Andreas Schnell]
„Still one of our favourite German avant-rock bands, this guitar/bass/drums trio from Bremen. Never thought themselves capable of vocals, but now for the first time they’re giving it a go in a couple of tracks.” [Worm]
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2004 |
€13.00 |
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| INADE |
Aldebaran |
CD |
“Erhabene Soundmonumente, wie schwarze Monolithen im leeren Raum stehend, produzieren INADE auf ihrer ersten CD... Langsam bauen sich die einzelnen Stücke auf und erzeugen eine unendlich weitflächige Atmosphäre, kalt und klar wie im Weltenraum. Im Unterschied zu den bisher veröffentlichten Tapes gehen INADE hier differenzierter zu Werke und setzen zusätzliche Effekte ein, welche die Musik noch erweitern... erdrückend intensiv!“ [old Drone Rec. info]
label: www.coldspring.co.uk
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2001 |
€13.00 |
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Audio Mythology One |
CD |
"There’s more to the history of the incomparable Dark Ambient Sound Sculptors, Inade, than meets the ear. Audio Mythology One gathers unreleased material and compilation tracks, the shards and splintered remnants that litter the cosmic wasteland that is their sonic home. These are essential pieces of the vast network of sound manipulation that fills the blackened soul of night, the heart of primal urgency, haunting and dramatic, abounding with the ethereal mist of unease and dense ruminations that breathe and exhale awe with every resonant pulse. Masterful audio musings.
A.M. ONE is an introduction to the archive of INADE´s sound work. The first part of this series is focusing on unreleased and now finalised material from the recording period of „The Incarnation Of The Solar Architects“ album , V.A. compilation tracks and re-worked studio material of live backing tracks.
This regular and unlimited CD-edition comes in jewel case and 16-pg booklet. Mastered by Andreas Wahnmann/SECRETLAB." [label info]
www.loki-found.de
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2012 |
€13.00 |
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| INCITE |
Minimal listening |
CD-R |
First (?) release of this raw digital ambience project from Hamburg, clicks’n’cuts in quasi-rhythmic, dry & mechanic structures with some great sounds and effects, like a more noisy IKEDA or NOTO. filed under: Minimal listening !
“incite/ - gemeinsames Projekt von axiomatic integration und Gradient Communication - spielt mit changierenden repetitiven Mustern und minimalistischen Beats. Die Arrangements bewegen sich zwischen gebrochen groovig und experimentell. Bei einer Performance entwickeln sich im Zusammenspiel Sounds und Rhythmen live zu staubtrockener minimalistischer Hörmusik. Gegründet im Dezember 2002, spielten incite/ im Jahr 2003 15 Konzerte in Deutschland, den USA und Spanien.“ [label info]
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2003 |
€6.00 |
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Minimal listening |
7 |
„neop und procedure: knochentrockene minmale electronics, fragmentierte slomo Grooves und abstrakte rhythmische Arrangements.“ [Incite info]
First vinyl-release for this Hamburg-based duo with their minimal repetitive rhythmic clicks & cuts-IDM. Comes on nice looking grey-sparkled vinyl.
“....... however it's not music that is based on rhythmmachines or sound anywhere close to techno, but rather a raw version of anything clicks & cuts related. Both tracks are slow, under 100 bpm, but played at 33 RPM instead of the recommended 45 RPM, gives an even more alienated feel to the pieces. It's minimal listening music as opposed to minimal dancing music.” [FdW / Vital Weekly] Address:
http://www.incite.gradcom.org
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2004 |
€7.00 |
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| INFANT CYCLE |
Playout |
CD-R |
Eine halbstündige CDR-EP mit 2 langen Stücken, nach vorne drängende Rasiermesser-Pulses, ständige Wechsel von Sounds & Stimmungen, reine klackernde Geräuschparts, wieder begeisternd und weiterhin zu entdecken!
"Limited to one rhythm-carved record playout groove, and operational record player sounds (augmented by violin bow and razor blade), The Infant Cycle creates a half-hour exploration through all the sounds possible. Harsher rhythmic timbres fly through into quieter microtonal terrain, the static interrupted by spasms of unstability. Numbered edition of 250 copies." [label info]
label: http://zhb.radionoise.ru/
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2007 |
€8.00 |
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| INFANT CYCLE / JARED DAVISON |
Periodical I |
mCD-R |
Schöne kanadische EP mit zwei Stücken, INFANT CYCLE mit einem quasi-rhythmischen, elektronisch-sirrenden & sich windenden Soundknäuel, der uns unbekannte JARED DAVISON kreiert einen dunkel-loopig-mechanischen Soundscape aus „Oberflächenklängen“ von Vinylschallplatten, eine Art düsterer PHILIP JECK? Super !
“The most recent project embarked upon by The Ceiling is a series of split mini-CDRs (originally intended as a series of a 7"s, which remains in the artwork), between The Infant Cycle and other artists in the southern Ontario region of Canada, working mainly in the arena of CDRs, MP3s, and less in larger-circulation formats. The series intends to bring together artists working outside existing genres and subgenres, working in areas of their own. The intent is to unify the series with a sense of adventure and challenge, and not necessarily a stylistic consistency. The series is also intended to function somewhat as a sort of newspaper, a snapshot of where each project is at the time of issue. The series can be viewed as sidebar releases by the artists- perhaps a progress report.
THE INFANT CYCLE has been in operation since 1992, producing numerous CDRs, CDs, vinyl, cassette and MP3 releases, alongside many compilation appearances for labels all over the planet. The Infant Cycle creates eccentric sound-worlds from disparate strands of instrumental phrases, field recordings, and everything in between; composition mixing with improvisation, influenced by happy accidents and technical failures. The piece contained is a mixing of previously recorded tracks, rethinking the past and foreshadowing future releases.
JARED DAVISON has followed an uncompromising path from his time as founder and mainstay of the many incarnations of Mind Skelp-cher, through various short-term projects, to his current work under his own name. While quiet for the past few year, he is re-emerging with material focused narrowly on particular sounds isolated from their sources, and projected into unpredictable shapes and atmospheres. "Phonography" is an uneasy and sometimes violent soundscape based entirely on the crackle and hum hiding amidst the grooves of your favourite vintage vinyl.All releases in the Periodical series are "budget" priced releases of 80 copies only.” [label info]
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2005 |
€6.00 |
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| INFINITE LIGHT LTD |
same |
LP |
"INFINITE LIGHT LTD ist das neue Projekt von Aidan Baker (NADJA), Nathan Amundson (RIVULETS) und Mat Sweet (BODUF SONGS). Das Trio erforscht die Parallelen und Unterschiede ihrer jeweiligen musikalischen Projekte und erschafft dabei Musik, die Minimal Folk, abstrakten Post-Rock, Glitches und Drones verbindet. Ihr selbstbetiteltes Debüt wurde unabhängig in den Studios der einzelnen Mitglieder über den Winter 2010 aufgenommen; Songskelette und Fragmente wurden digital ausgetauscht, um schließlich ein Album aufzubauen. Die Instrumentierung reicht von elektrischen und akustischen Gitarren über Klavier und Schlagzeug bis Harmonica und Flöte. Die Songs erstrecken sich von wehmütigem Folk bis zu schrägem Blues und kombinieren digitalen Noise und süße Melodien. Wer bereits andere Projekte dieser Herren kennt, kann sich vorstellen, wie gut die Qualität dieses Debüt ist."
"Infinite Light Ltd. is a collaborative project between Nathan Amundson (aka Rivulets), Aidan Baker (of Nadja, Whisper Room, ARC), and Mat Sweet (aka Boduf Songs). The trio explores the similarities and the disparities of their respective musical projects, creating music which combines minimal folk, abstract post-rock, glitching noise, and ambient drones. Their debut, self-titled album with Denovali Records was recorded remotely in each members’ respective studios over the winter months of 2010, digitally trading skeletal songs and fragmentary sounds to collectively build an album. Instrumentation ranges from electric and acoustic guitars to piano and drums to melodica and flute. Songs range from wistful folk to off-kilter blues, combining digitally manipulated noise and sweet melodies. If you know the other projects of these guys you already can imagine the quality of this debut."
https://denovali.com/digitalstore/index.php?main_page=product_info&products_id=895&s=infinite light
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2011 |
€16.00 |
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| IONOSPHERE |
Nightscape |
CD |
"Eight years since the last release in 2007, Ionosphere has now returned with its third full length album. It follows the path of previous works focusing on deep, shivering, cosmic sound waves and moves further with the inclusion of an emotional core. Expansive drones, drifting melodic soundscapes, ominous sonic undertones and vocal transmissions intersect with densely concentrated rhythmic pulsations that emphasize the sculptural nature and deep atmospheric scope of the 11 tracks.’Nightscape’ is a soundtrack that transports the listener on an epic journey far away into spaces and environments where lights and noises move and circulate slowly while the night embraces everything.
Comes in elegant 6-panel digi-sleeve." [label info]
www.loki-found.de
"Schon in meiner Besprechung zu Sawakos „Nu.it“-Album schrieb ich, dass es wenig Musikarten gibt, die das Phänomen der Nacht so unmittelbar und quasi impressionistisch einzufangen wissen wie Ambient. Während die Japanerin die Nacht als ein verspieltes Abenteuerreich darstellte, in dem sich wohlige und unheimliche Stimmungen gegenüberstehen, bis alles wie in einem Film zum beruhigenden Finale kommt, erscheint die Nacht in „Nightscape“, dem dritten Longplayer des deutschen Projektes Ionosphere, wie ein unendlicher Raum, der nicht nur den Schlafenden scheinbar für immer in seine Dunkelheit zieht. „Watch the world fall into the endless night“ lautet das aus den Titeln des eröffnenden und des abschließenden Tracks zusammengesetzte Motto des Albums. Doch auch hier ist die Nacht kein Gleichmacher, der alles in einem monochronen Schwarz zu ersticken droht.
Ionosphere versteht es, sein Paket an Klängen in dichte, ausladende Dronehüllen von soghafter Schwere zu packen, die über weite Strecken eine molllastige Wärme aufweisen. Mal körnig, mal vibrierend, mal so glatt wie eine Skulptur und dann wieder so kantig wie das Gebirgsmassiv auf dem Cover ist die Beschaffenheit dieses Rahmens so wechselvoll, dass die epische Reise schon deshalb episodisch anmuten muss. Noch interessanter ist allerdings das, was sich unter dieser Hülle abspielt. Das können kleine, wie im Zeitraffer vorbeischnellende Klangschnipsel sein, die in „Vast Winds from Beyond“ gegen den Strom der Dröhnung anschwimmen, oder auch die kleinen Leerstellen und Hohlräume im ganz bezeichnend „The Silence Underneath“ betitelten Stück. Oft geht es jedoch merklich konkreter zu, und es ist eine der reizvollen Paradoxien des Albums, dass man über gerade diese konkreteren Sounds letztlich doch nur mutmaßen kann – ist es das Stöhnen eines Liebespaares, das in „Watch the World“ von der Nacht verschluckt wird, was sagt die grummelige Männerstimme in „Polarized Light“, woher kommt wohl das hintergründige Pfeifen in „Radio Altitude“, bevor es von einem bedrohlichen Pochen übertönt und endgültig im analogen Klangstrudel verschuckt wird? All dies und weitere Dinge verdanken ihre Faszination der Vagheit, mit der sie nur schemenhaft durchs Klangbild huschen oder wie von sehr weitem, aus der Ionosphäre, betrachtet anmuten.
„Nightscape“ ist seinem Thema entsprechend ein düsteres Album geworden, doch es wäre falsch, es darauf und auf die Wucht der hereinbrechenden Düsternis zu reduzieren. Mit gestalterischem Feingefühl ist hier ein v.a. eine Hommage an die ins Dunkel gehüllte Vielgestalltigkeit einer verwandelten und verzauberten Welt gelungen." [Uwe Schneider / African Paper]
africanpaper.com/2015/06/20/ionosphere-nightscape/#more-10344
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2015 |
€13.00 |
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| IRM / SKIN AREA |
Purple Screen // Red Eruption / Red Discharge |
10" |
Harsh Noise with a sometimes jazzy (yes!) feel to it from SKIN AREA, who use also drums and bass and voice, in fact they begin with harsh noises and end up in an improvisation. Very strange and beyond good and evil. IRM create one long dark piece interesting soundwalls... new swedish noise on a new swedish label !
“ Two of Sweden's finest bands share this slab of vinyl. Skin Area delivers a 14-minute track that begs you to push the volumes louder and louder until your brain becomes one with the raging hardcore noises they produce. You'll wish there were drugs as hard and vicious as these sounds, but I'm afraid western science hasn't come that far yet... Skin Area's versatility might shock (and offend) some listeners who are unprepared to blow their minds on a regular basis.
IRM makes full use of the 10" format with what could very well be their finest moment yet -- a 12 min epic that expertly combines menacing electronics and more traditional sounds (this should be among the top-five of any best-power-electronics-with-glockenspiel list ever compiled). Since none of you are regular church-goers, why not make it your Sunday ritual to blast the neighborhood with this 10"? You will be rewarded.” [label info]
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2003 |
€10.00 |
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| IRR.APP. (ext.) |
Ozeanische Gefühle |
CD |
Damn, this is SO GOOD! IRR.APP (ext.) zeigt hier, dass er nicht nur strangeste eher elektro-akustische Soundscapes zusammenschustern kann, sondern auch sehr fliessende, aber leicht “gefährliche” und surrealistische dronescapes, die pulsieren, mäandern, rotieren und einfach LEBEN. In der Tat scheint hier alles in Grenzenlosigkeit zu zerfliessen...... High TIP for Drone-Heads !
“irr. app. (ext) is the work of California-based sound artist Matt Waldron, whose collected body of work is far too important to continue to be forgotten. During the past decade, only two full albums -- Dust Pincher Appliances (2003 on Crouton) and An Uncertain Animal, Ruptured; Tissue Expanding in Conversation (1997 on Fire, Inc.) -- have seen the light of day despite the fact that perhaps a dozen albums have been completed. The public silence for irr. app. (ext) was never by Waldron's design, as numerous recording deals collapsed, one after the other. The story becomes all the more of conundrum as these misadventures of neglect and ignorance occurred despite Waldron's high-profile collaborations with Nurse With Wound and Stilluppsteypa. If a humble organization like the Helen Scarsdale Agency can have its say, then we speak to remove whatever curses that have haunted irr. app. (ext.) in the past and provide the world with the opportunity to revel in the spectacle and the beauty that is Matt Waldron's art. Had things gone differently, Ozeanische Gefühle would have been one of the lost irr. app. (ext.) recordings. That would have been a shame for Ozeanische Gefühle stands as an impeccable composition of post-surrealist dronescaping rivaling such masterpieces as The Hafler Trio's Kill The King, Jonathan Coleclough & Andrew Chalk's Sumac, and Nurse With Wound's Soliloquy For Lilith.
The title has origins with Freud and earlier thinkers; yet Waldron came across Ozeanische Gefühle (which translates from the German as "oceanic feelings") in his studies of Wilhelm Reich who referenced the term to describe the natural state of every healthy organism as connected to and engaged with the world around it, with its energies flowing from the center outwards. For Waldron, Reich's ideas became the starting point for a metonymic exercise seeking to discover that which is near a signifier and spiral beyond each successive discovery along a complicated aesthetic thread by way of intuition and accident.
The album tumbles through a series of sympathetic dronings, field recordings, and performative gestures, continuously traversing the emotional polarities of psychological tension and externalized jouissance. The album begins with a heavily processed flutter of sustained woodwinds accompanied by thunderous rumbles in the distance before dispersing amidst Bernhard Hermann-esque slashings of discordant strings. Later on, the grotesque pathos of a Wurlitzer organ dissolves into a blackened emptiness that envelopes the complex resonant frequencies from Waldron's slow, deliberate performance upon bowls and bells. Despite the incredible depth of his source materials, Waldron displays an uncanny intellect that reflects all of his wandering passages through the lens of a melancholic ambience. Simply put, Ozeanische Gefühle is a wonder to behold.”[ Helen Scarsdale, June 2004]
www.helenscarsdale.com
"If anyone has the ability to carry the post-Surrealist torch of Nurse With Wound, it would have to be Matt Waldron through his irr. app. (ext.) project. Like Nurse With Wound's eccentric genius Stapleton, Waldron would never qualify himself as a Surrealist, but it's a good jumping off point to describe their respective works. With Ozeanische Gefuhle, Waldron establishes irr. app. (ext.) establishes himself as one of the most gifted sound-sculptors whose work have passed through the doors of Aquarius. If you've ever picked up any drone / minimalist / ambient records or even just anything that Andee has poetically described as 'completely fucked', then you owe it yourself to pick up Ozeanische Gefuhle. This review could ramble on and on, but let's cut to the chase and state the obvious, this album is brilliant.
Strangely enough, Ozeanische Gefuhle -- as great as it is -- almost disappeared into the ether, as it was slated for release a few years back on another label who just sat on it for years, much to the chagrin of Mr. Waldron. Fortunately, the good people at the Helen Scarsdale Agency rectified the situation and made sure this album got its due recognition.
The title itself is an allusion to Wilhelm Reich, who used the term to describe the natural state of every healthy organism as connected to and engaged with the world around it. Such ideas in lesser hands would result in limp idylltronica with New Age sentimentality; but this is not the case for irr. app. (ext.), who solidly grounds this record upon a fundamental drone, which slinks its way through numerous field recordings and performative gestures. Waldron's masterpiece emerges as a tidal current of electronic sound, rumbling through blackened spaces and soaring with divine expressivity. As good if not better than anything by Nurse With Wound, Organum, :zoviet france:, Phill Niblock, and the Hafler Trio. Yeah, it's that good!" [Aquarius Rec.] |
2004 |
€14.00 |
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| ISHIJIMA, AKEMI |
Time drops |
maxiCD |
Japanischer Composer, bekannt von der Variations 2 – Compilation vom selben Label... Diese erste CD (20 min. playtime) beherbergt zwei Stücke, die sich als intensive, “Zen-like meditations on sound“ beschreiben lassen, sehr klare und helle electro-acoustics mit Glockensounds, "Time drops creates a poetic correspondence with cosmic harmony". Sehr zu empfehlen!
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2000 |
€8.50 |
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| JARL |
Misophonia Colours |
CD |
Drone Records launches a new CD series named "SYM" which could be understood as a place holder for different notions and inner processes
(such as Symmetrization, Symbiosis, Symbolization, forming an epistemological circle of inter- relations)
- associated with the act of perceiving and understanding sound on a substantial level...
The first two CDs are OUT NOW:
SYM : 01: JARL - Misophonia Colours CD
Swedish hypno-droner JARL starts the series with a longform, trance-inducing drone/ambient piece, shaping audio ornaments like visual forms, playing a game with your head... a 60 min. one-tracker.
Mastering: PETER ANDERSSON (raison d'etre) / Artwork: TILMANN BENNINGHAUS
listen to an extract:
https://soundcloud.com/drone-records/jarl-misophonia-colours-extract
order:
https://www.dronerecords.de/album.view.html?album=20792
"...Jarls Musik dreht Mühlräder und die Windmills of Your Mind, sie ist ein unablässig ebbendes und flutendes Gezeitenkraftwerk. Mit beständig mahlendem Drehmoment, sirrendem Auf und Ab, klirrendem Oszillieren, koloriert mit metalloid glissandierenden und 'läutenden' Tönungen. Loop für Loop, in pulsendem, schwallendem, dengelndem Drang. Industriell, aber doch auch vital und mit feinen Kling- oder Dröhnklang, der mit dem Maschinellen kontrastiert. Mit dem Sound von Melodica und Glockenspiel, in schwänzelnden, kaskadierenden, phasenverschobenen Wellen, mit summendem Mund, über 60 ozeanisch und kurbelwellig bewegte Minuten." [BAD ALCHEMY # 118]
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2021 |
€13.00 |
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| JAYTROPE + ANSGAR WILKEN |
Miniatures |
7inch |
1. Miniatures I 06:32
2. Miniatures II 06:17
Happy Zloty #14
October 2022
Recorded and Mixed by jayrope
jayrope.bandcamp.com
Additional Instruments by Frank Schültge Blumm
Layout by Ansgar Wilken
Stamped Font by Peter Strickmann
Risographed at We Make It, Berlin
The Record was manufactured by my45
"Diese klitzekleine EP ist sicherlich nicht nur nicht als eine Hommage an all die Veröffentlichungen
gleichen Names zu verstehen, sondern bezieht sich vielleicht insbesondere auf die von Morgan Fisher im Jahr 1980 veröffentlichte LP mit Stücken von Robert Wyatt, Residents, Fred Frith und anderen aus einer Zeit, als derartige Musik einen zuvor nicht gehörten, beweglichen Standpunkt zwischen Avantgarde und DIY markierte. Jetzt mit beiden Beinen mittenmang im Gewühl aus selbstgebauten Instrumenten, Kitchenavantgarde, souveränem Geschichtsbewußtsein und ... immer zu kurz!"
[H. Hagedorn]
https://ansgarwilken.bandcamp.com/album/miniatures
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2022 |
€12.00 |
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| JECK, PHILIP & CHRIS WATSON |
Oxmardyke |
CD |
With thanks to Mary Prestidge, who writes: "At the end of January 2022, Philip was taken to A&E at the Royal Liverpool University Hospital suffering from severe back pain and was admitted for investigations. In the hospital ward, with some strong pain relief, he could more comfortably rest, mostly horizontally. During the day he could be angled slightly toward a sitting position. Over the following days, aiming to make sense of his current predicament, Philip regained a tiny level of normality. With his laptop in place, he tapped into familiar territory and, when finding the most favorable times, listened to and worked with the sound files that Chris Watson had sent him. During these brief, intense spells Philip gave all to his ear and heart to guide and shape the music forming at his fingertips. Oxmardyke is the album which resulted from this collaboration."
Chris Watson (August 2022): "Philip's laugh was infectious. Our conversations would usually begin with exchanges around the enthusiasm we had for each other's work and the respect we shared for other Touch artists. However, as we were most likely to have met over drinks at the Philharmonic Dining Rooms in Liverpool the evening would gradually dissolve into convivial disarray. What did emerge from these soirées over recent years was a desire to find ways and means for us to collaborate at a place where our ideas converged. In 2017, I was recording along the north bank of the Humber estuary and one morning driving back from Faxfleet I was stopped at the Oxmardyke rail crossing. The gates were down. After setting up a microphone array by the tracks for a passing freight train the signalman shouted an invitation to climb up into the gate box to make some more recordings. Over the following weeks I made several return trips to Oxmardyke and gathered a broad palette of recordings. I discussed the sounds, stories and history of the site with Philip after a show and we were both excited by the potential of making a work together. Philip was drawn to the ancient history of the area from 6th century Anglo-Saxon times to the Knights Templar and how the sounds, rhythms and textures from those periods may still inhabit the contemporary landscape. My thoughts took inspiration from 'The Signalman' by Charles Dickens and the painting 'Rain, Steam and Speed' by Joseph Mallord William Turner. We agreed to share ideas and exchange tracks. Oxmardyke gate box has now passed into history. I hope my contributions may frame Philip's exceptional work."
Mastered by Denis Blackham at Skye Mastering; Photography by Chris Watson; Cover design: Jon Wozencroft.
https://philipjeck.bandcamp.com/album/oxmardyke
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2023 |
€17.00 |
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| JENERIK, SCOT / R.H.Y. YAU |
Meat |
CD |
" NOISE = LIFE! Nach langer Stille endlich was neues von S.JENERIK nach seiner Europa-Tour im Sommer '99. JENERIK benutzt live ein selbstgebautes, feuerspuckendes Instrument namens "VOLATILE", welches er percussiv bearbeitet und dessen Klänge er hier auf CD gebannt hat: Feuer, Rauschen, mächtige Metallschläge, sich steigernd mit unbändiger Kraft und z.T. nachbearbeitet; aber auch ein eher collagenhaftes Stück mit Insektengeräuschen & Alltagslärm ist hier vorhanden, welches sehr hypnotisch wirkt.. Amazing stuff!! Check it out!! Der uns bisher unbekannte R.H.Y.YAU dagegen ist noch wesentlich abstrakter, mit konkret-noisigen Elementen bewegt er sich irgendwo zwischen BRUME, heftiger Elektro-Akustik und gänzlich abstrakten Klängen..." [Drone Rec. info 2000]
"And in this corner: from San Francisco, Scot Jenerik and his cacophonous loops of percussion and processed sound, industrializing any room it is played in. And in this corner: Randy Yau, also from The State Over On The End, with his unpredictable eruptions of vocal and kinetic energy. That can't be good for his microphone, folks. We're looking at close match, and the winner gets a pile of metallic-flavored meat."
[ronsen.org/monkminkpinkpunk/23/lostreviews.html]
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1999 |
€13.00 |
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| JOHANNSSON, JOHANN |
Englabörn |
CD |
"Wieder ein isländischer Komponist auf TOUCH, mit edlen, tieftraurig-melancholischen Stücken mit viel Streichereinsatz für ein Theaterstück. Wer HÖHs „Children of Nature“ und „Angels of the Universe“ mag, findet hier ein äquivalentes Pendant!" [Drone Rec. 2003]
www.4ad.com
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2007 |
€14.00 |
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| KABUTOGANI |
Bektop |
CD |
"The 4th album by french producer KABUTOGANI is his most conceptual to date. Made entirely of mostly rhythmic glitch sounds (aka Clicks & Cuts), the album still has traces of melodies or tones - unlike many other minimal glitch productions. The cold, dry and noisy sound transports an almost morbid atmosphere. Experimental electronic music seldomly was so full of feelings - rather inconvenient ones, but feelings. This is what makes this album special. //
Das vierte Album des französischen Produzenten KABUTOGANI ist sein konzeptionell und musikalisch ausgereiftestes. Obwohl ausschließlich auf meißt perkussiven Glitch-Sounds (auch Clicks & Cuts genannt) basierend, finden sich - anders als bei vielen anderen minimalistischen Glitch-Produktionen - in jedem Stück Spuren von Melodien oder Tonalität. Der kalte, trockene und rauschige Sound transportiert eine beinahe morbide Atmostphäre. Selten war experimentelle elektronische Musik so voller Gefühle - wenn auch eher Gefühle der unbequemeren Art." [label info]
www.mille-plateaux.com
"Kabutogani is from France and the russian word on the cover means Vector. Maybe he likes his art to be Russian, as the package is red, black and white, like an El Lissitzky painting. This is fourth album, but my first introduction to his work. In the press release, Mille Plateaux, refer to some of their old stable to sell this album: Alva Noto, Frank Bretschneider, SND, Vladislav Delay, Pan Sonic (and, to be fair, also to Machinefabriek, which link is hard to be made). Music that is not at all alike that of Ametsub, as Kabutogani plays the harsher card of click and cuts. His beats are gritty, noisy, distorted, feeding it through digital effect processors (I have to be careful here, I know). In all of his tracks - twelve in total - there is some sense of melody, but usually kept in the background. Like Mille Plateaux, Kabutogani knows his classics too, and especially Pan Sonic seem to have a profound influence on him, but I give Kabutogani the benefit of a doubt, like the relaunched
Mille Plateaux itself." [FdW /Vital Weekly]
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2010 |
€14.00 |
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| KAHN, JASON |
Miramar |
CD |
Vier super-minimale und recht “trockene” drones dieses inzwischen in der Schweiz ansässigen Klangkünstlers, der wie z.B. ALVIN LUCIER den Raum als Instrument benutzt...
“ 'miramar' features new pieces recorded live in studio using analogue synthesizer, floor tom and small cymbals. Recorded with eight different room microphones, the room being extremely large, with 20-meter high ceilings. Each room microphone picked up a different frequency range, depending on its placement and how the room's resonant frequency mixed with what I was playing. In addition to analogue synthesizer and percussion, the room itself was thus the third «instrument» Jason Kahn used on this recording. Jason Kahn was born in New York, grew up in Los Angeles, moved to Berlin in 1990. He now lives in Zürich. His audio work is a mix of electronic and acoustic sound sources, produced with minimal percussion, laptop or analogue synthesizer. In recent years he has also created several sound installations. He started the cd label «cut» in 1998” [label description]
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2004 |
€14.00 |
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| KAHN, JASON & ASHER |
Vista |
CD |
Extremst minimaler, rauschiger Drone-Ambient, so subtil und subliminal dass eine "neue" Empfindungsfähigkeit gefördert wird.. die spezielle Atmosphäre, die hier übermittelt wird, ist mit Worten einfach nicht beschreibbar...
"Aus Feldaufnahmen, die Kahn am Zürichsee und in den Schweizer Alpen machte, und Asher seinerseits vor Ort in Somerville, MA, und in den nicht so vornehmen Ecken des Bostoner Stadtteils Back Bay, entstand eine imaginäre Szenerie, die hauptsächlich aus Regen zu
bestehen scheint. Oder ist das Wind, der in Baumkronen rauscht? Oder doch nur Industriegeräusche von Motoren, Generatoren, Lüftungsanlagen? Oder beides? Es wummert, knirscht, brodelt und zischt so ununterscheidbar, dass man am Ende nicht mehr ausschließen kann, dass einem die Phantasie vielleicht durchgehend nur Streiche spielte. Der Drang, Geräusche als Dinge zu identifizieren und so gut es geht ein Was und ein Wo festzustellen, der ist doch sehr stark. Kahn fügt dem Rauschen, das nach einer halben Stunde in den Hintergrund rückt, während im Vordergrund ein dunkles Wummern Raum greift, ein flirrendes Cymbaltickling hinzu. Das siffende Rieseln und Zischeln bleibt aber, wenn auch etwas gedämpfter, so als ob der ständige Regen etwas nachlassen würde oder man selbst sich weiter in den Maschinenraum zurück gezogen hätte, wo das Brummen mollige Wärme auszustrahlen scheint. Ob diese Illusion aus Klang jetzt als ‚offener Kamin‘ taugt, der Gemütlichkeit verbreitet, oder als Regenvorhang, to read Krimis Noir by, das muss jeder selbst ausprobieren." [Bad Alchemy]
"The work on Vista began in the summer of 2006 with recordings made by Asher in the Back Bay neighborhood of Boston. Walking through the
alleys and side streets he recorded the various mechanical rooms, generators, ventilation systems and idling motors which were to be found
there. These recordings were processed and sent to Kahn.
Later that fall, Kahn sent Asher several pre-dawn recordings he had made on the shores of Zürich Lake. Asher processed these in keeping
with the methods he had used with his own location recordings so as to create continuity among the amassing material. Unprocessed wind
recordings made by Kahn in the Swiss Alps in the summer of 2007 comprised the final batch of material used on Vista. Asher and Kahn
spent the remainder of that year working on a final mix. Addressing the idea of hearing and seeing out and beyond spatial planes, title Vista references both the aural expanses of Asher's home on a hill in the town of Somerville and Kahn's trips to the Alps and Zürich Lake.
In processing and mixing the discrete details of a landscape, we hear them from a real physical distance. Through the incidental
combinations of processed local sounds and sound materials which are entirely foreign to us, an imaginative aural view is created which
obscures any relationship to a documentary account of the original locations recorded for Vista.
Jason Kahn is a sound and visual artist based in Zürich. His work includes sound installation, performance and composition. He was born in New York, grew up in Los Angeles and relocated to Europe in 1990.
Kahn has given concerts and exhibited his sound installations throughout Europe, North and South and America, Japan, Mexico, Korea, Israel, Turkey, Russia, Lebanon, Egypt, Hong Kong, New Zealand and Australia. Kahn's work has been published by many other labels such
as his own imprint Cut , For4Ears, Sirr, Crouton, Korm Plastics, Creative Sources, Longbox Recordings, 1.8 sec records, Chloë and ATAK among others.
Asher (Thal-Nir) is still a relatively new sound artist living and working in Somerville, Massachusetts who has already garnered quite a bit of acclaim in just a few short years for his work using old cassette tapes and field recordings. He also uses processed acoustic and electronic instruments. His work has been published online by 12k / term, Con-v,
Laboratoire Moderne (EARlabs), and Homophoni, and on CDR and DVDR by Con-v, Leerraum, Conv, Winds Measure Recordings, Mystery Sea, The Land Of, among others.
DISCLAIMER: For full effect, turn up the volume and do nothing else but listen. You may very well find that this is ALL you will be able to do anyway... Despite the cover images on the packaging, driving while under the influence of this CD should be done with caution. This CD may induce a "thousand-yard stare" (a long, unfocused gaze), instances of "missing time", or audio hallucinations that could cause disorientation in the listener. Bottom line: friends don't let friends drive under the influence of Vista. This CD is for recreational use only. ENJOY." [label info]
www.and-oar.org
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2008 |
€12.00 |
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| KAR |
Sfrigor |
mCD-R |
Ziemlich weird, quietschende metall-scapes, dazu leicht überaffektierte Gesang im Hintergrund, später wird alles ruhiger und rauschiger, Trompeten tauchen irgendwo auf, und am Ende gar glocken/glasähnliche Sounds, ein äusserst überraschender & spannender wahrlich
experimenteller „impro-ambience“-Trip.....
“Kar is an italian duo, who presents here its first 3"cd-r after some self-released cd-r's and a pair of other cd-r's on the sadly defunct s'agita recordings. This 20min piece will surprise you as its sound evolves radically from the beginning till the end. It starts with some scraping & scratching sounds which could remind you some stuff like Organum, then moves to a more electronic domain with some glitchy sounds...” [label description]
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2005 |
€5.00 |
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| KAUDERS |
Games |
CD-R |
Wieder eine Überraschung auf TONTO ! Dieses Duo schafft auf 10 instrumentalen Stücken eine sehr filmische Atmosphäre mit experimentellen down-beats & Schlagzeug, Gitarren und minimalen elektronischen Klängen & Samples, dunkel und harmonisch....klasse wie sich hier Songstrukturen und Experimentelles vereinigen..... einiges hat uns spontan an BRANNON HUNGNESS / OBLIVION ENSEMBLE erinnert...
tonto # 29 / KAUDERS: Games / frontcover: christian zagler, gottfried
krienzer / postproduction: winfried ritsch / (c)+(p) 2004 gottfried
krienzer / austro mechana / supported by ske
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2004 |
€11.00 |
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| KELLER, BEAT & DARIUS CIUTA |
A2 |
CD-R |
"A2 (ACK 1029, CD-R) bringt mit BEAT KELLER (an feedbacker electric guitar) jemanden zu Gehör, der in Winterthur als Leader von Keller's 10 auf Unit Records mit einer Bandbreite von Syd Barrett bis Thelonious Monk und Jürg Frey bis Louis Andriessen verblüfft. Den litauischen Leisetreter DARIUS CIUTA, bekannt als Partner von Ilia Belorukov, Bruno Duplant oder Stefen Thut, auch an seiner Seite zu finden, braucht nicht verwundern, Keller ist ja als Interpret von Frey und auch von Christian Wolff wandelweiserisch und mikrominimalistisch bestens bewandert. Kellers schweifendes oder in sich kreisendes Sirren, Surren und Dröhnen, von Ciuta sporadisch mit Schwarzweiß-, Quatsch, Shortwave Radio in der Manier von Keith Rowe bewispert, mit feinem Ticken punktiert oder winzigen perkussiven Effekten umflattert, dreht sich auf dem Ouija panisch weg von R wie Rumpelstilzchen und hin zu D wie Dornröschen. Die AC-Macher zeigen damit eine Spannweite wie ein Quetzalcoatlus." [Bad Alchemy]
https://emerge.bandcamp.com/album/a2
"You could easily think the name Beat Keller is a wordplay on 'beats in basement', or think of The Beatles playing the Cavern, but Beat is actually not an uncommon name in Switzerland and Keller, well, that means basement in German, but also is a fairly regular last name. He plays 'feedbacker electric guitar', but is also trained as a jazz guitarist and he plays with various groups, as well as composing for other groups. I guess this new work is perhaps a bit of an oddball for him, as it sees him playing with Darius Ciuta, who plays shortwave radio and objects. This is quite far from the world of jazz, but perhaps not so far from the world of improvised music. It is, in all its subtleness, quite a radical work. The feedback produced by Keller is not always ear-piercingly loud, but it's at times pretty high pitched and generally follows slow curves when changing his pitches. Ciuta's contribution is probably no less extreme I think. At times he produces some very dry sounds, merely clicks and ticks, a bit of hiss and noise, but here too it is all very much under control. It never explodes or becomes a wall of noise. Hard to recognize a guitar in here, but also any other sound is not easy, I guess. I enjoyed this best at a somewhat lower volume; in all its abstract approach towards sound, this also has some kind of Zen-like approach, I think. Sounds move in, out and around in what could be a fairly random fashion and appear in all sorts of strange overlapping configurations. This was a great release of some excellent, different approaches." [FdW/Vital Weekly]
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2016 |
€6.00 |
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| KHOST |
Corrosive Shroud |
CD |
"Khost is Andy Swan (Iroha, Final, Atrocity Exhibition),and Damian Bennett (Carthage, Deathless).
Corrosive Shroud is the second album from Birmingham band khost, following the 2014 debut Copper Lock Hell. The album has a singular theme: inside the hand-me-down concrete relics in which we necessarily live and from which we draw perceptions. The music is the sound of lightless blocks, oxygen-starved sheds and apparitions, using stark and unrefined found sounds stacked against Khost’s massively detuned guitars. The album includes Eugene Robinson of Oxbow and Syan who add their stories to the narrative, along with personnel Jo Quail, Daniel Buess, Gustave Savy and featuring a contribution from Tel Aviv-based Hostage." [label info]
www.coldspring.co.uk
"Khost's Copper Lock Hell was a powerful debut where mammoth doom chords were pit against industrial electronics. Corrosive Shroud continues with Khost's customary slow, monolithic riffing; a half-paced grind pitched so low it just vibrates. But layered with that sound is bleak psychedelic textures, swirls of Japanese and mid-Eastern influences, ethereal chants all of which conjure up arcs of beautiful melodies. There is so much more to Khost than their room shaking hypnotic shudders but it just takes a little effort to hear them. 'Avici' continues the fascination with "avici hell", as recorded in the The Sutra of Bodhisattva Ksitigarbha's Fundamental Vows, which began on Copper Lock Hell aided by the Gnostic electronics of fellow Midlands outfit Tunnels of ĀH, who feature former Head of David singer Stephen ĀH Burroughs. They're absent from Corrosive Shroud, but some other contributors such as Oxbow's frontman Eugene Robinson and cellist Jo Quail are carried over from Khost's debut, with fresh contributors including Syan, Daniel Buess, Gustave Savy and Chris Turner.
Guitars shudder amidst pummelling and crashing drums on the opening crawl that is 'Avici', combining a low grating voice with higher registered chants that carry an air of mystical otherworldliness. Those chants are woven, like a mysterious entity, throughout subsequent tracks such as 'Revelations Vultures Jackals Wolves', 'A Shadow On The Wound' and 'Black Rope Hell'. 'Revelations Vultures Jackals Wolves' unfolds to scorched earth guitar mangling, as background voices taken on a chant like shape, as violins weave amidst the clatter of crashing drums and cymbals. Bathed in feedback and frequencies it channels similar spirits to Skullflower in their most blackened death metal moments before the grind gives way to sombre cello movements. Khost's vocal delivery is steeped in an air of black metal; an impenetrable guttural rasp that that scrapes through the reverberating riffs of 'Black Rope Hell' - which almost sounds like another "avici hell" - before cavernous metallic clanking and ritualesque chants surround the monstrous roar and floor shredding tones of 'A Shadow On The Wound'. The oppressive onslaught of Khost belies a highly nuanced and layered sound that many can - and do - miss.
Khost are a Birmingham based duo featuring Andy Swan (Iroha, Final, Atrocity Exhibition) and Damian Bennett (Carthage, Deathless) and between them they have been part of Techno Animal, Final and 16/17. Khost almost seem to follow in the lineage of Kevin Martin's Pathological label. In fact, much of the drums and rhythm samples have been provided by Daniel Buess, the experimental musician and drummer behind avant jazz noiseniks 16/17 - and of course Oxbow who feature Eugene Robinson first surfaced via the Pathological release Fuck Fest. But, whatever, it's from 'Inversion', the fifth track on Corrosive Shroud, that Khost begin to seriously detour from their industrial doom sound with spacious detuned guitars seeking out the empty psychogeographic potential of vacant urban spaces and lightless structures. Sprawling guitar tendrils extend over pummelling low end bass recalling the loping rhythmic bass that underpinned the noise rock of Ice, Sweet Tooth etc, before it lurches to industrial atmospherics and the first appearance of Oxbow's Eugene Robinson with some brief spoken words. "Which way will the coin finally fall?" Syan asks posing a conundrum before the molten cyclical dirge textures of 'Forgery'. Oxbow's Eugene Robinson reappears at the tail end of 'Red Spot', an astounding piece of experimental clatter that passes from industrial free jazz via quaking guitar scrapes propelled by machine-like rhythm before slowing to bass laden industrial atmospherics featuring the spoken drawl of Eugene Robinson ruminating on Ballardian images of destroyed structures and empty living rooms. Khost really push the boundaries of their monolithic sound here, more than justifying their experimental metal tag here while the following track, 'Bystander', sees Khost at their most aggressive and forceful. From looped thudding beats it transforms into blistering waves of distorted guitar squall and shredded vocal howl, wrapped in mystical chanting, while from the "Conquer then run" 'looped phrase 'VMIH' launches into a series of words ending on the suffix "ate": capitulate, dominate, proliferate, emancipate, intoxicate, excruciate, repatriate, etc., over mechanised rhythms and stabbing bass pound like the onslaught of early Godflesh.
Just as Copper Lock Hell closed on a remix, Corrosive Shroud finishes on the 'Avici - Hostage Remix' which sees the Tel Aviv based drum and bass soundman Hostage exploring the mystical chants and chaotic rhythmic confusion found at the heart of the opening cut.
What with Skullflower, Tunnels of ĀH, Wicked King Wicker and now Khost, Cold Spring seem to be home to some of the most blackened psychedelic sounds, with their roots mired in the sound of the early industrial groups. On Corrosive Shroud, Khost drive their hypnotic monolithic grind further into multi-layered and noise drenched areas. They're certainly one of the most progressive experimental metal projects and if they must be regarded as doom metal I'd like to think of them as industrial doom. Who cares though, Khost are fantastic and Corrosive Shroud represents another astounding release from this uncompromising duo. Great stuff. For more information go to Cold Spring" [Compulsion Online]
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2015 |
€12.00 |
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| KINETIX |
White Rooms |
do-CD |
„Hinter Kinetix steckt seit 1999 der Komponist elektronischer Musik und Klangkünstler Gianluca Becuzzi. Er schreibt: “The artistic production of KINETIX is characterised by a strong experimental imprint, by the interest into the expressive possibilities offered by the digital technologies and by a clear aesthetic inclination towards minimalist forms and micro noises/sounds.” Und tatsächlich klingt die Musik, als würden Kunstwerke der minimal art vertont werden. In den 9 Stücken der CD 1 wird die Beziehung zwischen physischen und akustischen Raumverhalten durch die Aspekte Klangvolumen, Zeit und Häufigkeit klanglich hervorgehoben. Klare digitale Signale von Summen und Sirren, die sich im Wechselbad mit großräumlich hallenden drones befinden, rufen flächige Klänge und dreidimensionale Eindrücke hervor. Auf der zweiten CD sind sehr reduzierte Sounds zu hören, die für eine Klanginstallation entwickelt wurden. Hier ist lediglich der Raum der Interpret. Hochfrequente Geräusche, ein wallendes Brummen und beinernes Knirschen umschmeicheln die Stille.
Since 1999, KINETIX is Gianluca Becuzzi, electronic composer and sound artist active since the first half of the 80’s. He writes: “The artistic production of KINETIX is characterised by a strong experimental imprint, by the interest into the expressive possibilities offered by the digital technologies and by a clear aesthetic inclination towards minimalist forms and micro noises/sounds.” (from the website) Really, the music sounds like a study about a representational work of minimal art. The first CD includes 9 pieces dealing with volume of sound, time and frequencies to underline the relationship between physical space and acoustic space. Clear digital signal-buzz changes with wide open resounding drones evoking superficial sounds and three-dimensionally impressions. The 2. CD shows very reduced sounds conceived for a sound installation. Only the room is the interpreter. High frequencies circle abstract noises, playing with silence.” [Peter Schlewinski for Drone Records]
“...Carefully constructed soundscapes of sine-waves gently moving in and out, with occasional crackles and soft whispering voices, certainly in the first part. It reminded me of some of Jos Smolders' older work in this direction (but much better recorded by Kinetix, but in Smolders' defense, he work with hissy tapes in his early days). In the second and third part Kinetix uses the voice of Alvin Lucier with his well-known ramble about rooms that he is in and you are not, but Kinetix uses it quite nicely. The fourth part is a stretched out drone piece with off and on rumbles and it moves all quite slowly. The previous works by Kinetix were nice, but couldn't convince me that much, but here it surely does. Not so much in terms of presenting something new, but it's a well-thought out disc, excellently produced, good concept and presented well. Thumbs up!” [FdW / Vital Weekly]
labelwebsite: www.smallvoices.it
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2005 |
€7.77 |
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| KIRCHENKAMPF |
Babel |
do-CD |
Dunkle Drone-Ambience, hallend, wummernd, unheimlich...metallische Obertöne, endlose Flächen & Äthernoise ... wie fast immer sind es religiöse Themen, die ihren Ausdruck finden bei KIRCHENKAMPF; beeindruckend, wie das ganze am Ende in immer bedrohlichere, ausserweltliche Gebiete abdriftet... filed under: apocalyptic dark ambient.
" "Babel" follows the recent and well-received albums "Island of the Dead" (on Cohort) and "Transmissions" (which we released last year). It is an extremely dynamic and dense work that could generally be classified as experimental dark ambient. The theme here is the Tower of Babel and each disc takes a somewhat different yet complimentary approach: the first ("Red Babylon") is generally a rather heavy and intense recording, while the second ("Citadel of the Nevermind") is more droney and dream-like. A profound and monumental journey lasting well over two hours. 'kirchenkampf', the project of John Gore (Cohort Records, The Oratory of Divine Love, >wirewall<), has been active since 1986. Since that time he has released numerous recordings on his own and other labels. Additionally, John has collaborated with a number of others, including Steve Hall (Yen Pox), C. Reider, and Brett Smith (Caul). The CDs come packaged in a stunning printed gatefold sleeve." [press release]
http://discs.diophantine.net/
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2007 |
€16.00 |
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| KLINE, PHIL |
Around the World in a Daze |
2 x DVD-A |
Ausschweifender & hochgelobter neuer Release von PHIL KLINE, den wir bisher nur von der sehr schönen "Glow in the Dark" CD kannten (1998). Dabei ist er in den Staaten sehr bekannt, hat in frühen 80ern eine Band mit JIM JARMUSCH gehabt, war Bestandteil des GLENN BRANCA.Orchesters, und hat als Klangkünstler in diversen Galerien Klang-Installationen "ausgestellt"... AROUND THE WORLD IN A DAZE wurde speziell für "surround sound" aufgenommen und zeigt auf 10 Stücken eine grosse Variabilität, verbindet Komponiertes mit "gefundenen" Quellen, meist geht es um minimale konzeptuelle Arrangements basierend auf vokalem, elektronischem und kammermusikalischem Material; von harmonischen, fast kitschigen Melodien bis hin zu übereinandergeschichten Tape-Flächen und obskuren Field Recordings, z.B. eine Aufnahme aus Afrika von Tausenden Graupapageien die mit seinem dronigen "tape choir" verbunden werden, und ein echtes "Madrigal" gibt es auch zu hören.
Auf der zweiten DVD ist dann Film-Material: MEDITATION (8+ min), ein Film / Musik-Clip mit PHIL KLINE, ein 35minütiges Interview mit ihm und einige Fotos. Kommt in einer übergrossen Doppel-DVD Hülle, mit ausführlichem Booklet.
"Leading new-music composer Phil Kline debuts a major work on this new surround sound DVD. Heard here for the first time, this 65-minute studio composition was commissioned by Starkland to premiere on this high-resolution surround-sound DVD. Daze is Kline's longest work and biggest commission to date. Daze is also likely the largest work so far commissioned for a high-resolution surround-sound recording. Performers include the uber-cool Ethel string quartet and violin virtuoso Todd Reynolds. Surround-sound tracks place listeners inside wondrous boombox choirs, an ethereal Ethel string quartet, a weird madrigal, hyper-dense bells (hundreds of thousands at one point), richly mournful multi-tracked vocals, soaring violinistics, and an immersive environment of 15,000 African gray parrots. The release also offers a second Extras DVD with a composer-produced music video and a 30-minute interview with Kline and John Schaefer. The custom 5"x10" digipak includes a 24-page booklet. The two DVDs contain a total content of 110 minutes. This release follows Starkland's groundbreaking surround-sound Immersion DVD, now recognized as the first commissioned high-resolution surround-sound recording. Immersion won praise from Sound & Vision, Stereophile, Billboard, etc. and was the #1 best-selling DVD-Audio at Amazon for nearly a year. The main disc offers Daze in several formats for various home playback setups: the standard Dolby Digital 5.1 Surround, DTS 5.1, and high-resolution audiophile DVD-Audio, as well as a stereo version. Playback of the Daze music is accompanied by over 80 images shot by Kline."
[label description]
www.starkland.com
"..From the title you may deduce that space is a keyword in this production. Recordings for this project were done all over the world. But besides Kline is very interested in the spacial aspects of music and sound. He played with these aspects by using whole sets of boomboxes for the recording of most tracks. Besides this main interest, other musical items led him by constructing ten very different works. The lengthiest piece 'Pennies from Heaven' is the one I liked most. Because of the sound and because of the structure of the piece. The same descending scale is repeated and repeated again, transposed and multiplied, etc. The constant downward movement is very imaginative and brings about a meditative state. Also the opening piece 'The Housatonic at Henry Street' fascinates because of its multilayered and detailed soundspectrum. Other pieces use the human voice as the most important material, like 'The Wailing Wall' resurrected by the voice of Kline himself. Two other pieces have the violin in the center: 'Svarga yatra' and 'Grand Etude for the Elevation'. The beautiful concluding piece is built from field recordings done in Central Africa. Tracks differ also because for the different structuring principles that are used. But as said the pieces impress above all because of their soundqualities and spatial characteristics. Each piece is accompanied by its own series of photos. Nice photos often. From urban environments, to nature, etc, etc. But I didn't need them for enjoying the music, nor the other way around. And I couldn't bridge them in my imagination. While listening I felt a bit 'imprisoned' by looking at the same time at the pictures. Well, this also a spatial effect I guess. The second dvd has an extensive interview with Kline commenting on each piece. This gives a good insight in what Kline had in mind. Congratulations for Starkland for releasing this extraordinary and well-documented release." [DM, Vital Weekly]
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2009 |
€16.50 |
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| KLUSTER |
Zwei Osterei |
CD |
Das 1971 erschienene Album "Zwei Osterei" ist das Ergebnis des zweiten Teils einer legendären Aufnahmesession, die im November 1970 an einem einzigen Tag stattfand. Mit dabei: die drei Musiker, Künstler und Performer Dieter Moebius, Hans-Joachim Roedelius und Konrad Schnitzler sowie Conny Plank als Produzent. Der erste Teil, die Platte "Klopfzeichen", erschien bereits ein Jahr zuvor. Allerdings übertrifft "Zwei Osterei" in seiner Konsequenz, in seiner harschen Geräuschhaftigkeit und seinen brutalen Lärmattacken das vorangegangene Album ganz erheblich. Alles, was an revolutionärer Verve der späten 60er-Jahre noch aktiv war, scheint in dieser Musik brennglasartig konzentriert zu sein: ästhetische Destruktion, um den Kopf und die Ohren freizubekommen für utopische Entwürfe; endgültige Verschmelzung von Kunst und Pop zu etwas völlig Neuem; schrankenlose musikalische Freiheit, gepaart mit der Lust am Geräusch. Alles das ist "Zwei Osterei". Die Linernotes des Reissues stammen von Asmus Tietchens, erhältlich als CD, Download und 180g-Vinyl.
https://kluster-official.bandcamp.com/album/zwei-osterei
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2012 |
€13.00 |
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| KOBI |
Dronesyndrome |
CD |
Drone-Impro aus Norwegen auf SILBER! KOBI arbeiten mit Synths, Guitar, Drums, Double Bass, Accordion, Cello, Dictaphone, etc.. auf den 9 hier enthaltenen Stücken schaffen sie Dronescapes und mysteriöse Klangkörper mit interessanten Texturen, zwischen Oberton-Drone-Äther-Sounds und „konkreter“ Impro .... zweite CD auf Silber für diese Gruppe aus dem ORIGAMI – Umfeld:
“Layers of deep drones and pulsating electro-acoustic manipulation. Listen closely and you'll discover whole worlds of subtle aural beauty that as a whole creates one of the most well crafted and enticing drone albums I've heard in a while. Improvisation and experimentation at its finest by Kai Mikalsen and his Norwegian crew.” [label info]
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2005 |
€12.00 |
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| KONRAD KRAFT |
Nifbin Circle (coloured) |
LP |
Nifbin Circle is the fourth release by Detlef Funder, aka Konrad Kraft, on the Cologne label Aufabwegen.
Sounds generated with two apps on the iPad, provided the basic structures and the sound space. The strangely enraptured textures created in this way, with a subtle percussive touch, were partly combined with supporting beats in the course of further processing. Thus, after more than 30 years, tracks with rudimentary melodies and rhythms were created again.
Biography - Konrad Kraft (aka Detlef Funder)
1980, First tape productions in the field of Experimental/Industrial under the moniker Konrad Kraft.
1983, Assemblage of own first studio to realize tape recordings
1985 – 1994, Founding and managing Düsseldorf record store and label SDV-Tonträger.
Expanding the studio to 16 track facility; recording, production and release of various internationally renowned projects like Konrad Kraft & Dino Oon, Mynox Layh, TUU, Paul Schütze etc.
1992 – 1999, Various Voice-over productionen for german TV (arte, ZDF, ARD etc.)
1992 – 2006, Numerous productions iin the area of Techno/Trance for different labels, internationally booked DJ and live act
1999 – 2007, Founding and managing of 4CN-Studios Bochum for audio productionsa and mastering
2011, Konrad Kraft CD Temorary Audiosculptures And Artifacts released on Cologne based label aufabwegen
2016, Founding of „Paraschall“ label and studio for mastering and sound design.
Quadrat 12“ Vinyl released on aufabwegen
2016, Collaboration with Kai Angermann and formation of the duo Angermann/Kraft (prior Elektrofrühstück) and publication of CD Algorithm on Paraschall/Düsseldorf
2018, Reissue of Konrad Kraft Arctica tape on CD and LP via TAL, Düsseldorf
2019, OVAL 12“ Vinyl released on aufabwegen
2021, OBTAAL 2X12“ Vinyl Para002, Paraschall Records. Lim ed. of 250 copies with handmade cover.
2023, Nifbin Circle 12“ Vinyl, aatp09 is published by aufabwegen
2023, Stumm, Detlef Funder und Bernd Sevens, TAL Music (forthcoming)
2011- ongoing, selected live appearance at international festivals and venues, such as A/B Brüssels - Bel., Meakusma Festival - Bel., Image Movement – Berlin, Stadtgarten Cologne, Salon Des Amateurs – Düsseldorf, Weltkunstzimmer – Düsseldorf, BlackBox - Münster and more.
https://aufabwegen.bandcamp.com/album/nifbin-circle
"Nach „Oval“ erscheint auf Auf Abwegen mit „Nifbin Circle“ das neue Album von Konrad Kraft und das insgesamt vierte auf dem kleinen Kölner Label. Kraft, bürgerlich Detlef Funder, dessen Pseudonym auf Conrad Schnitzler und Kraftwerk verweist, beschreibt die Stücke als „tracks with rudimentary melodies and rhythms“, resultierend aus der Arbeit mit „two apps on the iPad, [which] provided the basic structures and the sound space“.
Tatsächlich ist schon direkt der Opener „Flabdragon Level 3“ ein verspielt klingendes Stück, das fast schon an ein Depeche Mode -Instrumental aus den frühen 80ern, so in etwa zur Zeit von „A Broken Frame“, klingt, das man vielleicht in einer alternativen Realität als B-Seite einer Single verwendet hätte. B-Seite nicht verstanden als etwas (nur) Sekundäres, sondern im Sinne von weniger kommerziell, aber eventuell spannender als die A-Seite. Es gibt ein tolles Zusammenspiel von perkussiven Momenten und leicht melancholischen Melodien. Das darauf folgende Titelstück mit bassartigen Sounds scheint aus vielen Schichten und Ebenen zu bestehen. „Fanznel Re“ ist mit Knistern und melodischen Flächen etwas reduzierter und erzeugt eine leicht dunkel-melancholische Atmosphäre. „Imrobial Connected“ besticht durch pulsierende flächige Sounds und pochende Rhythmik „Ilsimits II“ lässt kurzzeitig an Coils „Paranoid Inlay“ denken. Auf acht Stücken kreiert Kraft eine ganz eigene wie eigenwillige Form von abstraktem Elektropop, dessen oben zitierte „rudimentären Melodien“, an denen er sich laut Selbstauskunft erstmalig seit 30 Jahren versuchte, überzeugen." (MG)
"There is a great interplay of percussive moments and slightly melancholic melodies... crackling and melodic pads create a slightly dark-melancholic atmosphere... Kraft creates a very unique and idiosyncratic form of abstract electro-pop, whose "rudimentary melodies" are convincing." (African Paper). |
2023 |
€23.00 |
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| KORBER, THOMAS / RALF WEHOWSKY |
Walküren am Dornenbaum |
CD |
"This three year-long collaboration begun in 2006 when Korber and Wehowsky embarked on intense recording sessions in Eggenstein, where the latter resides, lasting several days. The output from these sessions forms the basis of this work, augmented by additional field recordings and various electronic manipulations. Korber and Wehowsky used the same software which allowed them to exchange the pieces at any stage of the compositional process, so that every detail of the music could be shaped in a truly collaborative manner. The result obliterates the borders between improvisation and composition, spontaneity and careful planning. Tomas Korber (Zurich, 1979) received a basic training in clarinet and music theory alongside guitar lessons. He discontinued these studies after five years, shortly thereafter teaching himself to play electric guitar and use the computer and other electronic devices for music making. Korber has written compositions and played improvised music since the early 1990s. He is a prolific solo artist and performer; his work includes film scores and music for dance and theatre, as well as numerous collaborations. In 2009 he was awarded an artist residency in New York City by the Department of Cultural Affairs of the City of Zurich. Ralf Wehowsky founded the group P.D. (later renamed P16.D4) in 1981 and the label Wahrnehmungen in 1980, which was renamed Selektion in 1982. P16.D4 was a highly influential and experimental group. Their concept of materialaustausch (material exchange) was developed long before the term Ôremix' was coined. They performed at punk and No Wave festivals as well as at the bastions of academic avant garde such as Ferientage Neuer Musik in Darmstadt. In the early 1990s Wehowsky adopted his RLW moniker. His quiet, highly complex style of composition is based on artifacts of instrumental and electronic lateral noises. First edition of 300 copies." [label info]
www.entracte.co.uk
"Nur mit einigen Schwierigkeiten konnte ich diese laminierte Musik aus ihrer Verschweißung pulen. Aber wer würde bei dem Titel erwarten, dass einem da etwas leicht gemacht werden soll? Der Zürcher Bruitist ist durch Releases auf Cut und For4Ears, mit Mersault und dem Signal Quintet, ein seit 2003 wiederkehrender Name in der Noise Culture. Aka RLW reitet bereits seit 1980 ohne Furcht und Tadel auf den steinigen, dornigen Pfaden der Musique concrète und der experimentellen Klanggestaltung. Wobei ich immer schon lieber Spiel als Experiment dazu gesagt habe. Was die beiden da miteinander spielen, zielt, durch die Anweisung PLAY LOUD! forciert, auf das Hör-, nicht auf das Sprachzentrum. Wie es also in Worte fassen? Vinylglissandos und entsprechend verzerrte Samples, manchmal wie von gurgelnden Stimmen, mischen sich mit sirrendem Bohren, rau holpernden, rauschenden Verschleifungen, granularer Körnigkeit, zittrigem Mikrobeben, zischendem Brausen, streuenden Pixeln, aufwallendem und verhallendem Gedröhn zu durchwegs plastischen Eindrücken. ‚Leben in roter Landschaft‘ könnte auch ein Informel- Gemälde heißen, von Schumacher oder Tàpies. Die Ohren tasten über wulstige, körnige, löchrige Oberflächen, voller Grus und mit splittrigen, strohigen Einschlüssen. Als wären das Braillezeilen für brobdignagsche Fingerkuppen, oder eben Vinylauslaufrillen im Riesenformat. ‚Abstieg der Geisterseher‘ fiept zage, plinkt und flattert dazu drahtig. Tropfen hageln und prasseln, aus Liliputperspektive wird diese Perkussion zum katastrophalen Steinschlag. Zuletzt prasselt und knurscht noch einmal eine rote Landschaft, mit Effekten, als würde ein Tonband rückwärts gespult. Das ist nicht der Stoff, aus dem die Träume sind, sondern Reibungsflächen und Strahlungsimpulse des Materiellen." [Rigobert Dittmann, Bad Alchemy]
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2010 |
€13.00 |
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| KOUW, MATTHIJS |
The Great Image has no Form |
CD |
“The structure being so large, in order for an impression leading towards a possible overview, the participant, of necessity must encounter the limits of what they are able to hold in front of themselves. In doing so, a sort of ’stretching’ must take place, and with it, a kind of ‘friction’, which provides the energy necessary for Work, on a small scale.” - Andrew McKenzie
On this album, Matthijs Kouw presents pensive and melancholic drone-driven music driven by his long-time interest in Daoism and inspired by his visit to the Wudang mountains in China in 2007, where he studied Chinese meditation and martial arts.
Much like the Chinese landscape painting that provides the artwork for this release, the drones on The Great Image Has No Form slowly coalesce, evolve, and morph into metastable structures that linger on, only to slowly evaporate and dissolve into the undifferentiated.
Daoism teaches us that the foundational cannot be named and identified, but rather has to be experienced firsthand. This album is an invitation to the listener to dwell in this space of the unnamable and the mysterious, and to embrace it wholeheartedly.
https://escrec.bandcamp.com/album/the-great-image-has-no-form
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Review by Peter van Cooten in Ambientblog:
Esc.rec. is a Dutch boutique label and platform for ‘adventurous music’. Its output is diverse, often with a strong relation to art projects, and – indeed – the best way to describe it is ‘adventurous’. Though some of their releases could be defined as ambient music, most are more ‘adventurous’ (duh) than that – ‘experimental’ is a better description. Which is why you’ll only find a small fragment of their output mentioned here. Which obviously does nót mean the other releases are not worth checking out too!
Matthijs Kouw‘s The Great Image Has No Form may very well be their most minimal ambient release to date. Kouw is a Dutch experimental musician ‘exploring the relationship between movement and stasis – combining long-form drone with elements from acousmatic music, noise and microsound’. He does so on his solo work (often as MVK), but he also explores extreme minimalist drones in collaboration with Radboud Mens.
The Great Image Has No Form was inspired by Kouw‘s visit to the Wudang Mountains in China in 2007, where he studied Chinese meditation and martial arts as a result of his long-time interest in Daoism. “Daoism teaches us that the foundational cannot be named and identified, but rather has to be experienced firsthand”. This is perfectly captured by the five pieces on this album, ranging between 5 and 17 minutes, dwelling in the unnamed space of complex drones – the kind of sounds for which you need a certain detached state of mind to fully appreciate them.
It is ‘minimalist’ music, but these are nót minimalist drones: there’s a lot happening in the deceptively static sound field which is constantly moving and shifting. “The drones slowly coalesce, evolve, and morph into metastable structures that linger on, only to slowly evaporate and dissolve into the undifferentiated.”
The album comes in a stunningly beautiful foldout sleeve with artwork by Xia Gui, a Chinese landscape painter of the Song Dynasty who lived from 1195-1224. The beauty of this image is somewhat contradictory to the album title… The Tao that can be named is not the real Tao. Interesting enough to reflect upon while listening to Matthijs Kouw‘s sonification of the principles of Daoism.
https://clinamen.bandcamp.com/album/the-great-image-has-no-form |
2019 |
€14.00 |
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| KRAKEN |
Untitled |
CD |
"kraken is back and pulls us down into the abyss - a dark, cold and desolate place that is filled with the droning of oscillators. authentic field recordings mingle with evolving rhythms, and the underlying tension created by the poignant confessions of human beings adds to the unique flavor of kraken: equally fascinating, enchanting and disturbing, the sounds cut right through our souls. for fifty minutes, kraken keeps us in its tight grip and we all cannot resist but realize our own fugacity. fifteen years past the first kraken release, its epitaph is more actual than ever before: when gazing into the abyss for too long, one tardy realizes that he is part of it. from within the vast depths, raubbau brings to you the latest album, unnamed." [label info]
www.raubbau.org
"Lange Jahre haben wir die beiden Belgier auf NONPOP begleitet. Insbesondere ab Mitte der so genannten Nullerjahre waren JORIS VERMOST und RICARDO GOMEZ Y DE BUCK sehr aktiv, brachten regelmäßig ihre klaustrophobischen Tiefsee-Soundtracks zwischen Dark Ambient, Noise und Collage unter die Leute. (Ein Interview zur Arbeit von KRAKEN findet Ihr hier.) Mit "Strop" auf RAUBBAU (Besprechung) schien sich dann zu bewahrheiten, was KRAKEN aus Spaß bis dahin zu jedem Album sagten: Es sei ihr finales. Vier Jahre Funkstille ohne jedwede Ankündigung neuer Aktivitäten. Umso erfreuter war ich über die Nachricht von RAUBBAU, dass nun tatsächlich ein weiteres Album erscheint, passend zur Zurückhaltung einfach ohne Titel – "Untitled". "A dark, cold and desolate place" verspricht das Label, "equally fascinating, enchanting and disturbing" – diese Beschreibung deckt sich mit meiner bisherigen Wahrnehmung von KRAKEN. Und auch die gleichzeitig ästhetischen, aber sehr trostlosen Alltagsfotos, mit denen das Duo seit jeher seine Alben schmückt, deuten auf Kontinuität hin. Tatsächlich hat auch das aktuelle Werk eine hohe Wiedererkennbarkeit und liefert mit dem ersten Track einen der besten der Bandgeschichte.
"Untitled 1" beginnt überraschend mit einem deutschen Text: Eine furchtsame und angewiderte, rezitierende Frauenstimme (mit Akzent) berichtet von einem "schwarzen Loch, das alles verschlingt". Sie flüstert von Verfall, Drogen, Tot und Unrat – also vom ganz normalen Leben. Harsche, knirschende, aber nicht unschöne Sounds fügen sich darunter zu einem Ambientteppich, der wiederum abrupt von Billigbeats, von Surren und Knattern unterbrochen wird. Es folgt eine melodiösere Strecke mit Gitarrentönen, die weiterhin den Gegensatz des gesamten Albums aufrecht hält: schön vs. hässlich, Freundlichkeit vs. Verderben. Das Flüstern und allerlei mystische Geräusche spielen eine Rolle, manchmal erinnert das Stück gar an geknurrten Urfolk, um am Ende wieder von flächiger Trostlosigkeit eingeholt zu werden. "Untitled 2" wirkt als Collage aus diversen, organischen Sounds. Zwischen Field Redordings und Vocals schiebt sich ein Drone und bringt einige rituell anmutende Komponenten wie Stammesgeheul oder Kampfesrufe mit. "Untitled 3" besteht im Wesentlichen aus dem rhythmischen Peitschen von Frequenzen, ebenfalls mit entfernt unterlegten, menschlichen Geräuschen. Hypnotischer Dauerbeschuss wie intensives Hubschrauberdröhnen. In "Untitled 4" spielt erneut eine Frauenstimme – spanisch? – die tragende Rolle, spricht verzweifelt zu höhligen Sounds. Das Stück geht dann über in ambienthafte Drones und verströmt die das Album durchziehende, unheimliche Atmosphäre. "Untitled 5" schließt sich nahtlos an, als düstere Soundhöhle mit weiteren Vocals, hier kommt sehr deutlich das typische KRAKEN-Flair zum Tragen, der Bezug zur See mit Geräuschen wie knarzenden Schiffsbalken. "Untitled 6" schließlich ist überwiegend ein noisiges, ansteigendes Kreischen, das Abheben eines Düsenjets oder platzende Lungen bei Sauerstoffmangel im Wasser. Am Ende läuten die Totenglocken, mit denen die rund 55 Minuten auch begonnen haben.
Belgien steht ja bei der Fußball-WM hoch im Kurs. Musikalisch fällt mir in der Regel wenig zu diesem Land ein. KRAKEN allerdings sind ein Aushängeschild, und ich bin froh, dass sie sich wieder zeigen. Diese Mischung aus Trostlosigkeit und Eleganz, die Reduzierung auf menschliche Ängste und Triebe in Kombination mit der sich manchmal einschleichenden Unterwassersymbolik – das ist einmalig. 'Human Dark Ambient', vor allem im ersten Stück auf ganz hohem Niveau." [Michael We. / NON-POP]
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2014 |
€6.00 |
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| KRAUSE, ANDRES |
Move Ground |
LP |
"The development and reproduction of new sound spaces, Move Ground is based on the soundtrack of an audio-visual installation of the same title that was premiered at the third Horkunst Festival in Erlangen, Germany in 2005. Field recordings from locations with inspiring acoustic qualities in Cologne were edited and mixed with select electronic sounds to create a sonic journey exploring varying external and internal spaces, providing an experience of the atmosphere and the spatial dimensions of the different locations. Move Ground was recorded and mixed by Andrés Krause in 2004-2006."
"From the top you can make out the wonderful and awesome sight of the plains that lie below, worn out at the foot of the city. On the horizon tall brick chimneys, round and square, vomit billows of soot into the clouds, while little further down, barely passing over the flat roofs of workshops covered in bituminized felt and sheet metal, whistling jets of white steam escape from thin aluminum flue pipes. A great silence descends over the plain as the rumble of the city dies out little by little and the noise from distant factories reaches you but falteringly. Sometimes, however, like a horrible complaint, you can hear the dull, raucous whistle of trains from the station as they pass, hidden by an embankment planted with acacias and ash trees. Finally, in the distance, in the far distance, a large white road climbs a hill and loses itself in the sky, its summit crowned by a billow of dust, like a cloud stirred up by an invisible horse drawn cart, hidden by the curve of the earth." [label info]
"Der Kölner Künstler Andrés Krause wirkt im Verborgenen. Große zeitliche Abstände liegen zwischen seinen Releases und auch die Musik selbst ist von einer gewissen Flüchtigkeit und strahlt etwas von dunklen Geheimnissen aus. Move Ground erstreckt sich in vier Parts über zwei LP-Suiten und ist wieder eine kraftvolle und intensive Arbeit geworden. Aber auch hier wird der Hörer nicht durch augenscheinliche Dynamik ins Geschehen hineingezogen, sondern muss sich den Zugang gewissermaßen erlauschen. Ein Aufkleber auf der Hülle verweist als Sourcings auf Klänge des Kölner Außenraums – kaum zu glauben, lassen die bassig-schabenden, irgendwie noch vorne drückenden Klänge doch eher an Unterwasserlandschaft oder schattige Höhlen denken. Lediglich im Part 4 von Move Ground treten konkrete Klänge aus den tiefen Frequenzschichten hervor: ein pochender Rhythmus wie von Fußstapfen mischt sich in die Textur, auch meint man, Stimmen zu hören. Ein Release, dem man Zeit geben muß, um auf as Gemüt zu wirken." [Zipo / Auf Abwegen]
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2010 |
€18.00 |
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| KREBS, K.M. |
Alchymy |
CD-R |
Already the 14th CDR release in this nice drone / experimental ambient/ field-recording-series (who also offer a big amount of online-release on their website) with extraordinaire packaging. KEVIN KREBS convinces with 9 pieces (55 minutes) of electro-acoustic drone-soundscapes, using field recordings and more "played" concrete elements from instruments or objects at the same time, for a stunning result where one can focus the attention totally. Sometimes the compositions seem to float and stream, at times they appear to be more collaged..... Great album, which really should have more than just 60 listeners..
"The voiceless heart of alchemy is a deepening into metaphor. The resplendent and complex array of colours, animals, and techniques that
initiate transformational processes. A quickening of the leaden world of quotidian experience, unearthing a 'participation mystique' and deconcretizing the symbolic face of the world. 'Alchymy' is an ear placed on the imaginal heart, a dialogue of field recordings, musical fragments, noise and silence: focused yet expansive, complex, subtle and shimmering. A work of archetypal listening. "Even sleepers are workers and collaborators on what goes on in the universe." -- Heraclitus. liner notes by Kevin M. Krebs." [label info]
www.con-v.org
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2007 |
€5.00 |
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| KRENG |
The Summoner |
LP |
LP : Laser-Cut Outer Sleeve in Fulltone Bronze & Black, incl. full Color Insert
"The Summoner comes 4 years since the last Kreng album Grimoire and 3 years since the massive retrospective box set Works for Abattoir Férme 2007-2011. A lot has happened in between, and this new recording can be seen as quite the departure from the aformentioned.
His most personal album to date, The Summoner is based around the 5 stages of mourning and is made after a year of losing several close friends. Hard enough material to work on, he decided to add a 6th stage, entitled The Summoning to be able to arrive at the finalé, Acceptance.
Conjuring up the spirit of György Ligeti, the first half of the album is made entirely of 12 string players being directed to play around, make noisey clusters and crescendoes, moving you between Denial, Anger, Bargaining and Depression. In fact, The Summoner is the first Kreng album NOT made by hordes of samples. Music to really dig deep in to.
Following into the second part of the album, twists and turns are taken and it's hard to know where exactly you are. The Summoning's haunting organs and smoke-filled chambers lead you in to an earth- shaking wall of guitars, drums and bass courtesy of Belgian doom band Amenra. Leaving you in a state of shock, the album closes in an incredibly heartfelt and quiet way with the fittingly named Acceptance." [label info]
www.miasmah.com
"The first release from Kreng since 2011, but well worth the wait. While the sound sources on The Summoner are quite the departure from his 2011 release Grimoire, the dark and disorienting atmosphere is still here. Here Caudron conducts a dozen string players, creating a twisted and droney orchestral mass that explodes and dies without warning, bringing to mind the terrifying works of Polish composer Krzysztof Penderecki. The song titles here, too, tell Caudron's story as the five stages of grief, going from "Denial" to "Acceptance". The first four tracks are dark, twisted, orchestral soundscapes, dynamic and haunted that slowly goad you into Caudron's warped world. The climax of the album is without doubt the titular track, sandwiched between "Depression" and the somber "Acceptance". The 15-minute long track features Belgian doom band Amenra (whose album Mass V we reviewed back in 2013) providing the slow, crushing trudge (with maybe the slightest, SLIGHTEST hint of uplifting melody) to bring the whole piece to a bombastic, epic zenith. Very few out there can capture the range of emotion and atmosphere that Kreng can - terrifying, cathartic, bleak, and maybe just a little bit uplifting. For fans of Gnaw Their Tongues, The Caretaker, and anything on the Miasmah label." [Aquarius Records]
"Es sind schon viele Alben aus Trauer entstanden, und viele handeln von der Trauer um eine geliebte Person. Alben, die das Trauern als solches zum Thema haben, sind seltener. Das könnte damit zu tun haben, dass die Frage nach den Mechanismen des Trauerns sehr theoretisch anmutet, aber sie ist auch komplizierter als man vielleicht denkt, denn eine Trauer, die sich weder in die Verdrängung noch in Selbstmitleid flüchtet, erfordert Leidensfähigkeit und ist keineswegs eine passive Angelegenheit.
Für den Belgier Pepijn Caudron ist das Thema auch keine theoretische Sache, denn der Grund für seine Beschäftigung mit dem Wesen der Trauer ist ein sehr persönlicher und rührt aus dem Verlust einiger ihm nahestehender Personen. Irgendwo stieß der Musiker auf die psychologische Beobachtung, dass Trauer häufig in mehreren, sich teilweise widersprechenden Phasen bewältigt wird. Zunächst schreckt der Trauernde davor zurück, den Verlust und den damit verbundenen Schmerz anzuerkennen und klammert sich mit unterschwelliger Verzweiflung an die Zeit vor dem Verlust. Da eine solche Verleugnung nur auf Zeit funktioniert, stellt sich bald so etwas wie Wut ein, Wut auf den Verlust als solchen, vielleicht auch auf die betrauerte Person, aber auch auf sich selbst und die eigene Unfähigkeit zu verleugnen und zu verdrängen. Mit der Phase des inneren Abwägens setzt der erste Schritt in Richtung Akzeptanz ein, dem allerdings meist eine Phase der Depression vorausgeht: Erst wenn diese durchlebt ist, kann der Trauernde den Schicksalsschlag akzeptieren.
Caudron erkannte in dieser Beschreibung so viel von seinen eigenen Erfahrungen wieder, dass er den Drang verspürte, seinen eigenen Weg durch die Trauer in einem Album durchzuarbeiten. „The Summoner“, das auf diesen Erfahrungen und Überlegungen beruht und doch noch einen Schritt weitergeht, stellt in der Diskografie des Musikers schon deshalb eine besondere Wegmarke dar, weil hier erstmals mit Studiomusikern statt ausschließlich mit Samples gearbeitet wird.
Die minutenlange Stille, mit der „Denial“ beginnt, könnte glatt für all das stehen, das der Trauernde, beide Hände auf die Ohren gedrückt, nicht wahrhaben will. Doch es ist eine trügerische Stille, in der sich klammheimlich eine unerbittliche Realität zusammenbraut, die durch ihr schwelend kreisendes Dröhnen, durch seltsame Stimmen und entferntes Gerumpel so bedrohlich wie ein düsteres Wahngebilde anmutet. Caudrons Erfahrung bei der Arbeit fürs Theater kommt ihm schon hier zugute, denn die leicht überhörbaren Details schwirren derart gekonnt im Raum herum, dass man auch als Hörer dieser Wirklichkeit kaum entweichen kann. Die darauf folgende „dialektische“ Folge von wenig Licht und viel Schatten weiß ebenfalls davon zu kosten – das trockenere, direktere „Anger“ mit seinen lauten und eruptiven Streicherkaskaden, das mit viel orchestralem Geklapper vor sich hinsuchende „Bargaining“, das weitaus eindeutiger dahingleitende „Depression“ und zuletzt die genügsame Ruhe des schlichten Pianos in „Acceptance“.
Mit „The Summoning“ geht Caudron über das Theoriekonzeot hinaus und markiert den Punkt, an dem der schwärzeste in den lichtesten Abschnitt übergeht. Wie um zu zeigen, dass an der Stelle etwas neues geboren wird, scheint er hier noch einmal das ganze Album zu bündeln und über sich selbst hinauszuführen, und es ist nicht unpassend, dass er dies nicht im Alleingang vollzieht, sondern seine Landsleute von Amenra mitmischen lässt. Das schleppende Schlagwerk, die kraftvollen, kernigen Gitarrenwände und das heißere Gröhlen der bekannten Doommetaller, die im Normalfall als niederdrückend empfunden werden, wirken hier fast so erhebend wie eine Levitation." [Uwe Schneider / African Paper]
africanpaper.com/2015/05/09/kreng-the-summoner/
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2015 |
€17.00 |
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| KUBISCH, CHRISTINA |
Five Electrical Walks |
CD |
"Christina Kubisch präsentiert mit »Five Electrical Walks« (Important Records) eine Musik, welche aus einem Fundus an Bestandteilen komponiert wurde, die sich zum einen praktisch selbst generieren. Abhängig sind sie zum anderen jedoch um so stärker vom neugierigen Empfinden der Menschen, die hier im Prozess der Klanggewinnung jeweils als Medium fungieren. Um elektromagnetische Felder hörbar zu machen, hat Kubisch bereits 1981 einen speziellen Kopfhörer entworfen, der hörbar macht, was sich den Sinneseindrücken üblicherweise vollkommen verschließt: Wer ihn auf den Ohren trägt, hört, was zweifellos da ist, aber was augenblicklich kein anderer mit seinen Sinnen erfasst.
Das Artwork zu den fünf Spaziergängen dieser Sorte wurde nun zum einen recht sachlich bis ansehnlich gehalten und zum anderen an manchen Rändern unscheinbar verziert von einigen der bemerkenswerten Zeichnungen, die Kubisch ebenfalls aus den elektromagnetischen Feldern gewinnt. Diesen haftet stets etwas sonderbar Geordnetes an, das sich in Reih und Glied auftürmt, um letztendlich doch nur eine vage, kantige Ahnung zu hinterlassen von dem, was sich in dieser durchdringenden Musik so geisterhaft und doch auch so förmig manifestiert. Die Klangskulpturen, die ihrerseits mal schlängeln, mal pulsieren, sind hierbei zu einigen Anteilen strikt ortsgebunden und beflügeln durch diesen individuellen Charakter die Sehnsucht nach einer eigenen Begegnung mit diesen Räumen und Plätzen, auf den Punkt gebracht durch die eigenen Worte von Kubisch zur Beschreibung von »Night Shift«, einer wunderbar finsteren Collage, die in verschiedenen Bahnhöfen und Flughäfen aufgenommen wurde: »What you see and what you hear seems to create a new, unknown reality.«
Man mag dieses Album als eine Dokumentation einer durch und durch künstlichen Addition zum menschlichen Wahrnehmungs-instrumentarium betrachten. Erfassen aber lässt es sich beispielhaft leicht und intuitiv: »Five Electrical Walks« ist ein wahrhaft inspirierendes Projekt, das den kindlich ungetrübten Synästheten in seiner Hörerschaft anspricht. Überhäuft wird man mit einer Vorstellungsverknüpfung nach der anderen, ohne jemals Kontrolle über das bunte, in einen zeitgemäßen Elektronik-Sound gekleidete Treiben zu erlangen: Die musikalischen Resultate, die sich durch einen sauber ausgearbeiteten Filter manifestieren, sind von einer zuweilen recht spröden, aufwühlenden Qualität, die dem Effekt der angesprochenen Grafiken recht deutlich entgegensteht. Ein noch größerer Kontrast im Rahmen einer Präsentation, die beide Ausdrucksweisen zu gleichen Teilen berücksichtigt, könnte die eindrucksvollsten Aspekte dieser Arbeit womöglich deutlich vertiefen." [Kai Ginkel / SPEX]
"Christina Kubisch is a first generation sound artist of the highest order. Kubisch has been working with electrical induction since the late seventies and in 2003 she began her Electrical Walk installations. Listeners wear specially built headphones that reveal electro-magnetic radiation emanating from the technological world around us. Five Electrical Walks is her first collection of compositions utilizing material recorded during Electrical Walks." [label info]
www.importantrecords.com
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2007 |
€14.00 |
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Magnetic Flights |
CD |
"Two brand new pieces from one of the most exciting, active & relevant members of the first generation sound artists. Magnetic Flights is a perfect follow up to Five Electrical Walks (IMPREC167) and it is being released at the same time as a collection of two of Kubisch's unreleased archival pieces, also on Important.
Magnetic Flights is entirely made of electromagnetic field recordings of international airports and inside airplanes. The recordings of this piece were made by Christina Kubisch on her travels in 2007 from and to the airports of Bukarest, Manchester, Chicago, Seoul, Munich, Amsterdam,
Zurich, Frankfort, Paris, Lisbon, Berlin, Pisa, Milan and London.
The sounds were not altered electronically nor changed in any other way. The only tool ,which
was used for a part of it, was a filtering program (DINR)
All recordings were made with the help of special sensitive wireless headphones, by which the aboveground and underground electromagnetic fields are detected, amplified and made audible. The headphones are custom made and have been develeoped by myself and constructed by the engineer Manfred Fox, Berlin. The sounds are much more musical than one could expect. There are complex layers of high and low frequencies, loops of rhythmic sequences, groups of tiny signals, long drones and many things which change constantly and
are hard to describe.
Magnetic Flights consists of three parts with a short special sound at the beginning and another one at the end. The piece starts with an electromagnetic sound recorded just before departure and continues with the material of flight radiations recorded inside different airplanes. These electromagnetic fields slightly change pitch during departure and arrival, but remain quite constant during the flight itself. The relatively high and compact sounds gradually build up a dense layer of vibrations with continuous minimal variations.
In the second part some of the previous flight radiations gradually become filtered. The single signals mingle into a mix of small, short, nervous and very rhythmic signals. Their origin might be radio waves, communication signals with the tower , internet and atmospheric disturbances., but this is only a guess. The third part, the situation of arrival or transition, is a mix of typical electromagnetic sounds in the waiting areas of airports such as the deep vibrations of the screens of monitors which slowly fade in and out.
The piece ends with the electrical flickering of an electromagnetic field of unknown origin.
Christina Kubisch belongs to the first generation of sound artists. Trained as a composer, she studied painting, music (flute and composition) and electronics in Hamburg, Graz, Zürich and Milano, where she graduated. Her work can be described as the “synthesis of arts” - the discovery of acoustic space and the dimension of time in the visual arts on the one hand, and a redefinition of relationships between material and form on the other. Kubisch is best known for artistically and innovatively using techniques such as magnetic induction and ultraviolet light to create and realise her work.Since the 1970’s Kubisch has been experimenting with electromagnetic induction and was one of the first to use this method for creating sound installations. Some of her most well know works include the Electrical Walks series, where audience wear magnetic headphones, specially designed by Kubisch, with built-in coils that respond to electrical fields in the environment. Tapping into the electrical fields that result from light systems, anti-theft security devices, surveillance cameras, cell phones, computers, antennae, automated teller machines and other electric devices, she uses these visible sources to create unique and new sensory environmental experiences.
In the mid-1980s, Kubisch began to incorporate light as a compositional tool in many works, for example in the installation Skylines at the documenta 8, Kassel; the underground installation Klang Fluß Licht Quelle on Potsdamer Platz in Berlin and more recently Licht Himmel a permanent light sound installation at Gasometer Oberhausen, Germany. Since 2003 Kubisch has begun to work again as a performer and collaborates with various musicians and dancers, one of whom is Lotta Melin, with whom she will be co-facilitating the Lisbon workshop. An internationally recognised artist, Kubisch has shown work at major international exhibitions and festivals (Venice Benniale, documenta 8, Kassel, Ars Electronica, Linz, Sydney Benniale, Sonar, Barcelona and Sonic Boom, London) performing around the world she has received numerous grants and awards and her music has been realised on various labels such as Cramps Records and Edition RZ. Kubisch has been visiting professor in Maastricht, Paris and Berlin and since 1994, is currently the professor for sound art at the Academy of Fine Arts, Saarbrücken, Germany." [label info]
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2011 |
€15.00 |
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| KÖRPERWELTEN |
Avatars of Rape and Rage |
CD |
Ein gemeinsames Projekt von NAVICON TORTURE TECHNOLOGIES und NORDVARGR welches mehrere Jahre in Arbeit war und die extremen Grenzgebiete von sexuellem Begehren & Ohnmacht, Sadismus & Perversion bis hin zur Todessehnsucht & Mord thematisiert. Pulsierende Noisescapes werden langsam aufgebaut und explodieren im richtigen Moment, unheimliche rasselnde, atmende Geräusche sind präsent sowie schleppende untergründige Pulses, Einsatz von gepeinigten Stimmen, Geschrei in einer Lärmwand, Sirenensounds, etc.. mit das Unheimlichste was es im Bereich "Industrial" in der letzten Zeit gab, das unangenehme Gefühl schleicht sich quasi von hinten an, da hier lange Spannungsbögen erzeugt werden. Es entsteht ein wahrer Trip in die Abgründe der menschlichen Seele, ein Album dass einen nicht kält lässt, das (in Verbindung mit der Artwork) tatsächlich noch schockieren kann, wie das Psychogramm eines Triebtäters, erdrückend intensiv!
"Having started the process way back in 2002, this collaborative project between Swedish powerhouse Nordvargr and US apocalyptic
industrialists Navicon Torture Technoloies finally sees the light (so to speak) in 2008, having been re-worked and re-structured as a
perilous 40 minute plunge into a black hole of sound. Waves of grim, doom filled atmospheric sludge crossbred with buzzing black drones,
grinding distortion, and a seething underbelly of rhythmic pulsations, ultimately delivering everything you might expect from these two acts. In 6 panel digipak, with extreme and controversial, Jonathan Canady (http://art.malsonus.com/) designed artwork sure to be banned if it falls into the wrong hands." [label notes]
www.malignantrecords.com
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2008 |
€13.00 |
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| KÖTTER, DANIEL & HANNES SEIDL |
Stadt (Land Fluss) - A Radio Play |
CD + BOOK |
Ein Hörstück über den Klang der Großstadt. Bulldozer planieren die Brache, Wohnviertel werden eingezäunt, Stromkabel durchziehen das Bauland, eine Menschenmenge besetzt den Mittelstreifen. „Stadt (Land Fluss)“ macht die radikal vernetzte Stadt hörbar und die Auswirkungen ihrer permanenten Veränderung sinnlich erfahrbar. Welche soziale Dimension hat die Klanglichkeit einer Stadt? Wie klingt die Stadt, wie könnte sie klingen? Wer hat das Recht, den Stadtraum zu gestalten und seine Grenzen zu definieren? Stadt [Land Fluss] ist auf der Grundlage des gleichnamigen Musiktheaterstücks entstanden.
Komposition / Produktion: Daniel Kötter / Hannes Seidl
Electromagnetische Klänge: Christina Kubisch Musik: Sebastian Berweck, Martin Lorenz, Andrea Neumann
Text: Daniel Kötter / Hannes Seidl nach Zitaten von David Harvey, Kathrin Wildner, Thorsten Fausch und anderen
Photos: Nara Silva das Virgens Merlitz Graphik Design: Nafiseh Fathollahzadeh
https://www.gruenrekorder.de/?page_id=18530
Das Morgen im Heute
Zum Hörspiel „Stadt [Land Fluss]“ von Daniel Kötter und Hannes Seidl
Ist unser Planet bereits vollständig kartographiert? Unzählige im Weltall kreisende GPS-Satelliten, die jeden Millimeter der Erde abgemessen haben dürften, drängen uns förmlich ein entschiedenes Ja auf. Dennoch: Wäre die Welt ein Gemälde, stünde die Sichtbarkeit aller Farbtupfer nicht zwingend für das Erkennen und Begreifen ihrer Zusammenhänge. Genauso verhält es sich im Kleinen mit der (Groß-)Stadt, diesem paradigmatischen modernen Mikrokosmos. Gebäude, Straßen, Parks, Kanalisationssysteme, Lichtsignalanlagen stellen eine visuelle und haptische Ordnung her, die ein schier endloser, aus Stimmen, Hupen und Sirenen geknüpfter Geräuschteppich ergänzt, hinterfragt und bisweilen wieder aufhebt. Und mittendrin: das Individuum.
„ … It always seemed to me that we should pay much more attention to the question of who produces and reproduces urban life…“: Nach einer Minute mit elektroakustischen Klängen, rufenden Kindern und einem vorbeirauschenden Flugzeug spricht eine Männerstimme über die Produktion und Reproduktion des urbanen Lebens. Wer zeigt sich dafür verantwortlich? Und wie? So beginnt das 2020 realisierte Hörspiel „Stadt [Land Fluss]“ von Daniel Kötter und Hannes Seidl nach dem gleichnamigen, abendfüllenden Musiktheaterstück von 2017. Im Werkkommentar zu letzterem fragt der Komponist Seidl konkret nach den akustischen Eigenschaften einer Stadt als gesellschaftlichem Raum: „In STADT (LAND FLUSS) spüren wir der sozialen Dimension der Klanglichkeit einer Stadt nach, die noch immer von Stadtplanern und Architekten vernachlässigt wird. Wie klingt die Stadt, wie könnte sie klingen? Wer hat das Recht, den Stadtraum zu gestalten und seine Grenzen zu definieren?“ Der erste Teil einer Trilogie – es folgten „Land [Stadt Fluss]“ (2018) und „Fluss [Stadt Land]“ (2019) – nimmt unterschiedliche Perspektiven ein und durchschreitet buchstäblich verschiedene Räume, um „die radikal vernetzte Stadt hörbar und die Auswirkungen ihrer permanenten Veränderung sinnlich erfahrbar“ zu machen. Die Bühne wird begehbar, diegetische Räume und deren Grenzen werden ausschließlich durch Trennwände angedeutet, während sich das ,wahre‘ urbane Leben draußen abzuspielen scheint. Eindrücke davon erhalten die Zuschauenden lediglich per Smartphone-Videos, so dass der stets im Wandel begriffene Organismus Stadt sich als imaginäres Gebilde entpuppt; ein Umstand, der in der Hörspielfassung besonders zum Tragen kommt.
Hier knistert es. Dem pausenlosen Rauschen und Knacken wohnt eine ungeduldige, auf den nächsten Augenblick lauernde Stimmung inne, in der sich Zukunft und Veränderung manifestieren. Für (An-)Spannung sorgen vorrangig die Klänge elektromagnetischer Felder, deren sonst unhörbare Schwingungen Christina Kubisch mittels Induktionsspulenkopfhörer hörbar macht. Im übertragenen Sinne wird das Aufdecken vorhandener, aber nicht vernehmbarer Klänge zu einer Handlungsmaxime: Im Heute liegt bereits das Morgen verborgen, den Zukunftsschlüssel haben wir gegenwärtig in der Hand. Und die Stadt? „Bulldozer planieren die Wüste, Wohnviertel werden eingezäunt, Strom durchzieht das Informelle, eine Menschenmenge besetzt den Mittelstreifen“, heißt es im Werkkommentar weiter. Wie sang die Band „Fehlfarben“ vor vierzig Jahren? „Keine Atempause. Geschichte wird gemacht. Es geht voran.“ Dass Einzelne bei aller Zielstrebigkeit auf der Strecke bleiben beziehungsweise aus der Spur geraten, findet in „Stadt [Land Fluss]“ eine musikalische Entsprechung, wenn Sebastian Berweck die Nadel seines Plattenspielers kleinschrittig über kreisende Rillen flanieren lässt. Gewissermaßen als Nebenprodukt entstehen dabei – zusammen mit den akustischen Beiträgen von Martin Lorenz und Andrea Neumann – flirrende Klangbilder, die der Idee von Soundscape bewusst widersprechen. Mit konkreten Objekten generieren Musikerin und Musiker wiederum eine abstrakte Klangwelt.
Und die gesprochenen Passagen? Sie erzählen von urbanen Problemen und Herausforderungen, etwa in der Hamburger HafenCity rund um die Elbphilharmonie. Das von Hannes Seidl und Filmemacher/Theaterregisseur Daniel Kötter nach Zitaten unterschiedlicher Provenienz erarbeitete, mitabgedruckte Skript fragt nach Chancen und Entwicklungen einer modernen, klimaneutralen, gerechten Stadt. Vieles scheint möglich. Alles bleibt offen – worauf die durchdachte, nachhaltige Aufmachung der beim Frankfurter Label Gruenrekorder veröffentlichte Compact Disc bereits hinweist: Undefinierte, voneinander nicht abgegrenzte, nur rudimentär kartographierte Räume künden von Freiheit. Was zunächst nach übertriebenem Pathos klingt, ist jedoch Programm. Alle können, dürfen, sollen mitdiskutieren, mitplanen, mitarbeiten. Es müssen Entscheidungen getroffen werden. Und genau darin liegen Vor- und Nachteil der Hörspielfassung gegenüber dem Musiktheater „Stadt [Land Fluss]“. Lässt letzteres durch seine interaktive Faktur noch eine Vielzahl an Versionen zu, zieht erstere als festgelegter Parcours tönende Mauern hoch, baut akustische Straßen und Parkanlagen, denkt klanglich über Mobilität nach. Die Entscheidung für eine Stadt ist notwendig – in einem Traumschloss lässt sich nämlich schlecht überwintern –, gibt aber zugleich andere Optionen preis. So könnte es also sein. Oder doch ganz anders?
Eine konstant anschwellende Spannung, die sich der oben erwähnten Klangerzeugung verdankt, drängt einerseits unaufhörlich nach vorne, während ihre kontinuierliche Wandlung andererseits für ein kontemplatives Moment sorgt. Zwischen Minute achtzehn und neunzehn findet eine ebenso geradlinige wie richtungslose klangliche Verdichtung statt, die sich im gesprochenen Text spiegelt: „Eine Unkontrolliertheit oder eine Informalität zu planen, ist eben schwierig. Planning the unplanned. Wie geht das?“, heißt es aus dem Off. Diese vordergründig mittels Sprache artikulierte Planbarkeit weicht allmählich einer um sich greifenden Klanglandschaft, die jeden Gedanken zu überwuchern scheint. In den letzten vierzehn Minuten dominieren Rauschen, Surren und Flirren – stoisch und doch voller Überraschungen. Die von Seidl geforderte soziale Dimension von Klanglichkeit gewinnt schließlich die Oberhand. Mit diesem konsequenten und überzeugenden Kunstgriff wird das gesprochene Wort ,denkende‘ Musik: „So, there’s a lot of power which resides it seems to me in thinking about the urban as a place to organise and as a place to come back together […].“ Gemeinsam eine Stadt erbauen. Für alle. Neben Ideen, Mörtel und Strom ist ein weiterer Aspekt entscheidend: zuhören. „Stadt [Land Fluss]“ redet nicht nur darüber, sondern macht es direkt vor." [Gerardo Scheige | MusikTexte 168]
A radio play on the sound of the city. Bulldozers flatten the desert, neighbourhoods are fenced in, electricity pervades the informal, crowds of people occupy the middle land. What does, what could the city of the future sound like? In “Stadt (Land Fluss)”, composer Hannes Seidl and media artist Daniel Kötter expand the discourse on the right to the city. The highly interconnected city and the radical effects of the permanent battle over its modification are turned into an acoustic experience. Stadt [Land Fluss] is based on the eponymous music theatre piece by Daniel Kötter / Hannes Seidl.
Composition / Production: Daniel Kötter / Hannes Seidl
Electromagnetic sounds: Christina Kubisch
Music: Sebastian Berweck, Martin Lorenz, Andrea Neumann
Text: Daniel Kötter / Hannes Seidl after quotes by David Harvey, Kathrin Wildner, Thorsten Fausch and others
Photos: Nara Silva das Virgens Merlitz
Graphic Design: Nafiseh Fathollahzadeh
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2020 |
€14.00 |
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| LA STPO (La Société des Timides à la Parade des Oiseaux) |
L'Empreinte |
CD |
Gatefold card case with 8 page inner booklet
Les Liquidateurs : dedicated to the liquidators of Chernobyl and Fukushima
Armenian translation : Alice Godjikian
Obsküre Mag : 4/1/2019 - Max Lachaud
"Un nouvel album de La Société des Timides à la Parade des Oiseaux est toujours une joie : la promesse d’une plongée dans un univers inventif, délirant et poétique."
A new release from La STPO is always a joy : the promise of a dive into an inventive, delusional and poetic universe.
"Comme d’habitude, la production est impeccable, les graphismes inspirés et les textes toujours aussi énigmatiques. Un très bon cru, donc, et un des plus apocalyptiques."
As usual, the production is impeccable, the graphics inspired and the texts always as enigmatic. A very good vintage and one of the most apocalyptic.
https://lastpo.bandcamp.com/album/lempreinte
"Heimlich, still und leise haben La Société des Timides à la Parade des Oiseaux im Herbst 2018 doch tatsächlich ein neues Studioalbum veröffentlicht. Allerdings haben die auf "L'Empreinte" zu findenden Aufnahmen schon ein paar Jährchen auf dem Buckel. Die vier Tracks waren nämlich schon im Herbst 2012 fertig abgemischt, und sollten eigentlich zeitnah auf CD veröffentlicht werden. Allerdings gab es dann Probleme mit der Plattenfirma (Beta-lactam Ring Records), und das Material landete erst einmal in der Schublade. Ein Teil davon, das lange "Les Liquidateurs", erschien dann 2015 auf LP (parallel zur inzwischen eingespielten nächsten CD "L'imparfait multiple de dieu").
Drei Jahre später haben es La STPO dann mit Hilfe von Azafran Media doch noch geschafft das gesamte Album zu veröffentlichen. "L'Empreinte" kommt in einem platzsparenden, im typischen Stil der Band bunt bedruckten Pappklappcover, in dessen einer Seite die CD steckt. Dieselbe sollte man allerdings vorsichtig herausziehen, um Kratzer zu vermeiden, was sich als gar nicht so einfach erweist.
Gut 60 Minuten an Musik ist auf "L'Empreinte" zu finden, wobei das schon erwähnte "Les Liquidateurs" die Hälfte der Spielzeit ausmacht. Dasselbe, zum Entstehungszeitpunk das längste und ambitionierteste Stück der Formation, ist den Liquidatoren von Tschernobyl und Fukushima gewidmet, also den Arbeitern, die bei beiden Reaktorkatastrophen in vorderster Front in den stark verstrahlen Gebäudeteilen gearbeitet und aufräumt haben. Viele von denselben haben ihren Einsatz mit dem Leben bezahlt. Die meisten leiden bis heute an den gesundheitlichen Folgen. Im Zentrum des Stücks steht ein junger armenischer Liquidator, und anhand seines Schicksals werden die Ereignisse von Tschernobyl klanglich (und textlich) nachgezeichnet. Mehr Informationen findet der interessierte Leser hier.
Ein dichtes Gemenge an Klang arbeitet sich hier suitenartig aus den Boxen, beginnend mit von einem Cello erzeugten Alarmheulen, hektisch und schräg, bedrohlich brodelnd, sehr abwechslungsreich und farbig, gehalten natürlich im typischen multiinstrumentalen, punkig-sperrigen RIO-Avant-Stil, den La STPO auch sonst pflegen. Dazu gibt es allerlei Text und Gesang, in Englisch, Französisch und offenbar Armenisch. Das Ergebnis wirkt ein wenig wie ein Theaterstück, oder eine Avantprog-Oper (wobei der Gesang natürlich kaum etwas opernartiges an sich hat). Zumindest könnte ich mir das gut in einem multimedialen Gewand bei einer Aufführung vorstellen, als Spectacle (wie man in Französisch sagen würde), begleitet von allerlei Filmmaterial, Projektionen und entsprechenden Kostümen.
Die drei kürzeren Nummern bieten musikalisch-stilistisch Ähnliches, kommen aber trotz der auch hier zu findenden exaltierten Vokaldarbietungen Godjikians etwas weniger theatralisch daher. Die für die Band typische, wild-deftige bis klangmalend-hallende Musik wird geboten, bestimmt von der schräg jaulenden Gitarre, umfangreichem Tastenwerk, der kraftvollen Rhythmusabteilung, und verschiedenen weiteren instrumentalen Ergänzungen (Blechgebläse, Klarinettenklänge, Celloeinlagen und allerlei Perkussives). Gegen Ende von "Offre Spéciale de Lancement de la Chute" kommt sogar fast mediävale Stimmung auf, wenn Godjikian madrigal-artig seine Stimme erklingen lässt.
"30000 Fois" ist offenbar die älteste Nummer der Sammlung, ist hier doch noch Benoît Delaune an Bass und Cello zu hören, der La STPO 2008 verlassen hat. Mein Lieblingsstück ist aber "La Vallée des Empreintes", das auf beeindruckende Art und Weise zwischen fast lyrischem Klangschweben und heftigen Ausbrüchen hin- und herwechselt.
"L'Empreinte" ist ein weiteres hervorragendes Album der Société des Timides à la Parade des Oiseaux, welches allen RIO-Avantprog-Freaks, so sie denn keine Aversionen gegen bisweilen exaltierte menschliche Lautäußerungen haben, sehr viel Spaß machen sollte. Fazit: Besser spät als nie!" [Achim Breiling/Babyblaue Seiten]
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2018 |
€15.00 |
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| LACHENMANN, HELMUT |
Gran Torso (etc) |
LP |
Geräuschafte Klänge, auf Klavier und Streichern eingespielt, bestimmen das Bild auf den vier hier enthaltenen Stücken. Radikales, ultra-konkretes Material mit ungewöhnlichen Konzepten dahinter (im Beiblatt näher erläutert), die von gängigen Hörgewohnheiten befreien sollen. Alle Kompositionen entstanden zwischen 1969 und 1972. Darunter auch eines der grossen Werke neuerer Streichquartette, das GRAN TORSO.
tracklisting:
Helmut Lachenmann (*1935)
Guero, Pression (2 versions), Gran Torso (original version)
Guero for piano (H. Lachenmann)
Pression for cello solo (W. Taube)
Pression for cello solo (M. Bach)
Gran Torso (original version) for string quartet (Società Cameristica Italiana)
www.edition-rz.de |
1990 |
€16.00 |
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| LALI PUNA |
Our Inventions |
CD |
"2004 erschien ihr letztes Album "Faking The Books", dennoch ist Lali Punas Einfluss auf die elektronische Popszene immer noch spürbar. Gemeinsam mit The Notwist zeichnet die Band um Valerie Trebeljahr für moderne, experimentell angehauchte Popmusik verantwortlich. Mit "Our Inventions" rücken sie die Grenzen des Genres wieder mal ein Stück weiter. Der Song "Rest Your Head" schlägt eine souveräne Brücke zur vergangenen Bandhistorie. Hier pulsieren die Keyboards in warmen Wellen und begleiten Trebeljahrs Flüstern mit einlullenden Melodien - bis einen der Drumcomputer aus versponnenen Tagträumen reißt. Während das Vorgängeralbum förmlich auf die Bühne strebte, zeugt "Our Inventions" von intensiver, fast schon introvertierter Studioarbeit. Gleichzeitig unterstreichen Songs wie "Remember" und "Everything Is Always", was Lali Puna so besonders macht: überschwängliche Mitsingharmonien mit Feinschliff, die ihre Seele nicht hinter der Technik verstecken. Das Album schließt mit "Out There", Lali Punas Kollaboration mit Yukihiro Takahashi (Yellow Magic Orchestra). //
More than half a decade has elapsed since the release of Faking The Books, Lali Puna's third (and hitherto most recent) long-player, but the band's impact on the climate of electronic rock music remains palpable. Along with sister-group The Notwist, this Weilheim quartet have helped map out the musical landscape for modern, experimentally minded pop music, and Our Inventions finds Lali Puna continuing to push the frontiers of their medium. 'Rest Your Head' serves as a perfectly poised re-introduction to the band and all they've become. Initiated by waves of glassy pulsations and warm, swelling synths, the song has the feel of a reverse-lullaby - gently winding its way through reposeful melodies, guided by the welcoming whisper of Trebeljahr's vocal until the final third kicks in with drum machine hits, and you're wide awake. While Faking The Books, with its vibrant riffs and extrovert tendencies, had the sound of a record begging to be played live, Our Inventions exhibits the hallmarks of an album spun from intensive studio-bound introspection. Two of the most explosive and ebullient songs here - 'Remember' and 'Everything Is Always' - confirm so much of what's special about Lali Puna: all the elements are at once precision engineered and delivered with absolute heartfelt conviction; perhaps never before have such jubilant pop hooks been so meticulously and fastidiously crafted, yet you can always hear the soul behind these machines. This is an album that's made for and about the modern world, concerning itself with the driving forces of progress and technological obsession. Trebeljahr's lyrics are suggestive of alienation and disenfranchisement from nature during the irony-laced title-track: "The birds in the trees/Singing our mobile melodies/What a sweet, sweet world", later stipulating that 'progress' never really gets us anywhere on 'Everything Is Always' ("Nothing new/These days"), while hinting at the ultimate bankruptcy of the all-devouring consumer age during 'Safe Tomorrow': "Never going anywhere/Don't stop by and get to know/Stuff your memory with facts/Save Save Save". The final song on the tracklist is 'Out There', a collaboration with the Yellow Magic Orchestra's Yukihiro Takahashi. The version appearing here is an alternate rendering of the track that appeared on Takahashi's Page By Page album in 2009. Here Trebeljahr addresses the global financial collapse ("Their kingdom's past, their kingdom's gone/Just ruins and plain desert/It's all burnt down, we're left alone"), and sure enough, Our Inventions is a body of work that keenly engages with the concerns of its time, one that confronts the excesses and ever-accelerating pace of modernity. The sublime, virtuoso electronic arrangements of Our Inventions directly lock onto the record's recurrent key themes, depicting a world inundated with technology and consumed by a fixation on progress - simultaneously passing commentary on this state of affairs and overcoming it. When Trebeljahr intones "Things move on/I'm gonna work fast because tomorrow comes quick" it sounds like it's being sung from the perspective of someone who's already there." [label info]
www.morrmusic.com
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2010 |
€16.00 |
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Our Inventions |
LP |
"2004 erschien ihr letztes Album "Faking The Books", dennoch ist Lali Punas Einfluss auf die elektronische Popszene immer noch spürbar. Gemeinsam mit The Notwist zeichnet die Band um Valerie Trebeljahr für moderne, experimentell angehauchte Popmusik verantwortlich. Mit "Our Inventions" rücken sie die Grenzen des Genres wieder mal ein Stück weiter. Der Song "Rest Your Head" schlägt eine souveräne Brücke zur vergangenen Bandhistorie. Hier pulsieren die Keyboards in warmen Wellen und begleiten Trebeljahrs Flüstern mit einlullenden Melodien - bis einen der Drumcomputer aus versponnenen Tagträumen reißt. Während das Vorgängeralbum förmlich auf die Bühne strebte, zeugt "Our Inventions" von intensiver, fast schon introvertierter Studioarbeit. Gleichzeitig unterstreichen Songs wie "Remember" und "Everything Is Always", was Lali Puna so besonders macht: überschwängliche Mitsingharmonien mit Feinschliff, die ihre Seele nicht hinter der Technik verstecken. Das Album schließt mit "Out There", Lali Punas Kollaboration mit Yukihiro Takahashi (Yellow Magic Orchestra). //
More than half a decade has elapsed since the release of Faking The Books, Lali Puna's third (and hitherto most recent) long-player, but the band's impact on the climate of electronic rock music remains palpable. Along with sister-group The Notwist, this Weilheim quartet have helped map out the musical landscape for modern, experimentally minded pop music, and Our Inventions finds Lali Puna continuing to push the frontiers of their medium. 'Rest Your Head' serves as a perfectly poised re-introduction to the band and all they've become. Initiated by waves of glassy pulsations and warm, swelling synths, the song has the feel of a reverse-lullaby - gently winding its way through reposeful melodies, guided by the welcoming whisper of Trebeljahr's vocal until the final third kicks in with drum machine hits, and you're wide awake. While Faking The Books, with its vibrant riffs and extrovert tendencies, had the sound of a record begging to be played live, Our Inventions exhibits the hallmarks of an album spun from intensive studio-bound introspection. Two of the most explosive and ebullient songs here - 'Remember' and 'Everything Is Always' - confirm so much of what's special about Lali Puna: all the elements are at once precision engineered and delivered with absolute heartfelt conviction; perhaps never before have such jubilant pop hooks been so meticulously and fastidiously crafted, yet you can always hear the soul behind these machines. This is an album that's made for and about the modern world, concerning itself with the driving forces of progress and technological obsession. Trebeljahr's lyrics are suggestive of alienation and disenfranchisement from nature during the irony-laced title-track: "The birds in the trees/Singing our mobile melodies/What a sweet, sweet world", later stipulating that 'progress' never really gets us anywhere on 'Everything Is Always' ("Nothing new/These days"), while hinting at the ultimate bankruptcy of the all-devouring consumer age during 'Safe Tomorrow': "Never going anywhere/Don't stop by and get to know/Stuff your memory with facts/Save Save Save". The final song on the tracklist is 'Out There', a collaboration with the Yellow Magic Orchestra's Yukihiro Takahashi. The version appearing here is an alternate rendering of the track that appeared on Takahashi's Page By Page album in 2009. Here Trebeljahr addresses the global financial collapse ("Their kingdom's past, their kingdom's gone/Just ruins and plain desert/It's all burnt down, we're left alone"), and sure enough, Our Inventions is a body of work that keenly engages with the concerns of its time, one that confronts the excesses and ever-accelerating pace of modernity. The sublime, virtuoso electronic arrangements of Our Inventions directly lock onto the record's recurrent key themes, depicting a world inundated with technology and consumed by a fixation on progress - simultaneously passing commentary on this state of affairs and overcoming it. When Trebeljahr intones "Things move on/I'm gonna work fast because tomorrow comes quick" it sounds like it's being sung from the perspective of someone who's already there." [label info]
www.morrmusic.com |
2010 |
€16.00 |
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| LANDING |
Fade In Fade Out |
maxi-CD |
"Neue Veröffentlichung der “heavenly guitar-spheres”-band, LANDING dringen hier auf 5 Stücken mit Gitarren, Echos und e-bows in endlose Weiten vor, himmelwärts schreitend und auch melancholisch-introvertiert – Bass, Percussion und Gesang erscheinen da schon fast als Beiwerk, fügen sich aber perfekt ein.
beautiful and elegant stuff ! Reminds on SLOWDIVE, LABRADFORD, FLYING SAUCER ATTACK.. 37 min !
New 5-track release, LANDING move with their music into endless heaven-spaces, very uplifting while being melancholic and introspective at the same time !!" [DRone Rec. 2002]
“ In one swoosh, Landing have constructed their finest and most representative achievement to date. Graceful and languid, Fade In/Fade Out sums up every last nuance about this band, rippling forth their detailed drone color splashes and songwriting surrealism from music made absolutely raw and in the moment. Fade In/Fade Out is the foundation to establish Landing as the humble heirs to the new space-gaze sound.” [label description]
label-website: www.strange-attractors.com
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2002 |
€10.00 |
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Passages through |
CD |
"Passages Through" ist der vierte Longplayer von LANDING und ein fließendes Songgemälde. Diese Veröffentlichung markiert den Höhepunkt von LANDING in Bezug auf Freundschaft und der Fähigkeit zu musikalischer Kollaboration. Jedes Mitglied konnte seinen/ihren persönliche Note den Aufnahmen aufdrücken, die Instrumente wurden getauscht ohne Rücksicht auf Egomanie, und alle Gedanken konzentrierten sich gemeinsam auf die Musik. Einem Genre oder einer Klassifizierung wurden keine Beachtung geschenkt. Trotzdem kann man den Sound als abgespaceten Drone-Post-Rock bezeichnen. Dieser kommt aus dem Herzen und wird gespielt von vier echten Freunden! Hier ist LANDING in 3D!
[press release - Cargo translation]
www.krecs.com
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2003 |
€15.00 |
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| LAPORTE, JEAN-FRANCOIS |
Soundmatters |
CD |
Fünf starke Kompositionen (entstanden 1997-2005) des Kanadiers, die unter Verwendung von Natur-, Umgebungs- und Objektgeräuschen grossflächige Spannungsbögen & Dynamiken aufbauen. So wurden bei "Electro-Prana" nur Wind- bzw. Sturm-Sounds verwendet, während das majestätische "Dans le ventre du dragon" auf Original-Bläserklängen basiert, die in einer riesigen Frachthalle (mit 15 Sekunden natürlichem Hall) aus dem Hafengebiet Montreals stammen.
Laut LAPORTEs Theorie sind wir im post-industriellen Zeitalter permanent von "Mantren" umgeben, womit er v.a. Maschinengeräusche meint, die zyklisch wiederkehren und sich doch in allmählicher Weiter-Entwicklung befinden. Beeindruckend führt er dies exemplarisch in seinem 26minütigen Stück "Mantra" anhand der wunderbaren Vibrationen & Obertöne eines Kompressors von einem Eisstadion vor...
Hier kommen elektro-akustische Klang-Finesse, field-recording Glück & und erhabene Drone-Atmosphären zusammen.
Bei Aquarius Records "Record of the week" im März 2007 ! TIP !!
"....The opening track "Electro-Prana" is a pristine set of field recordings of a wind that ripped through Montreal, when the city was silenced by a winter time blackout. It's a pure, chilling sound of whistling wind overtaking the urban landscape. The next piece is the only digitally rendered composition on Soundmatters, yet Laporte brings his intuitive expressionism to a series of spiraling drones that easily rival those of your favorite minimalist (e.g. Niblock, Chalk, Hafler Trio, Xenakis, etc.). For those of you who have had the pleasure of experiencing Laporte's live concerts, the third piece will certainly be familiar. He's built an instrument with a series of car horns and elongated trumpet bells attached to an air compressor with each of the valves controlled by foot pedals. This instrument can generate infinitely sustainable, blaring drones from each of the horns; and Laporte craftily layers these sounds for incredible, dynamic results. Well, for this recording, Laporte lugged this instrument into the hull of a giant cargo ship and recorded this composition using the massive reverb of that space and the results are simply jaw-dropping. Imagine the most Nordic bellow from a Wagner symphony stretched out into its melancholic, raw sound and allowed to decay in space and time. Wow!
Following this is the aforementioned Mantra; and then Soundmatters' final piece which explores a quiet, yet thoroughly rich
harmonic tapestry produced by a quartet of saxophones that could be Laporte's imagined summit between Evan Parker and Morton Feldman with rasping breaths of sound breaking across a silent event horizon with the ghostly energy of subatomic particles flickering and dissolving
in a cloud chamber before amassing into a delirious swarm of Tony Conrad-esque acoustic dissonance. It's all utterly magnificent and
one of finest collections of 'serious' composition that we've come across." [Aquarius Records]
www.23five.org
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2007 |
€13.00 |
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| LICHT-UNG |
Kristall |
7 |
LICHT-UNG ist ein Label, Lyrik- und Soundprojekt für experimentelle Kunst aus Leverkusen mit etwas exzentrischem Anspruch. Auf 'Kristall' findet sich eine spannungsgeladene A-Seite basierend auf Feedback-Sounds, sowie ein wirklich kristallklarer microsound-drone auf der Rückseite.
"LICHT-UNG (German for "glade") is the name of a label, art- (publishing lyrics, pictures, etc.) and sound project from the western part of Gemany with a very peculiar and rather dadaistic approach. The two pieces on "kristall" seem to be based mainly on feedback- and metal or glass sounds that are carefully put together for a queer-sounding trip. Side A ("Listen to the music playing in your head") consists of humming, growling drones, low siren-like sounds and high-frequency feedbacks, powerful and absorbing and very abstract, while never turning into sheer noise. Side B (with the odd title "Heute war ich bei den weißen Elefantens") delivers a crystal-clear noise chant and metallic overtones processed with obscure effects. File under: high-tension & crystal Drones
BLUE VINYL WITH BLACK STRIAE. COVERS WITH SILKSCREEN-PRINTED TEXT & VISUAL, SILVER-PRINTED BLACK INLAY"
[press release]
"Ein beigelegter Pin, eine liebevoll bedruckte Rückseite und ein gespraytes Cover schaffen auf
Anhieb Sympathie, die Musik nicht weniger. Licht-ung ist Fakt- und infobezogen recht
schweigsam, zwar sehr betriebsam und eher in der unorthodox-verzettelten Ecke der
experimentellen Musik tätig, hier allerdings geradezu lieblich und freigeistig, wofür die Namen der beiden Stücke geradezu bürgen.
»Listen To The Music Playing In Your Head« ist analoge Feedbackverdrahtung a la David Lee
Myers mit ordentlich Rauschen drauf, ein wenig Mikroakribie im Stile von V/VM und last but
not least so differenziert fern, dass man meint, einem zeitlich langgezogenen Bremsvorgang
der Untergrundbahn in Hamburg zu lauschen. Charmant und reicht allemal für einen kurzen
Sprung ins Unterbewusstsein, hingegen die B-Seite trägt dem Namen des Releases eher
Rechnung: »Heute War Ich Bei Den Weißen Elefanten« ist ein in der Tat kristallklarer elektroakustischer Drone auf der Grundlage eines transponierten Glockenspiels. Die Tonspur ist dabei genauso aberwitzig halluzinogen wie der Titel des Stückes, aber augenzwinkernd hintergründig. Es schlingert und scheppert auf den Frequenzen und letztlich fällt doch alles in die große Stille. Eines der etwas obskureren Werke auf Drone Records, aber sehr fein aufbereitet und mysteriös wie der Musiker dahinter." [Thorsten Soltau / AEMAG]
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2007 |
€7.00 |
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| LILES, ANDREW |
The Dying Submariner |
CD |
THE DYING SUBMARINER besteht, wie es der Subtitel bereits andeutet, aus 4 Stücken hallgeschwängertem Piano – das sind dronig-düstere, melancholisch-sphärische und disharmonisch-verstörende Schwingungen, oft mollgetönt, sein düsterstes und minimalstes Werk bisher.
“Leviathan low end growls belch a hazy pitch into the sea, rendering daylight useless to penetrate the unknown depths. Andrew's concerto for piano and reverb conjures many spirits, including that of wrathful Poseidon. The piece (in 4 movements) also conjures the spirit of nothingness. A sense of complete loneliness prevails in the echoey death throes. The faint scent of forebears fascinated with watery graves and abandon lingers from the wake of such pieces as Gavin Bryars’ The Sinking Of The Titanic and many of Harold Budd's early works, though Liles’ fitful concerto paints his submariner's demise more as a dissonant, prolonged struggle than as a melodic, majestic descent. Spatially, the work tends to build into shifting layers similar to Charlemagne Palestine, Henry Cowell's clusters or La Monte Young's Well Tuned Piano (though Andrew's work is not based on a microtonal system). The ringing resonances sometimes fan out as distinct harmonic phrases, and sometimes the notes simply propagate and clash with the reverb creating ripples of pure metallic sound, even to the point where the piano's strings melt into the sculptural, welling up more like tidal pools alongside Bertoia and Dumitrescu. A beautifully disturbing wet suit suite of sonic sound.“ [label info]
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2006 |
€13.00 |
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Miraculous Mechanical Monster |
LP |
"Limitiert auf 500 Stück auf grünem Vinyl in glänzender, dicker und semipornographischer Hülle! "The Miraculous Mechanical Monster" ist der neueste Zugang zur ständig wachsenden und zum Sammeln animierenden "Monster"-Serie von ANDREW LILES. Die LP ist zum Teil ein Konzeptalbum, das die Geschichte von nicht richtig funktionierenden Robotern, Monstern und bizarrem Sex erzählt. Die Geschichte kann der aufmerksame Hörer verfolgen, wenn er den Text auf dem Rücken der LP liest. So wie alle Veröffentlichungen von LILES passt auch diese LP nicht in ein vorgegebenes Genre und ist damit unbestreitbar eine seiner verdrehtesten und exotischsten Aufnahmen. Diese LP wird in dieser Form nie wieder gepresst oder veröffentlicht werden." [label info]
www.myspace.com/andrewowenliles
www.dirter.co.uk
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2010 |
€16.00 |
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| LILES, ANDREW AND KENJI SIRATORI |
Black Paper |
CD |
Erster Teil der wahnwitzigen VORTEX VAULT-Serie, 12 CDs aus ANDREW LILES Archiv, aber auch neues Material wird präsentiert.
Das ganze wiederum in der Beta-Lactam BLACK SERIES, die mit einheitlichen überformatigen schwarze Edel-Cover zu beglücken vermag. BLACK PAPER heisst also der erste Teil, wo LILES mit dem selbsternannten japanischen CYBER-Poeten KENJI SIRATORI kollab(or)iert, der wie's scheint zur Zeit mit jedem in der Experimental-Szene ansässigen Werktätigen eine Zusammenarbeit anstrebt. So hört man hier SIRATORIS Cyber-Gedichte (auf japanisch; auf englisch übersetzt wären übrigens genauso unverständlich - denn er scheint ein spätes Kind der Cut-Up Technik zu sein). Als wäre das nicht schon genug irrlichternder & funkelnder Wahnwitz, so zeigt sich auch LILES in Bestform, wenn er mit Synthklavier und Xylophon und durchdringenden Analog-Noises (=?) bewaffnet die letzten möglicherweise noch vorhandenen Reste gutgläubiger Erwartungshaltung des Hörers vernichtet, hier in irgendeiner Weise 'verstehbare" Musik hören zu dürfen. Genau darin aber, geneigter DRone Records-Kunde, liegt vielleicht die Genialität dieses Albums. Wir können das aber gerade nicht entscheiden und vertagen die Diskussion auf unbestimmte Zeit...
"Black Series 1 - Ed. of 300 numbered and signed copies. 'The Vortex Vault' will be in part a collection of unreleased, unearthed and dusted down material from the vast Andrew Liles archive of unused studio material. 'The Vortex Vault' will also include brand new recordings, conceptual and collaborative pieces, special guests, kraut rock psyche outs, space rock, the odd and unlikely, Norwegian, the obscure and arcane, aircraft, cicadas, the absurd and nonsensical. 'The Vortex Vault' is a platform to release radically different and eclectic material. Expect the unexpected, the minimalist and excessive, the demure and deranged." [label info]
"andrew liles, from the uk, is an experimental sound artist with a pretty diverse output. i'm only familiar with a few of his releases, but they ranged from sound art, to ambient soundscapes, drone, experimental electronics and the occasional foray into noisier directions. some good points of reference, as far as his ambient and drone works are concerned, would be andrew chalk and vidna obmana, two artists he's also happened to work with. kenji siratori is a japanese cyberpunk author who's had a hell of an outpouring of non-paper releases last year. this is mostly because he pimped himself out by "writing to as many industrial, ambient, ebm and goth bands he could find, including "reviews" of them in his idiosyncratic style, and asking to collaborate. (this) scattergun approach proved successful, despite his reviews of non-sequitirs and non-sensical cyberspeak being interchangeable" [discogs.com]. after all was said and done he'd put out fifteen total albums, including three that are on net labels and are availiable to download for free at smell the stench and dystonia. the bulk of them have been in the form of collaborations, most notably with gx jupitter-larsen (the haters), torturing nurse and henrik nordvargr björkk (hh9, folkstorm, mz.412, et al.). i would be surprised if that last one is anything short of amazing. i...must...stop...buying...things... black paper opens up with barometer ii, a beautifully haunting piano piece by liles, which siratori soon begins speaking over. his words are all spoken in japanese. emphasis on spoken. this could be poetry or god knows what, but it sounds great. he's got this gruff sounding voice that immediately made me think of splinter's voice from the teenage mutant ninja turtles movies. i love it. there's some great layering of his vocals near the end, too. vtr is one of the least musical (most experimental) cuts on here. there's a whole mess of noises, electronic bleeps and textures from andrew, and kenji's vocals are affected, in parts, and panned all over. it easily has the most overall stuff going on at once, but it works well, due partly to how andrew progresses it. if that was the album's exercise in maximalism (i think i just made that word up), the title piece is its most rhythmic. half of this piece features with some very catchy xylophone (i'm guessing) playing, the rest focuses on kenji's vocals, manipulated the most here. one of my favorite parts is where its just him with no music, and there's also his sped up vocals shooting back and forth between the speakers. jaguar is black paper's absolute highlight. over liles' sparse backdrop there's a vocal track in the left speaker, a different one in the right, a repetitious one in the center and then another, different track in the center. it's completely hypnotic, wonderful and memorable. then when that piano comes in towards the end, jaguar achieves total brilliance. it all strikes me as being rather noir, while maintaining an underlying sense of beauty. the next two tracks mainly feature andrew doing some nice, slightly stark, experimental electronic work. the closer, barometer iii is vocal less and revises the pianos from barometer ii, but adds some terrific electronic noises over it. there's actually two separate collaborations by kenji siratori with the title black paper, the other is with tardive dyskinesia. that may cause a bit of confusion, but this one is only available from andrew liles' website or beta-lactam ring. it's part of andrew's 12 cd set, the vortex vault, limited to only 300 copies. once those 300 are gone, that's it. no reissues. i think if you get one from andrew it will be signed by him. i'd also recommend his collaboration with gx. while it's not as memorable as this one here, there's some mighty fine noise by him, and who doesn't like mighty fine noise? after hearing all of this from kenji i've definitely become interested in his literary work...at the very least it should be interesting. smooth sailing review " [unknown writer, taken from the Beta-Lactam website]
www.blrrecords.com
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2006 |
€16.00 |
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| LOCKWOOD, ANNEA / RUTH ANDERSON |
Sinopah |
CD |
Ein wunderbares field recording-Stück von der Neuseeländerin ANNEA LOCKWOOD gibt es hier zu entdecken - das 45minütige WORLD RHYTHMS (1975) benutzt Sounds als „physische Manifestationen der Energien die uns und unsere Umgebung fortwährend formen“, also der Kräfte, die unsere Körperrhythmen unbewusst beeinflussen. Zu hören gibt es Sounds von vulkanischen Eruptionen, Erdbeben, Pulsar-Radiowellen, Geysiren & Flüssen & Wellen, Feuer, Atem, etc., die sie äußerst feinsinnig und sensibel zusammengesetzt hat..
Als zweites Stück auf der CD (23.30 min) entwirft RUTH ANDERSON ihre ureigenste meditative Sound-Poetry, wo sie aus geflüsterten Vokalen eine geisterhaft-abstrakte, an Atemgeräusche erinnernde Klang-Textur formt.
“ Annea Lockwood's World Rhythms originated as a ten-channel live improvisation in which the audience was surrounded by ten loudpeakers. The recorded sounds include volcanic eruptions, earthquakes, radio waves, geysers and pools and tree frogs. These sounds are a physical manifestation of energies that shape our environment constantly, energies of which we are not always aware, but which powerfully influence and interact with the rhythms of our bodies. Ruth Anderson's i come out of your sleep follows a tradition of sound poetry, or text-sound, begun in part by Kurt Schwitters's Ursonate and expanded by composers such as John Cage, Charles Amirkhanian and Jackson MacLow. The piece is based on the speech vowels in Louise Bogan's poem, Little Lobelia.” [label-info]
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Experimental Intermedia label-website:
www.xirecords.org
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1998 |
€15.00 |
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| LOCRIAN |
The Crystal World |
do-CD |
"A marked change had come over the forest, as if dusk had begun to fall. Everywhere the glacé sheaths which enveloped the trees and vegetation had become duller and more opaque. The crystal floor underfoot was occluded and gray, turning the needles into spurs of basalt. The brilliant panoply of colored light had gone, and a dim amber glow moved across the trees, shadowing the sequined floor. At the same time it had become considerably colder.
The Crystal World, the third studio album from Locrian, is an epic journey. Titled after JG Ballard’s 1964 novel that tells the story of a physician who specializes in leprosy sent to a remote African outpost to discover a jungle that is slowly crystallizing and encroaching upon everything it touches. Disc one comprises six tracks while disc two consists of one extended piece, Extinction, that picks up on the intensity of disc one and sustains it for close to an hour. On The Crystal World, Terence Hannum, and André Foisy, are joined by Steven Hess (On, Pan American, Ural Umbo) on percussion and electronics. Hess’ contribution pushes Locrian deeper into the abyss of despair rendering a sound that is darker, bleaker, and engulfing than any of the group’s previous releases. Locrian continue the conceptual trajectory of blackened drone that the group initially embarked on during their first studio album Drenched Lands (2009). Masters of layering, The Crystal World finds the group manipulating tones and textures that transport the listener to an apocalyptic wasteland. At times, the layers are serene and somber, at other times they are chaotic.
The Crystal World is Locrian's essential release, finding the band creating a sound all of their own. A sound that evades simplistic analogies to black metal, power-electronics, noise, or other categories. This is the album that will stun fans of the bands previous works with how far the group has come from their early releases. Presented in a Stoughton gatefold sleeve with art by Vberkvlt.
Vinyl edition out on Utech Records in 2011." [label info]
www.utechrecords.com |
2010 |
€19.00 |
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Return to Annihilation |
CD |
"Ein Kapitel wird geschlossen – ein neues Kapitel aufgeschlagen. Nur wenig scheint so reichhaltig wie die Chroniken LOCRIANs. Nach “The Clearing“ und den Split-Alben mit MAMIFFER und Christoph Heemann folgt nun also “Return To Annihilation“. Eine Herausforderung dieses Albums bestand für die Band darin, dass Terence Hannum mittlerweile viele Kilometer von André Foisy und Steven Hess entfernt wohnt. So tauschte die Band zunächst Ideen via Email aus, bevor sie sich für drei Tage ins Studio einschloss, um das Album aufzunehmen.
Entlang des ersten Durchlaufs fällt auf, dass die Musiker auf “Return To Annihilation“ noch fokussierter gearbeitet haben. Die große räumliche Distanz, mit der die Bandmitglieder umzugehen lernen mussten, scheint doch eher eine nahe Ferne gewesen zu sein. Das Zusammenspiel ist noch konzentrierter, die Improvisationen sind noch besser abgestimmt. Zudem hat man das Gefühl, dass LOCRIAN durch ihre verschiedenen Kollaborationen und Tätigkeiten in den diversen Nebenprojekten Facetten freigelegt und entdeckt haben, die gleichzeitig als eine Art Türöffner für ihre neuen Ideen fungieren. Ihre schöpferischen Ressourcen zeigen sich ideenprall und die Frische sowie die Freude beim Kreieren von Musik sind dem Album deutlich anzuhören.
Das erste Stück “Eternal Return“ eröffnet hymnisch. Verschachtelte Synthesizerspuren, krachendes Schlagwerk, vorpreschende Gitarrensounds und ein bis in die tiefste Innerwelt berührender, fauchender Schreigesang lassen den Kurs des Albums erahnen. Doch jene Richtung führt nicht über vorgebahnte Wege. Es werden Schneisen ins Unterholz geschlagen, die Pfade ins Unbegangene oder hier konkret ins Ungehörte eröffnen. Im Fortlauf folgt “A Visitation From The Wrath Of Heaven“. Mächtige Electronics verrätseln diesen nächsten Gang, dazu rummst Steven Hess mit seiner Herzschlagtrommel, bevor der Gesang das Stück zu einem choralartigen Wunderwerk aufbaut, um kurze Zeit später abrupt abzubrechen. Und bereits hier lässt sich vermuten, dass sich LOCRIAN bei den Aufnahmen gegenseitig noch stärker angetrieben zu haben scheinen als auf den Vorgängerveröffentlichungen. Bei “Two Moons“ werden von Sekunde zu Sekunde andere Aspekte in den Vordergrund gerückt, dadurch entsteht ein dröhnendes Gebilde, welches sich von allen Stücken wohl am stärksten Einhegungsversuchen entzieht. Die Besonderheit dieses Albums liegt neben der Unvorhersehbarkeit auch darin, dass die Amerikaner ihrer Impulsfülle nachgeben, jedoch dabei niemals ihren Wiedererkennungswert verlieren. Der Wechsel von stürmischen und ruhigen Passagen wirkt nicht konstruiert, sondern entwickelt sich natürlich. Das Titelstück “Return To Annihilation“ führt den choralartigen Gesang fort, dazu hämmert ein Bolz-Drum, die Gitarren krachen Gewitter ähnlich. Ein orchestrales, dröhnendes Brausen zeigt dessen Entladung. Das Ambient lastige, rauschhaltige “Exiting The Hall Of Vapor And Light“ zieht hinter diesen Gewitterwolken auf und beruhigt das vorher Aufgewühlte. Dem schließt sich kontrastierend die Krachsinfonie “Panorama Of Mirrors“ an. Den Abschluss bildet das 15minütige “Obsolete Elegies“, welches alle Weggabelungen und Wetterlagen des Albums vereint und final den tiefsten, sich selbst beschleunigenden Wirbel in die eingeschlagene Schneise bricht.
“Return To Annihilation“ ist durchwirkt vom Überraschenden aus dem Dunklen. Es umgürtet die Arbeit der Amerikaner. Hervorgerufen wurde es durch wahre Passion, die sich in der dem Album inhärenten Wucht offenbart. Viele Bands verlieren im Laufe der Jahre die Dunkelheit der Anfangstage und verwalten ihre kreative Ausbleichung. Nicht so LOCRIAN – das Dunkle wird hier nicht abgeschabt, sondern in seinen Stufungen neu ausgeleuchtet. André Foisy sprach davon, dass “Return To Annihilation“ das bisher wichtigste Album in der Bandgeschichte sei. Das schürt Erwartungen. Von einem Höhepunkt, vom Gelungenen kann immer dann gesprochen werden, wenn Erwartungen ihre Einlösung finden. Wenn das Ergebnis übergroße Schatten auf hohe Erwartungen wirft, kann vom Bleibenden gesprochen werden. Dieses Ergebnis wird sich auf die Erwartungen im Vorfeld der nächsten Veröffentlichung aufprägen. Eine Klimax gen Unendlichkeit – oder die nimmer endenden Chroniken LOCRIANs." (D.L./ Blackmagazin]
"For a band so devoted to endings, the noise metallurgists of Locrian are surprisingly keen with beginnings, too. More than a year ago, Relapse Records announced they'd signed the Chicago-and-Baltimore trio. The move seemed surprising at the time, but not because Locrian’s electronics-and-effects-driven approach was at odds with the more orthodox heavy metal roster at Relapse; in fact, the label’s two decades are dotted by momentous dalliances with experimental music. Instead, before signing to Relapse, Locrian released a lot of music, a strategy that worked for a band putting out very limited editions on rather small labels but maybe not one meant for a fringe act now signed to an imprint as large as Relapse. Just how many Locrian eight-tracks or singles could and would Relapse actually handle?
Since the deal, though, Locrian have only issued three titles-- a re-release of one such short-run record bundled with new material, a glacial collaboration with kindred lurkers Mammifer, and a beautiful piece with German sound art veteran Christopher Heemann. After many consecutive years of several albums, splits, and singles each, Locrian went almost silent-- just not behind the scenes. All along, they were sketching, building, and refining Return to Annihilation, their proper Relapse debut and step into a much bigger spotlight. It's an auspicious new phase of their existence: Return to Annihilation is the most provocative and engaging Locrian album to date, a brilliant mystery that evades simplistic definitions by turning their historical din and destruction in on itself and, sometimes, back again.
In initial interviews for Return to Annihilation, Locrian-- multi-instrumentalist André Foisy, vocalist and multi-instrumentalist Terrence Hannum and drummer Steven Hess-- spoke about the influence of Genesis on their new work. It felt to some like trolling, as there was no way the intricate (and sometimes awkward) prog rock of Genesis might have a substantive pull on music so ostensibly moonless and monolithic. But Return to Annihilation is intrinsically elusive, with twists so compelling and layers so deep that each listen reveals a half-dozen new facets. The title track, for instance, is a three-part suite. Locrian begins with the primal, repetitive wallop of Swans, repurposed with industrial accessories. Despite the aggressive delivery, it feels tunefully poppy, beckoning the listener forward just before the song shifts into a cataclysmic drone. Smothering electronics battle with piercing guitars, shaping a stalemate of willpowers. Hess’ drums goad the band forward again, hitting a climax that’s dense but buoyant, like the phosphorescent coda of a melodramatic post-millenial black metal epic. Though this is a triptych of distinct sections, the parts are strangely cohesive, blending into one another as a balance of extremes.
For 50 minutes, Return to Annihilation runs like a whirlwind journey that you must mentally revisit when it’s done playing. Indeed, during the last three months, I’ve listened to this record a few dozen times, and each trip through only seems to solicit more questions about the material itself-- about its balance between corroded metal and coruscated drone, about its strange sense of enveloping atmosphere and unstoppable propulsion, about the completed puzzle and its complex constituent pieces. Sometimes its 15-minute closer, “Obsolete Elegies”, feels like an exhalation of relief, with muted piano and long-tone violin suggesting Pelt plundering the workshop of La Monte Young; other times, the quaking electronics and plodding guitar of the same piece intimate a hangman’s anthem, a steady gaze directed over and over again toward another imminent death.
What’s most rewarding about Return to Annihilation is this sense of narrative and emotional limbo, or the feeling that supposedly staunch binaries-- birth and death, beauty and brutality, triumph and defeat-- function exclusively in interrelated arcs. Sure, there are entire tracks here that feel more nihilistic or uplifting than others. The neon guitars and escalating drum patterns of “Eternal Return” are exultant enough to soundtrack an action movie’s climax, while “Exiting the Hall of Vapor and Light” fashions a great, gray canvas from static and distortion, a diorama of nothingness. But in every instance, defeat and relief seem only to be dissolving through one another, not pushing one another from the frame. The guitars in “Vapor and Light” slink into patterns that don’t resolve, but for an instant, they bubble into the sort of ebullient loop that you might hear on a Dustin Wong record; it’s like glimpsing light at the end of a tunnel that’s so big you didn’t even know you were surrounded. And “Eternal Return” takes shape around bitterly shouted imprecations and swells of background noise so strong they sometimes threaten to push the ascension off track. Return to Annihilation forever demands that you decide for yourself-- or, of course, don’t.
In the past, Locrian albums have seemed to me almost uniformly doomed, with their lyrics about industrial decay and blizzards of irascible tones creating an atmosphere of general oppression. But Return to Annihilation implicitly urged me to revisit those earlier records and to listen for, if not foreshadowing, signs that there’d been more ambiguity and complexity at work than I’d first supposed. And there is: The great Drenched Lands seems more forgiving than I’d perceievd, as if its excoriation of society is more of a way out than a mere self-excommunication. Moments of The Clearing, particularly the electrostatically foreboding “Coprolite”, sound in retrospect as if they are trying to climb out of the dark, even if they don’t succeed. Return to Annihilation, then, feels like a perfect nexus of Locrian’s past and future. This is the rare album that reveals new depth within a catalog that already seemed so deep and ruminative while proclaiming rather unlimited possibilities for a band nearing the end of its first decade. It’s a beginning refashioned from expired endings-- as it turns out, an essential Locrian idea." [Pitchfork]
www.relapse.com
www.relapse.com
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2013 |
€13.00 |
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| LOPEZ, FRANCISCO / ANDREY KIRITCHENKO |
Mavje |
CD |
Verpackt in dicken, seltsam geschnittenen Karton, kommt diese bemerkenswerte Collaboration auf KIRITCHENKO’s NEXSOUND-Label heraus. Schichten aus „organisch“ rauschenden Flächen wühlen sich wie Insekten durch den Äther, im Sub-Bass Bereich bewegen sich tänzelnde Helikopter-Drones vorbei, nach plötzlichem break aber kommen auch dumpf konkret-knirschende Akusmen zum Einsatz, aus denen sich neue bedrohliche metallo-dreamscapes schälen....
= Der LOPEZsche Klangkosmos wird hier angenehm erweitert !
“Spanish 'absolute concrete music' artist Francisco Lopez known for his releases, performances and installations world-wide joined together with Ukrainian cross-genre experimental sound artist Andrey Kiritchenko on this CD. Lopez decomposed and reworked field and furnishings recordings made and processed by Kiritchenko in his living space. Over the last twenty years Francisco Lopez has developed an astonishing sonic universe, absolutely personal and iconoclastic, based on a profound listening of the world. Destroying boundaries between industrial sounds and wilderness sound environments, shifting with passion from the limits of perception to the most dreadful abyss
of sonic power, proposing a blind, profound and transcendental listening, freed from the imperatives of knowledge and open to sensory and spiritual expansion.,,,,” [press release]
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2005 |
€14.00 |
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| LOTUS EATERS |
Mind Control for Infants |
CD |
Sehnsüchtig erwartete (nach der tollen 12” und der überaus gefragten 7” auf Drone) erste CD des US-Dronepsychfolk-Trios von Aaron Turner, Stephen O’Malley und James Plotkin. Auf sechs unbetitelten Stücken entwerfen sie fragile tagträumerische Kompositionen mit vielen Akustikgitarrensounds im Vordergrund und diversen verhaltenen Background-Eruptionen.. hat eine ganz eigene hypnotische Note... first CD by this wonderful experimental dronepsych-trio, six daydreaming compositions with many acoustic guitar sounds and more strange background-eruptions.. has a very own hypnotic note..
“..Contemplative as it is calming, Mind Control for Infants nonetheless demands mood-altering interaction and mind-controlling attention. Sparse and spaceless they may be, but much like contemporaries/labelmates Tribes of Neurot, the Lotus Eaters are far from "easy listening." In the LE world, low-end gurgles co-exist with (delicately treated) strums of the guitar and sub-aquatic plunges of reverb, the result mountainous as it is minimal, without genre as it is without boundary.” [from the label description]
label-website: www.neurotrecordings.com
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2002 |
€13.00 |
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| LUNDVALL, TOR |
Yule |
LP |
"Upstate New York artist Tor Lundvall's music often evokes a sense of soft-focus autumnal melancholia but nowhere is this atmosphere more explicit and evocative than his self-released 2006 holiday album, Yule, newly reissued by Dais Records. Inspired by childhood memories of "cold, dark evenings" waiting for his mother outside shops and supermarkets while seasonal songs drifted faintly on the frozen air, the collection feels appropriately hushed and hypnagogic, half-remembered melodies heard through falling snow. Steady muted rhythmic pulses wind through wintry landscapes of icy synthetic textures, glass bells, and distant metallic echoes, occasionally framed by Lundvall's soft, dazed vocals, narrating scenes of "slushy, illuminated train stations" and "the lonely trees of January, still entangled with blue lights long after the season has ended." It's a music of barren branches, crescent moons, and willowy figures shuffling and shivering on their way somewhere, viewed from a fogged window passing by, or high above. As with Lundvall's signature oil paintings, Yule's sonic vignettes are works of observation, poetic glimpses rendered in gradients of color and quiet. He has referred to his music in the past as "ghost ambient" and, although his songwriting here skews more foreground than background, the phrase aptly captures the haunted, half-light quality of these fragile tracks. 10 miniatures of wreathed streets and silent woods, of twinkling store windows seen from a distance, the sensation of being outside of life looking in - the sentiments that seeded Lundvall's vision remain undimmed: "There was a special melancholic beauty about these moments that has never left me."
https://torlundvall.bandcamp.com/album/yule
"Das damals noch über World Serpent vertriebene Minilabel des in Neuengland ansässigen Malers und Musikers, auf dem seine frühen Aufnahmen erschienen, trug im Namen schon die Jahreszeit, die am ehesten die von Musik und Bildern Lundvalls hervorgerufene Atmosphäre zu illustrieren schien: Eternal Autumn Editions. Seine visuellen wie auch akustischen Arbeiten strahlten nämlich immer eine gewisse Melancholie aus und auch eine seltsame (un)heimliche Atmosphäre, in der Absenz und Präsenz, „the weird and the eerie“, zusammenkamen. Lundvall selbst sprach vor Jahren einmal von „Ghost Ambient“ zur Beschreibung seiner Musik.
„Yule“ erschien ursprünglich 2006 auf dem kurzlebigen nordamerikanischen Label Strange Fortune. Eigentlich eine EP, wurde diese Veröffentlichung schon damals durch die Langversion von „The Falling Snow“ (gekürzt in einer 4-minütigen Version auf dem Eisteddfod-Sampler des französischen Labels Cynfeirdd erschienen) ergänzt.
Bezogen auf „Yule“ sagt Lundvall, er habe die „special, melancholic beauty“ der Zeit abseits des Weihnachtsstresses zum Ausdruck bringen wollen (und – möchte man ergänzen – abseits des exzessiven Konsumrausches, der Batailles Überlegungen zum Potlatsch fast ad absurdum führt).
Auf „Yule“ finden sich instrumentale Tracks wie „Busy Station“ aus Rauschen, vereinzelten Pianotupfern und seltsamen Geräuschen oder „The Train Home“ mit seinem gedämpften Pulsieren. Auf „12AM“ erklingt perkussives Rasseln, „Snowy Morning“ ist eine verrauschte melodische Fläche und Glocken scheinen zu läuten. Auf „Fading Light“ meint man irgehdwo eine Stimme zu hören. „White On Grey“ klingt fast wie Radiorauschen und ist vielleicht das ambienteste Stück. Es gibt auch Stücke mit Vocals wie „Christmas Eve“: ein Pusieren wie Schritte durch den Schnee, verhallte entfernte Geräusche und eine aus ein paar Tönen bestehende Painomelodie. Dann singt Lundvall mit fragiler Stimme über ein Mädchen „staring at the moon/candle light fills her room“. Auf „Yule Song“ ist die Stadt still und leer. „January“ enthält entrückte Vocal/Choral-Samples und dann heißt es: „Darkness falls early now/The city’s tired“. Zum Schluss bietet dann “The Falling Snow” noch einmal 20 Minuten, die einen tatsächlich glauben lassen, man gehe durch eine schneebedeckte Landschaft, in der schemenhafte Entitäten irgendwo die Tasten eines einsamen Klaviers drücken." [MG/African Paper]
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2020 |
€24.00 |
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Yule |
LP |
"Upstate New York artist Tor Lundvall's music often evokes a sense of soft-focus autumnal melancholia but nowhere is this atmosphere more explicit and evocative than his self-released 2006 holiday album, Yule, newly reissued by Dais Records. Inspired by childhood memories of "cold, dark evenings" waiting for his mother outside shops and supermarkets while seasonal songs drifted faintly on the frozen air, the collection feels appropriately hushed and hypnagogic, half-remembered melodies heard through falling snow. Steady muted rhythmic pulses wind through wintry landscapes of icy synthetic textures, glass bells, and distant metallic echoes, occasionally framed by Lundvall's soft, dazed vocals, narrating scenes of "slushy, illuminated train stations" and "the lonely trees of January, still entangled with blue lights long after the season has ended." It's a music of barren branches, crescent moons, and willowy figures shuffling and shivering on their way somewhere, viewed from a fogged window passing by, or high above. As with Lundvall's signature oil paintings, Yule's sonic vignettes are works of observation, poetic glimpses rendered in gradients of color and quiet. He has referred to his music in the past as "ghost ambient" and, although his songwriting here skews more foreground than background, the phrase aptly captures the haunted, half-light quality of these fragile tracks. 10 miniatures of wreathed streets and silent woods, of twinkling store windows seen from a distance, the sensation of being outside of life looking in - the sentiments that seeded Lundvall's vision remain undimmed: "There was a special melancholic beauty about these moments that has never left me."
https://torlundvall.bandcamp.com/album/yule
"Das damals noch über World Serpent vertriebene Minilabel des in Neuengland ansässigen Malers und Musikers, auf dem seine frühen Aufnahmen erschienen, trug im Namen schon die Jahreszeit, die am ehesten die von Musik und Bildern Lundvalls hervorgerufene Atmosphäre zu illustrieren schien: Eternal Autumn Editions. Seine visuellen wie auch akustischen Arbeiten strahlten nämlich immer eine gewisse Melancholie aus und auch eine seltsame (un)heimliche Atmosphäre, in der Absenz und Präsenz, „the weird and the eerie“, zusammenkamen. Lundvall selbst sprach vor Jahren einmal von „Ghost Ambient“ zur Beschreibung seiner Musik.
„Yule“ erschien ursprünglich 2006 auf dem kurzlebigen nordamerikanischen Label Strange Fortune. Eigentlich eine EP, wurde diese Veröffentlichung schon damals durch die Langversion von „The Falling Snow“ (gekürzt in einer 4-minütigen Version auf dem Eisteddfod-Sampler des französischen Labels Cynfeirdd erschienen) ergänzt.
Bezogen auf „Yule“ sagt Lundvall, er habe die „special, melancholic beauty“ der Zeit abseits des Weihnachtsstresses zum Ausdruck bringen wollen (und – möchte man ergänzen – abseits des exzessiven Konsumrausches, der Batailles Überlegungen zum Potlatsch fast ad absurdum führt).
Auf „Yule“ finden sich instrumentale Tracks wie „Busy Station“ aus Rauschen, vereinzelten Pianotupfern und seltsamen Geräuschen oder „The Train Home“ mit seinem gedämpften Pulsieren. Auf „12AM“ erklingt perkussives Rasseln, „Snowy Morning“ ist eine verrauschte melodische Fläche und Glocken scheinen zu läuten. Auf „Fading Light“ meint man irgehdwo eine Stimme zu hören. „White On Grey“ klingt fast wie Radiorauschen und ist vielleicht das ambienteste Stück. Es gibt auch Stücke mit Vocals wie „Christmas Eve“: ein Pusieren wie Schritte durch den Schnee, verhallte entfernte Geräusche und eine aus ein paar Tönen bestehende Painomelodie. Dann singt Lundvall mit fragiler Stimme über ein Mädchen „staring at the moon/candle light fills her room“. Auf „Yule Song“ ist die Stadt still und leer. „January“ enthält entrückte Vocal/Choral-Samples und dann heißt es: „Darkness falls early now/The city’s tired“. Zum Schluss bietet dann “The Falling Snow” noch einmal 20 Minuten, die einen tatsächlich glauben lassen, man gehe durch eine schneebedeckte Landschaft, in der schemenhafte Entitäten irgendwo die Tasten eines einsamen Klaviers drücken." [MG/African Paper]
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2020 |
€22.00 |
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| LUSTMORD |
Much Unseen is also here (col. vinyl) |
do-LP |
Der Dark-Ambient-Pionier, die stygische Drone-Legende und das fast schon mythische Wesen LUSTMORD durchstößt mit "Much Unseen Is Also Here" einmal mehr den Schleier - die neueste Solo-Veröffentlichung des Künstlers in einer beeindruckenden, 40-jährigen kreativen Karriere an der Spitze der Industrial-Musik. Auf Drängen von Cosey Fanni Tutti und Chris Carter von Throbbing Gristle, Musik zu machen, die seine unverwechselbare Aura einfängt, übernahm Brian Williams 1980 Lustmord und begann mit Sounds zu arbeiten, weil die Musik, die er hören wollte, einfach nicht existierte. Lustmord veröffentlichte 1989 sein drittes Album "Heresy", das zu einem Meilenstein in der Industrial-Szene wurde und heute allgemein als Ursprung des Dark-Ambient-Genres gilt. 35 Jahre später führt Much Unseen Is Also Here" das Vermächtnis von Heresy" fort und knüpft an dessen fesselnden Erzählbogen an. "Much Unseen Is Also Here" besteht aus drei verschiedenen Teilen und ist dazu gedacht, in einer einzigen, ununterbrochenen Durchgang angehört zu werden; es entführt den Hörer in eine kompromisslose Parallelwelt, die nur in der Musik existiert, bevor es ihn am Ende für immer verändert wieder hinauswirft. Lustmord, der seit 1994 in L.A. lebt, hat auch als Komponist und Sounddesigner an der Musik für ikonische Film- und Fernsehproduktionen mitgewirkt, darunter "The Crow", "Strange Days", "From Dusk Till Dawn", "Underworld" und in jüngerer Zeit die FX-Serien "Fear The Walking Dead" und "First Reformed"von "Taxi Driver"-Autor Paul Schrader aus dem Jahr 2017. Immer noch entschlossen, die Grenzen von Sound, Genre und Medien zu erweitern, hat Lustmord auch zu den Soundlandschaften von Videospielen wie Assassin's Creed, League of Legends und, passenderweise, dem von H.R. Geiger inspirierten Survival-Horror-Spiel Scorn von 2022 beigetragen. Other Woes Are Yet To Come Edition (single colored (pink) vinyl, ltd to 220 copies ww)
"Im Vorfeld der Veröffentlichung des neuen Abums von Brian Williams wurde ein Vergleich zu dem 1989 erschienenen Album „Heresy“ gezogen: „[Much Unseen Is Also Here“] continues the legacy established by ‘Heresy’ and echoes its enthralling narrative arc“. Das ist natürlich eine ziemliche Ansage, ist doch „Heresy“ der Höhepunkt der prädigitalen Ära Lustmords. Dabei trugen zur (mehr als berechtigten) Auratisierung des Werks sicher auch das apokalyptische das Cover zierende John Martin-Gemälde (das sich jeder Londonbesucher einmal in der Tate ansehen sollte) und vor allem auch die Aufnahmeorte bei: So hieß es doch auf der Rückseite, das Album „utilises subterranean location recordings originated within crypts, caverns, mines, deep shelters and catacombs together with meterial of a seismic and volcanic origin“. Diese Art des Aufnehmens ist lange vorbei und Brian Williams zeigte kurz noch auf seiner Instagramseite ein Bild seiner Soundbibliothek, das deutlich machte, dass für die nächsten Jahrzehnte mehr als genug zu bearbeitendes Material vorhanden ist.
In den letzten Jahren gab es das 2016 bei Touch veröffentlichte „Dark Matter“, ein überaus reduziertes Album, “70 Minuten tiefster Schwärzer“ aus den Tiefen des Alls, es erschien mit dem leider nur als Download verfügbaren „Trinity“ Williams’ Auseinandersetzung mit der Atombombe, es gab seinen Soundtrack zu Paul Schraders „First Reformed“ sowie die Kollaborationen mit Karin Park („Alter“) und mit dem Pianisten Nicolas Horvath (das recht atypische „The Fall“). Zuletzt konnte man ihn als Komponisten für das von den Bildern H. R. Gigers inspirierte Horroradventure “Scorn” erleben und hören, wie auf “The Others [Lustmord Deconstructed]” zahlreiche Künstler sich des Albums “[Other]” annahmen.
Verglichen mit „Dark Matter“ ist „Much Unseen Is Also Here“ wesentlich opulenter ausgefallen. Der Opener „Behold The Voice Of Thunder“ ist durchzogen von diesem so typischen tiefschwarzen Brummen, dunke, „donnernde“ Schläge sind zu hören. Dann entwickeln sich nach und nach melodische Passagen, die entfernt an Momente auf „The Monstrous Soul“ erinnern. Hier ist fortwährend die Antizipation der (Be-)Drohung, die dann kommen mag. Ein wenig erinnert mich das Ende des Stücks an Simon Boswells Score zu Richard Stanleys „Hardware“. „An Angel Dissected“ ist eine dunkel-melancholische Klage mit einem wellenartigen An- und Abschwellen, vielleicht in etwa so, als habe Williams Steven Stapletons Dronemeisterwerk „Salt Marie Celeste“ geremixt. Auf „A Shadow Cast Upon The Deep“ meint man, die dunklen Drones habe Williams aus Stimmen geschmiedet. „Invocation Of The Nameless One“ beginnt mit melodischen, an ein Blasinstrument erinnernen Sounds, auf „Their Souls Asunder“ meint man, dunkel singende Stimmen zu hören, die dem Stück einen fast sakralen Charakter geben. Die Sounds am Ende lassen dann an „Heresy“ denken. „Hence Shall They Be Devoured All Of Them“ wird mit Glockenläuten eingeleitet, dann klingt es so, als habe ein Cello als Soundquelle gedient. Schließlich lässt „Other Woes Are Yet To Come“ das Album mit einem mehr als wahren Titel enden.
Das ist vielleicht das melodischste Lustmord-Album seit langem. Wer aufgrund der Titelgebung und Covergestaltung mit dem aus Wayne Barlowes „Hell“-Serie stammenden Bild „Saragatanas Before The Behemoths“ meint, hier sei ein dunkler Metaphysiker am Werk, dem sei gesagt, dass im Innern des Albums eines der berühmtesten Zitate Epikurs zu finden ist, in dem das Epikureische Paradoxon formuliert wird, das die berühmte Frage nach dem Verhältnis von Güte und Allmächtigkeit von Göttern stellt. Auf einem vor etlichen Jahren erschienen Lustmord-T-Shirt hieß es dann auch passenderweise „The only good god is a dead god“." [MG/African Paper]
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2024 |
€37.50 |
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Much Unseen is also here |
CD |
Der Dark-Ambient-Pionier, die stygische Drone-Legende und das fast schon mythische Wesen LUSTMORD durchstößt mit "Much Unseen Is Also Here" einmal mehr den Schleier - die neueste Solo-Veröffentlichung des Künstlers in einer beeindruckenden, 40-jährigen kreativen Karriere an der Spitze der Industrial-Musik. Auf Drängen von Cosey Fanni Tutti und Chris Carter von Throbbing Gristle, Musik zu machen, die seine unverwechselbare Aura einfängt, übernahm Brian Williams 1980 Lustmord und begann mit Sounds zu arbeiten, weil die Musik, die er hören wollte, einfach nicht existierte. Lustmord veröffentlichte 1989 sein drittes Album "Heresy", das zu einem Meilenstein in der Industrial-Szene wurde und heute allgemein als Ursprung des Dark-Ambient-Genres gilt. 35 Jahre später führt Much Unseen Is Also Here" das Vermächtnis von Heresy" fort und knüpft an dessen fesselnden Erzählbogen an. "Much Unseen Is Also Here" besteht aus drei verschiedenen Teilen und ist dazu gedacht, in einer einzigen, ununterbrochenen Durchgang angehört zu werden; es entführt den Hörer in eine kompromisslose Parallelwelt, die nur in der Musik existiert, bevor es ihn am Ende für immer verändert wieder hinauswirft. Lustmord, der seit 1994 in L.A. lebt, hat auch als Komponist und Sounddesigner an der Musik für ikonische Film- und Fernsehproduktionen mitgewirkt, darunter "The Crow", "Strange Days", "From Dusk Till Dawn", "Underworld" und in jüngerer Zeit die FX-Serien "Fear The Walking Dead" und "First Reformed"von "Taxi Driver"-Autor
Paul Schrader aus dem Jahr 2017. Immer noch entschlossen, die Grenzen von Sound, Genre und Medien zu erweitern, hat Lustmord auch zu den Soundlandschaften von Videospielen wie Assassin's Creed, League of Legends und, passenderweise, dem von H.R. Geiger inspirierten Survival-Horror-Spiel Scorn von 2022 beigetragen.
Dark ambient pioneer, Stygian drone legend and near-mythical entity LUSTMORD pierces the veil once more with ‘Much Unseen Is Also Here’; the artist’s latest, solo full-length release in a formidable, 40-year creative career at the forefront of industrial music.
Urged by Cosey Fanni Tutti and Chris Carter of Throbbing Gristle to make music that captured his distinctive aura, Brian Williams assumed the mantle of Lustmord in 1980 and began working with sound because the music he wanted to listen to simply didn’t exist. Nine years of field-recording experimentation and near-constant collaboration later, Lustmord released his third album, ‘Heresy’, which became a milestone in the industrial scene and is now universally regarded as the origin of the dark ambient genre.
35 years later, ‘Much Unseen Is Also Here’ continues the legacy established by ‘Heresy’ and echoes its enthralling narrative arc. Sequenced in three distinct parts; ‘Much Unseen Is Also Here’ is meant to be listened to in a single, uninterrupted sitting; transporting listeners away to an uncompromising parallel world that only exists within the music, before casting them back out at the end, forever changed.
Opening piece, ‘Behold A Voice As Thunder’, is an ominous droning fog that conceals something unspeakable. Glacial strings, a zither-like dirge and manipulated found sounds are cut short by a gargantuan pounding presence, whether looming footsteps or a colossal heartbeat; the choice is left entirely to the listener’s imagination. Elsewhere, ‘Their Souls Asunder’ appears centred on a chorus of voices; a vital glimpse of humanity. However, as the piece continues, these voices wane, wither and warp until we’re left with something akin to the cries of a wounded animal, which begs the question: ‘were the voices we followed blindly into the darkness ever human at all?’
This sense of uncertainty and the terrifying unknown is an important and recurring theme within Lustmord’s work; “I chose to let the sound talk for me” says Brian. “My music is not meant to be explained - only listened to as a means of exposing the sheer insignificance of our primitive thoughts and actions within the vast scale of the cosmos - a scale which we as a species are ill equipped to comprehend.”
It should come as no surprise by now that the captivating narrative precedent of ‘Heresy’ was also the catalyst for an incredible career in production work and sound design. Alongside a plethora of solo albums at Lustmord, Williams has worked with artists and outfits including Tool, Isis, Jarboe, Coil’s John Balance, SWANS, Mortiis and Melvins; with his most recent release, 2021’s ‘ALTER’, being a collaborative record with award-winning singer-songwriter and Årabrot member, Karin Park.
Based in L.A. since 1994, Lustmord has also contributed as composer and sound designer to the music for iconic film and television properties including ‘The Crow’, ‘Strange Days’, ‘From Dusk Till Dawn’, ‘Underworld’ and more recently, FX’s ‘Fear The Walking Dead’ series and ‘Taxi Driver’ writer Paul Schrader’s 2017 film ‘First Reformed’. Still determined to push at the boundaries of sound, genre and media; Lustmord has also contributed to the soundscapes of video games such as Assassin’s Creed, League of Legends and, quite fittingly, 2022’s H.R. Geiger-inspired, survival-horror game, Scorn.
With so many strings to his bow and even more collaborations in the works, ‘Much Unseen Is Also Here’ serves as both a triumphant, retrospective gateway to Lustmord’s groundbreaking dark ambient origins as well as a tantalising taste of what he is capable of now; what is still yet to come. Having performed live just 39 times across his 43-year career, maybe Lustmord is ready to share the cosmic secrets hidden within ‘Much Unseen Is Also Here’ in the flesh, atop his inimitable, timeless concoction of earth-shaking sub bass, spine-tingling ritualism and inescapable, existentialist dread.
https://lustmord.bandcamp.com/album/much-unseen-is-also-here
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2024 |
€16.00 |
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| M.B. / COALMINER + ALLIES |
Antimateria |
LP |
Allies:
GNAW THEIR TONGUES (Netherlands);
RICHARD RAMIREZ (USA, founder of Black Leather Jesus); TORTURING NURSE (China)
ZENABI (Philippines);
GRODOCK (Germany);
TOSHIJI MIKAWA (Japan, founder of Incapacitants);
MANY BLESSINGS (USA; with Ethan Lee of Primitive Man);
UNSIGNIFIED DEATH (Thailand)
MAURIZIO BIANCHI is one of the founders of early industrial and noise music and should be familiar to the most. For ANTIMATERIA he contributed two brand new, merging pieces in which he approaches the theme through sounds of iluminescent and rushing keyboard clusters. COALMINER establishes several harshnoise tracks, for which they collaborated with the most diverse artists of the genre, from different countries. in the next few days, the various supporters will be presented here.
Art by: Paul van Trigt, M.B. and Bruno Erber
https://grubenwehrfreiburg.bandcamp.com/album/antimateria
"Schon vor etlichen Jahren haben Kernphysiker verschiedene Untersuchungen zu den Klängen von Antimaterieteilchen durchgeführt. Die Ergebnisse sind mittlerweile vermutlich Legion und mir weitgehend unbekannt. Wenn im Zuge dessen allerdings so etwas wie der Sound auf der vor einigen Monaten erschienenen Compilation “Antimateria” möglich ist, dann wäre ich prinzipiell dafür.
Auf der LP “Antimateria”, die wenn man genau sein will ein zwischen Kollaboration, Compilation und Split-Release angesideltes Objekt darstellt, arbeitet auf der ersten Seite das hierzulande hoffentlich bald wesentlich bekanntere philippinische Harsh Noise-Duo Coalminer mit einer Reihe an Acts zusammen, die trivial formuliert fast wie ein Who is Who internationaler Lärmkünste anmuten. Die Resultate offenbaren einen starken verbindenden Rahmen, unterscheiden sich aber im Detail sowohl in der klanglichen Beschaffenheit (Rauheit versus relativ glatte Politur, oder besser leicht abgemilderte Rauheit) als auch in der Struktur (Fluss versus Stakkato und alle Zwischenstufen).
Den Auftakt bildet ein Track, den die beiden (wie vermutlich in fast allen Stücken) in Mail Art-Manier zusammen mit der ursprünglich mal als Band gegründeten und heute von Junkie im Alleingang betriebenen Shanghaier Institution Torturing Nurse und dem deutschen Noise- und Experimental-Act Grodock aufgenommen haben. Nach wenigen brummenden Sekunden bricht eine Lawine aus Schutt und Geschrei auf die Ohren nieder, und was anfangs noch eher wie im Fluss wirkt, in welchem man die Schreie von Kindern und Schmerzgeplagten hört, wird irgendwann von einem ohrenbetäubenden Donnern und Rattern und Rumpeln zerstampft. Anschließend geht es in Zusammenarbeit mit Richard Ramirez und dem Landsmann Zenabi zunächst etwas zurückgenommener zur Sache, man hört verhaltenes Brodeln und Kratzen, bei dem sich zum einen die vielzitierte Noise-Wall mit rauer Tapete abzeichnet, aber auch das, was ungeübte Ohren gerne einen “Kaputte Boxen-Effekt” nennen. Das ist aber nur die Kulisse, auf der sich viele andere zum Teil entgrenzte Dinge wie schwindelerregender Drehungen oder höllisches Gekeife aus einem riesigen Mund ereignen.
Die qualvollen Schreie zeigen sich am eindrücklichsten in dem Track, den Coalminer zusammen mit dem aus dem experimentellen Black Metal stammenden niederländischen Projekt Gnaw Their Tongues und dem Amerikaner Ethan Lee McCarthy alias Many Blessings aufgenommen hat. Hier mischen sich die Todesschreie in ein furioses ambientes Rauschen, das mit der Zeit immer mehr zu einem kleinteiligen, schnellen Flickerbild mutiert. Zusammen mit Toshiji Mikawa (seines Zeichens Mitgründer der Incapacitants) und dem von Bangkok aus operierenden Polwach Beokhaimook alias Unsignified Death schließt die erste Seite mit einem Track, in welchem eine anfangs fast noch angenehm klingende Wall durch hochtönendes Feedback, beängstigendes Lachen und herausgekotzte Vocals zum Einsturz gebracht wird. So wird Antimaterie zu einem Fest für die Ohren.
Zu einem kompletten Tapetenwechsel (ohne Raufaser, pun intended) kommt es beim Auflegen der zweiten Seite, denn die beiden jeweils rund zehnminütigen Stücke, die Maurizio Bianchi hier unter seinem Kürzel M.B. abliefert, könnten zum bisher gehörten kaum eindrucksvoller kontrastieren. Was vom Label als “sounds of iluminescent and rushing keyboard clusters” beschrieben wird, erweist sich als Labsal von flirrender ambienter Struktur, deren helle, obertonreiche Gestalt immer in Bewegung bleibt. Im Verlauf der beiden Stücke entfalten sich – beim zweiten “Yangnay” mehr noch als beim eröffnenden “Gnayang” – leisere und lautere Abschnitte, in denen kleine Unregelmäßigkeiten, die manchmal wie Tonstörungen anmuten, für eine im besten Sinne unspektakuläre Dynamik sorgen. Und durchgehend sorgt eine sonnengeblendete Flimmerästhetik für ein fast nostalgisches Deja-Vu zu klassischen Synthesizer-Kompositionen besserer Zeiten.
Weit davon entfernt den Veröffentlichungsturnus v.a. im Harsh Noise zu überblicken schätze ich, dass “Antimateria” zu den herausragenden Releases in diesem Bereich zählt. Das betrifft natürlich primär die Coalminer und seinen Kollegen gewidmete Seite, aber auch in dem hier adressierte Dunstkreis tut ein Blick über den Tellerrand, hinter dem Bianchi seine sanften Keyboardsounds spielt, sicher ganz gut. Tolle Platte, die hoffentlich nochmal neu aufgelegt werden wird." [U.S./African Paper]
"First off, this album has six different vinyl versions, ranging from 10 copies in pristine white to 90 copies in red/brown flamed. Some are with additional CDs, some without, but Grubenwehr really put some effort into this release. I give compliments to you guys; your effort and energy paid off.
The two sides of this album are unrelated to each other. With this, I mean, it's not artists remixing each other or collaborative work using each other's sounds or so. It's 20 minutes per artist, and I think I have never had a better opportunity to present two fully different definitions of noise music in the same review to you, the reader. First of all, Side A: Coalminer. A duo from Manilla. Philippines, on their four tracks, work together with friends from all over the world. How about (and it's just half of them) Torturing Nurse, Richard Ramirez, Gnaw Their Tongues and Unsignified Death? And the music
is so intense!!! I couldn't tell you the content of the lyrics, but the titles kinda imply it. "Dissection", "Gaping Crevice", "Decomposition" and "Electrocution". I mean ... It's probably all lullabies for the sick and twisted (pun intended).
The reverse side contains two 10-minute pieces by M.B., a.k .a. Maurizio Bianchi. M.B. started working on his art in 1979 using pre-recorded sounds and, in 1980, worked more with the generation of his own sounds. He is absolutely one of the pioneers of early industrial and noise, and on the two pieces presented here - "Gnayang" and "Yangnay" - he approaches the theme of "Antimateria" through sounds of luminescent and rushing keyboard clusters. How does that translate to sound? Two lengthy pieces in which not much happens but where a lot happens. It sounded like a combination of organs and vocoders and was never-ending, always moving. I had a few moments where I was drawn into the atmosphere of Wendy Carlos works, but then more of a static/non-static drone. IF M.B.'s interpretation of the subject was that while nothing happens, a lot happens, and at the same time, because a lot happens, nothing happens, then he succeeded cum laude. Beautiful works, but in all honesty, It's an acquired taste." [BW/Vital Weekly]
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2023 |
€20.00 |
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| M.B.(MAURIZIO BIANCHI) / LAND USE |
Psychoneurose |
CD |
Collaboration der wiedererstarkten Industrial-Legende mit LAND USE, einem neuen Projekt aus NL.... zu hören gibt es hier rauhe, ratternde Klang-Emanationen, die sich in immer neuen Verformungen in den Äther wälzen.... Licht-verschluckend und zähflüssig wie schwarzer Teer....unser definitiver Favorit unter den neuen MB-Veröffentlichungen der letzten Zeit !
“Italian Avant-Noise legend M.B. and Land Use collaborate on dramatic, subterranean wall-of-noise constructions and swirling textural storms, dense and complex arrangements, shifting and shimmering tones barely under control, streaming toward some distant and indefineable precipice. Not noisy, but way too tense and corrosive to be called ambient. These vibrant monoliths of sound shift the listeners pysche into a restless sort of zen, a blissful chaos - truly mind and mood-altering. Bianchi released early records on Whitehouse's Come Org. label and has been active since the 1970's. And a recent and conspicuous absence from the experimental music world has been broken by several recent releases of surprising freshness and relevance. It is unclear where MB leaves off and Land Use begins but Psychoneurose is definitely a clear and brilliant return to early MB techniques with several refinements in delivery and focus. Psychoneurose will be the clear weapon of choice for those who prefer their ambience with teeth and their Power-Electronics with more of the deep, vaster textures than violence.” [label description]
“....Thank God, we gave Psychoneurose a listen, as this record is so spectacular that perhaps we will be searching out some of those other records to see if they are as good as they were claimed to be! .....in returning to the all-encompassing, utterly blackened, subterraneanly frigid, nightmarishly grim, soul-crushingly bleak, death-shroud ambience that Bianchi had produced back in the day. Expansive, Frankensteinian drones constanly broadcast a black energy, marred with tactile corrosive noises and synthetic twitches which could only be made by the same anaglog technology of Bianchi's classic recordings. So until those aforementioned albums come back in print yet again, Psychoneurose holds its own as a worthy substitute.” [Aquarius]
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2005 |
€13.00 |
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TSE-K |
LP |
Nach der schönen "Psychoneurose" schon die zweite Zusammenarbeit von LAND USE mit BIANCHI. Zwei lange dark-drone Stücke, sanft walllende sub-marine akustische Massen in denen sich alles verliert: Stimmen, Sirentöne, Klackern, tauchen am Rande der Wahrnehmung auf um in endlosen Weiten wieder zu verschwinden...
"Maurizio Bianchi is back on vinyl! A new special limited edition from Small Voices and the father of Italian industrial music, together with Land Use from Holland in this new chapter of his legendary career. An oppressive meditative obscure early-industrial symphony based on two monolithic pieces of thick throbbing stuff. A long deep trip into the darker meanderings of the human mind... good luck!" [label notes]
"...Let's be honest, we have no idea what any of that means, but it is clouded in mystery, and in that way definitely represents the sounds contained on TSE-K, which at its very core is a minimal drone record, a gorgeous one at that. nothing really harsh or heavy, more dark and soothing and dreamy, but within the swirling low end tones and softly whirring rumbles lurk all manner of melody, and of texture, overtones create strange rhythmic pulses, the sounds occasionally coalesce into
thick shimmering throbs, before slipping back into the drifting blackness below. In the case of TSE-K, headphones are most definitely like a diving bell, letting the listener sink into the inky blackness, and observe the various sonic elements and subtle melodic activities that are all tangled up in the blackened layers of warm ominous murk. The flip side offers up more of the same, but the drone element is a bit more subtle, more of a backdrop for slivers of feedback, and grinding bits of textural buzz, more colors, the shades of black bleeding into browns and reds, not quite as abject and cold, streaks of glowing warmth shooting through a wide open expanse of greyed ambience and abstract post industrial minimalist drift." [Aquarius Records]
www.smallvoices.it
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2007 |
€14.50 |
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| MAEROR TRI |
Emotional Engramm |
CD |
"The reissue of a long-forgotten classic MAEROR TRI album with stunning new artwork and newly remastered sound. Back in 1997, it turned out to be the last album by this experimental trio of German droners composed of Stefan ‘Barakah’ Knappe, Martin ‘GLIT[s]CH’ Gitschel and Helge Siehl. The former two later formed TROUM (Zoharum releases: “Autopoiesis / Nahtscato” and “Seeing-Ear Gods” (A Continuous Journey
in Six Parts) and the latter 1000SCHOEN. During their nine-year existence, they recorded a handful of albums and cassettes with their unique mixture of minimalism, industrial, ambient and drone, exploring the brains of potential listeners. „Emotional Engramm” is MAEROR TRI's most refined effort to date. After years of experimenting, the group came to a characteristic sound composed of layers of
electrically/electronically-treated acoustic instruments. Their organic sound achieved the most accessible form on „Emotional Engramm”;. Clocking in at just under 80 minutes, the seven tracks presented here show Maeror Tri at its best.
The reissue is presented in a lavish 6-panel digipak designed by Marcin Lojek (Ibsen Design, New Nihilism label, Mantichora and Schmerz bands) with a foreword by Martyn Bates (EYELESS IN GAZA).
The album has been faithfully remastered by Lukasz Miernik (Dead Cat Mastering)." [label info]
www.zoharum.com
"Originally released in 1997 on the now defunct Iris Light imprint out of England, Emotion Engramm was the final album from Maeror Tri - the haunting, post-industrial drone trio that was the precursor to the equally haunting, post-industrial drone DUO Troum. This record - more so than any of the other Maeror Tri albums - engaged the complex structures that Troum would later push through their interlocking, shadowy melodies and slow-motion, effects-heavy drone. At the same time, the concepts that went into Emotional Engramm are more closely related to the clinical psychological themes of the Maeror Tri albums Multiple Personality Disorder or Language Of Flames & Sound, as referenced by the titular engram (purposefully misspelled in the title), a Scientology term for a mental image embedded into the brain by any type of trauma - physical, emotional, psychic, or otherwise. Far from prescribing the teachings of Scientology, Maeror Tri uses that concept as a jumping off point in conjuring "resonance of control, impact, fortuity, the randomly instigated yet inedibly etched emotional memory: Kodak ghosts." It's easy to read particular passages within the frozen din of washed-out guitar noise, spectral melodies, tectonic bass rumblings, and metallic slashes of grim electronics as the seizures within the psyche that might get caught in an infinite loop for the inner-mind. Some of those images provide an emotional resonance that's deeply sad and full of despair, while others are enraged with a blackened hostility. As we mentioned, many of the ideas and strategies that went into this album continued to develop through Troum; but even so, this stands as one of the best albums that either Maeror Tri or Troum had produced." [Aquarius Records]
"Recorded between 1993 and 1996, this is the final release of MAEROR TRI - packaged to suggest that this music is a kind of empty canvas for engrams, for letters, words, scribblings (both significant and insignificant) to emerge upon. "Engrams" somehow brings to mind Scientology; resonances of Control, Impact, Fortuity, the randomly instigated yet indelibly etched emotional memory: Kodak Ghosts...
The pure idea of Scientology is that of a beautiful catharsis; a steering thru the engrams, the 'de-control' of the mind and the re-acquisition of it's disparate componants...an insight...tools for your own endevour....for self-development......access towards some kind of re-affirmation of scattered aspects of being.
MAEROR TRI here paint an expanse of (admittedly low-fi) sheets of sound; abstraction that is only truly completed by the sensitized listener, adrift, in darkness, volume filling/consuming the room (it doesn't function as ambience, I found...), waver of rain in radioactivity, ether tears of trains of thought, the long forever letters of minutia that you hand-write to dear friends half a world away all flooding back now, into your mind's ear; books - someone else's thoughts.....worlds that consume, yet are mere cyphers, scribbles that are understood somewhere in an unthinking space within the mechanism of each individual's fleeting moment upon the 'wheel of the quivering meat conception'. This MAEROR TRI CD; non-representational, perhaps easily dismissed by anyone who has no time to 'stand and stare'..... ... .... well, for God's sake, stop ... and stand and stare ... put your ear to the world, and listen to the song of the nightingale ..... .. no; listen to all the birdsong .. ... know that words, and sounds, are but tokens."
[MARTYN BATES for SOFT WATCH for the 1st ed.]
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2012 |
€12.00 |
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Hypnobasia |
CD |
"Musicians of the now-defunct Maeror Tri have already had many opportunities to work with Zoharum on both releasing their new recordings and reissues of their older material. Our catalog contains titles by Troum ("Autopoiesis / Nahtscato", "Seeing-Ear Gods" and "Dreaming Muzak"), 1000Schoen (double split with Polish Ab Intra), and also their original project Maeror Tri ("Emotional Engramm" and "Meditamentum"). Together with musicians we remove blank spots in their discography by restoring their older recordings.
Maeror Tri was a project operating since the mid-80s until 1997, when they released their last album entitled "Emotional Engramm." In their works they penetrated such genres as minimalism, ambient and industrial music, and borrowed drone aesthetic from classical music. In addition to seven regular albums on CD and LP, they released a number of cassettes. They contained much rawer recordings compared to those from the trio's regular albums.
One of these two tape albums is "Hypnobasia" originally released in 1992 by the Italian label Old Europa Cafe. It was the fifth tape in the discography of Maeror Tri. The following rerelease is expanded with 3 additional tracks lifted from various artists compilations from 1989-1992. All the recordings have been remastered for this release.
The album is released in a 2-panel ecopak in a strictly limited edition of 350 copies. The cover is designed by Marcin Łojek (rozpad.com). It is mastered by Łukasz Miernik. The whole production process is overseen by Michał Porwet." [label info]
www.zoharum.com
"MAEROR TRI war ein Trio, das vom Ende der 80er-Jahre bis zum Jahr 1997 aktiv war. Nach einer Reihe von Veröffentlichungen, die sich in dem Rahmen Dark-Ambient, Industrial, Drone, Experimental einordnen lassen, war mit dem 1997er-Album „Emotional Engramm“ jedenfalls Schluss. Zwei Mitglieder, MARTIN GITSCHEL und STEFAN KNAPPE, machten danach mit TROUM weiter; HELGE SIEHL veröffentlichte in den Folgejahren als 1000SCHOEN.
Gerade zu Beginn der Existenz von MAEROR TRI wurden eine Reihe von Tapes veröffentlicht, von denen einige bereits auf CD wiederveröffentlicht wurden. Die noch vorhandenen Lücken möchte nun das polnische ZOHARUM-Label schließen, indem es zum einen „Sensuum Mendacia / Somnia“ und zum anderen „Hypnobasia“ wiederveröffentlicht. „Sensuum Mendacia / Somnia“ umfasst dabei das „Sensuum Mendacia“ Tape und die MAEROR TRI-Stücke des „Somnia Et Expergisci“ Split-Tapes, das damals zusammen mit NOSTALGIE ÉTERNELLE veröffentlicht wurde. „Hypnobasia“ wurde noch um drei Tape-Compilation-Stücke aus der Zeit ergänzt.
Gemeinsam ist beiden Veröffentlichungen, dass die Gitarre prägendes aber nicht wahrnehmbar dominierendes Element ist, wobei das Klangspektrum von Drones und Noise bis hin zu Akkorden und melancholischem Einzelanschlag der Saiten reicht. Die zupackendere, Richtung Industrial und Noise tendierende Seite von MAEROR TRI deckt hier definitiv „Hypnobasia“ ab, hier wird mit rhythmischen Elementen, Noise und bearbeiteten Stimmen gearbeitet. Ruhiger, flächiger, klanglich weitläufiger und auch melancholischer erscheint dagegen „Sensuum Mendacia / Somnia“. Der Klang erscheint bei beiden Veröffentlichungen als organisches, mit vielen Unebenheiten und Wendungen ausgestattetes Gebilde. Hochgezüchtete, digitale Soundwälle oder gar symphonische Elemente sucht man hier jedenfalls vergeblich. Im Klangbild mag man hier und da vielleicht den Staub der 90er-Jahre und die vielleicht noch nicht ganz ausgereifte technische Ausstattung erkennen; dennoch haftet dem Sound eine gewisse Zeitlosigkeit an, die das Wirken von MAEROR TRI auch aus heutiger Sicht als spannend erscheinen lassen kann." [Tony F. für nonpop.de]
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2016 |
€12.50 |
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| MAES, LAURA & KRISTOF LAUWERS |
Kitch'n Glitch |
CD |
"Cling Film –Mitbetreiberin LAURA MAES hat hier zusammen mit KRISTOF LAUWERS Küchengeräte, die Küchengeräusche von sich geben, akusmatisch verwurstet, und eine hochspannend tönende subtile Soundwelt ins Leben gerufen...zwischen elektronisch anmutenden Drones und ganz trockenden Geräuschen, ein Küchenkontext ist kaum noch zu erahnen... TIP !" [Drone Rec. 2003]
“All kinds of kitchensounds were blended for your exquisite taste. Don't expect loud mixers or banging on kettles, but rather subtle manipulated and cut-up sounds, sometimes creamy and soft, sometimes crispy and cold. caffeine free.” [label info]
“ A first release on her own label by Laura Maes, who runs Cling Film together with Kevin van Volcem (aside from all the organisational work they do in their surroundings). As the title of this disc already suggests, all the raw material was recorded in a kitchen
(Laura's) and later manipulated in the studio. With a total duration of just over 37 minutes, this is a dense work, that requires close
attention from the listener. There is a lot happening here and more often than not, it is pretty subtle. One of the most interesting
phenomena for me is the way Maes and Lauwers move with their sound from sheer electronic to acoustic and back again. From raw material to its manipulation or vice versa. The seven tracks are well placed and spaced, so one can listen to the whole CD as one work without a problem (this has defenitely got my preference). All tracks have strong compositions and very good timing and, most importantly: it's very juicy (and I mean this in the most positive sense!). Another one that is highly recommended. [MR for Vital Weely] Adress: www.clingfilm.org
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2003 |
€10.00 |
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| MANIFESTO |
Exit |
CD |
"Being a part of the alternative scene since more than 15 years past, Magnus Zetterberg's Manifesto has created a trademark of bleak and dark electronica, industrial textures and blackened ambient that satisfies a diverse taste of listening with it's manifold expression. Catching up with this act in 2008, in connection with the release of the album Core, the label found it only natural to get in touch again. Since then, Manifesto has released material on such labels as Silken Tofu and Bone Structure (to mention a few) and played live across northern Europe.
Exit is the finalization of four years of transformative work where turbulence, creation and re-creation sets the thematics. The entering track unfolds existence as elusive and impermanent and onwards the harsh sides of reality push us towards entropy." [label info]
ralignment.tictail.com
"Manifesto is the solo project of Swede Magnus Zetterberg who has been issuing material under this name since 2000. Having previously released a series of albums, splits, live recordings and ep’s, ‘Exit’ is his latest 19th release and follows 2012’s ‘Rust’ album on Silken Tofu. Sonically Manifesto deal with soundtrack styled ambient music of a darker hue (aka ‘dark ambient’ for a more straight forward genre descriptor), which also fits within the recognizable traits of such music coming from northern European spheres.
Musically speaking dank sub-orchestral drones provide the sonic bedrock, which is then augmented with a meticulous level of textual sonic detailing. The sound palate is also embedded with a high degree of mechanized tonality and jagged industrial based distortion in a few fleeting moments. Evidently Magnus has had formally trained in sound engineering and music production, with the results of this being absolutely demonstrated within the refined dark ambient approach on display. 5 tracks are featured, with each ranging from 5 to 13 minutes and which play out as variations on established dark ambient genre traits, where some pieces are dour and brooding, whilst others featuring driving and rhythmically pounding undercurrents. Yet collectively the greatest impression of ‘Exit’ is a strong ‘cinematic’ atmosphere and specifically that of a dystopian science fiction type motion picture.
Although not necessary turning the tables of what can be expected from dark ambient music in 2016, this is still a complex, diverse and enjoyable listen, to very much constitute a soundtrack to a non-existent film. Mini gate-fold cardboard sleeve rounds out the packaging." [Noise Receptor]
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2016 |
€12.00 |
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| MANINKARI |
Le Diable avec ses Chevaux |
do-CD |
"... Klanglich schwer einzuordnen und zu definieren, schaffen es die beiden Brüder, ausdruckstarke, cineastische Musik zu schaffen, die man irgendwo in einer epischen Post-Rock Welt mit etwas Jazz Einflüssen einordnen kann. Oft sind die Melodien quirlig, unruhig und tantrisch verspielt. Rhythmen bauen sich spiralartig über Minuten auf, unter dem Einsatz von fernöstlichen Instrumenten, wie Cymbalom und Santoor. Die nervösen Violinen- Vibratos erzeugen immer wieder hypnotische,wie verschreckende Momente, man fühlt sich wieder an Kino Filme erinnert. Am meisten beeindruckt die unkonventionelle, ja fast besondere Herangehensweise der Brüder, um Stücke von seltsamer Schönheit zu erschaffen..." [Creative-Eclipse]
"Maninkari's' first full release is no less then a gorgeous soft cacophony of epic post rock drift and minimal jazzy shuffle. Using light tribal percussion clouds and swirling melodies songs subtly and dynamically build, flow and spiral. Maninkari manages to add more textures and tonalities with various middle eastern origined instruments like Cymbalom and Santoor, resulting in adventurous and exploring new soundscapes. This is truly something unforeseen and thoroughly special." [label info]
https://maninkari2.bandcamp.com/album/le-diable-avec-ses-chevaux
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2008 |
€9.00 |
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| MANKOWSKI, ADAM |
Dzwieki z Offu |
CD |
Music, word, murmur - stratified and contrasted with the sound naturalism obligatory in Polish cinema, gave rise to a completely new path of film acoustics development, which ceased to be only a sincere mirror and became a conscious element in the creation of psychic reality. The musical material contained in the album is an attempt to subjectively interpret the huge wealth of experience brought by the film debut of Grzegorz Królikiewicz - the movie Na Wylot. Movie has never belonged to the favorites of critics, and all analyzes and reviews - which took place after the premiere and for the next decades - focused almost on the problems of the moral work. The artistic layer of the film remains underestimated and still overlooked, as well as the potential of the techniques used to assemble and execute the sound, which allowed to significantly extend the psychological portrait of the main characters of the drama. The overriding aim of the process of creating this musical material was the desire to evoke the creative spirit accompanying the director and his composers - Henryk Kuzniak and Jerzy Hajdun. The creators responsible for the sound layer, dared to break with the contemporary tradition and departing from naturalism, created a sound space that is a kind of deformation of reality in which the lost and deformed sound often reaches us from outside the frame.
The basic assumption of the project "Dzwieki z Offu" is to bring the audience to the figure of Grzegorz Królikiewicz - director, screenwriter and professor of film arts associated with Lodz. The film debut of the author, made at the WFDiF Film Laboratory in Lodz, was an absolute sensation at the time of the premiere on the background of Polish cinematography. This was due to the use of innovative techniques for the implementation and assembly of sound, as well as artistic experiments in combining the sound layer with the image.
Adam Mankowski - born in 1985, lives and works in Lodz. A sound artist, improviser, independent music journalist and photography enthusiast. An insightful observer of newly emerging music phenomena of an avant-garde character. Since 2006 he has been continuing his solo music activity under the name - Limited Liability Sounds. He moves in the genere of improvised, experimental and intermedia music. He co-founded the experimental duo Scindite (2014-2015) and the ambient project Insomnia (2005-2012). Winner of this year's artistic scholarship, Mayor of the City of Lodz.
llsnoise@gmail.com
www.llsnoise.pl
www.facebook.com/llsnoise
"ADAM MANKOWSKI in Lódz ist in den Kreisen, in denen er sich seit 2006 bewegt, besser bekannt als Limited Liability Sounds oder auch mit Scindite. Als LLS hat er zwischen Re-Drum und Emerge auch schon bei Attenuation Circuit angedockt, mit genug Anspruch und Courage, sich an "An Hommage to Luciano Berio" (2017) und gar an "Music for Philosophers" (2018) zu wagen. Dzwieki z Offu [Klänge aus dem Off] (ACU 1013) dreht sich nun lokalpatriotisch um Grzegorz Królikiewicz (1939-2017), den durch etwa "Wieczne pretensje" [Ewige Nörgelei] (1974), "Zabicie ciotki" [Die Tante erschlagen] (1984), "Der Fall Pekosinski" (1993) oder "Sasiady - Neighborhooders" (2014) bekannten Altmeister der polnischen Filmkunst in Lódz. Und insbesondere um dessen preisgekröntes und kontroverses Debut "Na wylot" (dt. Durch und durch, 1972) und die Filmmusik dazu von Henryk Kuzniak & Janusz Hajdun. Mankowski nähert sich dem an durch nicht unharmonische Drones und perkussive Geräusche und Ansätze von Rhythmik, durchsetzt mit Samples. Als Metasoundscape, durch den Alltagsgeräusche und Instrumentalklänge geistern, Fetzen eines Kinderchors. eine Handvoll Pianonoten, angerührte Strings, von allem nur Tupfer, Schlieren, ein Anhauch, wie ein melancholisch eingetrübter Schleier, gewebt aus Erinnerungen und durchhuscht von Mäusen, die im Oberstübchen daran nagen, betropft von Tropfen und müden Schlägen, mit vagen oder klimpernden Griffen in die Tasten, von Glocken bebimmelt, von Vögeln bezwitschert. Dumpf verzerrte Klänge kehren wieder, Geräusche kreisen und malen unrund und schleifend, das knarzende Gefüge scheint zu träumen. So vieles ist wie im Traum und durch den Lauf der Dinge unscharf geworden: die Festung Przemysl von "Fort 13" (1984) nicht weniger als der Totschlag und die "Na wylot"-Liebe von Jan & Maria oder "Die Kostbarkeit des freien Gewissens", wie Królikiewicz 1981 seine Mahnung vor dem religiösen (ideologischen) Bürgerkrieg überschrieb, und wie es in Polen weitergeht, nachdem wieder das Messer gezückt wurde." [Bad Alchemy] |
2018 |
€12.00 |
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| MARC WANNABE |
Things don't last very long |
CD |
Schwülstig-obskure rhythmische Elektronik, oder wie soll man das nennen, was MAREK WANTZECK hier produziert hat? Rollend abgefederte Beats werden mit allerlei vokalen Geräusch-emissionen verwurstet, der Effekt ist (jedenfalls bei mir und einigen von meinen 1000 selfs), dass man verwirrt das Tanzbein schwingen muss. Filed under: Mind-fuck-Techno!
“After 3 years the third rumbling album by Marc Wannabe finally is released! A journey through 12 crackling & grooving tracks, based mainly on the sounding sputum of throat & mouth. 60 minutes of straight & oblique rhythms, pulsating basses & energetic transfers. Old friends showing up, leaving breathes, noises & voices, and also the well known old pleated robots can be found somewhere... Marek Wantzéck (aka Marc Wannabe) explains the conceptual background of this album:
"How to handle that professional music as we know it? Well, the construction, you see, really made me start to use situations and transistors radios. And that became an image of the piece what was happening around me. And the title really came after the piece and is like a silent protest. So there was a strong connection there with things don´t last very long." That may answering a lot - but not everything. To get the full spectrum of possible answers: Listen to this CD!” [press release]
"Cultureclash. Kampf der Genres. Audiogebrösel aus dem kollektiven Musikgedächtnis der letzten Jahre. Hip-Hop, Grime, Dub, Experimentelles und abstrahiertes Rhythmusgefühl. Random Music, bizarres Audiotheater für Leute, die unter ihre Achim Wollscheid-MP3s einen Technobeat mischen.
Marc Wannabe präsentiert mit »Things Don't Last Very Long« fucked up Jazz, Knödelpop, dümmliche Hip-Hop Etüden und breites Verständnis für jegliche Form von öffentlichkeitsfern entstandenen Schülerhandyaufnahmen getreu dem Motto: mach mir die Sau für 1 Minute Schulhofimpression. Alles aufgezeichnet. Da darf es auch mal grunzen oder spastische Vokalverrenkungen geben. Mach dich zum Horst verdammt noch mal.
Wannabe darf alles, erlaubt sich alles und zieht auch noch andere mit hinein. Column One sind dabei und dürfen Wannebe auditiv abkanzeln und ihn in der Karzer schicken, während Stea Andreasson ihn wieder aus der Ecke zieht um ihm mit rotem Lolitamund die Leviten zu lesen. Andreassons filmisches Zitateschnippeln aus der Krimiserie Der Alte mag da als pädagogisches Anschauungsmaterial dienen.
Das braucht es dann auch mal. Alle Register werden hier gezogen. Und wer das alles nicht versteht, sollte die CD mal vor der Schule in der Cliquenraucherecke abspielen. Damit bist du einer von allen bei soviel stilistischer Vielfalt." [Thorsten Soltau / AEMAG] |
2005 |
€10.00 |
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| MARGOLIS, AL / IF, BWANA |
REX XHU PING |
CD |
Mehr Musik aus AL MARGOLIS Genre-losen experimentellen Zwischenreich, hier auf sechs Stücken in verschiedensten Besetzungen solo oder in Interaktion, meist in ruhigen, fast meditativen Sphären, z.B. das wunderbare zweite Stück FROG FIELD, das auf klangvollen Xylophon-Loops basiert. Aber eine gewisse Bizarrheit (Instrumentierung, Sprache) ist immer präsent... vielleicht das bisher ausgereifteste und zugänglichste Werk des legendären Cassetten-Täters (SOUND OF PIG)......
“New Al Margolis release features Margolis¹s compositions for tapes, electronics, voice, drones. Rex Xhu Ping (pronounced rex shoe ping) features Margolis (tapes, electronics, clarinet, and sundries), Laura Biagi (vocals), Dan Andreana (speaker, tapes), Detta Andreana (tapes, bowed cymbals), and Orchestre de Fou.
A recent review of Margolis¹s work says: "Let it be declared that Al Margolis/If, Bwana is some sort of evil genius working with raw materials which are never adapted to a genre or a context, because they create one in that very moment. Those sources are radically altered up to an utterly unrecognizable state, anarchic manifestations moving in compact determination." (Massimo Ricci, Touching Extremes)
[label description]
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2005 |
€12.00 |
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| MATHIEU, STEPHAN |
On Tape |
CD |
“Obwohl diese Arbeit im Stockholmer Fylkingen entstanden ist und als Intro eine ganz konkrete Geräuschkulisse aufbaut aus Zischen und Fliegengesumm, schält sich allmählich eine Musik heraus, die eher instrumentalen als elektronischen Charakter zeigt. Zuerst gibt sich das von Magnus Granberg gespielte Saxophon zu erkennen. Es ist, erst nur als dünnes Fiepen, dann immer sonorer, eingebettet in dröhnende Geräuschmanipulationen von Andreas & Johan Berthling und Tomas Hallensten. Die bilden zusammen das schwedischen Trio Tape, auf das der Titel doppeldeutig anspielt. Der Saarbrücker Komponist selbst kommt in der 19. Minute als gelernter Drummer ins Spiel, der mit perkussiver Aleatorik tapsig dunkle und metallisch flirrende Akzente setzt. Damit gewinnt der anfänglich eher ambiente Dröhnminimalismus improvisatorische Direktheit, die als flatternd pulsierende stehenden Welle auch präsent bleibt, wenn Mathieus Perkussion wieder aussetzt. Dafür erklingen hell vibrierende Glockenschläge, die lange nachhallen. Zum Finale läst sich diese Musik auf in einer als Natur und Alltag kenntlich gemachten ‘Wirklichkeit’, in Vogelgezwitscher und Kinderstimmen.“ [BAD ALCHEMY 45]
“Stephan started building this piece from recordings provided to him by Swedish trio Tape and saxophonist Magnus Granberg. Adding his own subtle drumming, field recordings and a focus on reworking the sound material exclusively with classic editing techniques this is a beautiful album that weaves elements from the electronic and acoustic worlds to a seamless whole. A very clear and uncomplicated atmosphere around this piece distinguishes it from a lot of electronic music.” [label description]
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2004 |
€14.00 |
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| MATTIN / DION WORKMAN |
Via Vespucci |
maxi-CD |
Sehr druckvolle digitale Drone-Sandsturm Musik, zunächst leise beginnend und anschwellend, dann aber zu voller Grösse anwachsend,
es pfeift und knistert und zischt wie unter einer Haube.... leider etwas zu kurz aber beeindruckend gut !
“Via Vespucci is a live recording by two of the most interesting fellows in the sound art circuit lately: Dion Workman, originally from New Zealand but now, NY resident and Basque artist mattin. Via Vespucci is the result of the confrontation of mattin and Dion Workman last year in New York. The 19 minute piece sees Dion Workman taking the pace of this electronic crescendo whilst mattin balances the crucial moments adding more emotion to the ambience. Dion Workman has started Sigma editions and label and has worked with Rosy Parlane and Julien Ottavi among others. mattin has been around in the improvisation scene in order to mess up things and provocate a bit with his old computer. He has worked with the likes of: Eddie Prévost, Rosy Parlane, Mark Wastell, Oren Ambarchi, Radu Malfatti, Junko, Dean Roberts, Klaus Fillip, Bruce Russell, Taku Unami, Matt Earle, Dieb 13, Campbell Kneale, Xabier Erkizia, to name but a few.” [label info]
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2004 |
€10.00 |
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| MAXWELL, JULES |
Cycles / Nocturnes |
do-LP |
"Cycles is the latest album of work by Irish composer Jules Maxwell whose music has featured at London's National Theatre, The Royal Opera House, Shakespeare's Globe Theatre and The Roundhouse. Most recently he has been working with the band Dead Can Dance and in 2021 he released an album entitled Burn with singer Lisa Gerrard. Cycles is an exquisite album of meditative instrumental music. It is quiet and circular in nature but deeply atmospheric and dramatic at moments. Cycles will be released on Friday 25th March on Berlin based label Ghost Palace. A limited double vinyl edition will also be available featuring the Cycles album and its predecessor Nocturnes."
"Heute morgen, kurz nach fünf, kurz nach Wecker klingeln. Noch ist es verdächtig ruhig und entgegen meiner Gewohnheit, eines jahrelang antrainierten Automatismus folgend, schalte ich nicht erst den Wasserkocher und dann Deutschlandfunk ein. Sondern ich lege, während der Tee vor sich hin zieht, „Cycles“ von Jules Maxwell auf. Genauer gesagt, die erste der Doppel-LPs.
Mit dem Opener „Deeper Sleeper“ in den Tag zu starten ist ungewohnt entspannt, denn sogar noisy Kinder und Jugendliche verstummen mit einem „Ohhh“ und bewegen sich auf einmal fast lautlos. Wer hätte das gedacht. Warum ich das jetzt in einer Review erwähne? Weil diese Szene vermutlich am besten beschreibt, was Jules Maxwell auf dieser Platte für eine Stimmung erzeugt. „Cycles“ ist ein ruhiges, meditatives Instrumental-Album, welches mit den ersten Tönen den Pulsschlag entschleunigt. Dennoch schafft es Maxwell Spannung aufzubauen. So, dass der*die Hörer*in ganz bei und in der Musik bleibt.
In „A Rose On The Road“ führt ein Klavier, wie ein langsamer, rhythmischer Glockenschlag in den Song ein, im Hintergrund bauen sich sphärische Klänge auf, werden intensiver, dringlicher und bauen eine Dramatik auf, die ab rund dreieinhalb Minuten von einer Geige (oder ist es eine Bratsche, ich tue mich schwer damit das rauszuhören) aufgenommen wird. Nach rund fünfeinhalb Minuten haben sich die Klänge, die Töne, vereint und lösen sich auf, so dass ein sanfter Übergang zum nächsten Song geschaffen wurde.
Und das, was ich hier für diesen Song beschrieben und versucht habe in Worte zu fassen, ist exemplarisch und findet auch in den anderen Songs statt. Immer anders, aber dennoch ist das Album eine Einheit und als solches zu hören. Zu hören ist Jules Maxwell zur Zeit auch Live. Er tourt mit Dead Can Dance. Termine findet ihr hier.
Doch kommen wir zur zweiten LP, die sich im Gatefoldcover befindet. Hierbei handelt es sich um die, digital schon im März vergangenen Jahres erschienene LP „Nocturnes“. Jetzt auf Vinyl sind „Nocturnes“ und „Cycles“ vereint und auch musikalisch bilden sie eine Einheit. Eventuell ist „Nocturnes“ stellenweise ein wenig verspielter, zum Beispiel in „April 1964“ oder auch „Virgin Territory“ wird im Laufe des Songs verspielter. Grundsätzlich wird aber die Stimmung, die Jules Maxwell auf „Nocturnes“ kreiert hat, in „Cycles“ aufgenommen und intensiviert.
Und wer jetzt bei den Stichwörtern meditativ und ruhig denkt, es wäre sicherlich nicht so seine*ihre Musik, dem*der empfehle ich mal reinzuhören. Denn die Platte berührt, egal ob man jetzt vorwiegend Progressiv Rock, Metal oder Radio-Pop hört. Wer’s nicht glaubt, spule nochmal zurück zum zweiten Absatz, oder hört halt mal rein.
Erschienen ist das Vinyl auf dem Label Ghost Palace und liegt mir als Testpressung in schwarzem Vinyl vor. [Vinyl Keks]
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2022 |
€26.50 |
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| MAZZON, ENNIO |
Dimenticanza |
CD-R |
Wir konnten die letzten Exemplare des Debut-Albums dieses Ambient-Newcomers aus Italien ergattern, der hier mit flockig-fliessenden Atmosphären-Drones glänzt, die immer wieder durch sanfte digitale Störgeräusche durchbrochen werden. Kommt im handgemachten Spezialpapier-Cover, nummiert! Zu entdecken !
www.myspace.com/feelscaperecordings / www.myspace.com/emazzon
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2009 |
€7.00 |
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| MEISSNER / SLAVIN / SACHS |
Into the Void |
CD |
Eine Art "Hör-Film" dreier Audio & Video-Künstler aus Israel & Österreich basierend auf einer Spurensuche im jüdischen Viertel in Krakau... besonders das 11teilige "Into the Void" von SEBASTIAN MEISSNER ist sehr hörenswert: field recordings & Erzählungen werden verwebt mit dunklen Drones, Piano-tunes, Klezmer-Fragmenten, teils in langen sphärischen Stücken, teils cut-up mässig...
RAN SLAVINS "Segments from the Snow" klingt Electronica-lastiger, aber auch bedrückend atmosphärisch & voller interessanter Sound-Arrangements & stakkatohaft-mechanischer Samples & Volksmusikverfremdungen...
ERAN SACHS (u.a. Mitglied bei LIETTERSCHPICH) schafft mit "Memory Gaps" einen geräuschaft-melancholischen Raum, basierend auf zwei traditionellen jüdischen Klarinetten-Stücken, field recordings & Interviewfetzen...
kommt mit Booklet und ausführlichen Liner-Notes....
"presence/absence:::into the void is a reflection upon the history and the recent changes in the krakovian neighbourhood of Kazimierz. The center of this meditation is the seemingly contradictory development of the last few years, which is showing that the attempts to re-animate jewish culture. The piece is working on the basis of an attempt of reversing the seasons: from summer to winter the 700-year-old Jewish district of Krakow. What struck Meissner at first sight, was the glaring contrast between the rich though often neglected presence of the material culture and the dreadful absence of the community exterminated during the Nazi days.
Four months later, on 26 June 2003, at Krowoderska52 club in Krakow, Sebastian Meissner, Ran Slavin and Eran Sachs offered the final effects of their research in the form of series of pieces. They carefully crafted crunchy steps, freezing wind, cracking ice and conversations into a mesmerising film for ears’. The imaginative power of the music was reinforced by Slavin's video impressions — equally apt in conjuring up desolate though meaningful a digital environment referring
to Nowa Huta —the empty large defunct metal industry zone....
Sebastian Meissner: works as music composer, sound designer and photographer in Vienna. Over the years his audio-visual works has been presented by curators of prestigious festivals and exhibited in international galleries
such as Transmediale, Sonic Square, Podewil, Portikus Frankfurt, Schirn Kunsthalle Frankfurt, Goethe Institute Buenos Aires, Kulturhuset Stockholm and Forsythe Ballet. His music and sound compositions -
as Random Inc. - are released on music labels Mille Plateaux, Ritornell, Kompakt, Crónica and Beta Bodega.
Ran Slavin: Works as film-maker and as audio-visual artist from Tel Aviv. His last opus in video is one of the most brilliant films that came from Israel during the last years : INSOMNIAC CITY. Premiering with the first part at the Venice Biennial of Architecture in 2004 and continuing with part 3 at the Tel Aviv Cinematheque and international venues. Working with experimental cinema, digital and acoustic music, video art and live video/sound performances. Operating between contemporary art and new music, his visual work has been described as intense urban surrealism. His audio visual work is a culmination of balanced relations between sound and video, their interconnections. His work has been shown at the Pompidou, Jeu De Paum, Transmediale, Istanbul Biennial, Cinematheques in Israel and Paris, festivals in Berlin, Slovenia, Amsterdam, Austria, New York, China, Israel, London, Ukraine. His music and videos released on the music-media labels Mille Plateaux, Cronica, Sub Rosa. www.ranslavin.com
Eran Sachs: works as composer, improviser, sound-artist and curator in Jerusalem. He plays this machine regularily in the Doom-Dub-Noise outfit Lietterschpich and John Zorn's "Cobra" improvising ensemble in Israel. His works have been released on Mille Plateaux and various labels in Israel. As a sound-artist his works tend fuse the sonic with the political, as in the case of "Yannun Yannun", which portrays the harrasment of Palestinian villagers by fanatic settlers. He founded and managed the Yad-Vashem bookstore - the only holocaust dedicated bookstore in Israel." [press release]
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2006 |
€13.50 |
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| MEIXNER, STEPHEN |
Between the Lines |
CD |
The CONTRASTATE – Mastermind is back ! Inspiriert von Daniel Libeskinds Symbolik in der Architektur des neuen Berliner Jüdischen Museums, hat STEPHEN MEIXNER vier beeindruckende, dunkel-mitreissende neue Kompositionen geschaffen, die sich zwischen dark ambient und Elektro-Akustik bewegen.. hinabziehende, schwirrende drones, field recordings, Piano-tunes, Zitate von George Clares „Das waren die Klaars“, eine sehr emotionale und ambitionierte Arbeit, musikalisch wie thematisch höchst empfehlenswert!
The ex-CONTRASTATE Stephen Meixner from London with his first solo-album, a very ambitious work between dark ambient and electro-acoustic, highly recommended!!
“ The inspiration for this release came from the ideas behind the design of Daniel Liebeskind's Jewish museum in Berlin. Liebeskind called his project "Between the lines" and at its foundation is its relevance and representation of the political, social and cultural history of the Jews in Berlin. The music on this CD is not a soundtrack to the museum or its contents. Instead, it takes its inspiration from some of the ideas behind the original project and creates a new "Between the lines" project” [release info]
www.dirter.co.uk
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2003 |
€13.00 |
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The Dictatorship of the Viewer |
CD |
Nach dem beeindruckenden “Between the lines”-Album hier das zweite Solo-Werk von ex-CONTRASTATE Stephen MEIXNER, ein 55 minütiges Stück in 18 Sektionen, deren Reihenfolge frei einteilbar sein soll. MEIXNER nimmt wieder Bezug zu aktuellen sozio-politischen Diskursen, wenn es hier um Autonomie & Kontrolle im Künstler-Rezipienten-Verhältnis geht. Musikalisch sind dichte, meist auf analog-elektronischer Grundlage basierende Tracks enstanden, ruhig & dunkel & weniger melodramatisch als man es von CONTRASTATE gewohnt war....
“From the ashes of leading experimental outfit Contrastate comes the self-named srmeixner project. Stephen Meixner was one half of the driving force behind Contrastate until their demise five years ago, and his latest project is a vehicle for him and various collaborators; the line-up is ever changing, with Stephen calling on whoever he feels is right for the music he is working on at any particular time.
Few acts working in the area of electronics/experimental music come close to achieving the richness and diversity that srmeixner creates. Live electronics and field recordings are utilised to create a sonic soundtrack to an apocalyptic world, and this is the logical step on from the music that Contrastate created.
After a few singles and the 2003 debut album “Between the Lines” on the prestigious label Dirter Promotions, we are proud to present “The Dictatorship of the Viewer” - inspired by the 2003 Venice Biennale. The core of this track was initially composed and structured together with Adrian Morris as a live piece which was first performed February 2004 in London and then later extended, added to and re-worked.” [press release]
www.findesieclemedia.com |
2005 |
€13.00 |
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| MENACE RUINE |
Alight in Ashes |
CD |
"The Canadian duo Menace Ruine began in 2006 by S. De La Moth and Genevieve. The Montreal entity create music of a very harsh and hypnotizing blend of martial ambient and neo-folk mixed with elements of experimental music and black metal.
The music would then be laced with the enchanting and mesmerizing vocals of Genevieve which would make Menace Ruine a band unlike anything in the genre.
Alight In Ashes is MENACE RUINEs fourth album. Having already worked with such labels as the respected Canadian experimental label Alien8 and experimental UK label Aurora Borealis, and having played live with such artists as Nadja, Daniel Menche, Wolf Eyes, Watain, along with doing a European tour with Frances Aluk Todolo which led MENACE RUINE in playing the prestigious Roadburn Festival where they were personally invited by Sunn 0))) to play on said bands curated day, the duo decided it was time to take it to the next level by working with Profound Lore Records.
With Alight In Ashes, MENACE RUINE have returned to their more melodic side that was found on their second album The Die Is Cast, and in turn have delivered their most intriguing, unnerving, and most beautifully crafted album to date.
With the constructed and meticulously crafted music (think Burzums Filosofem meets Merzbow, Nico, and The Moon Lay Hidden Beneath A Cloud) that compliments Genevieves powerful vocals, Alight In Ashes is a trance-like masterpiece that will ultimately cast a spell that grabs you by the throat while at the same time envelopes you.
The band also have touring plans in the works, by doing some U.S. touring with their now label-mates ASH BORER and planning tour jaunts with MAMIFFER likewise ++ MENACE RUINE are known as one of the more respected dark ambient/experimental bands today.
The duo combine a mesmerizing trance-enducing mix of martial ambient, industrial, noise, neo folk, and black metal into their entrancing mix.
For fans of Nico, Merzbow, Death In June, The Moon Lay Hidden Beneath A Cloud, and Burzum.
MENACE RUINE plan on hitting the live circuit in support of Alight In Ashes, first off with label-mates ASH BORER and plan on touring Europe with MAMIFFER likewise.
The duo of MENACE RUINE have had some notable live experiences throughout the course of their career, most notably the band being invited by Sunn 0))) to play their curated day of 2011s Roadburn Festival." [label info]
www.profoundlorerecords.com
"Dass wir MENACE RUINE hier schon vorgestellt haben, ist untertrieben. 'Gefeiert' wäre treffender. Nur wenige Projekte haben einen so einzigartigen, sofort wieder erkennbaren Sound, der zugleich so schwer zu definieren ist. Black Metal-Wurzeln sind spürbar, allerdings mehr atmosphärisch denn klanglich. Das Zerren erinnert an Noise, die Stimme (mich) an eine weniger ätherische Version von DEAD CAN DANCE und und und. Mit "Alight In Ashes" ist nun das vierte offizielle Album des seit 2007 bestehenden Duos erschienen, wie auch alle anderen Werke der beiden Frankokanadier in ihrer Heimat Montreal komponiert und eingespielt. GENEVIÈVE ist die Stimme, SERPENT DE LA MOTH der Mann an den Tasten. Diese 'Tasten' sind umso erstaunlicher, weil die Klangwand sehr stark nach E-Gitarren tönt, aber angeblich ohne eine einzige echte Gitarre entsteht.
Für mich persönlich kamen die Alben nach "The Die Is Cast" (2008, Besprechung) nie ganz an diesen großen, riesigen Wurf heran, was aber sicher auch mit der Wucht des Erstkontaktes zu tun hat. "Alight In Ashes" ist allerdings nah dran. Generell scheint das neue Album nicht ganz so wütend zu sein wie die Vorgänger, (noch) mehr nach innen gerichtet, dabei auch weniger verzerrt und sehr melodiös.
Sofort ist er da, dieser sägende, in der Luft stehende, vibrierende Sound, der dieses Mal tatsächlich etwas weniger nach Gitarre klingt. Eine an- und absteigende, orgelnde Melodie bestimmt "Set Water To Flames" (01), die Percussion ist überraschend deutlich vernehmbar. Dann setzt die einzigartige, einschneidende Stimme von GENEVIÈVE ein, entrückt, nicht von dieser Welt. Sie offenbart ihr Innenleben, singt ihre eigene Beschwörung. Im Einklang mit der sich immer wiederholenden Hintergrundmelodie tönt die Stimme ungeheuer hypnotisch. Der Gesang ist klarer als früher, deutlicher und wesentlich ausgereifter. Zwischendrin stehen krachende, wühlende Instrumentalpassagen, und wirklich auffällig bleiben die Drums, teilweise fast militärisch getaktet. Ein Mahlstrom aus Emotionen und Sound.
Auch "Salamandra" (02) weist sehr differenzierte Klänge auf, wirklich nah an DEAD CAN DANCE. Wie die Strukturen aller Songs setzt auch dieser auf die Wiederholung von wenigen Tönen, was besonders beschwörend wirkt. Die Vocals kommen auf diesem Album eindeutig am besten zur Geltung, wirken sicher und umfassen mehrere Oktaven, wie klassisch ausgebildet. Eine sägende, kurbelnde Melodie, darin perfekt eingebettet die Stimme, begleitet von einer dunklen Trommel.
"Burnt Offerings" (03) klingt nach mehreren verzerrten Gitarren, die versuchen, in Einklang zu kommen und eine Bestattungshymne zu spielen. Verschiedene Lagen mischen sich dazu, das Stück bleibt rein instrumental.
Im Verlauf von "Arsenikon" (04) bekommt die Stimme Hall, wird spaciger, die Musik dazu noch 'gitarriger' und verzerrter. Sehr reduziert, ein Anschlagen von einzelnen Tönen, so dass erneut GENEVIÈVE im Vordergrund steht, gedoppelt mit sich selbst. Ein sakrales, persönliches Duett, berührend und verzweifelt, weil (für MENACE RUINE-Verhältnisse) zurückhaltend. Ab der Mitte scheint das Stück durch Verzerrung und schräge Töne, durch industrielles Scheppern aus dem Ruder zu laufen, bleibt aber immer noch melodisch.
"Disease Of Fear" (05) beginnt wie die "Toccata" von BACH, gespielt auf einer singenden Säge. Wiederum eine sehr einfache, sich wiederholende Melodie, zu der spät und überraschend das klare Organ einsetzt, welches die Lücken dieser ineinander walzenden Zahnräder ausfüllt, dabei die Töne mit einem Vibrato versieht und unglaublich lange hält. Auf einem Scheiterhaufen aus Klängen singt die Frankokanadierin unbeeindruckt um ihr Leben. Aufgrund der Intensität ist die Länge der Songs übrigens trotz der sich wiederholenden Strukturen nie spürbar.
"Cup Of Oblivion" (06) erweckt ganz besonders den Eindruck eines Kirchenliedes, unterstützt von mahlenden, schweren Trommeln. Sehr majestätisch und der mächtigste der sechs Songs, der lange ohne Vocals auskommt, bis diese nach vier Minuten dann doch hymnisch, schmetternd dazustoßen und bis an die Grenze zur Verzerrung gehen.
MENACE RUINE ruhen sich auf ihrem Sound nicht aus, sondern entwickeln ihn weiter. Sie bleiben erdig, dröhnen etwas dezenter als früher, wirken häufig sehr andächtig und sakral; rituelle Lieder zu einer virtuellen Beerdigung. Viele Melodien scheinen aus klassischen Epochen abgeleitet zu sein. Überraschend ist die Varianz der Percussion, aber überstrahlt wird ohnehin alles vom gewaltigen und kosmischen Gesang. Mit Abstand das vielfältigste und kompletteste Album der beiden Kanadier, die übrigens momentan auf Tour durch Europa sind. Termine siehe News und Konzertdatenbank. CD kaufen, Konzert besuchen!" [Michael We. /NON-POP]
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2012 |
€14.50 |
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| MENCHE, DANIEL |
Jugularis |
CD |
Die JUGULARIS-Venen sind zwei Adern im Halsbereich, die bis in den Schädel laufen... und klingt nach tiefgestimmten Trommeln & Becken-Kaskaden und hellen Gläser- & Glocken-Pulsationen, wobei das Ganze irgendwann eine ritualistisch-schamanistische Komponente bekommt, als wenn sich die Sounds in Stammestrommeln & Grillenzirpen verwandeln, und sich alles in hypnotischen Klangblöcken auflöst...
Great stuff again vom Power-Drone Magier !!
"Imagine yourself riding on cells coasting through your body's veins. The sound of the heart grows stronger like a beating drum as you're pulled closer. Suddenly, you're embraced by this giant pulsating muscle and when you're finally released back into the veins you can hear it's sound fading slowly, but still growling with the same intensity that it has beat with for eternity. Jugularis is the soundtrack to this ride and like your heart it's packaged in blood: the ultimate symbol of life and intensity. Recently Daniel Menche has embraced more percussion based sound to create music that manipulates the listeners blood flow and intensifies the listening experience. Jugularis still contains a distinctly Menche sound yet being that it's intensely rhythm and percussion based it's extremely different from anything that he has created prior. Never before has Daniel Menche's mantra of "If Music is like blood then make the speakers bleed" been so appropriate." [press release]
www.importantrecords.com
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2006 |
€14.00 |
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Radiant Blood (SOLD OUT) |
10inch |
SUBSTANTIA INNOMINATA ist eine neue 10”-Vinyl-Serie von Drone Records mit neuem Konzept. Mit “Unbenannter Substanz” ist das “Unbekannte, Un-erkennbare, Unergründliche, Un-Identifizierbare“ gemeint, das hier als Inspiration und Themenfokus für die Künstler (akustisch wie visuell) dienen soll. Das, was über unsere Wahrnehmung hinausgeht oder vielleicht nur unbewusst wahrgenommen werden kann. Das was man nicht denken kann. Das Unbekannte in uns und ausserhalb unser erkennbaren, gewohnten Welt.
DANIEL MENCHE macht den Anfang mit zwei Stücken: Komprimierte Energie. Dichte. Antreibende Kraft. Spannung. Pulsierendes Blut. Das Unbekannte als Teil einer grossen Energie, die auch in der Musik steckt?
Die grossartige ARTWORK für die SUB-01 stammt von ROBERT SCHALINSKI (COLUMN ONE). Braun-schwarz marmoriertes Vinyl in einer Erstauflage von 500 Stück.
“Substantia Innominata” is the brand new release-series from Drone Records. We are proud to present this as a 10” VINYL series along with subsequent re-releases on CD.
This new series doesn’t focus on a special concept or ideology regarding the music, but on a certain theme. The theme for this 10” series is based on “The Un-known, The Un-nameable, The Un-speakable, The Un-thinkable, etc.: Various aspects related to “The Unknown”. Basically the grey matter (psychic or physical, which are bound to result the same) surrounding us / within us, but can’t be understood or recognized through the normal senses (though some may perceive it on a subconscious level). We could name it “The Unconscious”. The chosen name for this series, “Substantia Innominata”, was inspired to the fact that this Latin name represents a certain region of the brain which has unknown functions and remains a mystery for its role and existence. Therefore this name reflects well the intense fascination for this impalpable concept of “the unknown”.
The invited artists for this series were asked to work around this theme, to let themselves be inspired by its abstraction. The artwork for this series will be created by the various visual & graphic artists. All in full-colour or silkscreen covers. The 10” vinyl pressings will come in an edition of 500 copies for each title.” [Basic Concept]
DANIEL MENCHE begins the series with two pieces: Compressed energy. Density. Driving force. Tension. Pulsating Blood. The Unknown as part of a bigger energy, that is also part of the music?
The great artwork for SUB-01 was made by ROBERT SCHALINSK (COLUMN ONE). Brown-black marmorized vinyl in a first ed. of 500 copies.
OUT 15. DECEMBER 2005 !
Note: this 10" plays on 45 rpm !
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2005 |
€12.00 |
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Guts |
do-LP |
"More voraciously bestial soundwork coming from Daniel Menche -- this time, his chosen theme is the piano, in which he attacks, investigates and dissects with the precision of an autopsy surgeon, adding a whole new meaning to the concept of prepared piano, or should we say, unprepared piano, for an all-out assault. Guts lays out quite possibly some of the finest slabs of Menchian sonic mayhem to date. Slightly different track sequence over CD and vinyl formats due to time constraints. Mastered in the analog domain at Stereophonic Mastering, Portland Oregon. X-rays from a Chihuahua dog named Arrow." [label info]
www.editionsmego.com
"Ohne wirklich ermessen zu können, wie hier der Einfluss nachträglicher Manipulation am Rechner aussieht: Menches Arbeit an den Eingeweiden eines Pianos präsentiert sich auf erhellende Weise komplett anders als die Reinhold Friedls. Menche hat sich schon immer in einer dynamischen Traverse bewegt, die Ambient und Noise in eins setzt, in der Intensität in lineare Verbindung mit “Volume” tritt. So wild-martialisch wie Titel und offizielle Beschreibung klingen, geht es hier nämlich gar nicht zu. Stattdessen scheinen Menches rohe Fieldrecordings (auf Soundcloud) von Wetterphänomenen, Stürmen und Regen, Wind in Wäldern, in den vier vinylseitenlangen Tracks (der letzte auf CD gekürzt und vorangestellt) durch: in unmerklich morphenden Prasseltexturen (Two), mal mit subtil-verblüffender Saitenresonanz (Three), immer busy, groß und raumgreifend, davor mit sirrendem Bohrgeräusch, das zu einem flackernd-schepperstotternden Schiffsbauch mutiert, die am elektronischsten wirkende Arbeit (One), um schließlich durch die Hintertür (Four bzw. 2×4) doch noch bei Friedls schabender Metallverdauung anzukommen, ohne je dessen Fingernagel-auf-Tafel-Effekt anzustoßen. Entspannend!" [Multipara/de:bug]
"Daniel Menche? Mensch, ja, DANIEL MENCHE, lange nicht gehört. Was fast ein
Kunststück war, angesichts seiner Kollaborationen mit A. Liles, Z. Karkowski
und A. Courtis und kontinuierlichen Releases auf Blossoming Noise, Important,
Sub Rosa, Utech etc. Guts (eMEGO 138) bringt wieder essentiellen Menche-
Stoff. Das Überraschende ist hier aber doch die Klangquelle - ein Piano, genauer,
die Eingeweide eines Pianos. In vier ausgedehnten Variationen wühlt der
Mann aus Portland in den drahtigen Innereien des Lieblingsspielzeugs der Lang
Langs, Jarretts und all der anderen Edelfinger und Tastensimpel. Hier klingt das
Piano, mit Schlägen und allen möglichen Handgriffen, Blechdeckeln und Präparationen
traktiert und zudem motorisch aufgewühlt, wie ein geknüppelter,
flatternd federnder Drahtverhau, wie von einem Steinschlag mitgerissen, wie
ein nicht enden wollendes Erdbeben oder ein anschwellender Sturm. Allenfalls
bei legendären Fluxusattacken oder bei Charlemagne Palestine hat ein Piano je
so ähnlich gescheppert und mit den Zähnen geklappert, so ähnlich, aber nicht
so. Sehr passend ist die Scheibe verpackt in Röntgenaufnahmen eines Hundes.
Menche seziert das Piano nicht bloß, er scheint in seine molekulare Beschaffenheit
einzudringen, es nicht bloß zu schreddern, vielmehr es bis aufs letzte
Fitzelchen zu pulverisieren. Wie ein Alchimist scheint er in allem, was er so
auspresst, den Lebenssaft zu suchen, den Geist, die Kraft im Innersten des
Stoffes. Das Doppelalbum enthält die vollständige Fassung, der CD fehlen 8:20." [Bad Alchemy]
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2012 |
€20.00 |
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| MENUCK, EFRIM MANUEL |
Pissing Stars |
LP |
"Constellation Records beginnt das Jahr 2018 mit dem zweiten Soloalbum des GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR und THEE SILVER MT. ZION Gründers EFRIM MANUEL MENUCK. „Pissing Stars“ ist der großartig intensive Nachfolger von „Plays High Gospel“ und das erste neue Material mit EFRIM als zentralem Songwriter und Sänger seit „Fuck Off Get Free We Pout Light On Everything“ seiner Chamber-Punk Band THEE SILVER MT. ZION von 2014. MENUCK genießt unter den Fans politischen Punks, Post-Rock und Avant-Noise-Anhängern Kultstatus und feiert mit „Pissing Stars“ ein Vierteljahrhundert musikalischen Ausdrucks ohne Kompromisse. Auf „Pissing Stars“ verschleudert MENUCK Giftpfeile, leidenschaftliche Salven und zerbrechliche Blüten und formt das Ganze zu noiselastigen Songs, die sich um maximalistische Electronics und Drones ranken, die von Synthie oder Gitarre umgesetzt und von klagendem, oft verfremdeten Gesang durchzogen werden. Das passende Narrativ kann nur jemand wie MENUCK liefern: „‘Pissing Stars‘ gründet sich auf die kurze Affäre der amerikanischen TV-Moderatorin Mary Hart mit Mohammed Khashoggy, dem Sohn eines saudischen Waffenhändlers. Ich weiß nicht, wie lange sie zusammen waren, ich erinnere mich daran, wie ich als verzweifelter Teenager darüber las. Ich wohnte zusammen mit zwei anderen verwahrlosten Kids und einem Haufen wilder Kätzchen in einem überfluteten Keller und hatte nichts zu essen. Diese seltsame Union – die blonde Frau aus dem Fernsehen und der reiche Saudi-Sohn mit seinem mörderischen Vater – blieb bei mir und beschäftigte mich drei Jahrzehnte lang. Diese Sprösslinge aus Tod und Selbstentfremdung – und Liebe. Dieses Album beschäftigt sich mit dem Ende ihrer Beziehung und der Art und Weise, wie bestimmte eigensinnige Lichter einfach weiterleuchten. Das Album wurde in den dunklen Ecken zwischen 2016 und 2017 aufgenommen, in verschiedenen Stadien der Ungemütlichkeit, mit einem porösen Herzen und einer klaren Mission. So, als würde man mit zwei Messern in den Händen auf einen Abgrund zulaufen und manisch lachen. Besiegt und voller Freude zugleich. Hier geht es um das Ende der Liebe und den Anfang der Liebe. Um das Ende des Staates und wie wir alle darunter gefangen sind."
This is an audiophile 180gram pressing in midnight ultra-black vinyl from Optimal (Germany) that comes in a 350gsm jacket with printed inner dust sleeve and 12"x19" art poster, all printed on uncoated matte papers and boards, all artwork by Menuc
efrimmanuelmenuck.bandcamp.com/album/pissing-stars
PISSING STARS is inspired by the brief romance of american television presenter MARY HART and MOHAMMED KHASHOGGI, the son of a saudi arms dealer. i don’t know how long their union endured, but i remember reading about them when i was a desperate teenager – there was something about their pairing that got caught in my head. i was living in a flooded basement with two other lost kids and a litter of feral kittens. we were all unfed. this strange intersection – the televisual blonde and the rich saudi kid with the murderous father; it got stuck in me like a mystery, like an illumination- this vulgar pairing that was also love. these privileged scions of death and self-alienation, but also love. i’ve carried it in me for 3 decades now, this obscure memory, and i return to it often, tracing its edges like a worn talisman. this record is about the dissolution of their relationship, and the way that certain stubborn lights endure. this record was made in dark corners between 2016 and 2017. a very rough pair of years, shot thru with fatigue, depression, despair, and too many cigarettes and too much booze. but also = the giddiness of enervation, and the strange liberation of being emptied – borne aloft and carried by the drift. the world continues its eternal collapsing, fires everywhere and everything drained of meaning. this record was made in various states of unease, with a brittle heart and a clear intent. like running towards a cliff with 2 swinging knives, roaring with an idiot grin. overcome and overjoyed. this record is about the end of love and the beginning of love. this record is about the dissolution of the state, and all of us trapped beneath, and the way that certain stubborn lights endure. – ExMxMx
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2018 |
€23.00 |
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| MERZBOW |
Dead Leaves |
CD |
"... Sein Harsh Noise ist längst zum Urban Blues für Noisophile geworden, die sich ohne zu zucken die Federn bei lebendigem Leib rupfen lassen. Im auf~und~ab~kurvenden Weißen Rauschen nicht nur Rosarot, sondern alle Farben des Regenbogens oder eines Kathedralenfensters aufleuchten zu sehen im dritten Auge, zu hören mit der ganzen Haut und gesträubten Haaren, das ist immer wieder guter Grund, in den donnernden Wasserfall des Japaners als Jungbrunnen einzutauchen. Wie unter einem Sandstrahl vom Durchmesser eines Tunnelbohrgerätes verschwinden unter Akitas zischender, brausender, schrillender, jaulender, pulsierend stoßender, gründlicher Dusche die Mückenschisse des Trivialen. Wie runderneuert und neugeboren, wie ein in Drachenblut verhornter Siegfried, kann man sich danach wieder der Dreckschleuderei des Alltags stellen. Nur weiß Akita offenbar ganz gut, dass es mehr Lindenbäume als Lindwürmer gibt. Seine ‚toten Blätter‘ sind ein verkapptes Memento Mori." [Bad Alchemy]
www.licht-ung.de
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2008 |
€12.00 |
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Animal Liberation-Until every Cage is empty |
CD |
Style: Japanese Noise. Coming in special matt-laminate digipak. Cold Spring proudly presents the ALL NEW studio album from MERZBOW. As a life-long campaigner of animal rights, Masami Akita has delivered a brutal assault on those that cage and murder animals. The new album is a 5 tracks (49 mins) of total noise assault that only the King of Japanese Noise can provide.
"There is a theory that Covid-19 broke out from the poor conditioned wet markets where live animals are sold. If there were no poultry farms, there would be no mass destruction of chickens due to the spread of bird flu. Human beings' cruelty to animals, animal abuse and species discrimination are all adding up to a disaster for mankind and the whole planet. The pandemic is an opportunity to reflect on the relationship between animals and humans. Veganism is the future for humanity" (Masami Akita, 2021). The artwork is a reflection of the animal rights and anarcho-punk movements of the 80's. Proceeds from this release will benefit animal rights charities."
https://coldspring.bandcamp.com/album/animal-liberation-until-every-cage-is-empty-csr314cd
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2022 |
€12.50 |
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| MERZBOW & THE HATERS |
same |
CD |
Wiederveröffentlichung der wohl bisher einzigen Collaboration dieser beiden Noise-Legenden, die 1987 als MC erschien! 3 lange Stücke elektro-statisch aufgeheizter Lärm mit Kaskaden und Schichten von Feedback und schlingernden Krach-Effekten, tiefbassigen Dröhn- und Sirenen-attacken und auftauchenden obskuren found sounds. Wahnwitzige Loops bilden quasi-rhythmische Elemente, geschredderte Sprach-schnipsel drängen nach vorn. Absolut kurzweilig und ungewöhnlich, eine eigene Sprache aus reinen Geräuschen.
Listen with new ears, create your own new neurons !
"First released on cassette in 1987 it became a noise classic. out of print for almost 10 years it is now been resurrected to it's full digital glory by john wiese. featuring a remixed version of jopa by gx and using all the original artwork from the cassette" [label info]
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2006 |
€12.00 |
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| MGR (MUSTARD GAS AND ROSES) |
Wavering on the Cresting Heft |
LP |
"Nach "Nova Lux" und der letztjährigen "Impromptu"-Kollaboration mit SirDSS nun das nächste Soloalbum von Michael Gallagher von Isis. Gleich vorweg, es gefällt mir ausgesprochen gut und weit besser wie das Debut-Album. Gallagher schafft es diesmal, die 6 enthaltenen Stücke homogen, kompakt und natürlich aussehen zu lassen, was sicher daran liegt, dass er nicht mehr zwanghaft versucht, die Verbindung zu Isis zu negieren bzw. ganz rauszuhalten. Klar, die Grundstruktur und Herangehensweise ist immer noch die gleiche wie auf "Nova Lux", allerdings lässt Mike Gallagher diesmal auch die Einflüsse von seiner Arbeit bei Isis zu. Auch die streckenweise härtere, direktere Gangart auf "Wavering On The Cresting Heft" tut gut. Den Grundton bilden immer noch sanfte, weit ausufernde und tragende Dronen, mit Mikes hellem, wie ein Lichtblick über der ganzen einsamen Melancholie liegenden, akustischem Gitarrenspiel. Also, insgesamt eine Weiterentwicklung zu mehr tonaler Struktur mit stärkeren Verzerrungen hin und wieder. Anstatt epischem Dauer-Ambient Geplänkel, sind die Stücke auf "Wavering On The Cresting Heft" strukturell klarer und wirken mehr wie einzelne, in sich geschlossene Songs. Das Artwork ist unspektakulär-melancholisch. Alle Fotografien stammen von Gallagher selbst." [Creative-Eclipse]
www.conspiracyrecords.com
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2008 |
€13.00 |
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| MICO NONET |
The Marmalade Balloon |
CD |
Das fünfköpfige Ensemble um JOSHUA LEE KRAMER verbindet Kammer-Musik-artigen Wohlklang (Viola, Cello, Horn, Oboe) mit vorsichtig eingesetzten elektronischen Sounds - rein instrumental, Filmmusik-mäßig, athmosphärisch, luftig, melancholisch, aber nicht düster oder aufdringlich. Auf den 13 Stücken bewegen sich vor allen Dingen Streicher im Vordergrund, es sind nicht die "grossen" Melodien die hier im Zentrum stehen, sondern eher die allgemeine Stimmung die erzeugt wird, zeitlos und irgendwie "zwischen den Welten"....
Anklänge an JOHANN JOHANNSSON, RACHELS, OPION SOMNIUM.
"The five musicians at work here all have day jobs with symphony orchestra's, all over the world: from Berlin, Richmond, Baltimore to Philadelphia. Only their leader, one Joshua Lee Kramer (who is a member of Matt Pond PA) is not, and he's also the only one who plays synthesizer. He describes Mico Nonet as 'ambient chamber music' and quite right it seems to me. French horn, oboe, cello and viola are the other instruments and they play quiet chamber music that you could easily define as ambient. 'The Marmalade Balloon' is their debut album with thirteen relatively short pieces that glide by like a cold winter, sun-covered day. It's cold outside, warm inside, and this music is the perfect soundtrack for such a day. Sustained tones, glissando and pianissimo
with the synthesizer very much pushed to the background, producing an overall color, rather than adding sound. Highly atmospheric music that could come straight out of the Cold Blue Music catalogue. Peaceful music, without being a cliche or new age...[FdW, Vital Weekly]
"The Marmalade Balloon is the year's ultimate flirtation with subtlety and seductiveness. Existing somewhere between the neo-classical and the ambient, Mico Nonet fashion a world that is hazy and succinct, at times dark and haunting and others playful and inspiring, but always open to personal interpretation. The balance between musicians is gracefully maintained, where neither the electronics nor the strings are ever overly pronounced as to withdraw the listener from the intoxicating, spellbinding trance which The Marmalade Balloon invokes. The future will certainly take this musical act on a variety of different presentations, but with their strong understanding of musical space and development, we're confident that they'll be a favorite for years to come. " [Jordan Volz, The Silent Ballet]
www.micononet.com
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2007 |
€12.00 |
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| MICRO:MEGA |
Where we go we don't need it anymore |
CD |
„Hinter MICRO:MEGA stecken Männer mit beeindruckendem musikalischem Background: Frederic Luneau, einer der Gründer der LÖBE RADIANT DUB SYSTEM, der lange Jahre das Projekt WEBCAM betrieb und Sylvain Chauveau, der als Mitglied von THE WATERMELON CLUB auftrat und eine steile Solokarriere hinlegte. Sein 2000er Debüt-Album begeisterte die Kritiker und auch der Nachfolger bekam großartige Kritiken. Nach dem Release der MCD "Un Autre Decembre" eröffnete er 2003 für SIGUR ROS auf deren Europatour. Sein letztes Album ist schließlich als Soundtrack für den in Cannes gezeigten Festivalbeitrag "Des plumes dans la tete" verwendet worden. Parallel arbeitete Chauveau zusammen mit Joan Cambon an seinem Projekt ARCA und mit Steven Hess an ON. Diese Vielfalt an Arbeiten macht es verständlich, woher die musikalische Reichhaltigkeit des MICRO:MEGA Universums stammt. Durch die verschiedenen Einflüsse und Erfahrungen der beiden Musiker werden vielfältige Materialien und Instrumente verarbeitet, die geschickt vermischte Sound-Schichten ergeben. Dadurch kann das Duo elektronische und organische Elemente paaren und so ein Bindeglied zwischen LABRAFORD, PAN AMERICA, AUTECHRE, Yann Tiersen und PAN SONIC herstellen. "Where We Go We Don't Need It Anymore" ist weniger melancholisch als die oben genannten Bands, ein Album das offen und weniger introspektiv ist. Damit besetzen MICRO:MEGA eine einzigartige Nische in der französischen Elektro-Szene.“
“...Already endowed with very different sensibilities, the two musicians have drawn from their different experiences a marked taste for the use of a variety of materials and instruments and a great deftness in the mixing of multiple sound strata. Thanks to that, the pair can smoothly conjugate electronic and organic and establish links between LABRAFORD and PAN AMERICAN's America, AUTECHRE's England, Yann Tiersen's Brittany and PAN SONIC's Finland, without ever forgetting what melody means. Less melancholic than its predecessors "Where we go we don't need it anymore" is also perhaps less introspective, more open. While keeping a definitely unique place on the French electronic scene, MICRO:MEGA seem to have reached a kind of fullness that we are happy to share with them.” [press release]
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2004 |
€13.00 |
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| MILAN SANDBLEISTIFT / AIDAN BAKER / RELAPXYCH.O |
Saite an Saite (a string based compilation) |
CD |
"MILAN SANDBLEISTIFT has a very minimal piece with feedbacks & strange sounds all over the place which is based on a guitar played as real "object". Over 16 min long.
AIDAN BAKER's piece "One step ahead, one step behind" is a very fitting continuation, experimental guitar drone more experimental & soundbased as usual (over 20 min long), the last piece by RELAPXYCH.O sound more electronic but nevertheless organic, and finishes the split / compilation with a lovely microsound piece with enough interesting sounds to get your attention while setting you in a trance at the same time.........(the healing paradox). a minimal compilation, wtih minimal credit information, and full colour booklet with lots of photos...... recommended!" [Drone Records info]
"3-artist-compilation auf licht-ung; experimentell und ruhig, angespannt entspannt, gitarre ja; aber anders.
„milan sandbleistift mit „seymour in der huette" 16.34 minuten extrem nah am instrument und mit filtern und reduzierten feedbacks über einem (grundbrumm)drone auf der suche nach dem bisher ungehörten. weniger musik (im konsumsinne), mehr experiment (dabei gut konsumierbar) mit gefühl für spannung und aufbau innerhalb eines eng gesteckten rahmens.
an zweiter stelle „one step ahead, one step behind" von dem mann der 10.000 releases, aidan baker: 20.40 minuten ein gezupftes gitarrenloop, langsam durch rauschen ergänzt, ein rauschen, das vielleicht auch irgendein tief verstecktes zer-riff ist, darüber materialisierende delayfetzen und die ahnung angedeuteter melodie. und während noch der gedanke herrscht: hier passiert doch gar nichts mehr, verfolgt herr baker längst dieses frosch-im-kochenden-wasser-prinzip, verdichtet alle ingredienzien und löst auch das rätsel um das rauschige zerren. und, ganz die ruhe selbst, verabschiedet sich dann in der dunklen, aber warmen wolke.
relapxych.0, zuletzt hier mit ihrer split mit rapoon präsent, verbinden auf dem 17.12 langen „insommniactivity (origins mix)" in ihrer art die beiden zuvor gehörten ästetiken: sehr offen und klar im hörbild und experimentell (wie die #1), aber deutlich mehr der „musik" an sich verschrieben (wie herr b.), collagierend und andeutend, kontraste und höhepunkte setzend, ein mikromotiv als aufhänger auf dem weg durch das stück und am ende das entlassen in harmonie; fast; es gibt doch noch letzte worte...
sehr stimmige, deutlich „experimental-" compilation mit schicken lich-tung cover: alles blauschwarzer wald, cd, innen, hinten, vorn, seiten... nur das booklett ein paar andere bilder mehr und die inhaltsbeschreibung auf einer fläche von 100 x 5 mm versteckt, schriftgrösse -1, so ungefähr beim dritten blick zu bemerken, empfohlener leseabstand? ...ich brauche mehr licht (-ung)." [N, Unruhr.de]
www.licht-ung.de
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2009 |
€12.50 |
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| MINIMAL COMPACT |
Deadly Weapons |
CD |
"Wiederveröffentlichung des 1984er-Albums der israelischen Kultband. Angeführt von Sänger Samy Birnbach (alias DJ Morpheus) waren Minimal Compact eine der inspirierendsten Bands der 1980er-Jahre. Sie verbanden funkige Rockrhythmen und prägnante Gitarren mit den musikalischen Aromen des Nahen Ostens. Die aus Israel stammende Band konnte in Europa und den USA auf eine leidenschaftliche Anhängerschaft zurückblicken, einige ihrer Songs, wie das auf "Deadly Weapons" zu findende "Next One Is Real", wurden zu Clubhits. Das Album markierte 1984 den internationalen Durchbruch der Band."
[label info]
"Minimal Compact's 'Deadly Weapons' - a disc of lingering textures- is a confluence where the streams of flair and ideas meet equally. It's an iconoclastic album, a collection of songs which are effortlessly assimilated yet tap normally suppressed emotions. If there is any simple division in music it's between compositions which lubricate the biological instincts -sex and the rest- and those that mine the, uhm, soul. Post Joy Division, I can only think of three rock bands who've successfully penetrated the shadows of existence in their individual ways: Nick Cave, Holy Toy and Minimal Compact. Heavy stuff, eh ? Piss off ! It's as easy as putting a record on a turntable. Though quite why the group should join the shortlist is uncertain: the majority of them are Israeli, so we have no obvious cultural connections on the surface. Compact's approach is harmonically impacted. And even at their most blatantly neo-traditional, like on 'The Howling Hole', the minaret motifs might make for a strange musical geography but the intent is instantly recognisable at some subcutaneous level. (...) Does this make the music 'difficult' ? Not unless you're a paraplegic who can't put a disc on a turntable. So damn well do it now." [Jack Barron / SOUNDS, 1984]
www.crammed.be |
2003 |
€10.00 |
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| MINIT |
Now right here |
LP |
"Endlich was neues von einer unserer Lieblings-Drone-Bands, die inzwischen von Australien nach Berlin gezogen sind....wir hören hier auf drei Stücken kontemplative, extrem hypnotische Drone-Schichten, regelrecht leuchtende Klangteppiche, die sanft an Volumen und Dichte gewinnen und aus denen sich dann harmonische Strukturen herausschälen.. EMPFEHLUNG!!" [Drone Rec. info 2004]
“A long awaited release from Sydney's Minit culminates in a masterpiece collection of spectral drone music. With their unhierarchical approach to the use of 'found' sound, a fuzzed out electric bass line sits neatly alongside field recordings of atmospheric hum - their individual sound qualities overriding their semiotic value, so that each sound, representing a layer, shimmers and swells within Minit's evolving, sonic habitat. Now Right Here, the title track as well as the album, is about being caught in the moment. From fragile harmonic and melodic intonations to towering, ecstatic drones and electrical disturbances this album captures a balance betwen noise and harmony, excitation and calmness, distance and intimacy - drawing you into a hypnotic, psychedelic sound-world that belongs uniquely to Minit. Now Right Here is a fragile, immersive and emotional album.Minit is JASMINE GUFFOND and TORBEN TILLY. They are currently living and working in Berlin.”[press release]
“Overall the sound has become more detailled and more rich since my first encounter with them. Music with a highly trance like atmosphere, maybe even psychedelic. Quite nice indeed.” [fdw/Vital Weekly]
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2004 |
€12.00 |
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| MOEBIUS & TIETCHENS |
same |
LP |
"Erste Kooperation der beiden Elektronik-Avantgardisten seit 1976: Mit Asmus Tietchens und Dieter Moebius haben zwei Künstler zusammengefunden, die zu den ganz Großen der deutschen Avantgarde-Elektronikmusik gehören. Beide sind seit den 70er- Jahren dabei, Moebius als Mitglied von Kluster/Cluster und Harmonia sowie solo und in zahlreichen Kollaborationen (u. a. Brian Eno, Mani Neumeier); Tietchens fast ausschließlich als Solokünstler, anfangs in den Bereichen elektronischer und konkreter Musik, später dann vornehmlich im Gebiet der abstrakten Geräuschmusik. Das vorliegende Album ist ihre erste Kooperation seit 1976. Mit ihm lösen Moebius und Tietchens ein Versprechen ein, das sie sich vor 35 Jahren gaben: "Wir müssen mal eine Platte zusammen machen." 13 Stücke transportiert das Album, 13 Ideen, wie sie heterogener kaum sein können. Kein Stück ähnelt dem anderen: Von der hingehauchten Skizze bis zu derb zupackender Rhythmik ist so gut wie alles zu hören, was die beiden Altmeister der E-Musik in ihren Arsenalen haben. So klingt zeitgenössische, neue Musik. Das Vinyl erscheint mit Download-Code. //
About the musicians: With Asmus Tietchens and Dieter Moebius, two artists counting among the greats of German avant-garde electronic music have come together. Both have been active for well over thirty years: Moebius (since 1970) as
a member of Kluster/Cluster and Harmonia, as well as solo and in numerous collaborations (Brian Eno, Mani Neumeier, Conny Plank, Mayo Thompson and many more), and Tietchens (since 1976) almost exclusively as a solo artist, beginning in the fields of electronic music and musique concrète and later mainly in the realm of abstract music. “Moebius+Tietchens” is now their first collaboration in 35 years.
With this album, Dieter Moebius and Asmus Tietchens fulfill a promise that they made 35 years ago. That is, in 1976, when the five musicians of Liliental completed the recordings for their eponymous album (released 1978) and again scattered to the winds, Moebius called out to Tietchens from the already moving car: "We have to make a record together sometime." At least that is the report of an ear-witness. Whether or not it's true… In any case, both
decided in 2011 to record the album which is now to be released. Moebius (Cluster, Harmonia), since the early years of Cluster, has
neither lost his curiosity nor his eagerness for experimentation. On the contrary: He has downright cultivated them. Tietchens is not
only a true aficionado of the Cluster's music and friend of the duo, but has also released countless albums of electronic music and
musique concrète since the 1980's – like Cluster, initially on Sky Records – then later only in the field of industrial and abstract
music. Their album may come from out of the blue, but the large amount of overlap in the music of both artists made it a forgone
conclusion to finally make good on the aforementioned promise. Thirteen pieces carries the album. These are thirteen ideas that could hardly be heterogeneous – no two pieces are similar. Moebius and Tietchens show us what they are capable of together. From the rough sketch to densely gripping rhythms, one can clearly hear just what these two old masters of electronic music have in their arsenals. This is not a result of the routine that comes with so many years of experience, nor a thin portion of tired old recipes for success. Other than for a few faint echoes of a bygone era
(perhaps as a sentimental reminder), Moebius+Tietchens“ is an album that could only emerge from the here and now. It is contemporary, new music. Unfortunately, this time there was no ear-witness as Moebius and
Tietchens said goodbye after finishing these recordings. So we do not know if they made a new agreement similar to the one from 35
years ago. Let's hope so." [label info]
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2012 |
€18.50 |
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same |
CD |
"Erste Kooperation der beiden Elektronik-Avantgardisten seit 1976: Mit Asmus Tietchens und Dieter Moebius haben zwei Künstler zusammengefunden, die zu den ganz Großen der deutschen Avantgarde-Elektronikmusik gehören. Beide sind seit den 70er- Jahren dabei, Moebius als Mitglied von Kluster/Cluster und Harmonia sowie solo und in zahlreichen Kollaborationen (u. a. Brian Eno, Mani Neumeier); Tietchens fast ausschließlich als Solokünstler, anfangs in den Bereichen elektronischer und konkreter Musik, später dann vornehmlich im Gebiet der abstrakten Geräuschmusik. Das vorliegende Album ist ihre erste Kooperation seit 1976. Mit ihm lösen Moebius und Tietchens ein Versprechen ein, das sie sich vor 35 Jahren gaben: "Wir müssen mal eine Platte zusammen machen." 13 Stücke transportiert das Album, 13 Ideen, wie sie heterogener kaum sein können. Kein Stück ähnelt dem anderen: Von der hingehauchten Skizze bis zu derb zupackender Rhythmik ist so gut wie alles zu hören, was die beiden Altmeister der E-Musik in ihren Arsenalen haben. So klingt zeitgenössische, neue Musik. Das Vinyl erscheint mit Download-Code. //
About the musicians: With Asmus Tietchens and Dieter Moebius, two artists counting among the greats of German avant-garde electronic music have come together. Both have been active for well over thirty years: Moebius (since 1970) as a member of Kluster/Cluster and Harmonia, as well as solo and in numerous collaborations (Brian Eno, Mani Neumeier, Conny Plank, Mayo Thompson and many more), and Tietchens (since 1976) almost exclusively as a solo artist, beginning in the fields of electronic music and musique concrète and later mainly in the realm of abstract music. “Moebius+Tietchens” is now their first collaboration in 35 years. With this album, Dieter Moebius and Asmus Tietchens fulfill a promise that they made 35 years ago. That is, in 1976, when the five musicians of Liliental completed the recordings for their eponymous album (released 1978) and again scattered to the winds, Moebius called out to Tietchens from the already moving car: "We have to make a record together sometime." At least that is the report of an ear-witness. Whether or not it's true… In any case, both decided in 2011 to record the album which is now to be released. Moebius (Cluster, Harmonia), since the early years of Cluster, has neither lost his curiosity nor his eagerness for experimentation. On the contrary: He has downright cultivated them. Tietchens is not only a true aficionado of the Cluster's music and friend of the duo, but has also released countless albums of electronic music and musique concrète since the 1980's – like Cluster, initially on Sky Records – then later only in the field of industrial and abstract music. Their album may come from out of the blue, but the large amount of overlap in the music of both artists made it a forgone conclusion to finally make good on the aforementioned promise. Thirteen pieces carries the album. These are thirteen ideas that could hardly be heterogeneous – no two pieces are similar. Moebius and Tietchens show us what they are capable of together. From the rough sketch to densely gripping rhythms, one can clearly hear just what these two old masters of electronic music have in their arsenals. This is not a result of the routine that comes with so many years of experience, nor a thin portion of tired old recipes for success. Other than for a few faint echoes of a bygone era (perhaps as a sentimental reminder), Moebius+Tietchens“ is an album that could only emerge from the here and now. It is contemporary, new music. Unfortunately, this time there was no ear-witness as Moebius and Tietchens said goodbye after finishing these recordings. So we do not know if they made a new agreement similar to the one from 35 years ago. Let's hope so." [label info]
www.bureau-b.com
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2012 |
€13.00 |
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| MONOCUBE |
The Rituals |
CD |
"Following a recent appearance on Drone Mind Vol 5, Ukrainian act Monocube makes his way into the halls of Malignant for his second, full length recording, featuring nine tracks and just over an hour worth of material ensconced in shadowy, enveloping atmospheres, intact with all the hallmarks of classic dark ambient: arcing, cinematic textures, elegiac melody, and timestretched drift. As The Rituals progresses, it becomes increasingly populated by something even more ominous and bleak; undertones of ancient tribalism and fiery invocations arise, mixed with the blackened soot of distant factory churn and the burning remnants of an ashen wasteland. Featuring collaborative tracks with Treha Sektori, Apocryphos, and Asmorod, The Rituals is an immersive and compelling work, seamlessly bound together in an embrace of darkness.
Tracklisting: Visiones III, Drowned Sun, Downwards (feat. Apocryphos), Totem Incantation, Fires Shifting - Nocturnal Motion, Through Our Blood, Father Fenris, Anthracite Glow (feat. Treha Sektori), Initiation (feat. Asmorod)." [label info]
www.malignantrecords.com
"Imagine a deep void, devoid of light, black to its very core, soundless, airless, empty and infinite. There’s no beginning or end, no past or future. The terms of time and space are so irrelevant here. A void that sucks you like a vacuum, and you can’t tell if that body of yours is still solid, or if you’re broken into atoms and only your consciousness remains as something that can still be described with actual words. Or perhaps even this doesn’t exist anymore.
What a cliché, huh. How many times have we dealt with such visions in the dark ambient genre. Mr Lustmord, Sir, you made a mess in many (well, ok, not so many) people’s minds and now your sons, and sons of their sons, generation after generation, paint these same visions. Very slightly changed over the years, sometimes more concrete, more cinematic, sometimes more abstract. In one occasion the music may be more melodic, while in another it may take a more droney direction. Noises, harmonies, ritual, oriental, glacial moods, it may all vary but the foundation is more or less always the same. The dark ambient community doesn’t mind being fed with more of the same though. At least I don’t. I don’t look for innovations anymore, I don’t need anything groundbreaking – that expectation ended about ten years ago. Now I just look for an atmosphere that will speak to me. For a mixture where all the ingredients are served in perfect proportions.
The reason why I write all this, is because Andrzej Gładuszewski of the Ukrainian project Monocube managed to reach a perfect balance, at least to my taste. The album doesn’t bring anything new to the genre, but it doesn’t have to. Sometimes I wonder if there are any dark ambient artists who still believe that they can create something truly “new”, something that in a few years from now will be considered a milestone. Guess not so many. This concerns most musical genres anyway. Only for dark ambient musicians things are even harder, because, contrary to pop, rock, or even neofolk if we consider the subject on a more underground level, the dark ambent genre from its definition is devoid of so-called “catchiness”. Of course I’m speaking in generalisations, because sometimes you may stumble upon a catchy ambient tune or theme. Yet even if that is the case, only us, the fans of the genre, may consider it so. For the majority of the listeners it’s still music that’s difficult to digest. By all means, I don’t mean to say that Andrzej is not an ambitious guy. I guess that his efforts are focused on something else: on capturing that very core that not many have managed to capture before. I feel like this core becomes smaller and smaller with every passing year, but he managed to reach it. Hit it like a world champion in archery or something.
It’s all because of the sound, which is of the highest quality, the feeling that Andrzej obviously has in his heart, his understanding of the genre and the potential receivers of this music. He knows exactly how to avoid boredom or irritation. The tracks differ from one another, each tells its own story and it doesn’t take much time for the listener to distinguish between them. You want some delicate darkness based on guitar sounds of a distant post-rock provenance? You got it in “Visiones III”. Deep and anxious bass drones, but still without bursting with horror? “Downwards” (composed with Apocryphos). While in “Totem Incantation” you’re dealing with strange noises, whistles and murmurs. Its chaotic, ritual character makes me think of the Aural Hypnox label, especially since my ears tell me that it was composed using solely physical objects, including the human voice. “Through Our Blood” introduces acoustic guitar and the exceptionaly eerie “Father Fenris” brings forth a crawling dread straight from the centre of the Earth. The main dish we find at the very end however. “Initiation” was made in collaboration with Asmorod, and Nicolas’ presence is very significant here. These solemn synth melodies are so specific they can’t be mistaken for anything else. After all, Asmorod is responsible for “Hysope”, one of my favourite ambient albums ever and… well, possibly the last “milestone” I was discussing above.
This mélange doesn’t seem as if made solely to put all the artist’s ideas and dark ambient influences into one recording. It forms a story, where each track is another chapter. Or it’s like different views of the same idea. Andrzej captured the essence of the genre and was able to carve in it in a very creative way, so a big applause from me for that. And “The Rituals” is a big step forward when compared to the previous “Blue Dusk /// Red Dawn”. At the moment it’s one of the best dark ambient albums of 2017." [Santa Sangre]
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2016 |
€13.00 |
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Substratum |
CD |
"Monocube’s new album since 2016’s “The Rituals”, a suite of wide landscapes painted in modular synth and stringed instruments.
A spellbinding new album for Cyclic Law and Malignant Records, employing eight long-form pieces for the most expansive solo release by Monocube to date. Taking into account its haunting and elegiac quality - the result of no less than two years assiduous work it is elevated to the another level, presenting an analog purification of Monocube’s overtones.
Purposefully evoking the feelings which are usually avoided in more scholastic examples of dark and drone music, Monocube voices the soul, while improvising on modular synth and stringed instruments, intimates a transcendental quality and approaches to the shape and density, delicacy and relation to transient and everlasting subjects, reaching the depth that was not present before.
The outcome is considered as a reflection of non-verbal communication: from the flowing blossoms of Sehnsucht to the palsied depth of Prima Materia to the stirring crescendo of Luft and through the burned-out distortions of Visiones V to the 10 minute+ misty-eyed panorama of The Opposite Of Nadir following the helical torques and instilled eschatological atmosphere of Opaque, tempting the longing souls to the valerian vortex of Action In Distans and consummating with ultra-wide Limen. An alchemy of mysterious spirit.
The mixed media artwork employs analog techniques, as cameraless photography and illustrations, which spawn silhouettes and haunting figures, recurring entropic motifs, a transition into worlds within worlds, coaxed out of gelatine silver prints. Enchanting, often deeply mysterious and disquieted is the visual part of Substratum created by sukkeret.og.pepper studio in Berlin."
https://monocube.bandcamp.com/album/substratum
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Neben seiner Teilnahme an der Kollaboration mit Anemone Tube und Jarl zum Jahreszeitenzyklus von Pieter Brueghel dem Älteren hat der ukrainische Ambientmusiker Andrzej Gladuszewski alias Monocube dieses Jahr gleich noch einen Nachfolger des vor drei Jahren erschienenen Debütalbums “The Rituals” herausgebracht. Atmosphärisch intensiver und kompositorisch ausgereifter wirkt das unter punktueller Unterstützung von Antti Litmanen (Arktau Eos) und Frederic Arbour (Visions) entstandene “Substratum” schon auf den ersten Eindruck, und doch knüpft das Werk stilistisch deutlich an seinen Vorgänger an, dessen Opener “Visiones” gleich in einem neuen Track fortgesetzt wird.
Modulare Synthies und an ausgesuchten Stellen einmontierte Klänge verschiedener Saiteninstrumente bilden das Fundament der acht dröhnenden Klangflächen, deren düster-harmonische Schwere zum passiven Träumen verführen kann und so ein Grund sein mag, die unterschwellige Dynamik dieser Musik erst nach und nach mitzubekommen. Doch auch nachdem man sich an die Stimmung der Musik akklimatisiert hat, bleibt diese in ihrem Wesen diffus.
Wer auf die Macht der Worte vertraut, kann durch die Tracktitel zumindest etwas Orientierung in den abstrakten Klanglandschaften bekommen. Von der Sehnsucht erzählen sie, die sich unter verhalltem Rauschen und plötzlich losbrechenden Noisebrocken etwas Schmerzhaftes offenbart und nach Veränderung schreit. Vom Element Luft und der Prima Materia, der aristotelischen Urmatierie, aus der alles Irdische hervorgegangen ist, künden sie, und lassen so einen kosmogonischen Hintergrund erahnen. Noch erhabener wirken so die Echos von angedeuteten Choralgesängen, ebenso die melodischen Synthietupfer, die irgendwann in akustische Klagelaute übergehen und an Orpheus in der Unterwelt denken lassen. Am Ende steht mit dem Limen die Schwelle, die die Grenze zum Zustand der Vollendung markiert.
Letztlich drehen sich all diese Dinge um ein Schöpferisches, um eine Welt, die im Entstehen begriffen ist und die Musik, dem Titel entsprechend, zum Substrat macht. Die oft langsame und subtile Veränderlichkeit von Klangfarben, Harmonien und dezenten Rhythmen schärfen die Wahrnehmung und lassen die Abfolge von beunruhigendem Vibrieren, entspanntem kosmischen Bimmeln, fast schrillen bläserartigen Sounds und all den anderen Gegensätzen, ohne die laut William Blake kein Vorwärtsdrang möglich ist, noch deutlicher auf dem dunklen Nährboden aufscheinen. [U.S./African Paper] |
2019 |
€13.00 |
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| MOORE, AARON |
The Accidental |
CD |
Erste Solo-CD des VOLCANO THE BEAR – Mitglieds, 7 Stücke mit betörenden Drone-Texturen, Piano-Minimalismen, Keyboard-Drones, Vibraphon & Becken-Tupfer, alles sehr “privat”, intim und ruhig... perfekte Mitternachts-Musik.
".. as a founding member of the english experimental group volcano the bear, aaron moore has been a part of creating some of the most stimulating and diverse music of the last 10 years with releases on nurse with wound’s united dairies label, and the american label, beta-lactam ring records, to name but two.
‘the accidental’ is moore’s first solo release and is in stark contrast to his drumming and vocal work with volcano the bear.
using such instrumentation as bowed and beaten vibraphone, cymbal, chord organ, thumb piano and keyboard, mainly concentrating with one instrument per track, moore has created an album of mesmerizing beauty.
shifting, woozy soundscapes, blurred drones, soft conjuring, and deep meditations - perfect for late night headphone trips.
on ‘three guineas’, a keyboard is used to create a new lullaby in which we are reminded of years past.
the majority of these recordings, made at his home in leicester on a digital 8 track and one microphone in 2003 were intended for an aborted collaboration with oren ambarchi. they then sat on his machine for a year or so until, with the nagging of friends, he set about doing something with them.
some of the tracks, he felt, needed the hand of another so he sent some tracks to friends andrew liles, luke fowler and alex neilson to collaborate on. they in turn sent the finished tracks back to moore where he set about editing them for inclusion on ‘the accidental’.
the title, ‘the accidental’ comes from the fact that were it not for the original aborted collaboration attempt with ambarchi, moore would not have recorded this music.
moore is continuing his work with volcano the bear and his new duo, dragon or emperor, as well as planning several collaborations in the coming months. if a follow up to ‘the accidental’ is to happen, then maybe it will be on purpose next time?!" [label info]
www.elsieandjack.com
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2006 |
€14.00 |
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| MOORE, ANTHONY / THERAPEUTISCHE HÖRGRUPPE KÖLN |
Ore Talks |
do-LP |
" 'ore talks' limited edition release, gatefold sleeve with booklet. a double lp of essentially electronic and noise-based pieces paired with astonishing texts spoken by anthony moore. the concept is that objects of value, artifacts or minerals, buried deep in the ground send strange signals through the earth up to the planet's surface. they are detected by the ears and instruments of miners, explorers and archaeologists who are tuned-in to the subterranean frequencies. the album contains a large booklet explaining this idea and featuring many pages of eccentric writing about sound." [label info]
Four sides of vinyl: this has served as a time constraint from the very outset of the project. With around 18 minutes per side giving an overall run time of 72 minutes, these time slots are designed to offer recordings of four sets of historical, technical processes and their devices. Each of the four chapters is conceived in two parts and realised in a number of actual compositions.
A. VALVES / ROEHRE:
1. Their Electrons. The developement of De Forest‘s Audion.
2. Noise as signal and the power of redundancy.
B. PIEZOS:
1. Reversibility; Loudspeakers as Microphones and The Transmitting Ear.
2. Mercury Acoustic Delays Lines.
C. RECORDERS:
1. Wax Cylinders, Hill ’n Dale, Voices of the Dead.
2. Magnetic Oxide and Memory Machines, Storing Time.
D. CRYSTAL SETS:
1. Waves; The Air as One Vast (negentropic) Library.
2. Farewell to AM, Fades to Infinity.
A voice is transmitted through various materials; early microphones, the reproducer of an Edison phonograph, glass phials filled with mercury, piezo crystals, transducers, and piezo discs attached to polystyrene spheres, shortwave radios, old russian valves and the self-built circuitry of condensers and switches. What emerges are speech-driven patterns of noise, electronic music and occasional passages where the voice can be plainly heard in 14 separate pieces of widely differing durations.
ORE THOUGHTS
Galena to Stibnite, starting with lead, ending with lead; the history of soldering, cementing connections for currents of information and noise alike. In the undigital realm, noise is a context for the signal and can be information in itself. For example rotating surface noise is useful for finding the original speed at which early shellacs may have been cut. Redundancy is vital for a proper understanding of the world. So Ore Talks celebrates lead and soldering and making connections and, endotically, noise; noises at the outer ear but also of the inner ear. Perec and the Oulipians employ the term ‚endotic‘ as an antonym to ‚exotic‘ in order to focus attention on the everyday, on what might be dismissed as mere noise. The infraordinaire, as Perec calls it, is very much the subject of a historiographical approach that prefers to explore the lives and times of the distinctly unfamous; a more vivid, sensory history that concerns itself with sights and smells and sounds.
In addition, Ore Talks posits a strange attraction between the discoverer and the yet-to-be discovered; between buried artefacts and the archeologist seeking to disinter them; between prospector and rich, subterranean lodes. The ‚ground‘ in the electrical field is a conductor that reaches into the earth. Simultaneously, metalliferous ores and objects alike call out to be uncovered in an equivalent act of active perception. The only prerequisite? Keep an ear to the ground; the telluric source for chthonic voices.
Murmurings from below the surface: the call of buried things that seek to be disinterred. Anthropomorphism notwithstanding, there is something to be said for giving a voice to inanimate minerals. After all, their constituent elements come from the stars and have also given rise to us humans. Furthermore, when those same elements are alchemically transformed into compounds of metal and fillers of plastics, of quicksilver and piezo crystals, of the very air, water or copper that play host to sound in its various forms, transporting speech, then ORE TALKS emerges as a title with some resonance.
And text too can be a ground from beneath which conceptual objects stem (voices in the grey matter). Here is a list of such objects that have been disinterred in no particular order from the paragraphs above. “Active perception; superluminality in the collapse of the sender/receiver paradigm”
“A History of Simultaneity; how far back does same-timedness go?”
“Noise in History, noise as history”
“The importance of redundancy in human communication”
“Sound and the continuum are products of each other”
“What holds true for time also applies to sound; they both depend on disappearing as they come into existence.”
“The speed of sound is a good rate at which to think about a speed of time” These and related topics are expanded over the following pages. They contain the sources for all readings recorded and subsequently transformed in the ORE TALKS experiments on this double LP.
www.therapeutischehoergruppekoeln.de/ore.html
"Antimonit Bleiglanz Coelestin... Ein erzernes ABC bis hin zu Zinnober.
Verbunden mit 72 Minuten Text + Klang in vier Kapiteln / Vinyl-Seiten: a. Valves / Röhren b. Piezos c. Recorders d. Crystal Sets. Kreisend um Ore [Erz] =
Mineralgemenge, die wegen ihres Metallgehaltes abgebaut werden, um es für Werkzeuge und Ähnliches weiterzuverarbeiten.
Kreisend um L/ore, dt. Lehre -> Folklore = the knowledge and traditions, frequently passed along by word of
mouth. Merke: Transmission is a vital part of the folklore process -> 1. Orality =
Mündlichkeit -> 2. Literacy = Reeling and Writhing / Lesen & Schreiben -> 3.
Technical Devices = Aufschreibesysteme. Es geht um Medientechniken: Alphabet - Grammophon... (Friedrich Kittler), um Recording Angels' Mysteries (Klaus Theweleit), um Dead Letters (Gregory Whitehead). Bevor Moore 1996 (bis 2015) Professor an der KHM wurde, hatte er mit Slapp Happy den Mond vom Himmel gepflückt, mit Pink Floyd gearbeitet und Soundtracks für Werner Nekes kreiert.
Akademisch forschte er dann synchron mit Kittler über die Geschichte und Gesetzmäßigkeiten von Sound, über phonetische und klingende Techniken des Daseins und der Erinnerung. 2004 nahm er teil an Kittlers Sirenenexperiment, das vor Amalfi Odysseus' Affäre mit den Sirenen nachstellte. Zwischen '...and the Gods made love' und Moores 'Dogs of War' spielt sich alles ab, was es zu singen und sagen gibt. Polyphone Erkenntnis über Sound und Zeit, Noise und Information, gefiltert aus den Lebenserfahrungen von der Bronzezeit her. Darüber schreibt und spricht Moore mit medienarchäologischem Knowhow und einem Ohr für die chthonischen Stimmen. Innere Stimmen, wie sie zuerst noch bikameral fluktuierten (Julian Jaynes), dann akusmatisch, mimetisch, alphabetisch, speicherbar, decodierbar, repetierbar wurden. Die Namen Zeiss, Chladni, Tyndell und Helmholtz oszillieren steampunkabenteuerlich an den pythagoräischen Küsten wie Töne und Zahlen zwischen Rauschen und Offenbarung. Schwingquarze geben den Takt an.
Memory Machines verflüssigen Vergangenes und Kommendes, um es zu fixieren, so wie Moores Sätze zu Science Fiction verschwimmen. Er raunt von The Etherial Skin of Interference, er wird poetisch, fasziniert von den Ur-Geräuschen, die Scott de Martinvilles Schweinsborsten-Phonautograph einfing oder Rilke der Kronen- Naht des Schädels zu entlocken gedachte. Klang wurde das mit Hilfe der Therapeuten Beck, Grewenig & Hennes (von The Knob, The Finger & The It), Langguth und Specht (einst bei 40 Sekunden Ohne Gewicht und Kunstkopf). Moores Stimme wispert und fitzelt subliminal unter löchrig-perkussiver Bruitistik,
er reiht Zahlen oder verschwindet hinter sirrenden Spuren, taktilen Geräuschen,
spurenelementaren Impulsen. Silben und Satzfetzen mischen sich mit Hilfe der
Hörgruppe zu Kratzern, Partikelkollisionen, Radiowellen, Zeitrost, Reibung von
Entropie und Negentropie, sprachmelodischem Blaseton, Frequenzpingpong.
Umso überraschender daher die klaren, wenn auch für den Laien kryptischen
Sätze über Interferenz, Simultanität, die Unschärfe des Now-Space, von Senden und Empfangen. Moore meditiert über Turings ACE und die Alchemie von Quecksilber-Laufzeitspeichern, aber die Sprache wird wieder verzerrt, der Noise dafür prickelig und wohltönend. Doch dann umfängt einen wieder im ursuppig, uhrsuppig brodelnden, radiowellenberauschten Äther protologisch wummernde Sonic Fiction, die zuletzt endlosrillenstottrig ausgroovt." [Bad Alchemy] |
2017 |
€25.00 |
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| MOSER, MICHAEL |
Antiphon |
do-LP |
"Klanginstallation im Hauptschiff und Chor der Minoritenkirche Krems/Stein.
Pre-recorded source materials:
Klaus Lang: organ (Stiftskirche St Lambrecht,
Pfarrkirche St. Oswald, Krakaudorf; Minoritenkirche)
Berndt Thurner: percussion (Minoritenkirche)
Michael Moser: glass plates, electronics
ANTIPHON STEIN ist eine ortsspezifische Klanginstallation im Hauptschiff und Chor der Minoritenkirche Krems/Stein, die sich mit der Architektur und dem Klang dieses Kirchenraumes auseinandersetzt. Das verwendete Material sind hängende und liegende Flächenobjekte aus Glas und Metall, über Körperschallwandler mit Klängen bespielt. Diese Objekte werden so zu Membranen, die, in ihrer gesamten Fläche und Masse in Schwingung versetzt, den Klang an den sie umgebenden Raum abgeben. Die in der Installation verwendeten Ausgangsklänge wurden zu einem großen Teil vor Ort mit einem speziellen vierkanaligen Aufnahmeverfahren hergestellt und nach ihrer elektronischen Bearbeitung auch in dieser speziellen Vierkanaligkeit belassen, da diese durch die Aufnahme aus unterschiedlichen Raumperspektiven und Distanzen ein akustisches Abbild des gegebenen Raumes entstehen lässt. Der Klang des spezifischen Raumes spielt somit eine zentrale Rolle im akustischen Gesamtbild.
Die Positionierung bzw. Hängung der Flächenobjekte führte durch die Strenge der frühgotischen Architektur zu der zweiteiligen, responsorienartigen Form der Arbeit: unten im Hauptschiff die acht Glasplattenobjekte jeweils zwischen den mächtigen Säulen hängend, oben im ehemaligen Chor die dreiteilige, am Boden auf weißen Filz wie schwebend angeordnete, und daher von unten nicht sichtbare, aber dennoch hörbare Metallarbeit. Die Intimität der Apsis mit ihrem Triptychon aus Metallobjekten kontrastiert die Weitläufigkeit des Hauptschiffs mit seinen in großer Distanz hängenden Glasflächen. Der Verlauf der Lichtgestaltung, vom dunklen Hauptschiff zur lichtdurchfluteten hellen Apsis, versucht diesen Dialog fortzuführen.
Die Klänge, kleine kompositorische Miniaturen mit Dauern von 3 bis 7 Minuten ¿ oben eher Orgel- unten mehr Becken-Klänge, Perkussion, bespieltes Glas ¿ werden vom Computer auf Basis einer genauen Ablaufpartitur immer wieder in neue Konstellationen gebracht: teilweise aleatorisch, teilweise in fixierter Reihenfolge und unterbrochen von Interludien, die im zeitlichen Abstand von 30 Minuten den einzigen Moment darstellen, in dem ein einzelnes Soundfile auf alle Flächenobjekte der beiden Räume gleichzeitig zugreifen kann.
Gesamtspielzeit: ca. 80 min"
www.edition-rz.de
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2016 |
€30.00 |
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| MOUTHUS & YELLOW SWANS |
Live on Conan Island |
LP |
Live-Collaboration Dokument dieser beiden US Guitar-Drone / Electronic / Free Form Noise-Duos, die zu viert ein furioses Klangfeuer entfachen, low-fi feedbackend rauschend ekstatisch, verzerrter als verzerrt.. irgendwo im Noise-Brei sind sowas wie Vocals, Percussion, und langsame elektronische Pulses auszumachen.
"An inevitable match made in Hades. Four titans workin' it out in the primordial mulch & all the gods are cowering in their presence. The dual intertwining guitarattack impacts & fragments into the dense concrete percussion forest surrounded by a shroud of pulsing caterwauling skree. A harum-scarum locomotive ride of thick, bombastic & heavy proportions." [unknown reviewer]
"The ultimate East coast/West coast soundclash as Oregon’s Yellow Swans and Brooklyn’s Mouthus present a smouldering document from their onstage interactions on their Fall 2006 US tour.
The sound of Mouthus’s splat&clatter percussion and sheets of severely altered guitar and voice noise paired with Yellow Swans’ raucous axe-mangling and sublime noise processing make for a gargantuan oil tanker of sound that can’t avoid enveloping the listener.
‘Live On Conan Island’ is a range of monstrous caverns of free electro skronk, alt-percussion and wailing guitars from live collaboration between two of Load's hottest noisemongers. Gigantic!" [label info]
www.no-fi.org.uk/label.php
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2008 |
€17.00 |
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| MULTER |
Wenn Schauzeichen erscheint, sind die SYSTEME gekuppelt! |
10inch |
MULTER tauchen einen hier in ein Bad aus sirrend-rhythmischen Electronics und gleissenden Gitarren-tunes – sehr trocken und eindringlich, auf den Punkt gespielt, hell erleuchet irgendwie. MULTER drown you here into a bath made of high-pitched rhythmic electronics and shining guitartunes, very dry and intense, illuminated somehow...
“ 3 tracks of sliding beautiy: electronic beats plus guitar drones and shrieking synth noise, ca. 20 min. hand stamped cover, lim. 500” [label info]
www.aufabwegen.de
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2003 |
€12.00 |
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Köln 4/11/2006 |
CD-R |
"One of the best known unknown artists of the german experimental hard-to-classify scene publishes here this document of a one track concert, recorded at the Kulturbunker, Cologne during a concert series organized by Till Kniola / Auf Abwegen in Late 2006.
The trio of Neidhardt (guitar/Amps), Geiter (keyboards, live mix) and Hoeschen (field recordings, live mix) performed in their unique style what can be loosely described as memorable post-rock drone. A piece which just keeps growing and developing for close to an hour.
The last full length release by [multer] was the sound installation soundtrack ‘Berge Im Bunker’ (consouling sounds, 2011) which was prefaced by the marvelous but vinyl only ‘Kopenhagener deutung’ album (genesungswerk, 2003). Next year shall bring a release of a studio version of this track as well as other projects concluding with the publication of entirely new material and accompanying live performances.
For those interested what happened between [multer] activities there is the meanwhile impressive back-catalogue of Hellmut Neidhart aka ‘N’ solo and also releases on Thomas Geiter’s own label inselkind-schalltraeger worth more than a listen.
Issued as a limited & numbered cdr with special artwork directed and produced by [multer] and as an unlimited digital dl." [label info]
https://klappstuhl.bandcamp.com/album/k-ln-04-11-2006
"Klappstuhl Records zeigt sich, nach ersten Anzeichen 2012 und 2013, seit 2015
zweifelsfrei wiederbelebt, ohne merkliche Gesinnungsänderung zur kassettentäterischen
Vorgeschichte in den 80ern (& 90ern). Köln 4 | 11 | 2006 (SP 012, CD-R) wirft nun sogar ein halbes Pfund in die Waagschale. Durch ein silbernes Cover aus Eisen. Zu hören sind, live im Kulturbunker, Thomas Geiter: keyboard, mixing, Mal Hoeschen: fieldrecording, mixing & Hellmut Neidhardt: guitars, amps, Letzterer
einschlägig bekannt als N, die drei gemeinsam als [multer]. Sie tasten sich mit blasender, wischender, dröhnender Vorsicht voran. Dröhnend? Es ist das fast ein Singen wie von einer Harmonika, ein sublim changierender Silberstreif am tief gelegten Kulturhorizont. Ein knatternder Helikopter unternimmt einen Aufklärungsflug. Kleine Alltagsgeräusche, Schritte, Vogelschreie, Entengeschnatter,
Glockenspiel und Turmuhrschlag oder erst glucksendes, dann anbrandendes und
lappendes Wasser akzentuieren als Einsprengsel der Welt da draußen das langwellig sonore, surrend noch unterstrichene Fürsichsein in einem Tagtraumzustand. Ein fernes Akkordeon spielt 'Caravan', die N-Gitarre schnurrt. Zwei
Stimmen referieren über den Ausnahmezustand und die Schamlosigkeit, die künstlerisches Schaffen ermöglichen, und über das 'Nein' des ästhetischen Menschen. Nietzsche trapst als Nachtigall: Es giebt zwei Zustände, in denen die
Kunst selbst wie eine Naturgewalt im Menschen auftritt, über ihn verfügend, ob er will oder nicht: einmal als Zwang zur Vision, andrerseits als Zwang zum Orgiasmus. Beide Zustände sind auch im normalen Leben vorgespielt, nur schwächer: im Traum und im Rausch. Vinyl knurscht, der Harmonikadrone kurvt und sirrt. Und träumt von der suggestiven Kraft der Musik, ihrer "suggestion mentale"..." [Bad Alchemy] |
2016 |
€11.00 |
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| MUSTERION |
The Black Lodge |
CD |
Uns bisher unbekanntes Projekt auf HORUS, mit erster (?) Veröffentlichung unter diesem Namen. THE BLACK LODGE ist keine einfache Zusammenstellung von Musikstücken, sondern eher ein theatralisch-szenischer Soundtrack zu einer dunklen Geschichte oder Vision, mit Bezug zu LOVECRAFT, BURROUGHS, KEROUAC, GINSBERG. Das klingt sehr neoklassisch & dunkel instrumental, ist aber auch in elektro-akustischer Weise mit Stimmen & allen möglichen Geräuschen versehen, liegt also zwischen Neo-Klassik / Filmsoundtrack und Elektro-Akustik. Das ganze Werk wirkt wie in einem Traum oder einer Halluzination gehört… Grossformatige Hülle & Kunstdruck-Booklet, nummerierte Auflage von 500 Stück !
"The Black Lodge", a world beyond, is the place were Agent Dale Cooper is trapped. He travers through memories, dreams, Tibet, the works of H. P. Lovecraft and more. The Agent possesses the body of the late Jerzy Grotowski as he do his last journey among the walking dead. The visions of Cooper are seen, heard and felt in this avant-garde and exquisitely dark ambient album from Musterion, Simon AA Kölle (Za Frûmi, Abnocto). The Black Lodge is a place of murder, dreams, mystery, darkness, ancient machines, old memories and horror. A shrieking violin swells into a chaotic babel of sound; a pandemonium that would have lead most men to doubt their own shaking sanity. Inarticulate cries that only mutes can utter, and that rises only in moments of the most terrible fear or anguish.
With extreme attention to details this profound opus of the mind leads the listener away from the normal world and into the world of the Black Lodge. Garmonbozia!“ [label description]
“....In order to induce such a hallucinatory listening experience Musterion creates music using a wide array of instrumentation ranging from traditional and classical acoustic instruments to purely electronic based sounds. Though many songs are shadowed by dark ominous drones the music in each song reaches way beyond the range and habit of standard dark ambient music. Musterion has striven to bring experimentalism to dark ambient music and has successfully created a cinematic environment previously only pursued by too few capable musicians. Musterion “The Black Lodge” is definitely the most powerful full length album I have heard Simon AA Kölle participate upon. Fans of Simon’s previous work as Za Frumi will find the cinematic quality of the music familiar though be informed that the scope and intricateness of the songs far exceed Simon’s work with Za Frumi. I highly encourage dark ambient fans that like music that reaches beyond standard drone music to check out Musterion as well. Anyone with a fetish for H. P. Lovecraft or other dark occult inspired narratives is also encouraged to discover Musterion. Musterion is an invitation to close your eyes and be led into a world of shifting shadows, intrigue, and horror. This excellent release is limited to 500 hand signed copies so collectors be aware of the limited nature of this release.” [Heathen Harvest]
www.horus.cz
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2005 |
€10.00 |
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| MY HOME, SINKING |
King of Corns |
do-LP |
If writing is a concentrated form of thinking then the most concentrated writing probably ends in some kind of reflection on dying. This is what we eventually confront if we think long enough and hard enough.”
– Don DeLillo
My Home, Sinking is one of the many sound projects fronted by Venetian Enrico Coniglio, whose latest album King of Corns blends live instrumentation with field recordings and strange vocals to create a neo-classical work wherein the sum of the whole is greater than its parts.
Like Baudelaire’s great book of poems, The Flowers of Evil, King of Corns seems to allude to the interplay between life and death as twin sides of the same coin. The beautiful, haunting sleeve art features the unsmiling bust of a porcelain woman with black eyes from whose neck emerges a full bouquet of roses.
Frequently the album is beautiful on its own terms. Consider the opening track, “Bird’s Eye” which features an Eno-esque piano walking over cinematic strings and a lazy harmonica. The piece sounds like an orchestra tuning up before a concert, a call to adventure for the rest of the album. Perhaps more fittingly, it reminds of latter day Talk Talk with tensile strings, errant notes, silent interludes, slow motion piano.
Further beauty exists in “Animating Old Postcards,” which is built around a minstrel’s guitar and the ethereal voice of Finnish artist Violeta Päivänkakkara and feels like a springtime return, a much-needed break in the clouds, a patch of blue after heavy storms.
With that said, the album’s title track is undeniably terrifying. Led by the quivering, indecipherable falsetto of Jessica Constable and a fearsome piano arpeggio, “King of Corns” sounds something like a witch’s curse or an oracle warning of things to come. The last track on the album, “Full Blank (No Stars)” is a dark aria and again features Ms. Constable, who is not so much singing here as reciting musically, as if in an opera.
Clearly, Coniglio’s King of Corns is a marked change in direction from the warm sounds of the last MHS album, Sleet. More sound art, the new work is riddled with anxiety, hesitation, fear. It’s hard to imagine listening to this in polite company or before going to bed. But ultimately the album is successful in that the work demands the listener engage directly with it to form her own interpretation of the material, and in this collaboration she becomes implicit in its creation, a kind of co-author of each track.
Often King of Corns sounds like a descent into madness, a journey through the forest of the dead to the darkest parts of the self. But where there is death there is opportunity for life, for new beginnings. KoC proves that Coniglio is a Romantic in the true sense of the word: one who believes that death and darkness and dreams give us secret access to the divine and help us reconnect with the life-giving principle, or what the Greeks called “Psyche” - the soul.
-Daniel Williams
credits
released September 16, 2017
Enrico Coniglio : guitar, melodica, harmonica, horn, electric organ, synthesizer, psalter, tapes & vinyls, found objects, field recordings & programming
Elisa Marzorati : piano
Piergabriele Mancuso : viola
Chantal Acda : vocals and lyrics "I Can't Help It (But This is The End)"
Jessica Constable : vocals and lyrics "King of Corns" & "Full Blank (No Stars)"
Peter Paul Gallo : vibraphone on "Love Scene" & "I Can't Help It (But This is The End)"
James Murray : organ, vocals, loops on "Along the Pipeline"; electronics on "Full Blank (No Stars)"
Violeta Paivankakkara : vocals and lyrics, glockenspiel and effect on "Animating Old Postcards (Aikaa Ei Ole Olemassa)"
All tracks written, arranged and produced by Enrico Coniglio
Design, Calligraphy, Hand Drawn Typography by Chris Bigg
Illustrations by James Heginbottom
https://infraction.bandcamp.com/album/king-of-corns
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2017 |
€28.00 |
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King of Corns |
CD |
If writing is a concentrated form of thinking then the most concentrated writing probably ends in some kind of reflection on dying. This is what we eventually confront if we think long enough and hard enough.”
– Don DeLillo
My Home, Sinking is one of the many sound projects fronted by Venetian Enrico Coniglio, whose latest album King of Corns blends live instrumentation with field recordings and strange vocals to create a neo-classical work wherein the sum of the whole is greater than its parts.
Like Baudelaire’s great book of poems, The Flowers of Evil, King of Corns seems to allude to the interplay between life and death as twin sides of the same coin. The beautiful, haunting sleeve art features the unsmiling bust of a porcelain woman with black eyes from whose neck emerges a full bouquet of roses.
Frequently the album is beautiful on its own terms. Consider the opening track, “Bird’s Eye” which features an Eno-esque piano walking over cinematic strings and a lazy harmonica. The piece sounds like an orchestra tuning up before a concert, a call to adventure for the rest of the album. Perhaps more fittingly, it reminds of latter day Talk Talk with tensile strings, errant notes, silent interludes, slow motion piano.
Further beauty exists in “Animating Old Postcards,” which is built around a minstrel’s guitar and the ethereal voice of Finnish artist Violeta Päivänkakkara and feels like a springtime return, a much-needed break in the clouds, a patch of blue after heavy storms.
With that said, the album’s title track is undeniably terrifying. Led by the quivering, indecipherable falsetto of Jessica Constable and a fearsome piano arpeggio, “King of Corns” sounds something like a witch’s curse or an oracle warning of things to come. The last track on the album, “Full Blank (No Stars)” is a dark aria and again features Ms. Constable, who is not so much singing here as reciting musically, as if in an opera.
Clearly, Coniglio’s King of Corns is a marked change in direction from the warm sounds of the last MHS album, Sleet. More sound art, the new work is riddled with anxiety, hesitation, fear. It’s hard to imagine listening to this in polite company or before going to bed. But ultimately the album is successful in that the work demands the listener engage directly with it to form her own interpretation of the material, and in this collaboration she becomes implicit in its creation, a kind of co-author of each track.
Often King of Corns sounds like a descent into madness, a journey through the forest of the dead to the darkest parts of the self. But where there is death there is opportunity for life, for new beginnings. KoC proves that Coniglio is a Romantic in the true sense of the word: one who believes that death and darkness and dreams give us secret access to the divine and help us reconnect with the life-giving principle, or what the Greeks called “Psyche” - the soul.
-Daniel Williams
Enrico Coniglio : guitar, melodica, harmonica, horn, electric organ, synthesizer, psalter, tapes & vinyls, found objects, field recordings & programming
Elisa Marzorati : piano
Piergabriele Mancuso : viola
Chantal Acda : vocals and lyrics "I Can't Help It (But This is The End)"
Jessica Constable : vocals and lyrics "King of Corns" & "Full Blank (No Stars)"
Peter Paul Gallo : vibraphone on "Love Scene" & "I Can't Help It (But This is The End)"
James Murray : organ, vocals, loops on "Along the Pipeline"; electronics on "Full Blank (No Stars)"
Violeta Paivankakkara : vocals and lyrics, glockenspiel and effect on "Animating Old Postcards (Aikaa Ei Ole Olemassa)"
All tracks written, arranged and produced by Enrico Coniglio
Design, Calligraphy, Hand Drawn Typography by Chris Bigg
Illustrations by James Heginbottom
https://infraction.bandcamp.com/album/king-of-corns
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2017 |
€14.00 |
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| NADJA |
Desire in Uneasiness |
CD |
".. Zwar gibt es auch hier wabernde, monotone Texturen galore, allerdings schieben sich hier auch immer wieder mal unterschwellig feine Melodien durch das Geräuschdickicht. Der übliche Shoegazer-Doom wird mit etwas feinfühligerem Ambient-Feeling zu brutalem, subtil variierenden Soundscapes verwoben. Wühlt innerlich ziemlich auf." [Creative-Eclipse]
"Following a wave of recent reissues and re-recorded versions of older CD-R titles, Desire In Uneasiness is an album of all new material from the acclaimed Canadian dreamsludge weavers Nadja. Five colossal jams of eternally-fuzzy, ethereal dirge that are powered by the interlocking bass guitars of Leah Buckareff and Aidan Baker, who set loose a wave of monstrous grinding bass riffs amidst a fog of beautiful, swirling electronic effects. Desire also marks the first Nadja album to feature a live drummer in place of the drum machine programming that has driven the band's previous recordings, and the difference in the band's sound is apparent from the first crushing beats of album opener 'Disambiguation'. The organic drumming here takes Nadja's music into new realms of spacious jazzy exploration, dubby rhythms and cavernous psychedelia, while also delivering some of the band's most grooving, crushing hypno-bliss yet.
Desire also stands out from the rest of the Nadja catalog for it's bizarre artwork that Aidan commisioned from his friend The Reverend Aitor. Aitor's bright, bold lines and textured magic marker artwork gives the gatefold jacket we've presented this disc in the look of a twisted children's book on acid, with weird images of chickens, trees growing through chairs, and more. The package is a sturdy 4-panel gatefold jacket printed by Stoughton, and it looks killer." [label info]
www.crucialblast.net
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2008 |
€8.00 |
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| NAM-KHAR & SIELWOLF |
Oppressfield |
CD |
"Ebenfalls mit Sielwolf sind Nam Khar vor etwa zwei Jahren mit „Atavist Craft“ an meinem akustischen Horizont erschienen, an dem sie sich auch mit der Kollaboration mit „Alone in the Hollow Garden“ problemlos halten konnten und an dem sie nun mit „Oppressfield“ erneut erklingen. Mit „Platinum insert“ beginnt das Album zunächst sehr leise, doch etwa in der zweiten Hälfte des Track drängt sich der unbarmherzige Maschinenrhythmus, der zunächst wie entfernt zu hören war, in den Vordergrund, bis er gegen Ende wieder verebbt. Die nun folgenden „Cron tabs“ erinnern mich an einen Dialog zweier Maschinen über eine Klangebene hinweg, die voller elektrischer Spannung zu sein scheint und stellenweise nach den grandiosen „Elph“ klingt. Etwas mehr als sechs Minuten sorgen hier abwechslungsreiche Sounds dafür, dass keine Langeweile, sondern vielmehr fantastische Bilder vor dem vielbeschworenen Auge aufkommen. Der Titeltrack des Albums beginnt wieder leiser und erneut kommt es einen so vor, als geschehe etwas in der Entfernung und womöglich in einer Art Nebel. Dann schneidet sich ein irgendwie ‘nagelnder’, recht schneller Rhythmus durch das Ganze: Weiterhin erklingen klagende (?) Töne in der Entfernung, doch – meditative (?) – Ruhe kann sich beim Hörer hier nur einstellen, wenn er die komplexen werdenden und immer noisigeren Geräusche integrieren kann. Auch diese indes verklingen und der Hörer wird in in die „Failed states“ entlassen: Hier schlagen harte Töne durch eine rauschende, wehende Hintergrundfläche und ich meine sogar, gegen Ende etwas wie Schreie zu hören. Der Titel tut ein Übriges, angenehme wie beunruhigende (Klang-)Landschaften zu evozieren. Der sich langsam entwickelnde und längste Track „Crypt trap“ führt diese Atmosphäre gewissermaßen fort: Es gibt zunächst genug Stille, um auch die leisen Töne zu hören, doch wird man auch immer wieder mit Maschinenklängen konfrontiert: Rituale? Attacken? Irgendetwas scheint sich auch bei „Exorial“ durch eine dystopische Landschaft zu bewegen, Genaueres mag sich jeder selbst vorstellen oder sich auch ganz auf die Musik einlassen. Dazu fordert einen Sielwolf & Nam Khar hier immer wieder auf: Quasi mitzugestalten, wenn sich die Stücke zusammensetzen, hinzuhören, versuchen zu verstehen und sich sicher auch immer wieder auf seine Assoziationen zu verlassen. Kein „easy“, sondern irgendwie „analytical“ listening, dabei nicht nur „oppressive“, sondern „impressive“ und daher Freunden des nicht einlullenden, sondern ansprechenden und aufweckenden „(Industrial) Ambient“ zu empfehlen." [Flake777, Black Mag]
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2017 |
€12.00 |
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| NATURAL SNOW BUILDINGS |
Terror's Horns |
LP |
"Da ist es wieder, das französische Psychedelic Dronefolk Duo. Ihr 2013 wiederveröffentlichtes Album The Snowbringer Cult hat mich damals aus den Socken gehauen. Das war das reinste Hitfeuerwerk und in dem Jahr nicht umsonst als zweitbestes Album noch vor dem damaligen Release meiner Lieblingsband Troum plaziert. So konsequent hittig gehts diesmal nicht zu, aber dafür noch ein wenig verspulter. Hits gibts aber mit dem eher psychedelisch-folkig gehaltenen „Sun Tower“ und dem eher ambient-dronigen „The Rising Portal“ dann auch noch. Insgesamt so spannend und visionär, daß ich das nächste Album jetzt schon kaum erwarten kann." [Sibylle Bölling/Pretty in Noise]
"After a string of Natural Snow Buildings reissues, each more elaborate then the last, Ba Da Bing presents their first ever release of new material from the band. For a group known for its use of horror imagery and lyricism, perhaps the most shocking thing of all is that this album clocks in at just under 45 minutes. If there ever was a release that served as the proper entry point for Natural Snow Buildings, Terror’s Horns is it. It would be a stretch to call this Mehdi Ameziane and Solange Gularte’s pop record, for Terror’s Horns continues the duo’s tradition of combining many layers into sometimes blissful, sometimes contemplative, often menacing conditions. Stringed instruments trill, percussion gongs, feedback hisses and vocals maintain near monotone as if in a cultish trance. The songs still unveil themselves slowly, and the album’s progression lends the impression of descending down through the depths, past hidden cavities and chambers never to be unseen once experienced. Terror’s Horns features new artwork by Gularte that pays tribute to the backwoods horror of massacres involving chainsaws." [label info]
"Yes, there are a plethora of insanely limited editions published for and by Natural Snow Buildings and their satellite projects; but with their recent dealings with Ba Da Bing, the problematic availability has been alleviated somewhat. Of course, there was a tiny cd-r bonus edition that was coupled with this album but only available in pre-order direct from the label. No shops got any of those; so, we apologize in advance that we cannot offer that version. HOWEVER, we do have this amazing album itself, from aQ fave death-folk explorers Natural Snow Buildings.
There's long been a haunted thread that traces through all of the work from the French duo of Mehdi Ameziane and Solange Gularte, whose long-form tangles of ritualist drone-rock minimalism and sprawling, opiated psychedelia harks back to International Harvester, Flying Saucer Attack, and Kemialliset Ystavat. Here on Terror's Horns, Natural Snow Buildings plumb the depths of an emotional gloom and shuddering despair with this epic, cinematic album. The two have long specialized in expansive tracks of shimmering guitars, woodwinds, and bowed instruments that could be psalters, zithers, and / or violins, all of which blossom into sublime masses of dronological impressionism; and on Terror's Horns, Natural Snow Building engage in a sound far more elegiac and funereal and heavier than heard on any of their previous recordings. The freak-folk transcendence of NSB still will embrace the unsettling falsetto of Ameziane and the percussive clatter of Gularte, with the swirling psychedelia tumbling downward in lush cinematic collapse, with heavy minor-key chords and reverb saturated rhythmic plod providing plenty of parallels to the early days of Barn Owl and the latter days of Earth. Beautiful as always, these Natural Snow Buildings, if much darker than in days gone by." [Aquarius Records] |
2015 |
€20.00 |
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Terror's Horns |
CD |
"Da ist es wieder, das französische Psychedelic Dronefolk Duo. Ihr 2013 wiederveröffentlichtes Album The Snowbringer Cult hat mich damals aus den Socken gehauen. Das war das reinste Hitfeuerwerk und in dem Jahr nicht umsonst als zweitbestes Album noch vor dem damaligen Release meiner Lieblingsband Troum plaziert. So konsequent hittig gehts diesmal nicht zu, aber dafür noch ein wenig verspulter. Hits gibts aber mit dem eher psychedelisch-folkig gehaltenen „Sun Tower“ und dem eher ambient-dronigen „The Rising Portal“ dann auch noch. Insgesamt so spannend und visionär, daß ich das nächste Album jetzt schon kaum erwarten kann." [Sibylle Bölling/Pretty in Noise]
"After a string of Natural Snow Buildings reissues, each more elaborate then the last, Ba Da Bing presents their first ever release of new material from the band. For a group known for its use of horror imagery and lyricism, perhaps the most shocking thing of all is that this album clocks in at just under 45 minutes. If there ever was a release that served as the proper entry point for Natural Snow Buildings, Terror’s Horns is it. It would be a stretch to call this Mehdi Ameziane and Solange Gularte’s pop record, for Terror’s Horns continues the duo’s tradition of combining many layers into sometimes blissful, sometimes contemplative, often menacing conditions. Stringed instruments trill, percussion gongs, feedback hisses and vocals maintain near monotone as if in a cultish trance. The songs still unveil themselves slowly, and the album’s progression lends the impression of descending down through the depths, past hidden cavities and chambers never to be unseen once experienced. Terror’s Horns features new artwork by Gularte that pays tribute to the backwoods horror of massacres involving chainsaws." [label info]
"Yes, there are a plethora of insanely limited editions published for and by Natural Snow Buildings and their satellite projects; but with their recent dealings with Ba Da Bing, the problematic availability has been alleviated somewhat. Of course, there was a tiny cd-r bonus edition that was coupled with this album but only available in pre-order direct from the label. No shops got any of those; so, we apologize in advance that we cannot offer that version. HOWEVER, we do have this amazing album itself, from aQ fave death-folk explorers Natural Snow Buildings.
There's long been a haunted thread that traces through all of the work from the French duo of Mehdi Ameziane and Solange Gularte, whose long-form tangles of ritualist drone-rock minimalism and sprawling, opiated psychedelia harks back to International Harvester, Flying Saucer Attack, and Kemialliset Ystavat. Here on Terror's Horns, Natural Snow Buildings plumb the depths of an emotional gloom and shuddering despair with this epic, cinematic album. The two have long specialized in expansive tracks of shimmering guitars, woodwinds, and bowed instruments that could be psalters, zithers, and / or violins, all of which blossom into sublime masses of dronological impressionism; and on Terror's Horns, Natural Snow Building engage in a sound far more elegiac and funereal and heavier than heard on any of their previous recordings. The freak-folk transcendence of NSB still will embrace the unsettling falsetto of Ameziane and the percussive clatter of Gularte, with the swirling psychedelia tumbling downward in lush cinematic collapse, with heavy minor-key chords and reverb saturated rhythmic plod providing plenty of parallels to the early days of Barn Owl and the latter days of Earth. Beautiful as always, these Natural Snow Buildings, if much darker than in days gone by." [Aquarius Records]
www.badabingrecords.com
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2015 |
€14.00 |
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| NECKS, THE |
Silverwater |
CD |
"Their first studio CD for three years - named for an industrial suburb in Sydney, famous for its correctional facility - Silverwater ranges further and wider than the Necks' earlier releases, exploring a more sectional structure that counterposes more extremes and contrasts, and has a greater sense of forward motion, than usual, though still retaining the long, hypnotic single-track iterative form for which the band has become famous. Layers and skeins of overdubs and textures give way in places to almost empty stretches, and there is much play with asynchronous time. Paradoxically, for a band famous for its slow, cycling, repetition, the Necks show again that they work hard not to repeat themselves." [label info]
www.rermegacorp.com
"Hot damn. A new Necks album. They're one of our favorite bands EVER, and this is (one of the many reasons) why. Silverwater provides 67 minutes of the Necks' unique, hypnotic, keys/bass/drums bliss, all one track of course as is their wont. Over the course of those 67
minutes, though, the music made by this Australian trio varies quite a bit. Their trademark tranceiness is present, always, but at the same time this new album (their first studio record in, like, 3 years) seems more programmatic and propulsive than we're used to from these guys, taking off in directions we haven't necessarily heard from them before, but still sounding more like the Necks than anything else.
Yet, parts could be mistaken for an underground ambient psychedelic jam from the likes of Sylvester Anfang, almost. And we'd say this is
the Necks record to get Bohren & Der Club Of Gore fans into 'em. Other comparisons we've perhaps made before would be to Circle (in their non- metallic Miljard mode), Supersilent, Alice Coltrane, and AMM... anything that can elicit references to the likes of those is,
obviously, amazing.
Eerie wavering drones delicately unfurl near the start, quiet and pretty... that gives way to a section that's almost ceremonial, like some percussive ritual. Sparse and deliberate, drums-only for a stretch, to be joined by deep, plucked bass notes... it could be some kinda krautrock jazz... and it does get "jazzier", sort of, with electric organ coloration, and cyclic piano plinkings, but also electronic-y gritty glitchiness overdubbed... Silverwater's shimmering textures and minimalist pulsations are simply beautiful, enthralling. It's a glorious 67 minutes, all right.
If you know the Necks, you know you need this. If you're new to the Necks, please do yourself a favor and check this out. Next to seeing them live (which some of us have been lucky enough to do, oh my god they were good), this will demonstrate quite effectively why we hold them in such high regard." [Aquarius Records]
"67:15, ein Track. Der Einstieg in den
Necks-Sog geschieht diesmal über Hammondorgel,
Electronics, flickernde Percussion. Dann ein ultrarepetitives, trillerndes Pianomotiv von
Chris Abrahams, ganz sparsam der Kontrabass
von Lloyd Swanton, knatternd rollendes
Drumming in immer wieder wiederholtem Muster.
Lange spielt Tony Buck das allein, bis der
Bass wieder mit langsamen Schritten sich anschließt. Dann auch zarte, gleichmäßige Cymbalschläge und die Wiederkehr von Hammond
und Piano zugleich. So gleitet man in den nun
wieder vollen Klang hinein. Alles an The Necks
ist gleitend, fließend, repetitiv, hypnotisch.
Mandalas aus Schwebklang und Puls. Buck klappert mit Muschelschalen, Abrahams schlägt immer nur ein, zwei Noten an. Die Electronics
kommen wie ‚from nowhere‘, dazu das nun schon bekannte perkussive Klackern, wohl nicht von Hand. Die schlägt die Sekunden auf der Cymbal zu dröhnender Orgel und Pianomonotonie. Was macht Swanton? Lässt er einen Ventilator die Basssaiten beklackern? Jetzt steigt der Bass als Bass wieder ein, das Klackern geht aber weiter, dazu kommt jetzt - wenn die Uhr nicht geschmolzen wäre, würde sie 30 verstrichene Minuten anzeigen - eine Gitarre. Buck macht mit einem Drumriff dem mäandernden Dröhnfluss Beine, Abrahams hält mit einem Pianoloop schritt, dazu Walking Bass und der klackernde Automat. Und die Gitarre, jetzt deutlich. Dann dünnt der Klang aus auf das Klackern und zwei Klavierspuren, eine davon hell und verzerrt, dann übermenschlich trillernd. Dann doch auch wieder Bass und schnelle Cymbalschläge, aber nur kurz, als eine nicht realisierte Möglichkeit des Fortgangs.
Es spielen nur die Automaten, trillernd,
klackernd. Jetzt der zweite Anlauf von Bass
und Drums, auch das Piano, dann nur das Piano.
Es hat die Ausdauer, gegen die Automaten die Wende einzuläuten. Bass und Drums verhungern
aber ein drittes Mal, die Orgel hält als einzige, monoton pulsierend, den letzten Lebensfaden. Ganz im Hintergrund tauchen
Drums und Keyboards als weitere Lebenszeichen
auf. Jetzt weitere Orgelschwaden, wieder
und wieder, bis der Puls endlich von einer
Rhythmusgitarre verstärkt wird und kräftig genug, den Bass wiederzubeleben für einen simplen Vierklang. Dazu das Geschrammel über
sonorem Orgelfond und, für die finalen drei Minuten, tickende Cymbal, Pianonoten und Arcostriche, die diese vier Noten gemeinsam anstimmen. Bis zuletzt nur Cymbal und helle Pianotropfen bleiben. Was für ein Spannungsbogen, mit einer herausfordernd schmalen Brücke von Hier nach Da." [Rigobert Dittmann / Bad Alchemy]
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2009 |
€14.00 |
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| NEZNAMO |
Aiwyâstô |
CD |
"If somebody still doesn't know, behind the Neznamo project stands the Moscow-based musician Dmitry Shilov who stepped on the path of ritual ambient music in 1996 under the stage name of Unknown. After releasing five albums on the "Strely Peruna" ("Perun's Arrows") label, the project temporarily fell in a lethargic sleep but woke up again in 2006 with a renewed name and approach.
As Neznamo Dmitriy has released several mini-albums on his own label Moonsun Productions, as well as a number of collaboration works with several other acts from the Russian drone underground: Misery, Bardo, Lunar Abyss, Siyanie, etc… For those interested in the project's roots and branches we can give some more keywords: Temnozor', Medve Na Meche, Peal Grim, Magickal Things.
"Aiwyâstô" is Neznamo's first full-length album and first "factory-pressed" CD. The album consists of one 42-min long composition recorded in a deep transcendental state. Covered in ornaments of unhasting vibrations, flickering and parallel sound layers, dense string drone permeates the whole track. This music is for lovers of deep inner self diving. Towards the depths of pitch-dark sound where one can see all forms dissolving in emptiness and being reborn by it again in an endless game of space and imagination." [label info]
zhb.radionoise.ru/eng/releases.html
"The shadowy figure behind Neznamo is the same Muscovite who offered up the Peal Grim cd from a couple months back. That was the album sporting the disclaimer "This record is not recommended to listening for depressively inclined persons" and Aiwyasyo is a blackened ambient record of a similar disposition. This album is not as exasperatedly bleak as the Peal Grim album, but it makes for another really amazing entry in the canons of contemporary Russian dark ambient works. Synth, guitars, and spectral emanations may or may not be in the mix for the bleak electrical pools of Aiwyasto. Sawtooth hums and buzzes gird the semi-melodic fugues that swirl, rumble, and brood over 40 minutes into this overwhelmingly sublime expanse of Ur-drone majesty that's not all that far from the likes of Troum / Maeror Tri, Aidan Baker's more turbulent solo works, and the cosmological grimness of Inade. Very nice, indeed." [Aquarius Rec.] |
2015 |
€13.00 |
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| NIBLOCK, PHILL |
Exploratory I |
LP |
Matière Mémoire present the new work of Phill Niblock: EXPLORATORY. One of the most beautiful and powerful works that Phill Niblock has ever offered. Phill reinvents and probes the oceans of drone music possibilities deeper than ever. This piece has been performed and recorded for over a year by many great musicians around the world, under the supervision and direction of Phill: Arditti String Quartet, David Watson, Lucy Railton, Phoenix Ensemble Basel, David Maranha, Ben Richter, David First, Andre Goncalves, and many more.
Matière Mémoire is now releasing the first two volumes by Arditti String Quartet, David Watson (Vol. 1) & Phoenix Ensemble Basel (Vol. 2).
https://www.matiere-memoire.com/page-d-articles/phill-niblock-exploratory-vol-1
SOUNDOHM:
Phill Niblock
"Exploratory l & II" (2LP in bundle / CD)
Only a handful of years after their launch in 2018, the Belgian Imprint, Matière Mémoire, has quickly ascended to become a label to watch. Focused on releasing new works by some of the most important figures in contemporary experimental music - Carlos Casas, Susana Santos Silva, Torbjörn Zetterberg, Hampus Lindwall, Charlemagne Palestine, Jim O'Rourke, Oren Ambarchi, and numerous others - their catalog features a thrillingly diverse array of ambitious sounds.
Among the artists offered a more dedicated focus within central Matière Mémoire’s output, is legendary minimalist composer Phill Niblock. 2019 witnessed the label’s release of Music For Organ, followed by his collaboration with Franck Vigroux and Kasper T Toeplitz, BestiaIRE, in 2020, and then Browner his contribution to their ambitious MMXX series, later that year. Now they’re back with a stunning double bill of LPs from Niblock, Exploratory I and Exploratory II, comprising a sprawling set of sonic exploration performed and recorded over the course of an entire year by Arditti String Quartet, David Watson and Phoenix Ensemble Basel. Issued in limited editions on transparent and clear red vinyl respectively, as well as in a CD edition that collects both, in his 88th year Niblock remains as visionary and ambitious as he ever was.
A composer, filmmaker, photographer, and tireless supporter, Phill Niblock is a pillar of American experimental music. For the last fifty years, there hasn’t been a time when he wasn’t there. Few haven’t, in one way or another, been touched by his music - carefully crafted, constrained works of durational tonality and shimmering harmonics - and his many efforts. For much of his career, Niblock has been focused on live performance acoustic phenomena, refraining to release his music in recorded form until the early 1980s, and then at an incredible slow and considered pace. Consequently, while more constrained that most artists of his generation, his output has been defined by a remarkable sense of clarity and depth, with each album album amounting to near perfection. Thankfully, over the last five years, pace of releases has begun to quicken, nearly doubling his discography during that period. Matière Mémoire’s latest double batch, the LPs Exploratory I and Exploratory II, takes us deeper into the incredible world, further expanding our access to his work for acoustic instruments, first unveiled by seminal albums like Nothin To Look at Just a Record, Niblock For Celli / Celli Plays Niblock, and Four Full Flutes, and increasingly returning to occupy a central place in his practice during recent years.
Exploratory I and Exploratory II belong to a larger body of extended works performed and recorded, under the close supervision and direction of Niblock for more than a year, by a remarkable cast of international players including, but not limited to, Arditti String Quartet, David Watson, Lucy Railton, Phoenix Ensemble Basel, David Maranha, Ben Richter, David First, and Andre Goncalves.
The first instalment, Exploratory I, features two distinct iterations - each offered a full side of the LP - one by Arditti String Quartet - the famous UK based ensemble founded 1974 by Irvine Arditti, Levine Andrade, Lennox Mackenzie and John Senter, focussed for nearly half a century on supporting contemporary composers by rendering their works in the closest possible way to their original vision - and the second by David Watson, the seminal New Zealand, New York based, experimental musician and bagpiper.
Like so much of Niblock does, the LP unveils a startling sense of scope - especially via the interplay and contrast by the renderings - from incredibly constrained means, each built from layers of sustained tones that reconfigure the notions of drone in real time. Imbued with remarkable tension and intensity, subtle shifts of harmonics bend time, moving at such a glacial pace that it’s sometimes impossible to know if they are tricks of the ear, creative considerations embedded within the work, or byproducts of mental and physical states of the players, with Arditti String Quartet’s side occupying a lower register and thicker sense of range, standing in contrast to Watson’s, that bristles in its spareness in ways that only his instrument can produce.
Of the three rendering, Exploratory II has what is arguably the broadest timbral range. Created under Niblock’s supervision by Phoenix Ensemble Basel - currently one of the most important contemporary music groups based in Switzerland, running for more than 20 years with a cast of roughly 25 musicians in its ranks - the half hour long piece (also the longest of the three featured across the Matière Mémoire’s two LPs) swells with oceanic depth, moving subtly between the appearance of stasis, beneath which remarkable power and diversity lays, and moments that build with tension, like a storm about to explode.
With Niblock’s work over the last 40 years occupying such a high bar of quality, it’s impossible to have favorites or designate one as better than the next, but Exploratory I and Exploratory II are easily some of the most exciting of his recordings to have emerged in recent years. Imbued with the power, depth, and range that only acoustic instruments can unleash, they are a stunning immersion into of world of brilliant creativity via the constraints of durational tone.
Issued by Matière Mémoire in two editions of 300 copies - Exploratory I on transparent vinyl and Exploratory II on clear red vinyl, as well as in a CD edition that collects the material from both LPs, they’re impossible to recommend enough.
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2021 |
€26.00 |
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| NILSEN, BJ & STILLUPPSTEYPA |
Vikinga Brennivin |
CD |
"Nordische Drone-Collaboration von BENNY NILSEN (ex HAZARD, MORTHOUND) und STILLUPPSTEYPA: 5 Stücke, durchdrungen von schwelenden, geheimnisvollen Drones und etwas konkreteren Soundabdrücken, sehr spannend, hypnotisierend, betäubend..... „schöne Klaustrophobie“ meint Frans de Waard.......
“...Focusing the perception of natural sounds through a reconstruction of time and space, Nilsen has rendered the commonplace sounds of wind, rain, and snow as stealthfully seductive and quietly menacing drifts of frozen sound. Their resultant collaboration is an existentialist allegory in which the three drunkenly stumble out in a Scandinavian winter night and spiral toward the inevitable point in which they blackout. Lest this be construed as a derelict piece of method acting, the craft that Nilsen, Sigmarsson, and Thorsson brought to Vikinga Brennivin is impeccable, as the extended soundfields breath with the majesty of distant fog horns and sparkle with the delicate light of countless stars cast down from the black heavens onto the frozen tundra below. Frightening and barren, yet hauntingly compelling, Vikinga Brennivin is an isolationist masterpiece....” [from the label info]
www.helenscarsdale.com
“Drinkers out there: pay attention, because our favourite drunks are here and they celebrate their favourite drink: brennivin. Never heard of? No problem. It's an Icelandic liquor made of potato and flavored with cumin, which burns down your throat - and I know: the only two
times I was really sick of alcohol in the last 10 years was of brennivin. The first time I got this poison served was at Stillupsteypa's house - no wonder, they are from Iceland and like everybody from there they drink. A lot. An insane lot. These days Stilluppsteypa is Sigtryggur Berg Sigmarsson and Helgi Thorsson and they team up with BJ Nilsen - our man in Sweden (and known from Touch releases, more than his drinking habits, at least here). Of course it's hard to tell wether one would think of the booze if it didn't have that title, nor is it easy to relate the music to the drink. The five lengthy pieces here all deal with a hermetically closed sound. Processings of field recordings perhaps, but no longer recognizable
as such. Some ten or so years ago, someone invented the term 'isolationism' for this kind of music, but basically it was what everyone else called 'ambient industrial', but somehow 'isolationism' sounded better. It's certainly an appropiate term for this CD. It's either music you hear when you try to make it home after a night of heavy brennivin intake and if that didn't do the trick it's music you hear in your head when you wake up. It's almost claustrophobic music, but beautiful claustrophobia. Lovers of Nilsen's other work, or Thomas Köner's old work, should keep an eye open for a CD packed in copper-plates inside a jewel case.” [FdW / Vital Weekly]
"The cold winter nights stuck above the Arctic Circle have become the perfect climate for extended bouts of intoxication for many a Scandinavian. As a result, the capacity for the Icelandic duo Stilluppsteypa to consume alcohol is the stuff of legend. Alcohol has soaked into every fiber of their being; but its manifestation in their music (and their personalities for that matter) is closer to the Dr. Jekyll and Mr. Hyde allegory, as a raging alcoholic squirms just beneath the surface of a stoic Scandinavian temperment. Of course, where these two personalities come into conflict is where the art of Stilluppsteypa is realized. A schizoid tension runs throughout Stilluppsteypa's impressive catalogue of terminal drones, sputtered rhythms, and atomic fractures; and often this tension is dished out with a smug dollop of black humour and Dadaist absurdity. So, it's hardly unusual to come across Stilluppsteypa celebrating Vikinga Brennivin, the stringent Icelandic alcohol that has undoubtably killed some of their collective brain cells. Yet it was the stoic BJ Nilsen -- the Swedish electron wrangler whose best known for his work as Hazard -- who invited Stilluppsteypa to collaborate on Vikinga Brennivin. Their resultant collaboration is an existentialist allegory in which the three drunkenly stumble out in a Scandinavian winter night and spiral toward the inevitable point in which they blackout. Lest this be construed as a derelict piece of method acting, the craft that Nilsen and Stilluppsteypa brought to Vikinga Brennivin is impeccable, as the extended dronescapes breath with the majesty of distant fog horns and sparkle with the delicate light of countless stars cast down from the black heavens onto the frozen tundra below. Frightening and barren, yet hauntingly compelling, Vikinga Brennivin is an isolationist masterpiece." [Aquarius Records]
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2005 |
€13.00 |
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Passing Out |
CD |
Dritter Teil der nordischen "Drone & Alkohol-Intoxikation"-Trilogie, die den Zustand des Wegtretens zwischen Wachheit und Dämmerzustand klanglich adäquat wiederspiegelt; im tiefen Drone-Morast erscheinen Traumbilder, -gedanken & akustische Sequenzen der Realität auf. In paradoxer Weise ist man dann in der Lage, sowohl unbewusste wie bewusste Geistes-Inhalte zur gleichen Zeit wahrzunehmen...(sagen die Erzeuger dieses Albums). PASSING OUT ist ein One-Tracker von fast 70 Minuten, tiefgrummelnd-bassig und sonor und von mysteriösen, atmend-ächzenden Sounds durchzogen....
"The first chapter found the drink. The second came after a night of intoxicated shouting. The third chapter is inevitable: Passing Out.
The Nordic sound artists BJ Nilsen & Stilluppsteypa have authored the last component to a trilogy of isolationist compositions for barren field recordings and lumbering electric drones, thematically linked in the psychotropic effects of alcohol. In doing so, they have issued a brief statement in defense of their research: "It's been four years and three studies, Passing Out being the final. Even in its most general, colloquial usage, Passing Out indicates the occurrence of a state that is incompatible with active behavior. It is possible that the individual could experience both consciousness and unconsciousness at the same time while encountering Passing Out."
Yes, Passing Out is a crepuscular recording, with the flickering of twilight further dimmed by the distant Arctic sun in wintertime and the blackened numbness of too much drink. With one singular track that spans 60 minutes, a nearly constant thrum and rumble of monochromatic low frequencies casts a grim pall upon the precisely dialed-in modulations and vibrations. Spectral guitars, maudlin tunes from haunted radios, angrily growling voices, and field recordings of wind-whipped snow and ice bury themselves deep amidst these subharmonic drones. All of these tease at the edge of perception, sculpting the narrative of the drone into a vehicle for unhinged expressionism of varying degrees of horror, melancholy, beauty, and oblivion.
The Swedish born BJ Nilsen defines his work as "focused upon the sound of nature and its effects on humans, and the perception of time and space as experienced through sound." He has numerous recordings on Touch and has collaborated with the likes of Chris Watson, Christian Fennesz, and Z'ev. The Icelandic citizens Sigtryggur Berg Sigmarsson and Helgi Thorsson are Stilluppsteypa, whose electronic abstractions engage absurd theatrics that mar the pristine surface of minimalism..." [label info]
"....The complete and total isolation of the music, the long passages of seemingly no action (there is just one piece, clocking it at 68 minutes), with then a sudden break, a melody filters in, the radio starts humming and field recordings - that backbone of so much in Vital Weekly and certainly here - make this an album of not just pure drones or just processed field recordings, but the strange elements thrown in, give this album a stranger, almost alien feel to it. If it's the equivalent of passing out is a bit hard to say: the act of passing out on alcohol prevents you from remembering anything. This is however their best album to date and makes a strong trilogy." [FdW / Vital Weekly]
"...Deep resonant vibrations abound, with some creepy breathing in your ear whisperings that may be those Leif Elggren vocals that Benny
was talking about. Gradually, all of these deep drones and shadowy overtures glide into a slumbering descent. But the Icelandic weirdoes
in Stilluppsteypa couldn't just let the album drift away without their absurdism forcing through the door, as they blurt with a clinical repetition of blooping electronics smashed and grabbed from Raymond Scott circa Manhattan Research. It's an unsettling climax to the album, but one that works brilliantly through Stilluppsteypa's expert use of electro-acoustic black humor. But it's drone that dominates the album, as angelic wash and devilish rumble collude to end this magnificent album. Oblivion never sounded so good. Passing Out is beautifully packaged with letterpressed and silkscreened artwork. Very nice." [Aquarius Records review]
www.helenscarsdale.com
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2008 |
€13.00 |
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| NOETINGER, JEROME AND ANTHONY PATERAS |
A Sunset for Walter |
LP |
"Penultimate Press present A Sunset for Walter, the first duo release from long-time collaborators Jérôme Noetinger and Anthony Pateras. “Having worked together in a number of different collaborative contexts over the years, the pair used Pateras’ 2018 residency at Schloss Solitude in Stuttgart as an opportunity to develop a major durational work for Steinway piano and multiple Revox tape machines. Presenting four excerpts from a three-hour concert, the LP’s opening moments immediately establish its distinctive sound-world: an austere sequence of octaves slowly sounded by the piano gradually develops into passages of fragmentary lyricism as Noetinger’s tape manipulations dilate the sonic space with rumbling sub-bass, distant echoes, and hints of uncanny backmasking. A Sunset for Walter was conceived as a loose tribute to the piano works of Walter Marchetti, particularly the slowed-down subaquatic expanse of Nel Mari Del Sud. As Marchetti described his own work, A Sunset for Walter is ‘music without beginning, or end, or development’, where the lack of obvious structural divisions creates something like an endless present. But where the monochrome surface of Marchetti’s work — in its willingness to descend, in his own words to the ‘pits of aesthetic poverty’ — often approaches total stasis, A Sunset for Walter is calmly immovable in its overall texture but perpetually changing in detail, as the performers respond intuitively to each other, their instruments, and the environment. Noetinger’s tape manipulations range from nearly imperceptible shadowing of the live piano to anarchic bursts of rewinding tape, floating wisps of feedback, and dreamlike concrète interjections of children’s voices and splashing water. Pateras’ piano performance moves from single pitches left hanging over a backdrop of silence to almost Messiaen-esque sequences of complex chords and arpeggios, all sounded within a temporal framework that seems to follow internal rhythms of breath and bodily movements. Caught in this hall of mirrors, the listener is often unable to distinguish the live piano from its tape-manipulated reflection. Like the sunset of the title, here outlines blur into a crepuscular haze, as fleeting effects of light and shade catch our attention just as they disappear." [Francis Plagne]
https://soundcloud.com/quockenzocker/jerome-noetinger-and-anthony-pateras-19h39-19h46
https://penultimatepress.bandcamp.com/album/j-r-me-noetinger-and-anthony-pateras-a-sunset-for-walter-lp
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2019 |
€21.00 |
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| NOISE CLUSTER / STIGMATE |
Extreme Sleepwalking |
MC |
"Extreme Sleepwalking" by Noise Cluster (der bekannte postindustrielle Trompeter & Xxena) and Stigmate from Italy are ready.
Nightmareish Sounds and Rhythms on black c40 Tapes in hand dyed, blue cotton bags with cover art by Fabian Blobel and a card with more pictures inside. Lim. to 50 copies
https://grubenwehrfreiburg.bandcamp.com/album/extreme-sleepwalking
Die beiden Projekte, die sich auf dem vorliegenden Tape zusammen dem Phänomen des Schlafwandelns widmen, sind schon länger in der elektronischen Musik Italiens aktiv und lernten sich doch erst vor kurzem kennen. Sowohl die Römer Flavio Derbekannte und Arianna Degni Lombardo (Noise Cluster) als auch der Sardinier Nicola Locci (Stigmate) sind Hörer und gelegentlich Mitwirkende einer bekannten Radiosendung für experimentellen Lärm (Elettrodo auf Radio Onda Rossa) und wurden so aufeinander aufmerksam.
Trotz ihrer unterschiedlichen Arbeitsweise – Noise Cluster kombinieren gerne Digitales mit akustischen Sounds wie denen der Trompete, Stigmate ist leidenschaftlicher Bastler an analogem Gerät – entdeckten sie schnell die Gemeinsamkeiten, die für eine spontane Kollaboration sprechen. Diese hat mit dem auf 50 Tapes und digital erhältlichen “Extreme Sleepwalking” nun ihr erstes Resultat herausgebracht, und dieses klingt in der Tat so, als wären die drei schon immer eine feste Band gewesen.
Schlafwandel wird gerne metaphorisch für einen apathischen Zustand verwendet, und eine solche Bedeutung klingt durchaus an, wenn das Label in Anspielung an die immer noch aktuelle Pandemie von “the nightmares, bad dreams, and gloomy and depressive feelings this particular historical moment has brought about” spricht. Die Musik selbst – und das von dieser inspirierte Artwork von Fablian Blobel – hat allerdings einiges von echten heftigen Alpträumen – schon gleich zu Beginn, wenn Schreie und andere angstinflößende Elemente über einem schmissigen, kratzigen Loop aus den Boxen dringen.
Auf “Extreme Sleepwalking” herrschen die Mächte des Grauens, und das kehrt auch der straighte Takt des Openers “Mindbender” nicht unter den Teppich, vielmehr hat man den Eindruck, dass die schleifenden und prasselnden Industrialsounds erst auf ihren endgültigen Ausbruch warten. In “Sleep (Mutation)” erzeugen schrille Sounds eine futuristische (oder paläontologische) Klanglandschaft, die droht, in Elektroclash umzukippen, was aber – auch dank elektrifizierter Noiselawinen und Flavios wie meist recht smoothen Trompete – nicht passiert. “Moving Target” startet spannungsvoll pulsierend, doch die vielen Soundideen und Melodiefragmente führen all das noch mal in eine andere Richtung. Die hier spürbare Nervosität kehrt später in “Dim Light” wieder, das eher an die grellen Scheinwerfer schweren Kriegsgerätes erinnert.
Alle Tracks offenbaren einen komplett eigenen Charakter und bleiben in ihrem Verlauf selten unverändert: Die beiden mit Knacken und Knistern beginnenden Teile von “Death Vision”, die irgendwann zu einem monumentalen Inferno an brachialem Pauken und Ariannas gehauchter Stimme anwachsen, finden später ihre (nur scheinbar friedliche) Erdung, bis sich der kratzige Kreis wieder schließt – diese Stücke, bei denen riesige Metallandroiden durch die Landschaft marschieren, würden in großen Hallen funktionieren und müssten, im Unterschied zu etwas subtileren, zurückgenommeneren Stücken wie “Where Am I?” oder “The Fall”, nicht einmal durch ihren ausgeklügelten Detailreichtum überzeugen.
Der “Brain Damage” im abschließend so betitelten Track entpuppt sich als starker Sog, der einen mit Pauken und (buchstäblichen) Trompeten in eine traumhafte Parallelwelt zieht, die an die pathologischen Visionen am Ende von Hoffmanns Der Goldene Topf denken lässt. Dies gelingt wohl v.a. deshalb, weil der Track ein wirklich kraftvolles und mitreißendes Album abschließt. (U.S.)
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2021 |
€9.50 |
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| NOISE DREAMS MACHINA |
IN / OUT (SOLD OUT) |
7inch |
Für OSCAR MARTIN aka NOISEDREAMSMACHINA eröffnen sich durch digitales Soundprocessing von Umwelt- und Objektaufnahmen neue Wege, die peripheren Zonen von Klang zu erkunden. Seine kraftvoll geräuschhafte 7" für Drone Records verbindet Elektro-Akustik und Power-Drone in beeindruckender Weise.
"NOISE DREAMS MACHINA is the project of Spanish artist OSCAR MARTIN. Now living & studying in Berlin & Barcelona, he is currently exploring the possibilities of homemade software with free tools for sound deconstrucion and realtime performance.
IN & OUT is his first vinyl release and uses a wide range of environmental recordings which are processed digitally in more "electro-acoustic" ways. This leads to a balance between "Drone" and "Electro-Acoustic" where the acoustic potential of conventional reality is enlarged via digital processing. In his own words: "It brings attention to the peripheral zones of the sound phenomenon". Through intense mutation & deconstruction of acoustic materials a new or previously hidden meaning can be revealed for the blind spot of our perception.
Filed under: ADVANCED ELECTRO-ACOUSTIC DRONES
more info: www.noisedreamsmachina.blogspot.com
MILKY VINYL, WHITE COVER WITH BLACK SILK-SCREENED PRINT" [press release]
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2008 |
€7.00 |
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| NORTHAM, MICHAEL |
Suhina |
10inch |
Brilliant new recordings by the prolific cosmopolitan (currently residing in Berlin) MICHAEL NORTHAM. "Suhina" is a notion for the sound of the wind moving through the trees. Instead of doing field recordings of wind MICHAEL NORTHAM tried to capture this feeling & the essence of this process through instrumental recordings from Indonesian flute & keyboard. Nature phenomena seen as the true manifestation of the Unknown. Stunning full colour artwork by Indian artist ROHINI DEVASHER. White vinyl, edition of 500 copies, incl. inlay with text by M. NORTHAM.
"Das Thema der Platte hätte auch von der K Foundation stammen können. Michael Northam vertont hier den Wind zwischen den Bäumen, auf finnisch suhina genannt. Was sich als schöngeistiges Ambientexperiment versteigen möchte, ist in der Endsumme erstaunlich unesotherisch geworden. Northam zieht alle Register seines musikalischen Könnens und scheint zu den wenigen zu gehören , die eine Komposition über den Zeitraum mehrerer Jahre gedeihen lassen können ohne der Verlegenheit zu verfallen, nach wenigen Wochen den Abschluss herbeizuzerren.
Beide Vinylseiten wirken dabei sehr transluzent und klar abgegrenzt. Bisweilen hat man das Gefühl, die leisen Zwischentöne der Feedbacks und trudelnden Dronecluster reichern sich mit dem Knistern des Vinyls an, so fragil erscheinen die Zwischenbrücken der jeweiligen Komposition. Wie GAS ohne Beats, wohl aber um das 10fache am Pitchregler hochgeschraubt und mit einer majestätischen Würde, die man sonst nur in den leiseren Backgroundklangarien der frühen Tortoise und ihren »Millions Now…« wieder findet. Orgelähnliche Töne wechseln in malströmartigen Verschiebungen ihren Standort und verwischen auf diese Art und Weise Gefühl für Zeit und Raum, bilden auf diese Art und Weise den Soundtrack für den einsamen Spaziergänger im Wald ohne ein Klischee zu bedienen.
Das Northam sein Stück im Sommer für das Vinyl editierte kommt auch tiefenpsychologisch dem Material zugute. Selten hat eine so ausufernde Komposition eine so hohe Ereignisdichte aufgewiesen, ohne dabei zum Sturm zu mutieren. Auf diese Weise hört man den Wind weniger im Gebälk, dafür mehr im Gemüt." [Thorsten Soltau / AEMAG]
"Every once in a while you bump into a masterpiece, Suhina is one of those times.
The cover has amazing artwork by the Indian artist: Rohini Devasher. Bizarre beautiful flower lifeforms in full color on the front, and in black and white on the back. The vinyl itself is white and nice sturdy and thick.
The 10” is a Drone Records release and is part of the substantia-innominata series.
A concept that deals with concepts like” unknown / unthinkable / unidentifiable / unspeakable etc.
The story behind this record is very interesting. Michael Northam was camping in Finland in 2005 and a friend told him that the sound of the wind moving through the trees was called “suhina” in their language. From that moment Michael wanted to capture that feeling in sound.
Starting with field recordings what was difficult to do, and then moving to blowing on Indian flutes and the use of keyboards. While working on these two tracks Michael has been traveling through Belgium, Slovenia, India and France through 2006 and 2007. The final result was constructed in Berlin in the summer of 2008.
The record has two tracks, called “Through” and “Within”. Both are beautiful very carefully constructed pieces that run over ten minutes of playing time. Side A“Through” is distorted and blissful, full of harmony and truly uplifting and carrying you away with the wind, through forests and plains. It feels like there is lots of wind, gray skies and rain, but also lots of sun rays and rainbows. And total melancholic euphoria. The B side “Within” is a nice continuation. All i can say is that this release is a beautiful, carefully constructed emotional masterpiece." [Nil Pavlov / Hourglass Drops]
"These two tracks of hypnotizing dronemusik from the wandering sound artist Michael Northam originated from a night camping in the Finnish hinterlands, where he became fascinated with the sound of wind whipping through the trees. Field recordings have long been central to
Northam's work dating back to his tactile compositions of corroded ambience and titanic drone arcing; and even the aspects of wind had
featured heavily in work through the Aeolian harps he built in a bunker on a desolate Finnish island. Where those recordings were
attempting to harness to power of wind as something of an intersection between technology and the landscape, these two beautiful recordings of brightly shimmering ambience are more of a poetic response to the dynamics of wind. So those whispings and scatterings of summertime arctic winds introduce the first side of this 10" and quickly subside amidst Northam's billowing drones from his Indonesian flute and an overblown Casio keyboard. The resulting waving tones flicker with the
lingering glow of the sun arching toward the horizon at twilight, with golds, oranges, and reds radiating through each timbre. So striking are the colors that Northam gets through these tones, it can almost distract from his conceptual anchor. No matter, as he's creating one of his finest pieces in a long time. Nice!" [Aquarius Rec.]
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2009 |
€12.00 |
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| NOTHING |
Silence came back in, filling jagged spaces |
CD |
Wohl kaum ein anderes Label zeigt eine so enge Verbindung zwischen DOOM Metal/Rock und dark Ambient/Industrial wie EIBON Records aus Italien, das Label des CANAAN – Masterminds Mauro Berchi! NOTHING, das Projekt von Jason Walton & Stephen Johnson, präsentieren hier nach „the grey subaudible“ ihre zweite CD auf EIBON. Teils mächtiger, teil sphärisch-melancholischer doom ambient industrial, mit überraschenden ethno-parts, aber auch fast songstrukturaufweisenden Stücken. Insgesamt ein sehr ominöser, eigenständiger Hybryd....
“A disharmonic journey through the mid-world spheres. Fragments of corrupted melodies melt with post-nuclear tribal rhythms. Quiet semi-silences turn into crystal-clear ambiences, then suddently leave space to bursts of noise. Shamanic-like chants evolve into caressing violins, then fall into pits of ultra-droning dark ambient. ...S.U.R.R.E.A.L... ...G.H.O.S.T.L.Y... In clear-trayed jewel box.” [label info]
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2004 |
€8.00 |
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| NU & APA NEAGRA |
Descantecul Apei negre |
CD |
"As if it were taken from a story which has not been written yet, this new album of NU & APA NEAGRĂ remains true to its original influences - the Romanian & Turkish folklore and the electroacoustic madness of the 20th Century. With field recordings, pseudo sampling and instruments such as caval, divan saz, prepared cymbalom, synthesizers and vintage sound effects, to name just a few, the group offers a vertical approach towards the sound, one that explores the cultural and primary layers of Balkan & Carpathian spaces which are put into an occidental equation. A sort of amorphous sound psychism, whose depths reveal all of a sudden some recognizable fragments, which could help reconstruct an archaeology of all four musicians' trajectories." [label info]
www.myspace.com/projectnu
"Mich wundert es nicht, dass die Banater Heide beste Schwarzerde bietet für weirde Folklore. Alexandru Hegyesi, Călin Torsan, Vlad Sturdza & Sașa-Livio Stoianovici, in Temeswar zuhause, machen mit Cimbalon & Bassgitarre, Klarinette & Pfeifen, Zither, Gitarre, Ebow, Glocken & Percussion bzw. Saz, Cobza, Gusle, also Lauten von den türkischen Crossroads auf dem Balkan, aber auch mit Korg, Moog, Harmophon und noch mehr Percussion und Effekten eine Pilgerfahrt. Zum Schwarzen Meer? Es scheint eher so, als wäre das Ziel kein Ort auf dieser Welt, sondern ein mystischer Ort, oder eine Anomalität in der Zeit. Da kreuzt sich spacewärts orientierte Sonic Fiction mit klanglichen Phantomen der Vergangenheit. Einer verleugneten Vergangenheit, denn warum sonst sollte der Hahn dreimal krähen ('Al treilea Cântat al cocoșilor')? Im Vorwärtsdrang wirbeln in einer halluzinatorischen Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen alte Klänge auf. Uraltes Saitenspiel, Pfeifen, Schellen und Getrommel, auch raunende Gesänge, die, sich überlappend, durch die Erinnerung wabern, durch die Zeit kaskadieren, mit Echos von den Karpatenwänden und Klangfetzen, die sich in den transsylvanischen Wäldern verfangen haben, oder an den Mauern von Piteşti verstummt sind.
Lautengeschrammel und Hackbrettgedengel bringen das Blut in Wallung, Stimmfetzen werden zu einem Krähenschwarm, die Zeit kreist in sich selbst. Beim anfänglich orientalisch anmutenden 'Alt Pelerin' (Noch ein Pilger) schält sich wehmütiger Gesang von Maria Balabaș aus dem Dröhnfluss. Ich denke, schwarzes Wasser meint nicht das Marea Neagrä, sondern ein Wasser, das die Vergangenheit löscht. Doch vielleicht ist es, wie bei Telephos und Amfortas die Lanze, als das, was verwundete, auch das Heilmittel. Daher die Wiedertaufe mit schwarzem Wasser. 'The Black Water' badet lang in harmonisch rauschenden Spacewellen, mit Bassklarinette, Kaval und Pfeifen als bukolischem Widerhall, mit zartem Zither- oder Gitarrenklang, knurrigem Moog, jaulenden Synthies. Ist das jetzt Ruderschlag? Oder lappt die Zeit rückwärts? Man wird mitgerissen in dieser psychedelischen Odyssee (wie Dave Bowman beyond the infinite). Bei 18:50 reißt das Band.
[Schluck]" [Bad Alchemy]
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2012 |
€13.00 |
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| O PARADIS / ESCAMA SERRADA |
La Corte del Rey Pescador / La Reina esta mala |
2 x CD |
"I have been a follower of Ô Paradis since I purchased “El Juego Negro” a couple of years ago. Demian has always managed to present groovy, Mediterranean neo folk, with a large assortment of samplers, noises and improvised instruments, and most always caressed by Demian’s voice. Frankly, “La Corte Del Rey Pescador” is, in my opinion, one if his best results yet. He seems to have polished the sometimes crude angles of his previous records. The fluidity of the record is astounding, and the music has become riper, settled, like a fruit fills with juice in the spring sunlight. “La Corte Del Rey Pescador” reminds me more than ever of Corcobado, with a darker, more experimental sound. Especially the use of the bass and the introduction of diverse experimental melodies take the music that step further. The lyrics seem to have also developed, into an intimate world, full of metaphors and sparkled with direct statements. The swing of “La Verdad De Los Peces” is transformed into the dark pop ballad of “El Paraiso Perdido”. The languid “Solo Un Desierto”, with a naïve piano melody, becomes a folk masterpiece that disintegrates into the violent dark tune “El Trono De La Razon” to then let the record close with the brilliant, moving, “Mi Dios”. Twenty minutes definitely come out as being too scarce. A must for true folk, experimental pop and simply great music lovers."
"The debut album of Sergio Méndez comes through Tourette Records as part of the pack “La Corte Del Rey Pescador/La Reina Está Mala”. Sergio and Demian from Ô Paradis have a friendship that has culminated in the release of this double work, in which they have actually worked together on some tracks. However, don’t be mistaken, Escama Serrada doesn’t sound like Ô Paradis except maybe with some ingredients of the music production. But, hey, bread and cake also share ingredients yet they taste quite differently. Samplers, parchments of songs, melodies - but especially noise, sometimes thick, sometimes hard, are present as well. Always undulating and pulsing, creating the main bases for each song. Escama Serrada basically presents a sort of dark ambient, adding some martial spice at times and a lot of dark punk attitude at others. Perhaps the music is similar to a modern day nihilistic version of Einstürzende Neubauten, or deconstructed rock stricken through a machinery surface. I love the way the songs are connected to each other, and it seems the hand of Demian is visible here, since his Tourette release is perhaps also the one in which the fluidity of the record is the best in his career. Also, both records have seven songs, mirroring each other. My personal favorite is track “IV” with its haunting guitar that is slowly shaded by the atmosphere around it. Promising ambient, with ample possibilities and, appreciatively, a distinct personality." [both reviews from SIDE-LINE]
www.touretterecords.com
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2009 |
€22.00 |
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| O'MALLEY, STEPHEN & Z'EV |
Magistral |
CD |
"Not content with fronting Sunn 0))), who are currently one of the most influential metal bands on the planet, the prolific drone guitarist Stephen O’Malley (a.k.a. Soma) has participated in a bewilderingly vast number of subsidiary projects, including Thorr’s Hammer, Khanate, Lotus Eaters, Sarin, Burning Witch, Fungal Hex, Teeth Of Lions Rule The Divine, Ginnungagap, etcetera, Æthenor, Altar, KTL and Grave Temple. This time around, he’s teamed up with veteran industrial percussionist and all-round soundsmith Z’EV, and the result is Magistral.
Stephen O’Malley sent Z’EV a recording of a guitar solo lasting eight minutes and 42 seconds, which Z’EV proceeded to stretch out like Hubba Bubba, remix, add percussion to, and generally fuck about with. Those eight minutes and 42 seconds of guitar are thus transmogrified into five tracks and 49 minutes of instrumental industrial ambient music. The über-geeky track titles offer the listener few clues as to how to interpret the music – ‘6m 59s From Last 42s Left Channel Only - 26 Track Submix’, ‘13m 48s From 34s From 5m - 5m 34s - 20 Track Submix’ and so on. The fifth and final track is the most listener-friendly and accessible, featuring pounding tribal beats, lashings of feedback and recognisable guitar tones – elsewhere on Magistral, the sounds on offer run the gamut from shimmering metallic drones and abysmally deep bass rumbles to abrasive, scraping industrial noise, inviting comparison to blackened ambient acts like Archon Satani and Sistrenatus, as well as to Z’EV’s similar collaborative album with Polish drone act Hati.
An absorbing and intricate piece of work that repays repeated listenings, Magistral was mixed by Randall Dunn, noted for his work with Earth and Sunn 0)). The album is lavishly packaged in an oversized gatefold sleeve with artwork by one Stephen O'Malley. Does this man never sleep?" [Judas Kiss webzine]
www.southernlord.com
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2007 |
€15.00 |
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| OBLIVION ENSEMBLE |
Seraphim Hallucino |
CD |
Nach langer Wartezeit endlich ein neues Album für das US-amerikanische Projekt um BRANNON HUNGNESS und JOHN BERGSTROM, die vor Jahren auch eine EP für Drone Records eingespielt haben. SERAPHIM HALLUCINO ist ein erdrückend intensives, dunkles Werk basierend auf Instrumental-Improvisationen, die später im Studio ausufernd bearbeitet wurden... mit elektro-akustischer Finesse ausgestatteten Dronescapes, die geheimnisvoll & geräuschhaft tönen, man scheint wie in einem surrealen (Alp?)-Traum gefangen zu sein, immer wieder schlittern diese Sounds am Bewusstsein vorbei, um dann in überraschenden Arrangements wiederzuerstarken... eine einzigartige, filmische Atmosphäre wird erschaffen. Grossartiges Album!
"The music of Oblivion Ensemble remains as elusive and surreal as the ever-shifting cast of musicians and performerswho participate, knowingly, or unknowingly in their work. Founding members are John Bergstrom and Brannon Hungness (aka Figure). Hungness is a virtuoso experimentalguitarist and composer and a former member of the Glenn Branca Ensemble. Bergstrom is a computer-musicgearhead and a film composer with a classical music pedigree, and mastermind behind the industrial-noise assembly Torse. Seraphim Hallucino is Oblivion Ensemble’s fifth full-length release, the first since the virtual opera “Nightmare:Sinistrotorse” (Complacency, 1995). At Seraphim Hallucino’s source are strange, electro-acoustic improvisations of percussion, trumpet, voice, synthesizers and guitar. These improvisations are sculpted and sampled, twisted and turned, shaped into building and diminishing moments, and, at times appearing alone, pure and unmodified. Deeply imbedded in the music and fragmented lyrics are secrets, intertwining themes, voices, and imprinted messages. All come together to create an enormously complex, mercurial mix of surreal, dynamic and dark sounds. To fully appreciate the scope and intricacies of Seraphim Hallucino, headphones in a darkened room are highly recommended.
"The band most likely to compose a fitting soundtrack for the end of the world. ” [Sorted magAZine]
“Visionary gothic psychedelia. [The Wire]
"the most undefinable gorgeous musical anything that I have ever witnessed ... a beyond great performance, chilling and anxious.
[Best of Times]. In superb digipak, with artwork by Matt Vickerstaff of darkwaveart.co.uk." [press release]
"... Eerie textures are easily combined with chaotic and hectic movements. I am not sure wether we should see all twenty-two pieces as part of the total, or wether they are all separate, I rather believe the first, since some parts do flow nicely into each other, thus making the greater picture. There is a darker undercurrent on this CD, which doesn't make it easy to grasp, but it unfolds great beauty when explored in depth (and in dark, I presume)." [FdW / Vital Weekly]
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2007 |
€13.00 |
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| OLHON |
Sinkhole |
CD |
Ein etwas anderes “Lied der Erde” ! In der Nähe von Rom existiert ein fast 400 Meter tiefes „Sinkhole“, das tiefste des Planeten, welches zum Grossteil mit Wasser gefüllt ist. Sowohl aus dem „trockenen Teil“ als auch „unter Wasser“ wurden von ZAIRO field recordings gemacht, die MASSIMO MAGRINI später mit ihm bearbeitet hat...
Das Ergebnis ist entsprechend: tiefster organischer Abyss-Drone-Ambient von faszinierender Dichte....
“OLHON was born as a cooperative effort of Massimo Magrini (mastermind of the genious BAD SECTOR) and Zairo (of the ultra-obscure dark ambient travellers WHERE). "Sinkhole" (the band's second full-length after "Veiovis")
was composed using original field recordings taken (mainly underwater) in the "Pozzo del Merro", the world's deepest sinkhole. The result is an extremely organic, almost "breathing" dark ambient journey. Very challenging, that's for sure.....
Nobody knows what lies in the abyss. Just sit down and listen to the sound of the earth's depths.” [label description]
www.eibonrecords.com
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2006 |
€13.00 |
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Lucifugus |
10inch |
This shows the collab-project of BAD SECTOR & WHERE recording pure sounds from an abandoned large metal water tank located in a forest in Tuscany, Italy (originally used by miners from that region). Both tracks are based entirely on these field recordings. Orange vinyl & stunning artwork by Berlin-based artworker Tilmann Benninghaus who was also responsible for the highly praised CISFINITUM cover (SUB-04). Edition of 500 copies. Lucifugus music for Lucifugus men!
"...Wer bisher noch nicht wusste, wie man sich in einem Wassertank fühlt, oder vielleicht sogar: wie sich ein Wassertank fühlt – hier ist es bis ins Detail zu erfahren. Das 'Unbenennbare' wird hörbar gemacht. Organische, manchmal sehr gut strukturierte und deshalb gut zu rezipierende Musique concrète, manchmal auch schmerzender Krach. Insgesamt sehr beeindruckend, eine musikalische Grenzerfahrung. Die 10inch ist auf 500 Exemplare limitiert und kommt sowohl innen als auch außen in Erdfarben: Innen in betörendem, orangefarbenem Vinyl, außen mit einer hellbraunen Makrofotografie (Sandstein?) des Berliner Künstlers TILMANN BENNINGHAUS." [Michael We., NonPop]
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2009 |
€12.00 |
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| ONDO |
Mahavishnu |
CD |
Geheimtip aus Schweden aus dem Doom-Drone-Metal Bereich: ONDO erschaffen den absoluten Katakomben & Gruft-Sound, auf tiefsten Höllenschlünden scheint ihr frei-flottierender Angst-Metal-Drone zu stammen, das ganze klingt sehr eigenständig und authenthisch & tief melancholisch....
"The majestic debut full length album from Sweden's Ondo. Intricate, textured doomed drone, blackened ambience and lush nocturnal electronica, delicately crafted into a dark cinematic vision. A shadow dreamscape of overpowering density, akin to an intoxicating fusion of early Earth, Raison D'Etre and a touch of the shimmering haze of Fennesz, perhaps? Presented as a limited edition of 500 copies only, in dvd presentation box with full colour art." [label info]
".... Whereas that cd-r was a single looooong song, this disc is split into distinct movements, each a bleak and caustic chunk of truly ominous ambience. Actually, there is so much stuff going on, and this is so dark and heavy, it’s almost disingenuous to call it ambient music. This is cinematic abstract free noise drone music. Heavy enough to worm its way inside the ears of drone inclined metalheads, but dark and blissed out enough to keep the drone obsessed in downtuned druggy nirvana.
The label mentions early Earth, Raison D’Etre and Fennesz, and damn if all three of those don’t definitely apply. Pretty melodies are buried under slabs of grinding buzz, chords are woven into undulating sheets of fuzzy sound, everything is hissy and glitchy, with a gauzy sheen. Imagine Earth 2 as reimagined by Christian Fennesz and you might be getting close. Chords and notes, churn and throb, blackened sounds pulse ominously enveloping crystalline shimmers and music box like melodies, voices and samples are chopped up and distorted, riffs are pulled apart into washed out smears of sound. Some of the tracks definitely border on serious doom territory, while others are blurred distorted dreamscapes, all skittery and smeared, dark pianos, radio distortion and amp buzz, distant melodic whir, all tangled into something creepy and beautiful, strings draped over crumbling industrial crunch, all woven around heaving heaviness, rendered in slow moving swells. Way recommended for fans of things slow and low, dark and doomy, murky and mysterious.
LIMITED TO 500 COPIES. Packaged in a white dvd style case, with a full color cover and printed black and white insert." [Aquarius Records review]
www.paradigms-recordings.com
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2008 |
€12.00 |
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| ORGANUM |
Die letzte Musik vor dem Krieg |
7inch |
Schöne geräuschhafte NEUE Stücke von ORGANUM, scheppernd-schrottige Konkret-Noises wie sie wir lieben vermischen sich mit ruhigem Klavier und Horn-Attacken...
“Two brand new pieces from 2003. Piano on side A and tibetan horns on side B add new sound colours to the classic Organum drones. Edition of 500 copies in picture cover.. Playing time: 6.39 min.” [label info]
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2003 |
€8.50 |
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| ORGANUM ELECTRONICS |
Quietude |
CD |
"Organum Electronics ‘Quietude’ is another intense aural experience. A dense work, consisting of buzzing washes of electronic sounds, reminiscent of the very first Organum recordings. In common with other recent works, the piece uses a carefully chosen set of sound sources, overlaid and structured to form a tapestry of shifting textures. Recorded in 2021 and edited by Alan Jones at RMS Studios South London, the CD comes in a 4-panel Digisleeve with graphic artwork by Jonathan Coleclough. UK-based composer and visual artist David Jackman began his career in the late 1960s in the experimental group Scratch Orchestra, co-founded by Cornelius Cardew. He started recording solo work in the late 1970s, mostly on self-released cassettes in very small numbers. In the early 1980s he established his main project, Organum, which evolved into a new version under the name Organum Electronics in 2019. Five OE albums have been released by Japanese imprint Siren Records. ‘Quietude’ (DS128) is the first OE release on Die Stadt.. This is the second of seven albums scheduled for release on Die Stadt up until the end of 2024. As well as several albums under the OE moniker these will include works under David Jackman’s own name." [press release]
"David Jackman sprach einmal bzgl. seiner sogenanten „Holy“-Trilogie davon, diese Arbeiten seien geprägt von „a lot of repetition; more accurately, near repetition. It is a quality which I find most elegant.“ Dieses Motiv der (Fast-)Wiederholung zeigte sich auch auf Alben wie dem 2018 erscheinenen Organum-Album „Raven“ oder auf den unter eigenem Namen erschienenen Alben „Herbstsonne“ und „Silence In That Time“. Die dort zu hörenden verhallenden Klavierakkorde, manchmal mit Glockenläuten, Orgeldrones oder dem Krähen von Vögeln, waren eine fast schon zirkuläre, vielleicht auch meditative Musik.
Dann erschien plötzlich mit Organum Electronics 2019 ein Album, das dieses Zurückhaltende, Meditative rabiat beendete. Über den Nachfolger „Stilness“ aus dem Jahr 2020 konnte man hier lesen: „Frühere Organumaufnahmen (z.B. die auf L.A.Y.L.A.H.) waren geprägt von einer Unruhe, die neuen Aufnahmen sind auf gewisse Weise etwas statischer, ganz so, als wolle Jackman seine eigene Interpretation von Wall Noise spielen. Auf 35 Minuten wird der Hörende von einem massiven Drone umgeben.“ Hier klang Jackman plötzlich wieder, wenn auch unter „elektronischer“ Fokussierung, so „noisy“, wie auf seinen frühe(re)n Aufnahmen.
Nach insgesamt fünf Alben unter diesem Projektnamen auf Siren Records kündigte Die Stadt aus Bremen vor einiger Zeit eine umfangreiche Reihe mit weiteren Veröffentlichungen an: Im Abstand von drei bis vier Monaten werden bis 2024/2025 insgesamt sieben Jackman/Organum-Alben (von denen zwei Doppel-CDs sind) veröffentlicht werden.
Gerade erschienen sind die ersten zwei Alben dieser Reihe: Die Tradition der (manchmal kurios geschriebenen) Einworttitel fortführend, sind „Quietude“ und „Darcknes“ – natürlich, möchte man sagen – von Ästhetik wie auch vom Klang sehr eng miteinander verbunden: Auf „Quietude“ gibt es einen langen Track (hier 40 Minuten lang), der den Hörer unter sich zu begraben droht (ganz im Gegensatz zu der im Titel angesprochenen „Ruhe“). Es gibt immer wieder leichte (Ver-)Änderungen, kaum wahrnehmbare Verschiebungen in der Textur, so dass diese Lärmwand –
das Label spricht nicht unzutreffend von „buzzing washes of electronic sounds“ – sich durchaus (ver-)ändert. Was im Gegensatz zu den fünf vorhergegangenen Alben auffällt, ist, dass tatsächliche neue (bzw. alte) Elemente hinzukommen. Plötzlich tauchen auf „Quietude“ nämlich inmitten des Surrens und Dröhnens Glocken auf, die auf früheren Aufnahmen zu finden waren.
Das gleichzeitig veröffentlichte Album „Darcknes“ besteht aus einem 48 Minuten langen Track, auf dem neben dem Läuten von Glocken auch noch das Krähen von Raben zu hören ist.
Es ist mit Hinblick auf David Jackmans Zurückhaltung hinsichtlich öffentlicher Äußerungen letztlich müßig, herauszulesen zu wollen, was seine Konzeption hinter diesen Aufnahmen ist, aber letztlich spielt das auch keine Rolle, schließlich sagte er selbst einmal vor vielen Jahren in einem Interview mit Paul Lemos: “Really, there’s no mystery to the music; I just make it because I want those sounds to exist. There’s no other reason.” Ich habe in einer früheren Besprechung von Jackmans Arbeit einmal – in Anlehnung an eine Studie zum literarischen Expressionismus, in der u.a. die Prosa Benns dieses Attribut bekam – diese als “absolut” bezeichnet. Man kann gespannt sein, was die nächsten Veröffentlichungen bringen werden." [MG / African Paper]
"It's never easy to review music by David Jackman, not work under his own name, or work as Organum, or as it is these days, Organum Electronics. He used the latter on five releases by Siren Records, and when they announced the fifth would be the last, I assumed (for no particular reason) that would be the end of that name. Maybe because Die Stadts hasn't been too active with new releases, I didn't realise they could release more work, as basically it's the other go-to place for Jackman to release his music. They announced a series of seven works by Jackman, and their announcement didn't say whether they'll all be by Organum Electronics. The first two are. I didn't return to the five previous albums, partly out of the usual lack of time and maybe because I thought of this as
making a fresh start. Listening to these two new releases, I remember what the previous ones sounded like. Here also comes what I find 'difficult' about reviewing Jackman's work, and that's a lot of it is very similar, but then, if you see the cover, four panels with the band name and the title, and nothing else, you know the man likes repetition. And yet, most curious indeed, one is never too sure if the repeat is a one-on-one copy or a slight variation thereof. These two works may sound the same, but they aren't. In 'Darckness', some field recordings pop up, church bells, among the dense mass of electronic sound, whereas 'Quietude' seems all electronic throughout. Both seem to have been cut from more extensive work, ending quite abruptly. The overall sound design is quite similar in both pieces, and they share a general grimness about these works, as with many of his works. Think of this as being locked up in a factory, with sounds buzzing everywhere, and reminding me of the early harshness of Organum, sans electronics: dense, minimal and dark. Can I finish with 'another excellent work'? It's most likely I have used that before in connection with Jackman's work, and I will probably repeat that in the future." [FdW / Vital Weekly]
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2023 |
€15.00 |
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| ORIGAMI ARKTIKA |
At Snippen |
7inch |
"Letzte Kopien dieser Single mit zwei live-Stücken vom Juni 2000, wo sie mit percussion, flöte, piano, stimme und elektronischen Effekten minimal-stukturierte, kalte - klare ambient-Improvisationen erschufen.. very special atmosphere, ein kleines Juwel!!" [old Drone Rec. info]
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2001 |
€7.00 |
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| OTTE, HANS |
Minimum:Maximum / Orient:Occident |
CD |
Aufnahmen von 1973 und 1977 vom poetischen Klang-Puristen und Minimalisten HANS OTTE. Stimme, Glockenspiel, Radiowaves, instrumentelle Geräusche, werden zu reduzierten aber wirkungsvollen Klangbildern verwoben, eine direkte Umsetzung von verwobener Klang- und Lebensphilosophie spiegelt sich hier wieder.
“minimum:maximum (1973): texts / sounds / pictures. An environment (simultaneous concert in Stockholm and Bremen) for two organists: Karl-Erik Welin and Gerd Zacher, keyboard instruments. orient:occident (1977): for two woodwind-players and tape: Ingo Goritzki, oboe; Hans-Wilhelm Goetzke, clarinet. "Perhaps best known for his piano work 'Book of Sounds' these two works by German composer Hans Otte were composed in the 1970s. In that decade his aesthetic creed became increasingly clear: 'the search for the character and individuality of sound as such, which must be rediscovered and re-experienced independent of superimposed structures. The composer understands the dialogue with sounds as the discovery of their nature.' (Ute Schalz-Laurenze). While Hans Otte was an enthusiastic, one might say visionary promoter of fellow composers, such as John Cage and David Tudor, whose impacts had registered to the general public long after their force reached the surface, he nevertheless remained deeply committed to his own music. Otte's writings, simple lines that say: 'words are just something added on'; 'all great things laugh'; 'when something is reminiscent of nothing'; and, 'it's really something -- that voice that was once in the mouth,' all direct us to his music, because: 'everything always happens: Now.' It is Otte's music that betrays his particularity of thought to what (is everything), how (it happens), and when (is now). Words are just something added on. Collectively, these aphorisms reflect an aesthetic that dispenses with words which may address themselves to an understanding of the world. Here, however, the world to be understood is indescribable. What is everything? When is now? How does it happen? The message is that words tell, music is. Listen. The titles of these works: orient:occident and mnimum:maximum, suggest a relationship between seemingly disparate things to remind us of Otte's adage: 'It is the gardener who owns the garden.'" [label info]
wwww.pogus.com
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2005 |
€14.00 |
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| OVERTONE ENSEMBLE |
same |
CD |
"Tim Catlin formed the Overtone Ensemble in 2012 in order to perform works using his self-made "Vibrissa" instruments. Each instrument consists of twelve vertically mounted aluminium rods that are longitudinally stroked by hand to produce ethereal "singing" tones. The long sustaining nature of the rods sound and microtonal tunings allow players a sonic palette of complex textures and harmonic complexity. Other instruments include massed hand-bells, quarter-tone bells, e-bowed acoustic guitars, re-tuned glockenspiels and wineglasses.The ensemble's compositions utilise acoustic phenomena arising from microtonal tuning such as phasing, combination tones and sympathetic vibrations, as well the effects of room resonance. All sounds are acoustic in origin without effects or sound processing. The results are works of shimmering intensity and pulsating beauty."
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2016 |
€15.00 |
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| OVRO |
Revisited |
CD |
Auf "Revisited" benutzt OVRO Feldaufnahmen aus St. Petersburg und Moskau, die sie von einer Reise mitbrachte. Die wallend-raunigen Drones der Metro, obskure TV-Schnipsel, Kirchenglocken, der Besuch eines "Eis-Tempels" und die Benutzung von Metallflöten, Kaffee-Bar Geräusche, Altai-Folklore in einem Museum... aus all diesen Soundquellen schafft sie eine faszinierende "zweite Reise" für den Headspace, so dunkel, dicht und traumverwebt spannend, dass hier quasi Genre-freie Musik ensteht, zwischen drone ambience, Geräuschmusik und atmosphärisch-experimentellen Hörspiel.
"The wondergirl of Finnish dark ambient soundscapes is back with a new album. Revisited is based on field recordings made during Ovro’s tour in Russia in 2006, subsequently processed and treated in the studio. Revisited is a powerful aural travelogue. It will lull the listener to a state of receptive trance, and then starts working on the subconscious mind. Let yourself go, lose yourself in the sound, expect lucid dreams, out-of-body experiences, alien apparitions and a shower of sound massaging your body throughout. Revisited is loosely related to Estraier, a 2006 EP of which only a handful of copies were given out. Compared to Estraier, Revisited is extended, mutated and more elaborate throughout. While the beginning is similar, the paths taken turn out somewhat different and thus the outcome is all new. CD is packed in beautiful 4-panel digisleeve. Edition of 1000 copies." [label info]
www.someplaceelse.net
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2008 |
€12.00 |
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| OÖPHOI (OOPHOI) |
Hymns to a silent sky |
CD |
Neues Werk, dem “Himmel” gewidmet...pure Meditations-drones, langsam kreisende Frequenzverschiebungen, sanfte verhallte aurale Schlagschatten..... die “beste Kunst”, sowohl visuell als auch akustisch, produziert immer noch und täglich neu, die Natur... diese Natur-verbundenheit scheint OÖPHOI mit seiner Musik ausdrücken zu wollen....
“A silent, impassive sky is watching us. An impending sky full of signals that we should learn to read and perceive. A sky which reflects our moods, hopes and fears. A sky which can recall our deepest memories.
I want to dedicate these hymns to all the people who feel attracted by the beauty and the mysteries of the Sky.” [Oophoi, 2005]
"An album of epic, deep, evocative space music that stretches out in front of you in its own infinite universe of sounds. The music is deeply connected with the mysteries of the sky: clouds moving slowly, delicate and dramatic colors merging together beyond the horizon line, winds carrying voices and sounds from distant times. A remarkable work full of poetry. According to general reactions - Oophoi's best album so far. Total Time: 60:21 “ [label info]
www.nextera.cz
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2005 |
€13.00 |
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| P-ORRIDGE, GENESIS & THE HAFLER TRIO |
Dream Less Suite |
do-LP |
Genesis P-Orridge and The Hafler Trio: do these 2 legends still need any introduction?
Genesis P-Orridge was the founding person of COUM Transmissions in 1969, Throbbing Gristle in 1975, Thee Temple ov Psychick Youth and Psychic TV in 1981.
Andrew McKenzie started The Hafler Trio (together with Cabaret Voltaire’s Chris Watson) in 1982 and since then released all his work under this moniker and collaborated with William
S. Burroughs, Autechre, Jóhann Jóhannsson, Nurse With Wound and Jónsi from Sigur Rós, to name a few. And he constructed the first kit Dreamachine in 1989 together with Brion Gysin.
The impact and influence of these pioneers of the industrial underground,visionary thinkers and open minds, anti heroes of the misfits and the outcasts is hard to underestimate.
On ‘Dream Less Suite’, the first new album by The Hafler Trio since 2016, Andrew McKenzie unearths, resurrects and completed recordings he made through the years with Genesis P-Orridge.
This 2LP features soundtracks to unfinished films, live performances and the real versions of tracks you know and love, released for the very first time and mastered from the original reelto reel tapes.
Expect the unexpected and be prepared for the unprepared.
Subliminal soul music for the very faint-hearted.
Demented disco for insecure insomniacs.
Asymmetric acid for hoovering hipsters.
Immersive polka for naughty night nurses.
Soothing sounds for crying babies.
Liberating latin for lesbians on xtc.
Transcending tribalism for jogging junkies.
Frenetic freakbeat for nihilistic numerologists.
Jiving jazz for tyrannic transgenders.
Hypnotic exotica for corrupt gymnastics.
Indescribable sounds for angry journalists.
Endless entertainment for everyone and the rest of the family.
All f#cks given 2.0. Masters at work.
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2023 |
€29.50 |
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| PALESTINE, CHARLEMAGNE & Z'EV |
Rubhitbangklanghear Rubhitbangklangear |
do-CD |
"Second time in 20 years Palestine and Z'ev are performing together. First time they're recording it! Unreleased material from Charlemagne's lair, a place now called Charleworld, where both fellows spent 3 days in June 2010. Part of our Sub Rosa/Laboratoire Central sessions.
'i first started to play the bells while at high school of music + art in the sixties at st. thomas church across the street from the museum of modern art in manhattan!! i played everyday for years!! in the eighties
i met z'ev in amsterdam!! i'd known him for 20 years before he suggested one day that we perform together, which we did at lem barcelona in 2007!! later after seeing and hearing the carillon at my studio in brussels he suggested that we perform and record together there, which we did in 2010!! here's / hearsz what we did!!!!' charlemagne palestine " [label info]
www.subrosa.net
"Unter den Minimalisten ist Charlemagne Palestine sicher derjenige, der im etablierten und institutionalisierten Musikbetrieb weniger als seine Kollegen wahrgenommen wird. Die Auftritte und Aufnahmen Palestines hatten bzw. haben – nicht nur wegen dem Moment des Repetetiven (der sich auch im Titel widerspiegelt) – (auch) immer einen gewissen rituellen Charakter, etwa wenn z. B. die Stofftiere aus der extensiven Sammlung Palestines auf der Bühne drappiert wurden (vgl. die Rückseite der CD) und er sich den obligatorischen Cognac (der hier das Cover ziert) einschüttete. Und auch Z’EV hat sich sowohl musikalisch als auch schriftlich (in Rhythmajik, Practical Uses of Number, Rhythm and Sound, das bezeichnenderweise ursprünglich von Temple Press veröffentlicht wurde) mit dem, was Musik alles bewirken kann, auseinandergesetzt. Über das zuletzt genannte Werk schrebt Z’EV, es handele „not about music but spells out the use of rhythm and sound and proportion for Trance, Healing“.
In den Linernotes der Doppel-CD schreibt Palestine, er und Z’EV hätten sich 20 Jahre gekannt, bevor sie 2007 den Entschluss fassten, zusammen aufzutreten. Die auf „RubhitbangklanghearRubhitbangklangear“ enthaltenen Aufnahmen stammen aus dem Jahr 2010 und wurden in Palestines Studio in Brüssel gemacht. Auf der ersten CD finden sich die gemeinsamen Arbeiten: Während Palestine auf seinem Carillon -eine Art überdimensionales Glockenspiel- Melodien minimal variiert spielt, schlägt Z’EV seine schweren Bass-Trommeln. Was anfangs noch nebeneinander herzulaufen scheint, fügt sich im Verlauf der 18 Minuten zusammen; das Stück entwickelt sich zu einem repetetiv-perkussiven Mantra, das fast schon sakralen Charakter hat. Die zweite Duoaufnahme beginnt wesentlich zurückhaltender: Während die Glocken behutsam und langsam geschlagen werden, sind Z’EVs Beiträge kaum noch rhythmisch zu nennen, klingen so, als spiele er eine riesige Klangschale. Der dritte Track enthält dagegen erratischer klingende Perkussion, man meint, Z’EV wanke vom Cognac beschwingt durch eine Fabrikhalle, das Carillon ist hier stärker im Hintergrund. Das ist das vielleicht atonalste Stück auf dem Album. Die zweite CD enthält die Soloarbeiten und auch wenn diese nicht wirklich schlecht sind, so fallen sie im Vergleich zur ersten CD etwas ab, wobei die schiere physische Präsenz Z’EVs, die sich auf dem 46-minügen Abschlusstrack zeigt, schon beeindruckt und den Hörer – je nach Disposition – vielleicht tatsächlich in Trance versetzen kann." [M.G./African Paper]
"Here's two men who have been around since the 60s and both considerable ties to the underground, perhaps Z'EV more than Palestine. But neither have been elevated into the world of high art and are easy to approach. They met in Amsterdam in the 80s and have played a concert before, but only in 2010 they actually recorded material together at Charleworld, Charlemagne Palestine's own place, where has a carillon set up. The picture on the back shows what this looks like. Palestine up in the air playing the bells and Z'EV on the floor with his percussion. In '#3' the playing is somewhat chaotic and aided by natural reverb, but it's my least favorite piece of the three collaborations. In the other two we find an interesting drone like layer, played by Z'EV on a large skin drum and which adds a great texture to the more controlled playing of Palestine. In "#2' Z'EV only seems to rub the skins and makes it even more intense and creepy. I stopped the music because I wasn't sure if I was just hearing the music or something outside happened. That's the great mark of quality, I think. Those two long opening pieces would have been great enough by themselves. There is also a second CD with solo works. Palestine is brief here, just under eight minutes with a fine piece of carillon music, and 'Solo Z#1' sees Z'EV exploring more of those drone like sounds like on the second duo duo piece while his second piece lasts forty six minutes and we hear him like at least I remind me from the first time I heard his music (mid 80s). Banging metal percussion, aided with natural reverb, in what seems now proto-industrial music from an acoustic perspective. Excellent stuff here, this is the Z'EV I haven't heard in quite some time. Great package of excellent contemporary music all around." [FdW/Vital Weekly]
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2013 |
€16.00 |
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| PAN AMERICAN |
White Bird Release |
LP |
"... Die große Frage bei so reduzierten Klängen (trotz ein wenig Gesang) lautet natürlich: Wie halte ich so was gleichbleibend spannend? Nelson gelingt das erneut durch unterschwellige Einflüsse von Dub, wobei man kaum von wirklicher Rhythmik sprechen kann, eher von einem gut spürbaren Pulsieren, das den Stücken aber die nötigen Konturen verleiht. Hinzu kommen verfremdete Gitarrensounds - wie sie sich auch auf Robert Fripps Ambientplatten finden lassen -, was ausreicht, um „White Bird Release" zu einer äußerst atmosphärischen, überraschend emotionalen Vertonung von Stille werden zu lassen, entspannend, aber nicht unaufregend und vor allem niemals austauschbar. Ein ästhetischer Hochgenuss und beseelt von einer abstrakten Form von Schönheit, die man nur auf ganz wenigen Ambientplatten in dieser Güte zu hören bekommt. [Thomas Kerpen, OX-Fanzine]
"The sixth album from Mark Nelson's longtime solo project follows his Quiet City album on Kranky, and more recently the For Waiting, For Chasing release on the Mosz label." [label info]
"Labradford had long been the American precursor to the lugubrious noir that Bohren & Der Club Of Gore had masterfully grafted with doom. But now that Labradford has quietly ceased activities, guitarist Mark Nelson has fully embraced his solo project Pan American, which had been running concurrently with Labradford for the past seven or eight years. Without Bobby Donne's lonesome bass as a foundation to work with, Nelson's Pan American has relied heavily upon glitchy electronic rhythms and dub-injected studio tricks with varying degrees of success. Perhaps now that Labradford is no more, the Pan American project has taken on a greater sense of purpose as White Bird Release is easily the most accomplished Pan American record to date. There's much less of that dubby electronica to be found on this album; but when employed, Nelson's skeletal pulses enjoy a rich noir ethos resembling those scarce moments of darkened prog-rock dirge for organ and drums offered up on that Deathprod boxset a few years back. But for the most part, Nelson seems comfortable with the Fripp & Eno style streams of pastoral guitar ambience dotted with softened static, smokey vibes, and gracefully arcing drones. The album is based on a letter from Dr. Robert Goddard to H.G. Wells written in 1932 and concerned with the possibility of space flight. While many of the obvious references to White Bird Release harken to the deep space cosmology from the '70s (e.g. Fripp & Eno, Cluster, Schulze, etc.), Nelson's work is not a departure from this rock travelling around the sun, but rather a glance upward to the heavens, while remaining firmly grounded below. The cd has one extra track not to be found on the vinyl." [Aquarius Records review]
www.brainwashed.com/kranky
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2009 |
€15.00 |
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| PARADIN |
Coma Digenean |
CD-R |
Recht frisches “experimental ambience” – Projekt aus den Staaten mit sehr dynamisch-lebendigen Drone-Sphären, kreiert aus Analog-Synths, Klangschalen, gebogenem Metall, präparierter Gitarre... ein one-tracker (50+ minuten) der aber durch verschiedene Teile läuft...
definitiv kein Einheitsbrei und noch zu entdecken !
“Earlier this year I had my first encounter with the music of Paradin, aka Ben Fleury-Steiner from the USA. He released 'Flesh Of Caverns' on Mystery Sea (see Vital Weekly 472), which means you have to find him the areas of deep and dark ambient music. His previous releases I never heard. Paradin uses synths, singing bowls, bowed metal and treated guitar here on 'Coma Digenean', a single piece that consists of five different parts and sees a continuation of the previous Mystery Sea work. However it should be noted that Paradin doesn't play very strict ambient music, but is rather interested in creating a large atmospheric cloud of sound; this is something in which more happens than just one single drone, but various sounds move around each-other, all creating this atmosphere. In that sense there is more happening here than on an average ambient album, and that the sound is more up there and present. Spooky and mysterious music that certainly has a cinematographic quality. Very nice ambient music that makes a bit of difference from the rest.” [FdW / Vital Weekly]
Address: http://www.gearsofsound.net
label: www.gearsofsand.net
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2005 |
€6.00 |
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| PARKINS, ZEENA |
Between the Whiles |
CD |
"Dass ZEENA PARKINS schon mit allen von SONIC YOUTH über YOKO ONO bis zu BJÖRK kollaboriert hat, stellt ein für alle Mal unter Beweis: die klassische Harfe ist in Wirklichkeit ein Rock’n’Roll Instrument! Engelschöre sind von gestern, denn ZEENA PARKINS ist der JIMI HENDRIX der verstärkten Harfe. Mit mehr Höhendrang, mehr Glitzer, Geschrei und Gequietsch als jemals zuvor wirft sich ihr neues Album ?Between The Whiles“ kopfüber in virbrierende Soundwellen, die einmal mehr ihre künstlerische Vision und technische Vielseitigkeit hervorheben. Die Klangweite ist immens und es gibt an allen Ecken etwas zu entdecken ? wer tief hinuntertaucht, wird mit Armen voller Schätze zurückkehren. "There's great fixity and coherence to the mini-essays she develops. In the end, it's classical NYC avant garde - garrulous, multi-faceted, ironic and open." - The Wire "Zeena Parkins is my favorite living harpist... kucks of sonic gristle that she pulls from it are dandy as jack. A truely ginchy exploration of forgotten string potential." ? Spin." [label info / Cargo]
www.myspace.com/zeenaparkins
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2010 |
€14.50 |
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| PARLANE, ROSY |
Jessamine |
CD |
"Wie schon am ebenfalls bei Touch verlegten Vorgänger »Iris« finden sich auf »Jessamine« lediglich drei Tracks, nach der Betitelung wohl als Teile eines großen Ganzen zu hören, die vom Umfang her wieder eine Spieldauer von fast fünfzig Minuten erreichen. Dabei weisen deren durchwegs von Rhythmus und Melodie befreite Konturen recht eindeutige Züge klassischer Drones auf, die in den entscheidenden Momenten von monolithischem Dröhnen weg in Richtung konzentriert geschichteter Textur-Overloads tendieren und großzügig angelegte Spannungsbögen vornehmlich aus gekonnt inszenierten Intensitätsverläufen zwischen Loslassen und Verdichtung rekrutieren. Das dazu notwendige Instrumentarium ist zum Großteil akustisch und reicht von Gitarre und Piano bis hin zu Field Recordings, Radios oder verschiedenen Haushaltsobjekten. So bleibt auch nach dem digitalen Reißwolf eine, durch die glasklare Produktion eigenartig verstärkte, organische Grundstimmung erhalten, die durchaus im Widerstreit zur fokussierten, geradlinigen Ausrichtung der Tracks steht. Da gibt es kein Ausfransen, kein flächiges Abschweifen; Parlane entwirft einen beeindruckend konsequenten, fast schon ökonomischen Flow, zurrt die unruhigen Kleinstbestandteile, knackend, knisternd und Obertonfunken schlagend, zu drei hypnotischen HighTech-Ambient-Monstern zusammen und setzt auf die Dramaturgie der Dynamik. Oder umgekehrt? Während jedenfalls der erste Track noch vor dem Klimax ein trotzdem versöhnliches Ende findet und die große Erlösung im folgenden lediglich spärlich angedeutet wird, eigentlich nicht mehr als ein digitales Bäuerchen darstellt, explodiert das beinahe zwanzigminütige Schlussstück aus mittels Kaminfeuerknistern geerdetem, euphorisch verstrichenen Klanglayern zu einer wahrhaft infernalischen Wall of Sound, aufgezogen mit Hilfe von acht Gastmusikern, die ihre elektronisch verstärkten Streich- und Saiteninstrumente hier zu einem Crescendo auflaufen lassen, das seines gleichen sucht. Die Sicherheit und Konsequenz, mit der Parlane seine Soundskulpturen bearbeitet, sowie eine herbe, oft schwer fassbare Schönheit, die sich gleichermaßen durch harsche Noisewälle und entschlackte Ambientpassagen streckt, machen »Jessamine« zu einer enorm intensiven Erfahrung und darüber hinaus zu einem der besten Alben an den Outskirts elektronischer Avantgarde des vergangenen Jahres." [Tobias Bolt / Quietnoise]
"This is New Zealand-based (and former Thela member) Rosy Parlane's second full-length release on Touch. His previous album, Iris (2004), was hailed by Jim Haynes in The Wire who wrote: "Jon Wozencroft's impeccable photography and design packages Rosy Parlane's Iris inside a predominantly blue package, inextricably linking the music to the emotional resonance of the color... He flushes his soundfields with cascades of digital fragments which he separates into two distinct compositional categories. On the one hand, Parlane stretches sounds from guitar, piano and organ into unrecognizable drones that swell into dense layerings, every once in a while coalescing into fluttering half-melodies. On the other, he emphasizes the textural qualities of those digital fragments, simulating the natural acoustics of ice crackling from trees in winter or the gentle patter of rain on a windowsill. When fusing these together by placing the textures against the backdrop of the drone, Parlane effectively builds pointillist sound environments with a profoundly human melancholia." With Jessamine, Rosy develops these themes, and continues to incorporate new musical elements from unconventional as well as orchestral instrumentation. To him, everything is an instrument: from household objects to nature sounds. But it is the human element which gives his work such a distinctive sound. Ranging from ambient to noise, he gives full rein to textures of living; to start, languid and mournful; later harsh and assertive. Jessamine is a magnificent follow-up to a classic Touch debut. Rosy Parlane: electric and acoustic guitars, piano, melodica, accordion, violin, trombone, snare drum, shimsaw, amplified sawblade, bowed metal, household objects, contact microphones, field recordings, radio, computer. Additional contributions by Marcel Bear, Tetuzi Akiyama, Lasse Marhaug, Anthony Guerra, Michael Morley, Donald McPherson, Matthew Hyland, David Mitchell, Stefan Neville and Campbell Kneale." [press release]
"A little over two years ago, Rosy Parlane, made his debut on Touch with 'Iris', following solo releases on Sigma, and a membership of such bands as Thela and Parmetier. Three tracks back then, and on 'Jessamine' again three tracks. Rosy plays here electric and acoustic guitars, piano, melodica, accordion, violin, trombone, snare drum, shimsaw (an instrument designed by Marcel Bear), bowed metal, household objects, field recordings, radio, computer and contact microphone, and if that isn't enough there is also help from a whole bunch of people who played guitar. The first track starts out in common territory: ambient glitch made with bowed guitars, violins, but Parlane's music is more angular. It has a sharper edge, already in this first piece. Even a bit of old Organum could be traced in these scraping and bowing sounds. It's hard to say if all the instruments mentioned on the cover are also there, but guitars are definitely there. In the loudest part, 'Part Three' things become orgasmic loud, almost in a Merzbow manner, but Parlane keeps things nicely under control. Overall, Parlane has a richer sound than on 'Iris', there is more happening and he is stepping out of the more safer microsound glitch. Quite a leap forward!" [FdW / Vital Weekly]
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2006 |
€14.50 |
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| PEAL GRIM |
same |
CD |
Peal Grim is one of the names of Dmitriy Shilov known for the projects Unknown, Neznamo and Magickal Things. Peal Grim explores the theme of dramatic experiences of the human life using acoustic and electric guitars, overdrive, distortion and spatial effects. Their sound creates clouds of guitar drone, noise and ringing, assuming different shapes in the acoustic atmosphere: sometimes floating like an impenetrable fog, sometimes rolling like a gigantic front of thunderclouds, sometimes creeping over a dark pit of overwhelming melancholia…
These five compositions were recorded over the course of three years from 2007 to 2009 and were mastered by Sergey Bulychiov (kshatriy.pro) in 2014.
"This record is not recommended to listening for depressively inclined persons".
[label info]
"So, this album begins with the caveat: "This record is not recommended to listening for depressively inclined persons." Now, that is far more enticing than "may cause drowsiness" (which has been affixed to less than inspiring new age / ambient records in days gone by) or Pulp's reverse psychology of "Please do not read the lyrics whilst listening to the recordings" or any number of unimaginative variations on "play loud or not at all, motherfucker!" There is also something rather charming about this translation about "depressively inclined persons" which may just be an utterly commonplace trigger warning in the Peal Grim's native Russian. What we have behind this is a pretty fucking bleak album of crumbling, corrosive blackened ambience that actually morphs into an ominously tranquil, making for an album that could be rather soothing in a dark, wintery kind of way. Peal Grim is the work of Dmitry N. Shilov, who has orbited in the pagan neofolk and mystical ambient underground of Moscow for a good part of the last two decades. In spite of this background, this album has all of the feel of the ambient passages from the best of the best black metal albums, making us think that he must have been buzzing riff with corpse paint instead. Nonetheless, this is a densely layered album of skeletal guitar figures that are blasted out in blackened fuzz, while spiralling down a soul-sucking maelstrom with a stately minor key lament throughout all the atmospheric depression. A properly replicated cd in an edition of 100 copies." [Aquarius Rec.]
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2015 |
€12.00 |
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| PETERS, STEVE |
The Webster Cycles |
maxi-CD |
Sehr ruhige, verhallte Trombonen-Drones und Harmonien, zum Teil polyphon überlagert - ein One-Tracker von fast 30 Minuten, der an PAULINE OLIVEROS Endlos-Hall Einspielungen mit Akkorden erinnert. Beeindruckende Weite wird geschaffen, so entspannt und doch kraftvoll...
"The Webster Cycles, a somewhat open-ended piece for any combination of wind instruments and/or voices, allows for a good bit of decision-making and improvisation on the part of the performer(s). In the present recorded version, six trombone parts were performed (via overdubbing) by noted composer/performer J.A. Deane. The result is a beautifully coherent yet ever-changing music that slowly shifts its texture and harmonic focus as if its individual parts were refractions of a giant aural prism. The wonderful, subtle inflections and tonal shadings that Deane brings to each phrase imbue the piece with a vibrant, palpable sense of energy and motion. The piece's score is constructed from a selection of words drawn from a Webster's dictionary. The words become pitch sequences or melodic phrases that are to be played within the duration of a long breath. These sequences are grouped into seven sections, which the performer(s) may perform in any order they wish while maintaining the internal order of phrases within each section."
"Deane is a soulfully expressive musician and, despite the calm and coolness of Peters's music, his interpretation has immediate emotional appeal as well as seductive depth." [Julian Cowley, The Wire]
www.coldbluemusic.com
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2008 |
€9.50 |
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Three Rooms |
CD |
Exquisites Soundscape-Album mit drei Stücken, die völlig verschiedene Ansatzpunkte haben; ob field recordings, Objekt-Geräusche, der eigene Atem, PETERS entwirft stets sehr subtile und langsam dahingleitende Stücke mit faszinierender Aura...
"We are very proud to present the music of Steve Peters, which Alvin Curran once described as "pure, restrained, and rigorously beautiful."
Originally composed as sound installations, these three delicate pieces - or rooms, as the title states - are the result of very personal investigation regarding the interaction between physical spaces and the experience of listening. The selected compositions on the disc seem to emanate themselves from these spaces to continuously create room(s) for the listener, intensifying quietly and subtly our awareness. In "Delicate Abrasions," all of the sounds are derived from tactile interaction with the interior surfaces and materials of an old warehouse building in Santa Fé, New Mexico: nails, dust, sliding door, concrete, metal, glass, and wood. These seemingly inert materials yield a beautiful music hidden within the walls (and ceiling, and floor) of this otherwise mute and neglected space. "Center of Gravity" was composed for an installation with artist Susan York of one of her "graphite rooms," which evoke the contemplative space of a Japanese rock garden. The sound was made entirely with Steve's own breath and real-time electronic processing. Each individual breath was treated as its own miniature composition. These short pieces are then layered and punctuated by silences of random length. The final piece, "Mountains Hidden in Mountains," is made entirely from one strike of the densho (meditation bell) at a Zen Buddhist temple in New Mexico. The sound of the bell never quite dies away, instead revealing the complex dance of overtones in the air and ever-deepening pure waves. It was adapted as a participatory sound installation in a faux bell tower at the Santa Fé Art Institute in 2004." [label info]
www.sirr-ecords.com
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2007 |
€15.00 |
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| PETRELS |
Haeligewielle |
LP |
"Haeligewielle is the debut solo record of Oliver Barrett of Bleeding Heart Narrative. It is a swirling cataract of a record, a deluge of beautiful noise and crushing melody, which ebbs and flows beneath the surface. Utilizing bowed strings, bent electronics, found percussion and occasional vocals, the record unfolds over seven tracks and fifty minutes, from the portentous drone of the opening ‘After Francis Danby’ and shimmering ‘Silt’ through the work-song-like ‘Concrete’ and cascading rhythm of ‘Winchester Croydon Winchester’. Haeligewielle tells a forgotten story, buried underneath the stones and water." [label info]
www.denovali.com
"Petrels has provided us with what has to be the strongest solo debut from a musician so far in 2011. It’s as if Barrett has launched his solo career as Petrels by giving us his own Sisyphus narrative, and somehow it sounds dreadfully authentic – no small feat. Haeligewielle is an album so dense and immersive you sometimes feel as though you are drowning or being smothered, but that’s exactly the way it’s supposed to feel." (Brendan Moore, Fluid Radio)
"Haeligewielle (holy well, sacred spring) is an album of creation and destruction, holiness and human honor. Its characters and etimologies dance around each other like fish in a waterspout. The album is a masterpiece of narrative, a blackened ship with a broken mast that defies the storm and in so doing discovers its own dark destiny." (Richard Allen, The Silent Ballet (8.5/10))
"Haeligewielle is Oliver Barrett’s (also of Bleeding Heart Narrative) first solo album as Petrels. It is a song of water, a song of stone. These two elements form the album’s thematic core, entwined in the story of the central figure of William Walker, the Winchester diver; but they also inform the album’s sonic makeup – onrushing, buoyant, coursing and at times dense and abrasive. It’s a record that excavates, and extrapolates outwards from, a particular and resonant historical undertaking and in its jubilant expansiveness grants it mythic, numinous life." (Matt Poacher, The Liminal)
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2012 |
€18.50 |
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| PHALLUS DEI |
Black Dawn |
CD |
"Ein in dichte, undurchdringliche Dunkelheit gehülltes Szenario, in welchem sich nur schemenhaft kleine Details zu erkennen geben. Erst mit der Zeit scheint sich das Dunkel etwas zu lichten, nach und nach geben sich immer mehr Gegenstände zu erkennen, die langsam aber merklich in Bewegung geraten. Und doch bleibt all dies so rätselhaft und unklar wie zuvor, und ganz auflösen wird sich das Dunkel ohnehin nicht. Was bleibt ist der Eidruck einer diffusen Bedrohung. So in etwa könnte man sich eine schwarze Morgendämmerung oder ein schwarzes Erwachen vorstellen. Phallus Dei haben für ihr neues Album einen wahrlich passenden Titel gewählt.
Phallus Dei besteht als Projekt bereits seit Ende der 80er – damals noch als Solo-Projekt von Oliver St. Lingam, doch bald kamen andere Musiker hinzu, und seit langem bilden Lingam, Marc Ernsting und Richard Van Kruysdijk eine feste Band, die sich aber immer wieder Gassänger und andere Kollaborateure aus ganz unterschiedlichen Ecken ins Boot holt. Dies und ein wahrscheinlich ohnehin recht breit gefächertes Interesse an Musik sorgt bis heute dafür, dass die Gruppe ihren stilistischen Ort auf fast jedem Release immer wieder neu definiert hat, und so kann man auf Phallus Dei-Platten phasenweise rituellen Industrial, Ambient, Crossover oder, wie zuletzt bei „A Day in the Life of Brian Wilson“ melancholische Songs in teilweise akustischer Instrumentierung hören. In einer schwer zu definierenden düsteren Verschrobenheit findet man erst mit der Zeit ein vage verbindendes Element.
Das vor kurzem wieder beim alten Stammlabel Dark Vinyl erschienene „Black Dawn“ wirkt von der musikalichen Gestalt her wie eine radikale Antithese zum besagten Vorgänger, denn während „A Day in the Life of Brian Wilson“ äußerst eingängig war und einen leichten, luftigen Sound hatte, findet sich auf dem aktuellen Longplayer die schwerste Dröhnung, die man von der Band bislang zu hören bekam. Gleich das eröffnende „Slewed“ besteht vordergründig betrachtet aus einer tonnenschweren, statischen Klangdecke von zähem, klebrigem Material. Assoziationen zu mittlerweile klassischen Sunn O)))-Alben oder deren Zusammenarbeit mit Boris liegen nahe, auch wenn man aus Distinktionsgründen sicher obskurere Vergleiche finden könnte. Doch Phallus Dei klingen elektrifizierter, schaffen ein meliertes Amalgam aus Gitarrendöhnen, Beckenrauschen und Elektronik.
Am interessantesten jedoch sind die vielen Beigaben, die die vermeintliche Statik durcheinanderbringen und immer wieder für Dramatik sorgen: kurze, hektische Rhythmen, die so schnell von der Bildfläche verschwinden, wie sie erschienen sind, eine Schuttlawine aus bedrohlich heranrollenden Sounds, desolates, rituell angehauchtes Pochen, seltsame Hochtönereien. Ist „Slewed“ noch mehr „black“ als „dawn“, so ändert sich dies zumindest bei den nächsten beiden Tracks, bei denen sich die einzelnen Komponenten weit mehr an die Oberfläche wagen. Bei „Starman“ ist dies – nach einem längeren Vorlauf aus verrauschtem Pulsieren und hypnotischem Celloeinsatz – das Tenorsaxophon keines Geringeren als Peter Brötzmann, dessen Spiel perfekt mit dem Rest interagiert und zugleich für die emotional entfesseltsten Momente sogt.
Das Cellospiel von Jacqueline Hamelink prägt auch das folgende „Zauberwald“, das mit seiner beklemmenden Atmosphäre fast einen Gegenpart bildet. Durchgehende Rhythmen und die einzigen Sprachfetzen auf dem Album geben diesem Stück vorübergehend die Klarheit eines luziden (Alb-)Traums. Das fast zwanzigminütige „Krieger“, das Phallus Dei wieder im Alleingang bestreiten, knüpft in seinem zähen Bombast an den Opener an. Würde das Album nach der ersten Hälfte des Songs enden, hinterließe es den Eindruck eines äußerst fatalistischen Zyklus, doch entrückt über der Dröhnung schwebende Synthies und das Hauchen einer sanften Stimme lassen schon ahnen, dass die doomige Schwere nur ein retardierendes Moment darstellt – eine Erwartung, die sich im kraftvollen Drumeinsatz erfüllt. „Stigmata“ (das auf der mir vorliegenden CD-Version enthalten ist, auf der 2LP-Version findet ich stattdessen der Track „Corpus“) sorgt mit dem tiefen, ornamentalen Saxophonspiel Niels van Hoorns und verspielter Elektronik für einen ereignisreichen Abschluss. Letzteres stammt aus der Ideenschmiede Merzbows, der dem Charakter des Stücks jedoch keinen derart individuellen Stempel aufdrückt wie die anderen Gastmusiker.
„Black Dawn“ ist ein ungemein intensives Album, das garantiert ganz unterschiedliche Hörergruppen jenseits von Genregrenzen zu begeistern versteht, wenn es denn die entsprechende Verbreitung erfährt. Sanfte Gemüter, die beim Vorgängeralbum gerade die relativ leichte, stellenweise fast poppige Gestalt mochten, sollten sich diesen Brocken jedoch mit einer festen Grundlage im Magen zu Gemüte führen. (U.S.)" [African Paper]
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2017 |
€13.00 |
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Black Dawn |
do-LP |
neues Album, Februar 2017, lim 250 copies in black vinyl, Gatefoldcover, with 16min Bonusmaterial "Corpus" (not on CD)
feat. Jacqueline Hamelink (Cello on Starman and Zauberwald), Peter Brötzmann (Tenor Saxophone on Starman), Niels van Hoorn (Bass Clarinet on Corpus) and Merzbow (Electronics on Corpus)
Review BLACK AUDIO / April 2017:
"With an extensive musical career behind them and releases stretching back to 1988, you could be forgiven for thinking that a band like this is way past its peak. Far from it, if this new material is anything to go by.
Droning guitars are savage in their approach on opening track, ‘Slewed’. Industrial clatters and Dark Ambient fill out the backdrop of a cavernous production that adds to the brutality. In stark contrast, the Darkwave synths of ‘Starman’ provide their own drones, doubling up in a loop with organic instrumentation. The resulting hypnosis, becomes all the more peculiar once the Jazz lunacy of saxophones, blare out unexpectedly, providing a visceral, apocalyptical backdrop to the proceedings. If anything this was reminiscent of some areas of SWANS’, ‘The Seer’. Great stuff.
The threatening atmospherics of ‘Zauberwald’ provide genuine tension; as layered instrumentation build into a huge monolith of sound, with only the whisperings of lunacy and distortion for company.
With the spacious ambient of ‘Krieger’ providing the only break in the proceedings; it’s worthy of note that this still also manages to belt the listener with hammer-like doom precision, leading up to the guitar noise of the end game that is ‘Stigmata’, that provides its own horrors.
In parts, ‘Black Dawn’ is heavier than a sack of spanners. The true genius lies in Phallus Dei’s attention to harmony amongst a sea of aural bloodshed; providing an intricately layered slab of an album that is as impressive as it is destructive. It could just be the best new album I have heard this year. (9.5/10)
Review BLACK Online Magazin: "Ganze 7 Jahre nach dem Album „A Day In The Life Of Brian Wilson“ und dem folgenden Remix-Album... erscheint jetzt endlich ein neues Werk von PHALLUS DEI. Nicht ganz überraschend schlägt das inzwischen 7. reguläre Album der Band mal wieder eine völlig andere Richtung ein und „Black Dawn“ dürfte wohl das bisher dunkelste wie harscheste Werk der Band sein. Bis auf wenige geflüsterte Worte im „Zauberwald“ und auf „Corpus“ diesmal komplett instrumental gehalten, gestaltet sich „Black Dawn“ als pechschwarzer Malstrom aus strudelnden Noise-Drones, scharfkantige Gitarren-Feedback-Riffs, wuchtigen Doom-Drums, hektischen Streichern und nervösen Free Jazz-Attacken. Als BOHREN & DER CLUB OF GORE treffen auf die SWANS, PAINKILLER und MERZBOW könnte man das Ganze recht treffend bezeichnen, wobei letzterer selbst auf dem abschließenden Track „Corpus“ als Gast vertreten ist. Dieser Track ist übrigens gegenüber der CD-Ausgabe exklusiv, auf welcher sich dafür aber „Stigmata“ mit ebenfalls MERZBOW-Beteiligung befindet. Ein weiterer illustrer Kollaborateur auf „Black Dawn“ ist dann Peter Brötzmann, der mit seinem schrillen Tenor Sax den „Starman“ in noch weitere Höhen treibt. Die Aufteilung der insgesamt 5 zum Teil sehr langen Tracks auf die 4 Vinyl-Seiten finde ich sehr passend, da man so nicht völlig von der dröhnenden Wucht im Ganzen erschlagen wird. So hat man auch genügend Zeit und Muse, sich in die einzelnen Stücke rein zu hören und dabei immer wieder neue Details wie Facetten zu entdecken, die sich beim normalen am Stück hören nicht gleich auf den ersten Blick erschließen. Ein wahrlich großartiges Album, dessen Sound übrigens ebenfalls absolut treffend durch das gesamte Coverartwork illustriert wird. Das Doppelvinyl im prächtigen Klappcover ist hervorragend wie sauber gepresst und es wurde hier selbst nicht an gefütterten Innenhüllen gespart! Neben der Auflage von 300 Stück im schwarzen Vinyl gibt es noch nur direkt über Dark Vinyl Records 49 Exemplare im marmorierten Vinyl zu beziehen." (Marco Fiebag)
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2017 |
€22.50 |
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| PIMMON / JAMES PLOTKIN |
split |
12 |
"Endlich haben wir diesen Split-Release aufgetrieben – JAMES PLOTKIN erzeugt auf 3 Stücken auf seiner Gitarre ungewöhnliche Klänge, helle repetitive Klickmuster und Flächen, sowie fast schon Maschinenloops, die kaum noch an das Ursprungsinstrument erinnern... Mr. PIMMON dagegen kommt mit rein digitalen Mitteln zu ähnlichen Atmosphären, wobei er jedoch noch wesentlich abstrakter tönt... tolle Platte, nummeriertes, mit Löchern durchsiebtes Cover, Spielzeit einer LP !"
this is something you definitely NEED if you are searching for something unusuable ! JAMES PLOTKIN creates with his guitar on 3 pieces very unusual guitar-sounds, bright click-patterns and soundfloor and something like machine-loops, that nearly don’t remind anymore to the original source. Mr. PIMMON uses pure digital means and reaches similar atmospheres, but sounds much more abstract.. great records, comes in a numbered cover with holes.. plays as long as an LP !" [Drone Records info 2000]
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2000 |
€10.00 |
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| PLURALS |
Atlantikwall |
do-CD |
Plurals is a UK-based group, formed in 2007 and playing improvised drone/ambient/noise/psych music. In August 2015 they were invited to perform at the nocturne event of the Raversyde/Atlantikwall provincial open air museum in Belgium. This annual one-evening at the former German military fortification near Ostend is music and arts event with several spaces curated by Silken Tofu.
Plurals performed a special four-hour set in an empty circular gun emplacement. Atlantikwall is an edited recording of the performance, with instrumentation including guitars, synth, voice, cassette, radio and found objects.
At times the rawness of the recording reveals the nature of its setting: an open space; very high volume; a circulating audience. Throughout, Plurals’ sonic arsenal is uncompromisingly deployed, with brief pauses for breath breaking up stretches of layered intensity. On the whole, this is an excellent example of Plurals at their most long-form and exploratory.
2CD digisleeve limited to 300 copies available at www.silkentofu.org
credits
released March 6, 2017
Plurals is:
- Daniel W.J. Mackenzie
- Michael Neaves
- David Hamilton-Smith
Recorded at Atlantikwall in Raversyde (BE) on August 20th, 2015
Edited in the course of 2016
Mastered by Frederic Alstadt at Ångström Mastering, Brussels
https://silkentofu.bandcamp.com/album/atlantikwall-2
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2017 |
€16.00 |
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TriTone |
LP |
"Tri Tone is Plurals' first studio recording as a trio following the most recent releases which feature live or session material. The last studio release was 2014's Bugenès Melissae - two tracks of calmer, more reflective music, standing aside from the bulk of the group's output which tends towards noise as the ultimate splitting-point after a period of collected density.
On Tri Tone that density is an end in itself. It is slow music that maps out its space carefully in coming together. It may be the gentlest and most patient of Plurals' albums, though it required the longest and most detailed sonic wrangling to complete. Two pieces were chosen from three hours of recorded music, and were contracted and expanded again by turns until eventually the finished versions took shape.
Plurals' studio improvisations typically expel a significant amount of aggression and intensity in their early stages, holding closer resemblance to live performances. With such force expunged however, the following material sees them exploring lengthy passages of audio cogitation rarely delivered live.
Mastered & cut by Frederic Alstadt at Ångström Mastering, Brussels." [label info]
"Silken Tofu seems to be taken by the music of Plurals; as a follow-up to a double CD
'Atlantikwall' (see Vital Weekly 1076), they now release a LP. This LP is the first studio recording of them as a trio, and the first studio recording to be released since 2014. This trio of improvisers (Daniel Mackenzie, Michael Neaves and David Hamilton-Smith) use a variety of tools (guitar, synthesizers, keyboards, vocals, tape machines, radio and reed and string instruments) and then go about to do their improvised work. For this record they recorded some three hours of music and extracted forty-eight minutes spread out over the two sidelong pieces. I can't judge if that is a lot or not. The music on both pieces is quite dense, rich with sound and also mostly not too loud. That seems to me a bit of break with what I know from them so far, which was always bit more towards the noise of lo-fi drone music. Like
always the changes within the pieces is quite minimal; Plurals take their time to slow go from one point in their piece to the next. In 'Sun Lock' for instance a simple drone starts out and little by little they add more and more sound, while the original drone lingers on, and towards the end it is very much changed and no longer recognizable. It ends as quiet as it started. Hard to say how much post-production and
editing took place here. Surely something, I would think, but for all we know, it is released as it was played back then. ‘Bas Fond' on the other side is more from the drone rock side of Plurals with mildly distorted guitars played long form drones. A record with two sides, obviously, showing two different sides of Plurals, not as obvious. From what I heard from them, this is the most refined work." [FdW/Vital Weekly]
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2018 |
€16.00 |
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| POTTER, COLIN |
And then |
CD |
Der legendäre englische Producer COLIN POTTER (NWW, C93 , ORGANUM, Mitglied bei ORA, etc..) mit seiner ersten CD ! Auf fünf feinen Stücken zaubert er hier atmosphärischen Ambient, schwingende & pulsierende Drones, in die sich mitunter sanfte field recordings mischen wie bei ORA; true analogue bliss mit einer geheimnisvollen, aber sanften Komponente versehen – mitunter entstehen repetitive Strukturen mit monumentalen Überbau.
First CD of the legendary english producer, who encharms with atmospheric ambient and pulsating drones, sometimes mixed with field recordings. back in stock, now the second pressing available!
www.icrdistribution.com
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2000 |
€14.00 |
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| POTTER, COLIN & THE HAFLER TRIO |
A pressed on Sandwich |
CD |
Erste Zusammenarbeit der beiden Urgesteine britischer Experimental-Drones / Elektronik, ein one-tracker von ca. 53 Minuten Länge. POTTER bearbeitet die H30-Sounds, das sind organisch-elektronische Oberton-Klangstrahlen, die sich glitzernd & oszillierend ins Ätherische winden, ruhig & klar & zur Versenkung einladend....
"CD is packed in special paper wallet & released as the limited edition of 1010 copies. This nutritious fare was prepared by Colin Potter at IC Studio, Preston, UK in 2005, using the finest Icelandic ingredients supplied by The Hafler Trio." Colin Potter explains: "I attended The Hafler Trio performance of 'How To Slice a Loaf of Bread' in Preston and was very impressed on many different levels. During a discussion with Andrew McKenzie after the event, he suggested that we might try a joint project. Shortly afterwards he sent me some of the original source material from the performance. It was my intention to preserve the overall shape & sense of the material, but at the same time move it to another (sonic)..” [label info]
“Do any of these two artists need really an introduction? I don't think so. Both are big shots in the world of experimental music. Early 2003, shortly after the re-discovery of The Hafler Trio, the trio did a performance in Preston called 'How To Slice A Loaf Of Bread'. The performance was attended by Colin Potter, who lives and works in the same city. Afterwards it was suggested that the two should work together, but McKenzie being Iceland and Potter in Preston made a tete-a-tete not easy. Andrew McKenzie mailed Colin Potter the original source materials for the concert, which Potter happily reworked into 'A Pressed On Sandwich'. The original performance was also released (see Vital Weekly 404), so there is something to compare. Both The Hafler Trio and Colin Potter are masters of drone music, but there are some subtle differences. The Hafler Trio seem overall more monochrome in approach, with so it seems for the listener who doesn't know any better, whereas Potter seems to be using more sound effects to create the soundscapes that he does, maybe less organic and more electronic. As said, the differences are quite subtle here, and there is certainly no hierarchy, both are masters of the genre. Potter's mix is perhaps a bit more dense and obviously more concise (The Hafler Trio release spans three CDs), but it moves as gentle and dark as the original. Great collaboration.” [FdW / Vital Weekly]
"Fucking brilliant. Yeah, you should expect that these two high caliber sound sculptors would manage something great; and they do not disappoint. As for the obligatory introductions, Colin Potter may be best known from his ongoing contributions to Nurse With Wound over the past two decades, but has been privy to some of the finest in British dronescaping thanks to his work in Ora and Monos. The Hafler Trio is the creation of Andrew McKenzie, a sound research project which has been investigating the impact of sound upon the body, mind, and spirit through the lens of a Byzantine gnosticism. A couple years back, Potter had the good fortune of witnessing the Hafler Trio's How To Slice A Loaf Of Bread performance in Preston, England in 2003; after the show, Potter and McKenzie struck up a conversation, whence McKenzie suggested that the two collaborate. Shortly thereafter, McKenzie sent Potter a collection of the source material from that very performance as the foundation for their collaboration. Potter stated his intentions clearly, that he wanted to preserve the shape of the material while pushing it into another space. It's an understatement to say that Potter merely achieved his intention; as A Pressed On Sandwich ranks as one of the best things that he's worked on, on par with his work with Steven Stapleton on the existential void of Nurse With Wound's Salt Marie Celeste. Yeah, it's that good! Of course, McKenzie ultimately stretched out his own material of monumental dronings over a whopping six discs on the twin set of triple cds also entitled How To Slice A Loaf Of Bread (all of which are long out of print); so Potter's redux is a bit easier to digest, but certainly no less an album! You'll encounter the drone supreme here on A Pressed On Sandwich with electrified tonal vibrations, undulating phase patterns, and oceanic gasps of sublime expanses. The album starts off with a very cold, shivering feel but eventually transitions into a dynamic interplay of tones that simultaneously capturing the solemnness of church organ droning (with all of the overtones of holy symbolism) and the unnerving purity of feedback (with all of the allusions of technology on the brink of collapse). We mentioned it before, and we'll mentioned it again: fucking brilliant." [Aquarius Records]
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2006 |
€15.00 |
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| PROPERGOL |
Paradise Land |
CD |
"new propergol...spec.pack. - incl. 3 postacrds ...A deaf & sepulchral sound // The door suddenly opens A voice announces : it's ongoing // Preparations in silence There will be no good bye // Defective electrical installations direction : airport // Anxiety-provoking situation Flight-plan : Direction> PN - (48° 52' 36'' S 123° 23' 36'' W) Feverous take-off then cruising phase // Engine shutdown... Silence... Fly over & scope of the disaster // In top view, mankind tears away A rupture, a break with civilization // Separation / isolation - arrival Final approach phase - Stabilization - Ejection... .. . What happens now? ----------------------------------------------------------------- end of transmission." [label info]
www.tesco-germany.com
"Allein, dass PROPERGOL ein neues Album veröffentlicht, geht fast schon als Überraschung durch. Liegt das letzte offiziell gelistete doch schon sechs Jahre zurück. Zwischendurch hat sich JÉRÔME NOUGAILLON mal um die Klänge von Kollegen (wie zum Beispiel POST SCRIPTVM aus Russland) gekümmert, aber ansonsten musikalisch recht zurückgezogen gelebt, 2012 immerhin ein Stück zu einem Sampler beigesteuert und den 25sten Geburtstag von TESCO – siehe Video unten – mit einem Liveauftritt gewürdigt. Nun ist eben "Paradise Land" erschienen, das aktuelle Werk des Ein-Mann-Projektes, schön verpackt im Din A5-Format, quer, edel und mit drei ästhetischen Postkarten.
Die eigentliche Sensation ist aber der radikale Stilwechsel. Weder Power Electronics noch aggressive Noiseorgien, sondern überwiegend angenehmer und warmer Ambient!
Stimmsamples, die nach Quietschen und animalischem Knurren einsetzen, spielen eine wichtige Rolle auf "Paradise Land" und tauchen deshalb gleich zum Beginn im Opener "Running Scored" (01) auf. Wehende Geräusch-Drones sorgen – hier wie auf dem gesamten Album – für eine sehr räumliche Atmosphäre, die Collagen – vor allem aus vielen Stimmen – und andere, meist natürliche Elemente wie zum Beispiel Uhrticken sorgen für Bezug zur Realität. "911 Dispatche" (02) verstärkt den Eindruck von Ambient; die wabernden, angenehmen, synthetischen Drones haben etwas Strahlendes, Kosmisches. Dazu stoßen weitere Stimmsamples, die für mich stets wie Bahnhofs- oder Flughafendurchsagen tönen, sowohl vom Klang als auch vom Stimmduktus her. In "Ymene" (03) steht längere Zeit eine Art Unterhaltung mit hallenden Stimmen im Raum, durchbrochen nur von wenigen Sounds, und geht über in eine lange Ambientfläche. Etwas bedrohlicher nun liegen wie Insekten vibrierende Drones über einem Grundbrummen. Regen und gewitterähnliche Klänge ("Torquenada", 04) bilden den Übergang zu sehr maschinellen, kurzatmigeren Gebilden aus Tönen.
Es folgen mal mehr geräuschorientierte, mal mehr flächige Ambientstrukturen, zwischendurch auch (wenige) noisige Elemente wie Pfeifen und Fiepen mit entsprechenden Verzerrungen. Rhythmische Strukturen hat sich PROPERGOL für "Bushman" (08) und "Impossible Landing" (09) aufgehoben, dann aber richtig losgelegt. Diese beiden Tracks sind als 'Songs' zu bezeichnen, haben etwas Technoides, bilden das Vorspiel zu einem nie einsetzenden Rhythmusgewitter mit tuckerndem Beat – groovender Minimal-Techno! Das längste Stück am Ende ("Bleu Nuit", 10) mischt noch einmal Vieles: eine verfremdete Stimme (die an Sprachausgaben alter Computer erinnert), Geräusche wie schweres Atmen (der Monolog eines Sterbenden?), weitere Solostimmen und Bahnhofsatmosphäre, um dann in angenehme und erneut rhythmische, federnde Ambientmusik überzugehen.
Es fehlen zwar inhaltliche Infos zum Album, woher zum Beispiel die Stimmen kommen und was genau die Thematik ist. Macht aber nichts. Die Klangmalerei funktioniert so gut, dass jeder Track ein Gemälde ist und eine Reihe von Assoziationen zulässt. Ich stelle mir ein Kontrollzentrum vor, und zwar in allen Facetten, mit Kommunikation, dem Raum selbst und den Informationen, die durch Leitungen übertragen werden. Einige dezente Hinweise (durch Titel und die knappe Labelinfo) könnten auch so verstanden werden, dass sich der Hörer an Bord eines 9/11-Fluges befindet. Dafür ist "Paradise Land" aber musikalisch fast zu gut verdaulich. Streckenweise könnten auch die Belgier von KRAKEN mit ihren Unterwasserthematiken Pate gestanden haben.
Sehr elegante, kluge und erzählende Ambientmusik mit vielen Stimmen und Field Recordings. Sticht in diesem Genre deutlich aus der Masse der Veröffentlichungen heraus. Fans älterer Alben sollten nur wissen, dass dieses ganz anders, viel weniger brutal klingt." [Michael We., NON-POP]
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2012 |
€14.50 |
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| PUNCTUAL TRIO |
Grammar |
CD |
Lou Mallozzi: turntables, CDs, Microphones, Oscillator
Fred Lonberg-Holm: Cello
Carlos Zingaro: Violin
Recorded by Pete Wenger at Experimental Sound Studio, Chicago, 28 May 2003.
Mixed and Masterd by Lou Mallozzi and Fred Lonberg-Holm at Experimental Sound Studio, Chicago, 23 June 2004.
Produced by Lonberg-Holm, Mallozzi and Zingaro.
@2003 Mallozzi / Lonberg-Holm / Zingaro
Lou Mallozzi (b. 1957)
Lou Mallozzi is a Chicago audio artist who has been dismembering and reconstituting language, sound, and gesture on stages, sites, CD, and radio since 1986. His background is in performance, intermedia and installation art, and since 1996 an increasing amount of his attention has been focused on improvised music. Using microphones, turntables, CDs and analog mixing, he collaborates with numerous instrumentalists in improvised frameworks. These collaborators have included Carlos Zingaro, Fred Lonberg-Holm, Michael Vorfeld, Mats Gustafsson, Jaap Blonk, Sebi Tramontana, Terri Kapsalis, Michael Zerang, Guillermo Gregorio, Birgit Ulher, Hal Rammel, and many others. He has performed in this context at the Come Sunday Festival (Munich), the Logos Foundation (Ghent), Podewil (Berlin), The Empty Bottle (Chicago), Candlestick Maker (Chicago), The Renaissance Society (Chicago), Kraakgeluiden (Amsterdam), and others. He has also composed several sound poems and structured improvisational works for soloists and ensembles, including Jaap Blonk, Barbara Lüneburg, and the ensemble Intégrales.
In addition to his improvised music projects, Mallozzi also produces intermedia and sound performances, radio art works, and sound installations. These have been presented at numerous venues since 1986, including the PAC/Edge Performance Festival (Chicago), the Chicago Cultural Center, Experimental Intermedia (New York), the TUBE audio art series at the Einstein Kulturzentrum (Munich), Spritzenhaus (Hamburg), Suoni/Sound 2000 (Isola d'Elba, Italy), The Subtropics Experimental Music Festival (Miami), the Fort Wayne Museum of Art (Indiana), Percorsi 98 Festival (Montegrosso d'Asti, Itlay), the Sound Canopy public art project (Chicago), Donald Young Gallery (Chicago), Gallery 400 (Chicago), the Bechtler Gallery (Charlotte), Randolph Street Gallery (Chicago), Aether Fest (Albuquerque), New American Radio, Bayerischer Rundfunk (Munich), Kunstradio/Radiokunst on ORF Vienna, Sender Freies Berlin, ABC Radio (Sydney), the Resonance FM Festival (London), and others. Among his collaborators in these realms are Sandra Binion, Mark Booth, Heinz Weber, Antonia Contro, and Maurizio Pellegrin.
Mallozzi has two CDs on the Penumbra Music label: Radiophagy (three radio works from 1990 - 1996) and Whole or By the Slice (electroacoustic collaborations with Hal Rammel). A CD of improvised music with Fred Lonberg-Holm and Carlos Zingaro is forthcoming on Rossbin Records (Italy). He also appears on Guillermo Gregorio's Faktura and Cornelius Cardew's Material (both on HatArt, Switzerland).
Mallozzi has received a number of grants and fellowships, including a residency at the Rockefeller Foundation's Bellagio Study Center (Italy), four Artist Fellowships from the Illinois Arts Council, and grants from the Richard H. Driehaus Foundation and the Governor's International Arts Exchange Program.
In addition to his artistic career, Mallozzi is co-founder and Executive Director of Experimental Sound Studio in Chicago, and he is on the faculty of the School of the Art Institute of Chicago.
Fred Lonberg-Holm
Composer, improvisor and anti-cellist Fredrick Lonberg-Holm currently resides in Chicago. Defying categorization, his work deals only with the context of the specific musical situation in which he finds/places/builds for himself. A former composition student of Morton Feldman and Anthony Braxton, and cello student of Ardyth Alton and Orlando Cole, his ongoing projects include the groups Terminal 4, The Boxhead Ensemble, Pillow, and the Lonberg-Holm/Kessler/Zerang Trio. He is also currently a member of the Guillermo Gregorio Trio, the Peter Brotzmann Chicago Tentet, XMARSX, and Witches and Devils (music of A. Ayler). He also has been coordinating and directing performances of his Light Box Orchestra, a non fixed structured improvising ensemble utilizing a light based cuing system . In addition he has also performed in ensembles led by Anthony Braxton, Ken Vandermark, Anthony Coleman, Georg Graewe, Wolfgang Fuchs, and John Zorn. As an improvisor he has recorded and or performed with numerous musicians including Jaap Blonk, John Butcher, Gunter Christmann, Axel Dorner, Hamid Drake, Barry Guy, Joelle Leandre, Paul Lytton, Jeff Parker, William Parker, Mischa Mengelberg, Ikue Mori, Mats Gustafsson, Paul Lovens, Paul Rutherford, Sten Sandell, Hamid Drake, Jim O'Rourke, David Stackenaas, Willie Winant, Carlos Zingaro, and many others. He has also performed/recorded with the rock groups God-is-my-Co-Pilot, Wilco, the Flying Luttenbachers, Chris Mills, Janet Bean, Super Chunk, Bobbie Conn, Ahmed Elmotassem's Legal Fiction, L'Altra, US Maple, Freakwater, Lake of Dracula, Plastic Scorpions, Zeek Sheck, Smog and others. Concert works have been premiered by William Winant, Carrie Biolo, Joe Fonda and Bottoms Out, Duo Atypica, the Schanzer/Speach Duo, New Winds, Paul Hoskin, Kevin Norton, the E.S.P. Ensemble and others. He has performed throughout the US and Europe as both a soloist and ensemble member. His scores for dance have been performed at the Brooklyn Academy of Music and Dance Theater Workshop as well as many other venues. Film credits include music for a Playboy Channel short and the independant feature Animals, by Michael DiGiacomo. He has recorded for the Avant, Pogus, Occa, miguel, Explain:, Locust, Meniscus, Nuscope, Curious, Random Acoustics, Skin Graft, Hat Art, Buzz, Knitting Factory Works, Drag City, Ecstatic/Yod, Nine Winds, Atavistic, Rastascan, Box Media, 8th Day, Tzadik, Truckstop and What Next? labels as well as many others.
CARLOS “ZINGARO”
Born 1948 in Lisbon, Portugal; violin, electronics.
Carlos Zingaro undertook classical music studies at the Lisbon Music Conservatory from 1953 to 1965, and during the two years 1967/68 he studied church organ at the High School of Sacred Music. Also, during the 1960s, Zingaro was a member of the Lisbon University Chamber Orchestra. In 1967 he formed Plexus, the only Portuguese group at the time to have developed a new musical approach based on contemporary music, improvisation and rock; the group recorded a 45rpm single for RCA-Victor in 1968.
From 1975 onwards Carlos Zingaro has performed with a wide variety of improvising musicians, including: Barre Phillips, Daunik Lazro, Derek Bailey, Joëlle Léandre, Jon Rose, Kent Carter, Ned Rothenberg, Peter Kowald, Roger Turner, Rüdiger Carl, Dominique Regef, Evan Parker, Günter Müller, Andres Bosshard, Jean-marc Montera, and Paul Lovens. In 1978 he was invited by Wroclaw Technical University in Poland to participate in the 1st Instrumental Theatre Meeting, and in 1979 he won a Fulbright Grant and was invited by the Creative Music Foundation in Woodstock, New York to participate in meetings, classes and performances with such composers as Anthony Braxton, Roscoe Mitchell, George Lewis, Leo Smith, Tom Cora and Richard Teitelbaum (a regular collaborator). He also gave lectures on New Notation Concepts, Movement and Sound, and the inter-relationship of Improvisation and Body Attitude. As a soloist, or with other musicians and composers, Carlos Zingaro has performed at many of the most important new music and improvising festivals in Europe, Asia and America.
A substantial level of Carlos Zingaro's musical activities are associated with theatre, film and dance. In 1975 he completed Stage Design studies at the Lisbon Theatre High School and later served on the board of directors of the School. From 1974 to 1980 he was musical director for the Lisbon-based theatre group Comicos, being responsible for most of the original music scores performed during the period. In 1981 Carlos Zingaro received the Portuguese Critics Award for best theatre music and in 1988 he worked with the Italian theatre director Giorgio Barberio Corsetti on his Kafka Trilogy. He has also been stage and costume designer for several other theatre productions. He has produced several film scores and worked extensively with dancers and dance companies such as the Gulbenkian Dance Company, the Opéra de Genève Dance Company, Michala Marcus, Aparte, and Olga Roriz.
Carlos Zingaro was a founding member of the Lisbon-based art gallery Comicos, his work has been exhibited, and he has received several prizes for his cartoons, comics and illustrations, samples of which can be seen on a number of CD sleeves, for example, Musiques de
scène.
www.rossbin.com/rs019.htm
"Is there a mode (maybe mood, posture, or circumstance) in which you are required to set yourself in order to appreciate (maybe absorb) freely improvised music? If you are attending a live show, the location, smells, company, and certainly the visual aspects of the show contribute to your "experience." When you are merely listening to a purchased recording, what are the rules for your listening experience?
Do you meditate in a quiet room? Can you listen to it in your car? Walking with an iPod? Washing dishes? How does the experience of the improvisation mesh with your current environs? Don't ask me for answers, but consider all the stimuli that invade your senses every hour of every day. Maybe that's why the relentless beat-beat-beat of pop music is so simple... because no one's actually listening.
My point is this: no two listeners can have the same response to very highly interpretable music like what the Punctual Trio produces on Grammar.
The cast of players includes cellist Fred Lonberg-Holm, the newest member of Vandermark 5 (plus Wilco, Terminal 4, The Boxhead Ensemble, Pillow, and the Peter Brotzmann Chicago Tentet, to name just a few); Lou Mallozzi, a sound artist from Chicago who lists Mats Gustafsson, Jaap Blonk, Sebi Tramontana, Michael Zerang, and Guillermo Gregorio as collaborators; and Portuguese violinist Carlos Zingaro, who has partnered with the likes of Anthony Braxton, Roscoe Mitchell, George Lewis, Leo Smith, Tom Cora, and Richard Teitelbaum.
Simple review: you cannot dance to this disc, but I give it a ten.
The trio benefits from its choice of instrumentation. Lonberg-Holm's cello, which is seemingly at home in a range of settings from jazz standards to rock to free music, mixes well with Zingaro's violin's scraping, plucking, single notes, and complex travels. They are attuned to silence and space, as on the opener, or odd pulse and song forms, as with "Punctuation. Mallozzi doesn't drown you with samples or electronics; he places them in the mix as if he were Treg Brown, the sound editor of 1950s Warner Brothers cartoons. If you listen closely to "Punctuation, you may find yourself actually embedded inside a cartoon.
But then again, your experience with these sounds will probably be nothing like mine." [All About Jazz]
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2004 |
€6.00 |
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| PURE |
Ification |
CD |
"Mir ist PURE durch seine Releases auf Mego, Feld und dOc Recordings ein Begriff, andere kennen Peter Votava schon aus Ilsa-Gold-Zeiten, als Loop- und Sub/Version-Macher und Electronica-Veranstalter. Auf Ification (Crónica 038) schafft der Ex-Wiener und jetzige Berliner erneut mit dröhnminimalistischen Mitteln sieben Soundscapes. Die lassen einen eintauchen in dark-ambiente Dunkelwolken (‚Blind Flight‘) oder lethargisch und wie unter einem Bann dahin driften durch eine Nacht, die kein gutes Ende verspricht (‚End‘). ‚Iron Sky‘ ringt mit zähen und drückenden Verstrickungen wie Laokoon mit den Schlangen, die fatalen Beats schlägt - wie auch bei ‚After the Bomb‘ - Martin Brandlmayr, die Stimme ist die der Bolzn-Screamerin Alexandra. Die hatte auch schon in der Geisterbahn von ‚Sonomatopoeia‘ gestöhnt, zu giftigem Sirren, Theaterdonner und Gewummer, während die krachig verzerrten und gewellten Impulse des Auftakts ‚Fire‘ auf der Gitarre von C. de Babalon basieren. Die dystopische Melancholie von ‚After the Bomb‘ entsteht durch gedämpfte Drones, silbrig durchfunkelt, voller sirrender Frequenzen und mit dem fernen Nachhall von Sirenen und Gefechtslärm, den Brandlmayr mit Besenschlägen und Cymbalbeats andeutet. ‚Approximation‘ nähert sich mit dunklem Stöhnen - wie von den Sirenen der Titanic oder Tubas des Jüngsten Gerichts - und diskant schrillenden Strings, spärlich durchsetzt mit perkussiven Akzenten, dem Bereich der Klassik, mit offenbar ungescheutem pathetischen Effekt. Wer in Pures Elevator
Noir einsteigt, muss sich auf einen Trip ans dunkle Ende der Gefühlsskala gefasst machen." [Bad Alchemy]
"After more than ten CDs and several vinyls under different aliases, projects or collaborations that ranged a multitude of musical styles over the last 15 years, Pure's newest release is now proudly presented by Crónica. Three and a half years later than scheduled, and six years after his previous studio CD release “Noonbugs” on Mego, Pure returns with his fourth solo full-length album — “Ification” — the outcome of a long period of live work (documented in the first two volumes of the “Home Is Where My Harddisk is” series), residencies — in France, with Johnny Dekam, where the “Reqoil Displaced Peaceoff” DVD was produced — and collaborations — the “Heart Chamber Orchestra” with Erich Berger, an audiovisual performance based on the heart-beats of an orchestra of 12 musicians. “Ification” presents a collection of seven highly diverse tracks that revolve around dense, filmic and eerie atmospheres, without ever drifting into obvious or simple harmonies. As in his previous work, Pure takes from music history whatever serves his narrative needs and appropriates it through his." [label info]
"Something entirely different is the latest album by Pure, from Vienna. He works under various guises, and this is fourth Pure CD, following 'Noonbugs' on Mego for four years ago. Seven pieces of electronic music, six of them recorded with the help of others, like Christoph de Babalon on guitar samples, Martin Brandlmayr on drums, the screams of Alexandra von Bolzn and Anke Eckardt on bass guitar. What Aubrey lacks in variation is made up here by Pure. The heavy start of 'Fire', into to post nuclear war zone with no survivors of 'After The Bomb' (an appropriate title), Pure takes the listener on a ride that ranges from subtleness to the utter crude, which ends with the nightmares of 'Iron Sky'. Excellent music for b-movies that deserve a-music. Certainly not always 'pleasant' in terms of nice background music for your living room, but unpleasant music to make your life a bit easier and less painful." [FdW, Vital Weekly]
www.cronicaelectronica.org
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2008 |
€14.00 |
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| RAISON D'ETRE |
Alchymeia |
CD |
"It’s with great honour that we present the latest album by Swedish dark ambient stalwart raison d’être. This time Peter Andersson scrutinizes the paths of Carl Gustav Jung's notions of archetypes and the individuation process. Just like Mise en Abyme, the previous raison d'être album from 2014, Alchymeia is diving deep down to the shadows of the unconsciousness, and back to a dawn of the true Self. Confronting the shadow within is the darkest time of despair. There seems no way forward, only down. All is blackening and decomposed. Suddenly, through an enantiodromia, the ever deepening descent into the unconscious transmogrifies and becomes gradually illuminated. The melancholia is being purified. Alchymeia is in a sense the “raison d'être” of raison d'être, a shadowy journey through our unconscious the individuation process and archetypes. This release also marks the first time a raison d'être album will be available on vinyl. Artwork by Nihil." [label info]
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2018 |
€13.00 |
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| RAPOON |
Blue Days |
CD |
"After three well-received, new albums ("Time-loop Anomalies" [2012], "To West and Blue" [2013] and "Fall of Drums" [2014]) and a series of reissues and archive collections, Rapoon returns to Zoharum with a brand new album. "Blue Days" is completely different from those previous releases. While on those three albums long, slowly developing compositions dominated, here there are as many as fourteen of them with the longest being less than eight minutes long, and the two shortest only forty seconds long. This is a record of ideas, sketches. The album is dominated with conciseness; however, all the songs compose one bigger piece. They show that Robin Storey is constantly looking for new artistic paths." [label info]
www.zoharum.com
" „Blue Days“ ist eines von ganzen vier neuen Alben, die 2015 von RAPOON veröffentlicht wurden, sodass den Hörer angesichts der Masse des jährlich neuen Materials doch zusehends Bedenken beschleichen könnten, ob man dem allem noch in Gänze folgen soll.
Will man das Album atmosphärisch einordnen, so kommen einem aufgrund der an die dunkle, melancholische Winterzeit gemahnenden Titel wie „Winters Chime Deep“, „On Frozen Air“ oder „Long Time Ago Now“ Gedanken an eben diese. Die Kälte und Tristesse dieser Zeit, auch als Spiegelbild der eigenen Gemütsverfassung, werden dann auch nicht mit luftigen Ethno-Rhythmen und exotischen Gesängen musikalisch ausgekleidet, sondern es dominieren, raue, kantige, auch mal etwas unrund erscheinende Loops, dunkle Chöre und glatte, frostige Synthesizerpads. Natürlich tauchen auch hier und da Samples von exotischen Instrumenten und ethnisch angehauchte Rhythmen auf („In Black“, „With Dance Of Trees“, „Black Shadows“), die das Ganze klanglich etwas auflockern – aber leider auch teilweise eher unpassend zum Rest wirken und die Stimmung brechen. Neben der Instrumentierung bringt sich ROBIN STOREY allerdings auch stimmlich mehr ein als sonst schon einmal. Hier und da wird die Musik mit seinem Raunen unterlegt bzw. beim absolut gelungenen Titelstück „Blue Days“ kann man fast schon von Gesang sprechen, wobei die Tracks mit dem raunenden Sprechgesang wie „Long Time Ago Now“ auch ansonsten positiv auffallen. Angenehm ist außerdem, dass die Stücke maximal 7-8 Minuten lang sind – oft auch kürzer – sodass ein dynamischer Eindruck des Albums verbleibt.
Dem guten Eindruck wirkt lediglich das doch unterkomplexe bis allzu simple Klangkonstrukt „On Frozen Air“ das unglücklicherweise auch noch direkt an zweiter Stelle nach dem Intro platziert ist, entgegen. Davon sollte man sich allerdings nicht abschrecken lassen, auch wenn natürlich nicht alle Tracks durchgehend zünden bzw. manchmal etwas unfertig im Raum stehen („With Dance Of Trees“, „Black Shadows“). Am Ende ist „Blue Days“ ein solides, aus meiner Sicht eher leicht zugängliches, klanglich nicht zu minimales RAPOON-Album geworden, dem es hier und da allerdings an atmosphärischer Geschlossenheit fehlt und an der Person, die schwache Stücke oder sinnfreie Fragmente auch einfach einmal aussortiert. Das scheint gerade im Ambient- und Electronica-Sektor aber manchmal schwer zu sein, wie mir scheint."
[Tony F. für nonpop.de] |
2016 |
€13.00 |
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| RELAPXYCH.0 |
City Nightlights |
CD |
"Ghost Sounds present one of their most sublime and engrossing releases to date courtesy of relapxych.0. 'City Nightlights' was built upon field recordings from areas around Stockholm central station, Stadshuskajen, Riddarholmen, Tegelbacken and some abandoned and architecturally left-behind areas under and beneath the main central station, imbuing the six tracks with a tangible spectral presence and greatly enhances their organically drifting nature. The eponymous opener sets the scene with thirteen minutes of depth plumbing dub techno shapes, setting expansive parameters for the rest of the album to fill. The second part sheds the rhythmic anchor to spin off into gaseous free space, which turns colder and more oppressive in the shadowy disturbances of 'Interdimensional'. The quaking seismic pulses of 'Landmark II' signal firmer territory, subtly adjusting the pressure levels for re-entry with 'City Nightlights III' and the blissful tonal scapes of 'City Nightlights (Beat Reduced)'." [Boomkat]
Weitere Infos: http://www.myspace.com/relapxych0acoustics#ixzz14L8XYnoD
www.myspace.com/relapxych0acoustics
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2010 |
€10.00 |
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| RENOU, CHRISTIAN |
Ex-Voto |
CD |
In den Liner-Notes zu EX-VOTO erklärt CHRISTIAN RENOU das Scheitern seines Anspruchs, mit Beendigung von BRUME alle narrativen & lyrischen Elemente hinter sich zu lassen und die reine "Struktur von Klang als Molekular-Zustand" zu erforschen (seitdem benutzt er Computer zur Sounderzeugung & Aufnahme). Alles Nachdenken und Philosophieren über Musik half ihm nicht, den "wahren" Kern zu finden, denn "Mikro"- und "Makro"-Struktur sind letztlich ein und dasselbe, selbst die abstrakteste Form von Klang erzeugt Narration sobald sie ertönt. Diese frustrierende Erkenntnis führt aber zu einer neuen Freiheit in der Komposition, letztlich ist all seine Musik einfach "Seelen-Musik" und nichts anderes.
Auf EX-VOTO geht RENOU neue Wege und benutzt geräuschhafte Feldaufnahmen aus einer Kirche (dort gespielte Violinenklänge & Gesang). Es gibt wunderbare melodische Parts und elektro-akustische Noise-Elemente, Wasser- und Strömungsklänge, irgendwo taucht pathetischer Frauengesang auf, Verfremdung und Re-Kontextualisierung setzt RENOU wieder in sagenhafter Art und Weise ein. So viele verschiedene Ebenen & Stimmungen hier sind zu erfahren , kurz: EX-VOTO ist ein beeindruckendes Werk mit mehreren Bedeutungs- & Erfahrungsebenen, für mehrmaliges Hören wie geschaffen..
Wie auch für viele der BRUME-Alben gilt: unsere wärmste Empfehlung !
"Ex-Voto - a votive offering to a saint or divinity. ‘I see words’. With ‘ex-voto’, Christian Renou has forsaken his analogue machines to encourage a fresh approach via digital technology. As Renou states in his liner notes – he cannot escape narrative structures in his music – his sounds are so evocative of soundtracks without an actual film – encouraging the listener to conjure their own accompanying images.
Yes, it is incredibly melodic, hauntingly so, though at times this is broken by shards of noise and implacable clicks. Midway through ‘ex-voto’, alien beats provide a base for further evocative outpourings of human vs. machine visions. The introduction of strings brings an elegiac quality to the composition. Renou, when creating this narrative, did not deny the ghosts of history in the name of progress…
The disintegration and contamination of a guitar motif appears alongside chopped rhythms and often indistinguishable words. These distant, half-remembered voices babble incoherent noise which battle against the sweet, sweet cracked melodies which pitter-patter and dance around your head. An underlying, delicate metallic whirring plays against a near indecipherable reverie, before the initial guitar melody rears its head for a final time. Layer upon layer of hubble, bubble, toil, but no trouble, ensures this body of work to be Renou’s masterpiece [Frans de Waard / Vital claimed that this more melodic route was something that he’d like to hear more of, whereas Barry G. Nichols / Whiteline blog / Spekk recording artist, extolled the virtues of Renou’s ‘genius’ with this recording] 'I see death'. The cd is packaged in the usual high standard expected of elsieandjack. spot varnish and silver ink over beautiful photography and simple layout, printed on thick cardstock - plus Renou’s liner notes printed on a vellum overlay.
Remember, there is a hand-numbered edition of 100 with laser-etched jewelcases only available direct from Christian Renou and elsieandjack." [label info]
www.elsieandjack.com
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2007 |
€13.00 |
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| RENOU, CHRISTIAN & ANEMONE TUBE |
Transference |
CD |
"Die wahrscheinlich letzte VÖ des guten, aber leider nie wirklich bekannt gewordenden süddeutschen Experimentalprojekts ANEMONE TUBE, hier von CHRISTIAN RENOU vormals BRUME dekonstruiert & re-komponiert. Neben geräuschhaft-konkreten Stücken begeistern lange melancholische Drone-Stücke... kommt im Postercover mit neon-farbener Papierumhüllung." [old drone rec. info]
“ final recordings by anemone tube, reworked by mister brume christian renou. sonic deconstructions and dense soundscapes. a bit of noise is thrown in but, overall the atmospheric sound prevails. comes in special poster cover wrapped in transparent green envelope with graphs designed by stefan hanser.” [press release]
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2003 |
€13.00 |
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| REPTILICUS & HAFLER TRIO |
Designer Time |
LP |
The first-ever vinyl reissue of this epic collaboration between industrial experimentalists from Iceland, Reptilicus, and The Hafler Trio. Designer Time was originally released 1994 on Staalplaat as a CD release. This new version is remastered and pressed on white vinyl.
Reptilicus (Guðmundur I. Markússon and Johann Eiriksson) met industrialist extraordinaire and only constant member of The Hafler Trio, Andrew M. McKenzie, in 1991 when he was visiting Iceland with artist Carl Michael von Hausswolff. This was the beginning of a fruitful collaboration which lasted for several years. During this period, McKenzie moved to Iceland where he lived for over a decade, having a considerable influence on the Icelandic experimental and electronic scene, among them artists such as Curver and Johann Johannsson.
In the beginning of 1992, Reptilicus found themselves with McKenzie in a huge freezing chamber of a derelict slaughterhouse (which was later to become the lodgings of the Iceland Academy of the Arts). They were accompanied by Indriði Einarsson of electro-performance pioneers Inferno 5. In the freezer, they recorded various sounds that were later subjected to sampling and software manipulation. The results, which combined a layering of noise, ambient and rhythm with a pinch of the unforeseen, were released on CD by Dutch label Staalplaat in the beginning of 1994 under the joint names of Reptilicus and The Hafler Trio. The title, which is a pun on “designer drugs”, refers, on the one hand, to the idea of a form of time that is designed, artificial, and man made, and, on the other, to the genres of mood, easy-listening and muzak, as is evident from the sleeve design.
Reptilicus continues the band’s collaboration with Toronto-based Artoffact Records, who are no stranger to the Icelandic music scene, having released records from Kælan Mikla, Sólveig Matthildur, Legend, and other Reykjavik-based artists. Artoffact released Reptilicus’ Unison in 2018.
Designer Time will be reissued on Vinyl, CD, and digital formats on June 4th, 2021.
https://artoffact.com/releases/designer-time/
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2021 |
€20.00 |
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| RESIDENTS |
Coochie Brake |
CD |
"Vor einer Million Jahren fiel einen riesiger Felsbrocken aus dem Himmel und landete mitten in Louisiana. Naja, zu der Zeit war es noch nicht einmal Louisiana. Was auch immer: der Felsbrocken stürzte auf die Erde, schlug hart auf und ließ einen riesigen Abdruck zurück. Nach und nach füllte sich Abdruck mit allerlei Dingen, doch es ließ sich nicht leugnen, dass der Abdruck noch immer sichtbar blieb. Der Abdruck füllte sich genug mit Wasser, um einen urzeitlichen Sumpf namens ,Coochie Brake" entstehen zu lassen. Ein paar Jungs schlugen im Coochie Brake ihre Zelte auf. Sie kletterten auf die riesigen Granitbrocken, die nach gesundem Menschenverstand gar nicht da sein sollten. Sie erforschten die Höhlen. Sie saßen still und ließen ,The Brake" sprechen, wie nur dieser Sumpf es kann. Diese Teenager wurden erwachsen. Und wurden zu THE RESIDENTS.
A million years ago, a big rock fell out of the sky and landed right in the middle of Louisiana. Well, it wasn't Louisiana at that time. But that rock fell, and it hit hard making a giant dent. It gradually filled in but no matter what, it still left a dent. And that dent held just enough water that it became a primeval swamp known as Coochie Brake. Some young guys used to camp in Coochie Brake. They climbed the massive granite boulders that common sense said should not be there. They explored the caves. They sat still and let the Brake speak to them as only the Brake can. Those teens grew up to become The Residents. Vinyl version." [label info]
www.mvdb2b.com
[label info]
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2011 |
€12.00 |
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Coochie Brake |
LP |
"Vor einer Million Jahren fiel einen riesiger Felsbrocken aus dem Himmel und landete mitten in Louisiana. Naja, zu der Zeit war es noch nicht einmal Louisiana. Was auch immer: der Felsbrocken stürzte auf die Erde, schlug hart auf und ließ einen riesigen Abdruck zurück. Nach und nach füllte sich Abdruck mit allerlei Dingen, doch es ließ sich nicht leugnen, dass der Abdruck noch immer sichtbar blieb. Der Abdruck füllte sich genug mit Wasser, um einen urzeitlichen Sumpf namens ,Coochie Brake" entstehen zu lassen. Ein paar Jungs schlugen im Coochie Brake ihre Zelte auf. Sie kletterten auf die riesigen Granitbrocken, die nach gesundem Menschenverstand gar nicht da sein sollten. Sie erforschten die Höhlen. Sie saßen still und ließen ,The Brake" sprechen, wie nur dieser Sumpf es kann. Diese Teenager wurden erwachsen. Und wurden zu THE RESIDENTS.
A million years ago, a big rock fell out of the sky and landed right in the middle of Louisiana. Well, it wasn't Louisiana at that time. But that rock fell, and it hit hard making a giant dent. It gradually filled in but no matter what, it still left a dent. And that dent held just enough water that it became a primeval swamp known as Coochie Brake. Some young guys used to camp in Coochie Brake. They climbed the massive granite boulders that common sense said should not be there. They explored the caves. They sat still and let the Brake speak to them as only the Brake can. Those teens grew up to become The Residents. Vinyl version." [label info]
www.mvdb2b.com
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2011 |
€15.00 |
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Duck Stab! Alive! |
2 x 10inch / DVD BOX |
Als The Residents im Jahr 1978 die 33-RPM-EP "Duck Stab!" Im 7" Format veröffentlichten, war das für die Gruppe eine nette Abwechslung von den sich über Jahre (1975 -1979) hinziehenden, anspruchsvollen und experimentellen Aufnahmen an ihrem epochalen Eskimo Album. Außerdem brauchte das Label Ralph Records, eine Einnahmequelle um die lange Phase ohne ein "echtes neues" Album zu überbrücken.
Zur allgemeinen Überraschung wurde die EP ein Hit und verkaufte mehr als 50.000 Einheiten in wenigen Monaten. Die Nachfrage ließ auch in der Folge nicht nach und so drängte Ralph Records The Residents eine zweite EP - "Buster & Glen" - aufzunehmen, die dann schlussendlich zusammen mit "Duck Stab!" als LP-Release zu einem Klassiker und großem Verkaufserfolg wurde.
Einige Jahre später, zwischen 1981 und 1988 übernahm Night Flight, eine damals populäre Sendung im US-Kabelfernsehen, Video-Clips von The Residents in ihr reguläres Programm auf - insbesondere "Hello Skinny", das legendäre Video zum "Duck Stab! / Buster & Glen" -Album. Für viele Fans der Band war Night Flight der erste Berührungspunkt mit The Residents.
Im Jahr 2016 feierte der Sender unter dem Namen Night Flight plus fröhliche Wiederauferstehung als Internet Streaming-Service und bat The Residents anlässlich des 40ten Jubiläums des Programms um einen Video-Beitrag. Da die Gruppe ohnehin an einer Live-Version von "Duck Stab!" als Teil ihrer 50ten Jubiläums-Tour im Jahr 2022 arbeitete, bot sich "Duck Stab! Alive!" als eine naheliegende Wahl an, um daraus eine Show für Night Flight plus zu produzieren. Und so begaben sich The Residents unter der Leitung von Regisseur John Sanborn und Kameramann Frazer Bradshaw vom 19. bis 21. Mai 2021 in die 25th Street Studios in Oakland, Kalifornien um die neu ausgearbeitete Performance "Duck Stab! Alive!" live im Studio aufzunehmen.
Die spektakulären Ergebnisse dokumentiert auf zwei 45 RPM 10"-Vinylplatten sowie einer Video DVD bilden den Inhalt dieser aufwändigen und limitierten Sammler-Box.
Weltweit auf 3.000 Stück limitiert!
The Residents released DUCK STAB! as a seven inch, 33 1/3 rpm EP in 1978. For the group, the relatively lighthearted EP represented a break from the much more experimental Eskimo recordings which consumed the majority of a four-year period from 1975-79; for Ralph Records it was a much-needed revenue source at a time when the band was not producing much product. To everyone’s surprise, the EP was a hit, selling 50,000 copies in a few months. The demand was so high that Ralph insisted the band record a second EP, Buster & Glen, which they paired with DUCK STAB! to make an LP, which was also quite successful.
Several years later, Night Flight, a program featuring alternative programming on the USA cable channel, aired Residents’ video, including the Hello Skinny music video based on a song from the DUCK STAB! / Buster & Glen album. The program aired from 1981-88 often highlighting The Residents to the extent that many of the group’s fans cited Night Flight as their initial introduction to the band.
Fast forwarding to 2016 when Night Flight resurrected itself as a streaming video service, Night Flight Plus. In recognition of their long-standing connection, Night Flight invited The Residents to create a program in celebration of the service’s 40th Anniversary on June 5, 2021. Since the band was already rehearsing DUCK STAB! as part of their upcoming 50th Anniversary Tour, the forty-year-old EP/LP seemed like a perfect choice for Night Flight.
With a professional camera crew, led by director John Sanborn and director of photography Frazer Bradshaw, The Residents performed the reworked DUCK STAB! ALIVE! music over three days from May 19-21,2021 at the 25th Street Studio in Oakland, CA. The results, as you can hear and see on the discs of this limited boxed set, are spectacular.
https://www.grand-chess.com/duck-stab-alive
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2021 |
€79.50 |
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| REUTOFF |
Gute Nacht, Berlin |
CD |
Zweites Album der russischen dark ambient Industrial – Koryphäen, eher ruhig–introvertiert-melancholisch wie auf den frühen Tapes, mit deutlichem WW II - Bezug. Die Musik wirkt wie ein Epitaph, das voller niemals zu überwindender Trauer die Erinnerung an die Schrecken der jüngeren Geschichte wach halten will...
“....Fifth opus from the Russian trio, 'Gute Nacht, Berlin!' as the previous 'The Fourth Face' 10" and 'ReuTRauM III' 7" is also released by the Austrian label HauRuck! This is the 2nd CD in the Reutoff discography. Released just a few months after 'Unseen Rituals', 'Gute Nacht, Berlin!' is musically very close to the previous mentioned album. The ambiances are the ones we expect when listening to this band: sometimes ritual, hidden... sometimes floating, atmospheric... but always with the undescribable 'something' specific to Reutoff that sets them apart from other bands...
No need to give more details, as the whole album is brilliant. Nevertheless I can't prevent myself from underlining the beauty of the second title 'die sunden der vater'. Just let yourself be carried away by the magnificent soundscapes and the drawn out melody... A very long (11 minutes) industrial ambient piece that is certainly one of the very best Reutoff titles I have ever heard!
The album also features two new versions ('Libera me (edit)' and 'Allegoria No. 3') of excellent tracks present on the first tape of the band ('Das Absterben' released in 1998), re-released a few months ago on CD-R by the Italian label By Blade. For those who do not own this tape or the very limited CD-R, this an excellent opportunity to listen to two compositions based on ancient works...
'Die rote fahne' also deserves to be mentioned... Built upon a combination of small, minimalist and repetitive noises with a rather epic Russian song (extracted from or mixed with a film?), this original composition will endlessly intrigue the listeners... The CD comes in a nice full-coloured digipack and is obviously highly recommended, while waiting for the soon to be released fifth part of the ReuTRauM series...” [NathalieF., Heimdallr]
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2003 |
€13.00 |
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| RLW |
Views |
CD |
Dronig-verwirrende Soundscapes, konkrete Geräusch-improvisationen, feedbackende Kakophonien... Material von 2003, das RLW eher von der verspielt-improvisatorischen Seite zeigt..
"In the 25th year of Ralf Wehowsky's recording career, Anomalous Records presents his first truly solo release featuring four new compositions based on instrumental improvisations. Using simple devices (tone-generators, percussion toys, music boxes, an electric toothbrush and an electric guitar) played in unusual ways, he builds up layers of each sound to create a suite of textural pieces. Each of the four tracks takes on an identity unique from the others, as the first three each focus on one of the sound sources while the last combines elements from the previous three to make something else. The disc opens with a 20-minute piece of mysterious and drifting electronic tones. Other tracks highlight very tactile sounds and bring a much more 'live' element to his work, while retaining his skillful use of dynamics and placement of silence which have gained him so many fans. Previous releases by RLW have seen him collaborate with such diverse artists as Achim Wollscheid, Bernhard Günter, Andrew Chalk, David Grubbs, Jim O'Rourke, Kevin Drumm, and Bruce Russell. He is the founder of the now defunct group P16.D4 and the label Selektion."
[label info]
www.pogus.com/anomalous
“There was a time when RLW, which stands for Ralf Wehowsky, was a buzz name. From his previous band P16.D4, he developes since the mid nineties a strong solo career aswell as many collaborations with people like Jim O'Rourke, Kevin Drumm, Bernard Gunter,
Duimelinks/Meelkop. But in more recent years his release schedule was less hectic and now we have 'Views'. Everything on this CD is made by RLW with no input from anybody else. His source material includes tone-generators, music boxes, toys, electric guitar and toothbrush. Each of the four pieces here consist of RLW improvising three or four times his sounds on to the computer, and creating a mix afterwards. In the opening piece, '#1' he only uses tone generators, by which he creates quite densely layered patterns, that come in quite a chaotic way at one point - unlike much other RLW material. In '#2' he uses the Orff instrumentarium (percussive instruments for children), which he jams around and this is much more his territory: carefully hoovering on the edge of silence. Something similar goes in '#3', but here it deals with the hallucinating simplicity of music boxes. These two quieter pieces are the total contrast of '#4', which uses various feedback recordings of the two previous tracks and some added guitar sounds - a fiery noise piece, which is again an unlike RLW piece. Quite a strong CD, with some surprises for the RLW devotee. Moving inside aswell as outside of his usual music, this is quite a step forward. [FdW, Vital weekly]
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2004 |
€12.00 |
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Störungen |
LP |
"Dekoriert mit Edvard Munchs 'Jugend am Meer' (1904) aus dem Linde-Fries (in einer Bearbeitung durch frau-unbekannt), geht RLW bei Störungen (Psych.KG 233, LP) zurück in die Zeit, als Kinos noch Lichtspieltheater hießen. Und als Psychologie noch eine junge Wissenschaft war, die sich in die Fluten versteckter Störungen stürzte. RLW trifft mit Ausdrücken wie 'Vermeidungsquartett', 'Periphere Schwankungen', 'Dysphorische Episode' oder 'Leerkrampf' ganz gut den Jargon der Wiener und Züricher Seelenärzte, deren Kundschaft den Zusammenhang von Kopf und Körper ähnlich idealisierten wie Dr. Linde, dem Munchs Bilder dann nicht keimfrei genug waren, schon gar nicht fürs Kinderzimmer. Die ersten 'Stör'-Klänge scratchen und toben wie ein Dämon, der ausfahren will und knurrend den Ausgang sucht. Mit grollendem Maulen und krachigen Verwerfungen im Schleudergang. Die Rede ist von bearbeiteten Resonanzkörpern, Betonung wohl auf Körper. Den beuteln perkussive Invasionen, hörbar als unterbewusstes Grollen oder als pervers polymorphende Alieninvasion im Überich. Flashbacks trillern im Weichgestänge, tubadunkel, gleißend glissandierend, zuletzt erratisch beorgelt oder brutistisch glossolal. Musikalische Reste glitchen auf knurrigem Fond, Tonbandfetzen schlurchen am Tonkopf, dongende Gongs geraten in die Miesen. Ideale haben kaum noch Schrottwert, verdrängen aber eisern ihre Entwertung und versickern als schweinisch-dämonische Legierung. Erneute musikalische Zuckungen führen zu Reibungsverlusten, durch Hirnrisse zischt und sirrt es, der azaphalische Körper leckt. Und vice versa. Kein Mensch ohne dys- "[BA 92 rbd]
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2016 |
€20.00 |
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| ROGALSKY, MATT |
Memory like Water |
do-CD |
Amerikanischer Musiker & Komponist mit sehr vielfältigen Stücken & Konzepten, hier dokumentiert ist live-Material der letzten 10 Jahre. Vielschichtig schimmernde sphärische Endlos-Drone-Stücke & geräuschhafte Improvisation z.B. mit Violine & Gitarre, sowie eine äusserst merkwürdige Komposition für Radio-Klangquellen...
“The six (or seven) pieces on these CDs document live performance works which span 1996 to the present. Most of the solo pieces are structured improvisations, in that they have a broad form which is repeated from performance to performance while the detail is always quite different. The collaborative pieces are less formalized and depend hugely upon the input of my co-performers. I am very grateful to have worked with them. Conceived as two halves of a single piece, Resonate (noise) and Resonate (tones) seamlessly crossfade from one to the other. Both are sustained-sound pieces, the first exploring noise textures, the second exploring dense, quasi-orchestral harmonic territory. Both pieces employ original software which generates sound using a type of granular synthesis, triggering sampled sources many hundreds of times per second.
The three works entitled Kash are all related in that they employ the same original software instrument (of that name) initially developed in 2001 and still in use today. This software enables me to interact with live performers (or other sound sources) in fluid and lively improvisational situations, accumulating and processing fragments of low-level sounds (the "spaces between the notes"). The three performances with my Kash instrument represented here show how very different the outcomes can be, depending on who (or what) my co-performers are. In each case, all the electronic sound is derived from their real-time input.
Kash (vln) is a collaborative improvisation between myself and violinist Jane Henry, recorded live. Jane is a composer-performer whose performance techniques involve, among other things, use of multiple violin bows made of different abrasive materials. Kash (gtrs) is a live studio recording featuring my brothers Benjamin and Luke Rogalsky on steel-string acoustic guitars. This performance was an improvisation based on a few suggestions as to overall structure. Kash (radios) is a live recording made before an audience at Experimental Intermedia in New York City on March 8 2001. In this case, the "performers" with whom I am interacting are two radios, tuned to talk stations. The radios are faintly heard at the beginning of the piece, but soon the direct sound disappears and only the processed sound remains.
Sprawl (western magnetics) is a document of a live solo performance. As with Kash, Sprawl is a software instrument still in current use, which I developed to be employed in many different improvisational situations. Input from a live performer, or any other sound source, can be sampled and explored at the micro-level using a granular synthesis technique controlled by an computer graphics tablet. Many textural layers of sound can be built up to a dense wall of sound but equally delicate melodic lines can be drawn out as well. On this occasion the input sounds were provided by my brother Luke Rogalsky.
Transform is a manipulation of a live radio signal, tuned to any music station; the frequency content of the source radio program is brought out by a series of tunable delays which create strong harmonic resonances. These harmonies are constantly shifting throughout the piece, which is performed in two sections, the first relatively quiet and the second fairly loud, where the processing used causes the radio to take on the character of an electric guitar constantly on the verge of feedback. Overlaid on the resonant radio in the middle and end sections are sounds of a quite different character generated with electronic feedback loops. The underlying radio signal may sometimes be heard emerging from the dense processed sound.” [Matt Rogalsky]
www.xirecords.org
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2006 |
€15.00 |
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| ROZENHALL, DANIEL |
Forecusst |
CD |
"Auch für Forecusst nutzte Rozenhall wieder das EMS in Stockholm als Klanglabor. Weißes Rauschen prasselt wie Sturzregen. Die Luft brodelt und zischt, dass man reumütig ein Königreich für eine Arche bieten möchte, wenn man nicht wie gelähmt sich ducken müsste unter einem himmlischen Zorneswolkenbruch, wie ihn Bußprediger nicht ‚göttlicher‘ sich wünschen könnten. Man meint schon das Geheul der Verdammten zu hören. Die hellen Jauler und Triller eines kurzen Zwischenspiels geben nur unzureichend Entwarnung und noch weniger Beruhigung. Track 3 setzt dann auch wieder den Presslufthammer an der verstockten Seele an, zumindest an dem vermeintlich sicheren
Boden unter den Füßen. Soll man sich so eine neuzeitliche Version des Fegefeuers vorstellen, als Werkhallen der Läuterung, mit Gehämmer, Schweißbrennern und Fräsen? Pulsierendes Sirren nimmt im vierten Abschnitt wiederum bald bedrohliche Dimensionen an, auch eine ungute Schärfe. Diskantes Georgel in schneidenden Registern, ein Brausen, das Geheul mit sich führt und endlich doch abflaut, um in ein zweiminütiges Loch abzutauchen.." [Bad Alchemy]
"...Here his various interests blend together nicely: there is a fine balance between ambient sounds and noise bits into compositions that sound as compositions, and not a bunch of sounds let loose in the computer, running around on end. Quite cinematic music in approach, I could imagine this would work well as a soundtrack to science fiction movies of spaceships in pitch black skies and enemies firing laser guns, before landing on a radio active waste dump - an empty planet was used for this - and geiger counters running amok. Rozenhall's ambient industrial sound has certainly matured over the years, and will no doubt continue to grow. 'Forecusst' is the start of that growth." [FdW / Vital Weekly]
www.kningdisk.com
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2008 |
€13.00 |
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| ROZMANN, AKOS |
Impulsioni |
CD |
"Neu auf dem Stockholmer Elektro-Akustik Label dieses Werk des Ungarn AKOS ROZMANN mit zwei Stücken: IMPULSIONI I-III (1973-1974) mit untergründigen, aber auch nach "vorne" preschenden Analog-Noises, und dem aus 9 Teilen bestehenden Werk DE TVA, MED TRE INSTRUMENT (1996-1997), welches einen ganz eigenständigen Weg aufzeigt, ... Sounds von drei Instrumenten (Orgel, Klavier, Zither) und ROZMANNs Voice werden zu sehr expressiven, kraftvollen und düster-atonalen Stücken verarbeitet." [Drone Rec. 2000]
“Ákos Rózmann was born in Budapest, in 1939, where he studied organ and composition at the Liszt Academy. From 1979 to 1974 he studied composition at the Royal College of Music in Stockholm. Since 1978 he has been organist at the catholic cathedral in Stockholm. Epithets which come to mind after listening to Rózmann´s music are "powerful", "raw", "monumental", "impassioned". He is a master of large forms.“ [label info]
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1999 |
€13.00 |
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| RRILL BELL |
False Flag Rapture |
MC |
Following up on 2020's critically acclaimed "Ballad of the External Life" LP, Rrill Bell's latest outing on Elevator Bath is a complex amalgamation of acoustic source materials (metallophones, winds, strings, and brass), (cassette) tape treatments, and digital assemblages, which coalesced over a period of six years, starting from the artist's desire to build a highly personal album around a turn-of-the-century recording of his late grandmother singing an impromptu hymn in Slovak dialect at a family gathering, resurrected from memory after lying dormant for 50+ years. Working through a family legacy of religious hallucinations/visions, the album (in spite of its tongue-in-cheek title) unironically explores themes of potentially staged transcendence, ecstasy of suspicious origins, vulnerability, inspired/anxious states of mind, fractured identity, doubt, rupture, redemption by proxy, and the dilemma of being forced to adopt a perspective in a contingent universe.
The music on "False Flag Rapture" is restless yet focused, shifting, evolving – like "Ballad...", never staying in one place too long – and features a wide range of aural perspectives, as well as a strong sense at times of "listening with", rather than merely "listening to". Hyper-detailed, darkly tinged ecstatic/manic passages alternate with dreamlike chamber pieces and muted celestial drifts cloaked in an uneasy haze, with the occasional disarming reveal.
A labor of love begun in earnest in 2015 and completed in 2021, "False Flag Rapture" is a testament to abstract electro-acoustic music's oft under-appreciated potential to treat deeply personal themes while connecting alienated human beings.
Born and raised in the US-American Rust Belt, and a resident of Germany for over two decades, Rrill Bell draws on the formative inspirations of radical scratch culture, Cagean thought, harmolodics, musique concréte, and various other strains of experimental music practice. Originally rooted in the world of improvisational performance, over the past decade his work has expanded to include various hybrid approaches to location recording, augmented reality, composition, and audio narrative.
In addition to 2020's "Ballad of the External Life" LP on Elevator Bath, Rrill Bell's music has previously been released by the Klappkart, Gertrude Tapes, Weird Forest and Denovali labels, among others.
Rrill Bell: chimes, vibraphone, crotales, glockenspiel, drum machines, tapes, dictaphones, tape decks, and electronics
featuring contributions from
Felix Fritsche: clarinets/flutes
Koenraad Ecker: cello
Alex Morsey: contrabass/tuba
Mastered by James Plotkin
Artwork/collage by Rrill Bell
Photography by Katrin Koenning
Layout by Colin Andrew Sheffield
42-minute lime green cassette with full-color six-panel j-card in clear Norelco case, plus full-color outer o-card featuring collage art by Rrill Bell.
https://rrill-bell.bandcamp.com/album/false-flag-rapture
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2021 |
€11.00 |
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| RUIZ, MIGUEL A. |
Grosor |
CD |
MIGUEL A. RUIZ gehörte zu den aktiven spanischen Experimental-Komponisten der 80er & 90er Jahre und betrieb das TORACIC-Tapelabel. GROSOR besteht aus 14 Stücken düsterer Sample-Elektronik, die eine postindustrielle, apokalyptische Atmosphäre heraufbeschwören. Erinnert durchaus an z.B. ASMUS TIETCHENS.
Ein Teil des Materials erschien 1991 auf der “Encuentros en la Tercera Edad” LP. MONOCHROME VISION ist ein russisches Label, das sich auf die Wiederzugänglichmachung vergessener Klassiker spezialisiert hat!
“This is the new, remastered version of classic material recorded back in 80s, next to postindustrial aesthetics priority in electronic music. Rigorous and austere, ascetic but dynamic, this music rearranges everyday being into mindchallenging imagination, reserving the leading parts for the habitual processes and domestic objects.
From the deep underground of Spanish industrial music, it comes to be rediscovered after 15 years. Release date is 10 December 2005. Limited edition of 500” [label info]
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2005 |
€13.00 |
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| SAD KARMA |
Solis |
maxi-CDR |
Ziemlich beeindruckende CDR auf ONYXIA von einem (neuen?) Projekt namens SAD KARMA, die vier sehr elegisch-dunkle Stücke komponiert haben, irgendwo zwischen reinen atmosphärischen Klängen und richtigen „Songs“.... etwas elegisch, weirde Gitarren & Analog-Synths, Pianoeinsatz...
“SadKarma is the phenomenon of the experience of pleasure, through the perception of balance and proportion of stimulus. It involves the cognition of a balanced form and structure that elicits attraction and appeal towards a person or an inanimate object. SadKarma is the bedlam of organic ambience with decoration & fluctuation in its purest form. The frames of the music bear fragments from certain eras of artists like Swans and Coil but the painting itself has drifting textures far more beautiful. Professionally executed CDR release with full colour sleeve & label. Warmly recommended! Ltd. 200 copies.” [label info]
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2005 |
€7.50 |
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| SAKELLARIOU, YIORGIS |
Nympholepsy |
maxi-CD |
Nympholepsy (23:03) is inspired by the immediate environment and history of ancient messene. The work links the archaic with the contemporary by establishing a dialogue between the ethereal (sound) and the material (the ancient ruins). It is an exploration of the blurred limits between myth and history and the relationship between deities and human beings, nature and the supernatural.
The sonic material is based on the voice of Savina Yannatou which is manipulated and combined with environmental recordings.
In memory of my father Costas Sakellariou
Nympholepsy was premiered on June 3, 2018 at Tuned City - Ancient Mesene - Athens (OCC) as part of the INTERFACES project and co-funded by the Creative Europe program of the European Union.
Special thanks to: Savina Yannatou, Carsten Stabenow, Manolis Manousakis, John Grzinich, Nikolas Malevicius and the production and technical team of OCC.
noise-below.bandcamp.com
mechaorga.wordpress.com
https://mecha-orga.bandcamp.com/album/nympholepsy
"Yiorgis Sakellariou’s Nympholepsy is a portrait in sound of the historical ghosts inhabiting the ruins of Ancient Messene, a city on the Greek peninsula of The Peloponnese. Over the centuries, the site saw several waves of settlement and conquest, of building, destruction and reconstruction, beginning with foundation by the Achaeans and culminating with the city’s reestablishment in 369 BCE after the defeat of Sparta by Thebes at Leuctra. Much more recently–in 2018–the ruins of Ancient Messene were the focus of a Tuned City event in which a number of sound artists were commissioned to explore the themes of place and memory and their implications for the situated nature of listening. Sakellariou was one of the artists invited to participate; Nympholepsy is the work that resulted.
The audio interpretation of an ancient city would seem to be a natural fit for Sakellariou. Trained as an ethnomusicologist and active since the early 2000s as a composer of electronic music and a field recordist, Sakellariou has produced a body of work largely concerned with ferreting out and disclosing the networks of association that tie together an environment and the listeners situated within it. For Nympholepsy he took field recordings of Ancient Messene and combined them with manipulated recordings of the voice of Savina Yannetou, a Greek vocalist as conversant with early music as she is with contemporary improvisation. Sakellariou alters the sound of Yannetou’s voice artfully, changing its pitch and timbre, setting up rhythmic patterns and blocks of sound, and occasionally stripping it down to traces of its grain with the underlying breath exposed. Structurally, the twenty-three minute-long piece is a work of accumulation and densification as Sakellariou adds layers of sound elements and pressures them into thickening masses—an especially appropriate response to a place that itself was the product of an accretion of peoples and their material cultures over long periods of time." [Daniel Barbiero / Avant Music News] |
2019 |
€8.00 |
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| SALOMAN, GABRIEL |
Movement Building Vol. 1 |
LP |
"Over the past few years Gabriel Saloman has developed a reputation for releasing penetrating works of haunting beauty in his new role as a solo performer and composer. Known for his part in the seminal electronic-noise duo Yellow Swans (alongside Pete Swanson), Saloman has taken the sweeping drones and fried electricity of his former band and embedded them within an expanding pallette of bowed strings, martial percussion and resonant piano. The majority of his work to date has been developed as music for contemporary dance, exemplified by two recent solo albums with Miasmah, 2012's melancholic Adhere and last years celebrated ode to mud and decay Soldier's Requiem. As he continues to prolifically produce music for dance, Saloman has developed a new series with Shelter Press to make these works available: Movement Building.
The first of two volumes to be released individually on vinyl and together on CD, The Disciplined Body is a 34 minute work that moves through ghostly minimalist drones, poly-vocal drumming and culminates in an aching climb through sheets of shimmering guitar chords before erupting in a violent spurt of harsh noise. While at its climax it may be evocative of transcendental string manglers ranging from My Bloody Valentine to Godspeed You Black Emperor, in its more subtle moments it wades through the kind of blackened water that suggests the outer boundaries of ambient metal, or the ghostly remnants of a cassette dub of beatless electronics. Composed for Daisy Karen Thompson's 'Re-Marks on Source Material', the music shares that dance's Foucault influenced questioning of the limits imposed on our bodies by technology and labor, reaching for an ecstatic escape from discipline and control. Listeners may want to reach for the same - to do so we suggest they play this recording very very loud.
Mastered and cut by Elmut Herler at D+M (Berlin) and pressed in a limited edition of 500 copies worldwide." [label info]
www.shelter-press.com
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2014 |
€17.00 |
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| SAVAGE REPUBLIC |
1938 |
CD |
Eine DER Überraschungen des Jahres 2007 war das neue Album der "Art-Punk" Band aus L.A.!
"Eigentlich könnte die kalifornische Band Savage Republic heutzutage auch eine große Legende in Sachen Art-Punk und experimenteller Indie-Musik sein, so wie Sonic Youth, Minuteman oder die Einstürzenden Neubauten. Warum man diese Band normalerweise nicht in einem Satz mit diesen Genre-Größen nennt, ist wohl eine ungerechte Laune der Musik-Geschichte, standen Savage Republic doch in den 80er Jahren eben mit diesen Bands zusammen auf einer Bühne. Savage Republic sind deshalb auch so etwas wie Art-Punk-Pioniere, die auch nicht vor den schrägsten musikalischen Einflüssen zurückschreckten. Da wurde der frühe West-Coast Hardcore-Punk genau so angesehen wie 60’s Psychedelic oder Ethno-Folk. Dick Dale gehörte genau so zu den Vorbildern wie Ennio Morricone oder Mikis Theodorakis. Vielleicht war es diese Verschrobenheit und Kreativität, weshalb der Band aus Los Angeles ein größeres Publikum verwehrt blieb. Nun nach 18 Jahren Pause gibt es endlich mit „1938“ ein neues Savage Republic Album. Und zu welchem Label würde dieses Album besser passen, als zum Neurosis-Label Neurot Recordings? Eben. Trotz seiner enormen Spielzeit von ca. 70 Minuten treten beim Hören von „1938“ an keiner Stelle Ermüdungserscheinungen oder Langeweile auf. Da finden sich auf dem fast instrumental eingespielten Album Industrial-Sounds, mittelalterliche Klänge, Folk-Elemente, Psychedelic, Kraut-Rock, Impro-Musik oder auch mal jazziges. Ein besonderer Fokus wird dabei auf die Percussion- und Schlagzeugarbeit gelegt, sodass Savage Republic trotz seiner Ausgefallenheit ein sehr rhythmisches Album ist. Freunde von Bands wie Pere Ubu, Can oder den Butthole Surfers könnten bei „1938“ ihre helle Freude haben. Die Betonung liegt dabei auf „könnte“, denn Savage Republic sind einfach zu Eigenständig und als Solitär im Musikgeschäft anzusehen, dass man diese Band nur mit Vorsicht in gewisse Schubladen stecken sollte." [Independentkicks.de]
"Los Angeles art-punk pioneers Savage Republic have come roaring out of obscurity with 1938, their first full-length album of new material in 18 years-- hot on the heels of this spring's powerful Siam EP-- both on Neurot Records. Throughout the '80s Savage Republic was a deep-underground phenomenon, playing highly unorthodox shows in remote desert locations, abandoned factories, skid-row parking lots, and grimy bars across the US and Europe with such luminaries as Einstuerzende Neubaten, Minutemen, Sonic Youth, and Live Skull as well as hardcore-punk slugfests with the likes of Bad Religion, Angry Samoans, and Final Conflict. Known for their oddly tuned guitars, tribal beats, shouted vocals, metal percussion (typically 55-gallon oil drums and items gleaned from dumpsters and junkyards), and Morricone-meets-Dick Dale melodies, their performances were at times ritualistic and occassionally involved fire and explosives.
In their current incarnation, Savage Republic core members Thom Fuhmann, Ethan Port and Greg Grunke are joined by UK punk-rock veteran Val Haller, whose resume includes stints with Wayne County, Flying Lizards, Lords of The New Church, and X-Ray Spex, and noted drummer and percussionist Alan Waddington, known for his tenure with The Unforgiven as well as live and studio work with everyone from Willie Nelson to Gwen Stefani. The album also features contributions by guest artists including multi-instrumentalist Tara T. Tavi, classical violinist Julia Zuker, and drummer Bryan Taylor.
While staying true to their roots, Savage Republic have updated and expanded their singular Mediterranean-surf-soundtrack-folk-noise blend into a musical hybrid both contemporary and timeless. Trademark scrap-metal percussion and layers of guitar drone are now joined by spooky ambient textures evoking sonic landscapes exotic, dreamy and sinister. An undercurrent of dread is never too far away. In keeping with their tradition of graphic excellence, the album is packaged in a tri-fold cover designed by and featuring the photography of Ramona Clarke-Fuhrmann. " [press release]
www.neurotrecordings.com
www.mobilization.com
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2007 |
€13.00 |
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| SCHAEFER, JANEK |
Location Stories |
do-7inch |
Die schöne 7“-Reihe auf MIXER wird fortgesetzt mit einer Doppel-Single von JANEK SCHAEFER: Anrufbeantworternachrichten aus Minneapolis, Ziegenglocken aus Südspanien, und eine Regenwaldsymphonie & Wordassoziationen vom Amazonas, vielfältiger gehts kaum, kleine & durchaus witzige & hintersinnige Bewusstseins- und Phantasiereisen, für jeden field-recording Fan ein Muss !
“Janek Schaefer has gained a reputation when it comes to fieldrecording-based soundworks. Using his sonic surroundings, manipulated or not, Schaefer comes up with unique and intimate results. ‘Location Stories’ is another collection of found-sound stories, that Stichting Mixer is proud of to release.
Side A Minneapolis Office Max Messages > 1.45min
A collage of the messages I found left on the display model of a mini digital dictaphone bought at a Branch of Office Max in Minneapolis. In a condensed period of time we get to hear many different cultures and stereotypes interacting with the technology uninterrupted by the presence of sales staff. The track concludes with a voice from my car radio, as I tested it in the car park outside, talking about innovation and technology.
Side B Field Recording > 6.00min
This is the unedited recording of a huge field of silent goats in the village of Villanueva de la Concepcion, south Spain. They were all wearing goat bells and didn't bleat once. The result is a random cacophony of bells. A very pure ‘field recording’ composition.
Side C: Amazon Word Game [beginning] side 1 > 7.41min
Side D: Amazon Word Game [ending] side 2 > 7.40min
A recording made in the heart of The Amazon Rain Forest, where a Brazilian guide, two English tourists and a German tourist, are lying in hammocks at dusk, in a camp made from palm leaves, playing a ‘word association’ game. The language differences make an entertaining and intimate play of language in the middle of the ambient sounds of the virgin rainforest.” [credits]
“....This new double 7" (and if understood well, the final new Stichting Mixer release in some time to come) deals with field recordings, but of three different natures. On side A we hear messages left on a mini digital dictaphone that Schaeffer bought. It was the display model so it went through many hands, and many people tried the machine, leaving their messages on. Quite a hilarious piece of found sound. The b-side is a pure field recording of goats wearing bells. The funny thing is that these goats are all silent, so the only thing we hear is the sound of the bells, which sound like a thick mass of chinese bell chimes plus some more obscured sounds, part of the recording. On the other 7" we have two recordings made in the Amazon Rain Forest, where a Brazilian guide, two English tourists and a German tourist are playing a 'word association' game. Of course the Rain Forest makes a lot of noise, bird and insect calls. Of course with three different native languages on board it's not easy to do this, so there is some amount of confusion among the players. It's a very nice idea and with the Rain Forest sounds its also a beautiful ambient recordings, but perhaps the fifteen minutes spread over 2 sides of a 7" is a bit too much. However, Schaeffer tells three great, three different stories.” [FdW, Vital Weekly]
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2006 |
€12.00 |
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| SCOTT, SIMON (SIMON SCOTT) |
Bunny |
CD |
"This is UK multi-instrumentalist Simon Scott's second album for Miasmah. He might still be best known for his tenure as the backbone of influential shoegazers Slowdive, but after his debut solo effort Navigare in 2009, he showed that there was far more to his oeuvre. With an ease and fluidity that eschews the usual trappings of the genre, he injected Slowdive's freeflowing bliss into the kind of blackened soundscapes the Miasmah label has made its calling card and gave the sound a rich, multi-layered quality that was effortlessly enticing. Bunny sees him take on a plethora of themes and ideas, distilling them into a coherent, well-defined narrative. The overall premise of the record is apparent from the very beginning, and might surprise some with its inspired take on the blackened jazz and smokey Americana heard in Paris, Texas or Mulholland Dr.. It would do Scott a disservice to simply label the music as Lynchian however; his success is to treat the layers of instrumentation (drums, guitars, cello, synthesizers) with a masterful fluidity, allowing the influences to melt into a delicate and delectable whole. Occasionally Scott acknowledges his shoegazing past, nudging the sound towards the blurred haze of his former band, but even these moments are cavernous enough for us to imagine them oozing from a Midwestern jukebox in an abandoned suburban diner. Bunny is an ambitious and daring journey for an artist who refuses to stay still; and it might just be the best road trip you've never taken." [label info]
www.miasmah.com
"Simon Scott produced one of the best records of 2009 with Navigare, an album whose shoegaze dronemusic was dotted with radioluminescent dream-pop numbers. It was hardly a surprise to us when we learned that he was the drummer of Slowdive way back when. Since then, Scott has produced a single for Immune and a collaboration with Jasper TX, both equally fantastic. For his second proper record, Scott makes a slight detour; but one that is well suited to everything else that's been released by the hauntologically leaning Miasmah records. The album opens with a languid series of smoke and mirror abstractions flickering above a nocturnal jazz rhythm that gives way to a Caretaker-esque melody of disembodied historicism amidst subterranean clatter and eerie scrapings. A walking bassline follows this as the only constant to the next track "Betty" whose distant cacophonous guitars slide into audibility through a dense fog of reverb, with a trip along the drumkit taking one tempestuous fill before succumbing to Scott's omnivorous reverb, sounding not all that far from Supersilent at their grooviest and some of those bleached Crescent instrumentals, if anybody remembers that Bristol outfit. With the breathtaking "Radiances," Scott relives his shoegaze past with a song directly out of the Slowdive playbook: a halo of guitar ambience brightens a classic Brit-pop maudlin rhythm section, where the droning slipperiness of the guitar is perfectly countered by the easy pace of the bassline. It really does sound like "Albatross" off of the Blue Day album by Slowdive, and we mean that as quite a high complement. Scott reprises this dream-pop sensibility on the equally deft "Drilla," with electro-static crackling and plenty of ephemeral drone-guitar work to fill in the blanks." [Aquarius Records] |
2011 |
€15.00 |
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| SEETYCA |
Zwischenwelten |
CD |
We are once again delighted to welcome seetyca to our label, for the release of his new CD album Zwischenwelten.
‘Zwischenwelten’ is an immensely deep journey, characteristic of seetyca’s music. The listener is pulled between worlds, shrouded in dense layers of fog or pinned to the edge of a scene, forced to watch as an observer, while the part plays out. Interspersed with environmental sounds, and both electronic and traditional instruments, ‘Zwischenwelten’ is a beautiful, hypnotic album switching between what is real and what is perceived to be real by the listener. The album is laced with lush melodies, light ambient touches and otherworldly samples which bring to this piece a welcome sense of detachment.
For this release, seetyca has been joined by a number of contributing artists including Thom Yeesland (ambiant guitar sounds), Julian Eckstein (trombone) and Kris Caelis (glockenspiel and environmental sounds). seetyca himself plays an array of instruments including e-maschinen, samplers, ocarina, recorder, zither and acoustic guitar to name but a few.
seetyca certainly likes to pack his albums to the hilt, and this release is no exception. The cover design and layout has been created by Midnight Sun Studio, based upon original artwork from Edward Valerans III.
CD comes in a 6-panel full colour digi pack. 9 tracks with a total running time of 79:35 mins.
1. magnitogorsk
2. the clouds form a smile
3. der schwimmer in dunckel
4. im schragen wahn lebt sichs am schonsten
5. wem trauen?
6. hide my phace, hide my heart
7. before it’s dark, before it rains
8. verstrahl.to
9. jennyssey
www.winter-light.nl
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2016 |
€13.00 |
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| SEVERIN BESTOMBES (VOM HORSE GORE CLUB) |
Auszug & Abgesang |
LP |
„Wenn man zu vorgerückter Stunde der verdächtigen Phantasterei anheim fällt, der heimische Plattenteller würde ungeklärterweise das Dunkel des Raumes wie von Geisterhand erleuchten, dann liegt das in erster Linie nicht an der falschen Sorte Pilze, die man unter Umständen mal wieder zu leichtfertig verzehrt hat, nein, es sollte sich lieber schnell besonnen werden, dass die lang erwartete dreizehnte Punch Productions Platte nun endlich von den Nadeln malträtiert werden darf, auf dass das fluoreszierende Plastik wahlweise in giftgrün oder türkisblau erstrahlt. Als wäre das nicht schon reizvoll genug, bietet uns die erste Manifestation des seltsam-mysteriösen HORSE GORE CLUBs zudem unerhört exquisite Tonkunst. SEVERIN BESTOMBES ist das dreihundertsiebenundfünfzigste Pseudonym eines gewissen Herrn Jürgen Weber, der, so erzählt die Legende, im vergangenen Jahrtausend in einer nicht unbekannten österreichischen Metropole, respektive dem slawischen Bezirk "Neue Welt", mehrere Hundert der denkbar wildesten musikalischen und antimusikalischen Orgien dem Tonband anvertraut haben soll und sich inzwischen, vielleicht zur Kontemplation, in ein katalanisches Dörfchen zurückgezogen hat, von wo aus er jedoch von Zeit zu Zeit, aber leider immer seltener, nicht minder wilde Geistesblitze in die gepeinigte Welt hinaussendet. "Auszug & Abgesang" ist ohne Zweifel einer dieser Geistesblitze, der darüber hinaus wohl oder übel dem angesprochenen Rückzug ins Kontemplative wie eine bittersüße Frucht entsprungen zu sein scheint.
Der erste Part dieser LP-langen Abrechnung mit dem Wiener Gesangsverein trägt den mit düsterer Symbolik überschütteten Titel "Lilien aus dem Garten des Gegenpapsts". Das akustische Gewächshaus dieser Spiegelbildikone fühlt sich jedoch an wie ein klaustrophobisches, von gespenstischen Erinnerungen heimgesuchtes Mythologieaquarium, dessen Innenwände zur Dämmerstunde zwischen Kuckucksruf und Spieldosengedudel von psychopathischen Rhythmen rituell verziert werden. In einer noch dunkleren Ecke liegt ein abgesoffenes Diktiergerät und gibt die befremdlich geflüsterten Chiffren eines kleinwüchsigen Wesens zum besten. Dann zieht ein sphärischer Wind in das Fast-Vakuum dieses Mikrokosmoses ein und alles wird erschreckend leise. Ist dies etwa die Ruhe vor dem persiflierten Militärparadenrummelplatzsturm? Haaaauuu Rrruckkk! Einmal kräftig dran gezogen und die schwerwiegend stachligen Lilien sind auch schon gepflückt. Zur Belohnung wird zwei-, dreimal auf die Klaviertasten gehauen und die Rillen flüchten sich hustend ins Platteninnere.
"Musik für Dolores" schwebt ebenso wie die A-Seite im Umkreis experimenteller, elektroakustischer Tonkunst des nahezu gesamten zwanzigsten Jahrhunderts und verarbeitet dabei womöglich sämtliche jemals aufgeschnappte Einflüsse. Zuerst werden NURSE WITH WOUND, Ghedalia Tazartzes, Edgar Varèse und wer weiß schon wer sonst noch alles durch den cut-up Fleischwolf gedreht und anschließend samt rudimentären Groovebruchstücken auf eine kaum noch wahrnehmbar leise Minimalambientfläche breitgeschmiert. Irgendwann brechen dann einige atonale Klavierklänge durch den fragilen Schleier, begleitet von dezenten Stimmexperimenten und schließlich einmündend in sehr sparsam platzierte Abstraktionen, die im Grunde völlig auf elektronische Klangforschung reduziert wurden. Das ganze wurde dazu mit einem heimlich munkelnden "live at Schlafzimmer" Charme aufgenommen und wirkt daher umso staubiger, direkter und echter.
"Auszug & Abgesang" bietet zwei hartnäckige Kompositionen zum Schlussstriche ziehen und neue Anfänge finden. Gerade letzteres will seitens der fragmentarisch aufgerissenen und minimalistisch verwesenden Klangstrukturen bewusst nicht leicht fallen. All die einzelnen Szenen dieser Collage sind wie Mittelteile ohne signifikanten Beginn und Ende, an ihren ungeraden Kanten aneinandergefügt, montieren sie eine diffuse, mit Schräglage in sich verschachtelte Sinfonie, die mit einem Bein auch im traditionsreichen Avantgardezimmer steht. Art bruit!“ [Roy Liebscher / Lichttaufe]
Collectors item from NOVY SVETS alter ego with surprisingly experimental soundscapes, wonderfully obscure collages !
“12" vinyl GLOW IN THE DARK !!!!!!!!!! - Silk-screened plastic sleeve
Severin Bestombes is said to be J. W. Eber who is said to be J. Weber, who the world claims to be NOVY SVET, singer and brain appendix of MUSHROOM'S PATIENCE and god knows what else. might be true....well, seems to be true. And what's truth on diplomacy's smooth grounds? Was this guy ever known for being outstanding diplomatic?
Definitely not...neither is this album. Bad memories melted into two long (each one LP-side long) tracks, that have their roots growing out of the sixties avantgarde's ass. In the end it is just fuckin' beau.
special cover - on special vinyl - for sure special musick too” [label info]
label: www.punchrecords.it
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2006 |
€20.00 |
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| SHEFFIELD, COLIN ANDREW / JAMES ECK RIPPIE |
Essential Anomalies |
do-LP |
Colin Andrew Sheffield (sampler) and James Eck Rippie (turntables) began playing music together in Dallas, Texas in 2000 and released their debut LP, "Variations," a year later. They separated soon afterwards, relocating to cities 2,600 miles apart; and though they continued with solo work, they remained inactive as a duo until recently. During this hiatus, Sheffield stayed busy dealing antiquarian books and running his Elevator Bath label; Rippie became an accomplished sound mixer for major motion pictures and television shows. And yet the collaboration between these two friends of a quarter century has always held a special significance (as Francois Couture of AllMusic stated: "The level of understanding between [these two artists] ... commands respect"). So, in 2015, when the two found themselves both living in Austin, a reactivation of their improvising duo was a happy inevitability.
"Essential Anatomies" is the fruit of the pair's renewed efforts. Comprising four pieces originally issued on limited edition cassettes and now widely available for the first time, the double LP is an experiment in audio collage and instant narrative composition. The main tools are sounds from the past: commercially available recordings manipulated and sculpted into a medium with inherent potential. Unlike their plunderphonic ancestors and contemporaries, however, Sheffield and Rippie place a heavy emphasis on atmosphere and a kind of musicality. Their work is surprising and challenging, but it is infused with their keen sense of structure and listenability.
Elements of sound art, drone, glitch, and noise emerge from their altered samples. These sounds have been stripped of any extraneous cumbrances, leaving just the crucial components. The parts that remain, the essential anatomies, form the basis for an ongoing abstract dialogue between two artists with a remarkably developed affinity. The results capture dual streams of consciousness, coursing with a description of nonrepresentational beauty.
"[B]est described as abstract plunderphonics. Sheffield and Rippie use samplers and turntables to sculpt the past into new forms that defy instant categorization; suffice it to say that the old has never sounded so new."
- Richard Allen, A Closer Listen
"Essential Anatomies" has been released by Elevator Bath as a limited edition double LP, copies of which are also available here: www.elevatorbath.com
Mastered for vinyl by James Plotkin
Cover art by Eugenia Loli
credits
released July 7, 2017
Colin Andrew Sheffield (b. 1976, El Paso TX) is the founder of the Elevator Bath recording label. He has released a number of solo recordings on labels such as Invisible Birds, Mystery Sea, Quiet World, and 23five.
James Eck Rippie (b. 1977) is a visual/sound artist originally from outside Nashville TN. His recorded work has been as a turntablist, but he has also worked extensively with other instruments and mediums. He has released his work with the Crónica Electronica and Sirr labels, among others, and has collaborated with sound artists Simon Whetham, Paulo Raposo, and eRikm.
Sheffield and Rippie will tour the US this summer.
elevatorbath.bandcamp.com/album/essential-
anatomies-3
"Compiling recent small-run cassette works into a luxurious double record set, Essential Anatomies represents a reunion for the duo of Colin Andrew Sheffield and James Eck Rippie. Collaborators since 2000 and friends for even longer, the four lengthy recordings here capture their Texas reunion in 2015, and with its undeniable sense of complexity and cohesion, makes it clear that they have not missed a step from their time apart.
On paper, what Sheffield and Rippie do is well-trod ground: processing and recontexualization of samples and other forms of pre-recorded music. But rather than being another pair of John Oswald wannabes, they do so with distinct expertise and precision. To use a slightly abstract metaphor, they are much closer to Public Enemy’s Bomb Squad production, taking bits here and there and using them as elements in a much different whole, than they are Puff Daddy’s wholesale plagiarism and lack of innovation.
The first of the four lengthy pieces (each around 22 to 23 minutes long) is an instant launch into the gloom that is Essential Anatomies. Chilling, piano like scrapes cut through a blackened, churning abyss of sound. Some shrill, sharp bits pierce through the darkness here and there, but the piece largely stays pleasant, even though it is rather bleak and covered in a nicely noisy sheen of fuzz. Tortured, almost melodic tones occasionally shine through a wall of ghostly drifts and heavy rumbles, at times heading toward a bit of harsh crunch, but stays in check. The melodies appear here and there again, acting as a slightly less oppressive counterpoint to the sound of decay that surrounds it. Finally, the duo end the piece on a lighter note, like sun shining through menacing gray skies.
What is abundantly clear right from this start is that Sheffield and Rippie are not only extremely proficient at creating moods and space with their samplers and turntables (respectively), but also a creating dynamic compositions that are quite expansive and varied, changing often but returning to reoccurring motifs that results in a more composed, rather than improvised sound. The second piece allows a bit more of their source material to shine through, mostly in the form of piano notes and what sounds like frozen reverberations of chimes far in the distance. There is the same sense of space, but erratic loops and mangled notes result in a composition that builds in tension, eventually transitioning into haunting church organ like walls that dominate the latter half of the piece.
Comparably, the second record comes across a bit less melodic and a bit more textural in the composition and structure. Part three begins with an almost percussive, crunching machinery like opening that is eventually melded with a batch of wet, almost organic like noises and radio static. Bits of recognizable music still sneak through here and there, but it is less the focus. Instead, metallic sweeps and unnatural field recording like sounds fill out the mix, though it ends on a slightly more ambient note. The final composition first is free and spacious, with some crackling tactile like elements at first, but soon it takes on a decaying sound. More organ and mangled string fanfares give a more conventional signpost here and there, but by the end the duo has already transitioned the sound to one of tension and fright, slowly evolving into an uncomfortable silence to end the record.
While I do not believe I could ever manage to place the source of the sounds Colin Andrew Sheffield and James Eck Rippie utilized in making Essential Anatomies, never does it feel like the two overly processed or from their source. Meaning that, there is some of the original character left from the source material, however subtle it may be. Instead these audio building blocks are obscured but tastefully utilized to construct these atmosphere heavy works. Rippie’s day job is a sound mixer for films and television shows, which surely aided the two in creating the cinematic mood that these two records conjure up. It is that combination of sonic nuance and compositional strength and diversity that make Essential Anatomies so good." [Creaig Dunton/Brainwashed] |
2017 |
€25.00 |
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| SHOEMAKER, MATT |
Spots in the Sun |
CD |
"Dieser Autodidakt in Seattle hat mit seinen dröhnminimalistischen Soundscapes schon Anklang gefunden bei verwandten Seelen wie Francisco López und Bernhard Günter, der auf seinem Label Trente Oiseaux Shoemakers Groundless (2000) und Warung Elusion (2001) herausgebracht hat. Der neue Dröhnscape reizt Hörsinn und Phantasie mit vier Szenen, zu denen man, je nach Wildheit der Imagination, sich Sonnenflecken und Protuberanzen als fernen kosmischen Klangsturm, oder auch einfach ein Fleckchen in der Sonne am Badesee vorstellen mag. Jeweils taucht man ein in grummelnde Tableaus aus Rauschpixeln in vibrierenden Grautönen und schimmernden Monochromien, die in einem Zoomeffekt kulminieren. Als ob das Mikrophon vom Bild angesaugt und verschluckt würde und in den letzten Sekunden akustische Großaufnahmen des Schlunds liefern würde, in dem es verschwindet. Im vierten Teil meine ich bebende Cymbals, Dutzende von Cymbals, als Quelle ausmachen zu können, ein metallisch sirrendes Klangbeben, das im Raum zu schweben scheint, und über das sich dunkle Dröhnwellen hinweg wälzen. Als ob Shoemaker Makro- und Mikroebenen ineinander blenden würde, meint man im Bildgewebe auch die molekularen Reibungen und partikularen Kollisionen wahrnehmen zu können. Letztlich aber verschwinden Katz und Maus im grauen Rauschen. Kennt ihr den? Begegnen sich ein Ästhetizist und ein Anästhesist unter einer Autobahnbrücke..." [Bad Alchemy]
"Matt Shoemaker pulled his chin away from his hand after several ponderous moments, positing that the title to this electrically-charged opus of encrypted drone holds at least two entry points. The most obvious reference for Spots In The Sun would be the astrophysical study of sunspots with all of the allusions to earthly disturbances triggered by events millions of miles away. Yet, on the other hand, Shoemaker also proposed an earthbound reference to regions of the world that only exist -- perhaps literally, perhaps psycho-geographically -- under the intense glare of sunlight. He then shrugged his shoulders, hoping for an ideal situation in which his audience will confront his work as a vacuum and allow personal references to be drawn from within. In simplest terms, Spots In The Sun is a grotesque, sonic landscape with details exaggerated out of proportion and narratives folded upon themselves in a magnificent abstraction of electro-acoustics, rarefied field recordings, and particulate matter plucked from the ether. Shoemaker works in monochrome, shaping his gray tonalities into rhizomes of shadow which occasionally erupt in brilliance of hyper-realized clarity. While the familiar sounds of encircling birds, turbulent weather, and temple bells litter Shoemaker's recordings, the sonic topography describes a vulgar and hostile landscape where fits of delirium and circadian arrhythmia are common human responses. Shoemaker achieves these complex metaphors through labyrinthine drones spiraling through irradiated fog and glassine vibrations, punctured by the scars of a landscape in perpetual revolt. In many ways, Shoemaker's Spots In The Sun could be mistaken for Bernard Parmegiani at his most focused or even John Duncan at his most gracefully brutal." [press release]
"....Shoemaker's music is always present, and perhaps a little more raw than mentioned counterparts, but that's what I like this release. It moves more wildly through various textures from semi-soft to semi-loud in a more continuos manner and thus Shoemaker can be lumped in with some of the drone crowd than say with his microsound counterparts. In the field of drone music his collage techniques may seem odd, but it's surely an original voice. A high quality work, with minor and vital differences." [FdW / Vital Weekly]
www.helenscarsdale.com
"Have a glance back at our most verbose descriptions about anything from the avant-garde fringes of music making, and you'll most likely find a common metaphor of specific locations, or rather the memories that the author attributes to that space -- good, bad, holy, abject, transcendent, etc. Upon listening to Spots In The Sun, we find ourselves returning to the well-trod linguistic device of comparing sound to the detached memories of place; however, Shoemaker's exploration of psychogeographic sound never grounds itself upon a specific location -- like a crumbling hospital, reclaimed World War II bunkers, or even his own favored locations of the jungles of Indonesia. Rather, Shoemaker drops the listener into a sunbleached environment, where heat, humidity, jetlag, fatigue, and general environmental claustrophobia prevent any of the specifics to make themselves known. While Shoemaker's landscapes are openly hostile toward the listener, these swarming masses of sound are incredibly alluring, drawing us in even though we may know better than to enter these openly toxic spaces. Shoemaker is always teasing us with small hints as to where we might be, with screeching birds, temple bells, and the patter of rain; but before we can begin to triangulate a position, Shoemaker rips us from our locale with a ruptured crescendo and drops us somewhere else. It is through the drone that Shoemaker achieves all of this and more, his swarming monochrome morphs from complex vibrations into radioluminescent clouds. Spots In The Sun is an exquisite manifestation of abstracted field recordings pushed to the point of grotesque minimalism, and is indeed some of the finest that we've heard (comparable to the likes of BJ Nilsen, Machinefabriek, Loren Chasse, Philip Jeck's Surf, and mnortham)." [Aquarius Records] |
2007 |
€13.00 |
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| SHRINE |
Ordeal 26.04.86 |
CD |
"The new full length by Dark Ambient / Drone act Shrine is dedicated to the 30th anniversary of the Chernobyl disaster on 26th April 1986. Composed during a post-operative convalescence period in 2015, Hristo Gospodinov says of the process: "To me the Chernobyl theme has always been very special not only because I witnessed the nuclear sunburn effects myself back in 1986 when I was a kid, but also because I find it to be the closest glimpse of a pending apocalypse we have seen so far. I find it terrifying not only because of the devastating effect of the ionizing radiation itself, but also because it was a man-made event. To me, the parallel with the biblical book of Revelation is inescapable." Laced with emotional distress and Shrine's superbly crafted soundscapes and notable sound design skills, "Ordeal 26.04.86" serves as a tribute to those that suffered, and still suffer from the irreparable. Events like this have happened again since - the most recent being in Japan's Fukushima - and there's definite signs that in the future we'll unfortunately witness more of these manmade catastrophes. "Ordeal" will serve as the perfect soundtrack. Ltd x 500 copies in a digipak." [label info]
www.cycliclaw.com
"Das Dark Ambient-Projekt SHRINE haben wir auf NONPOP regelmäßig begleitet. Und dabei immer wieder festgestellt, dass gerade in einem so überlaufenen Genre die Qualität der Musik sehr hoch einzuschätzen ist. Die thematischen Arbeiten des Bulgaren HRISTO GOSPODINOV wirkten stets überzeugend und durchdacht, wie aus einem Guss. Mir war deshalb auch nicht bange, als ich vor einigen Monaten die Ankündigung zu einem neuen Album las, welches sich thematisch mit der Nuklearkatastrophe von Tschernobyl am 26. April 1986 beschäftigen sollte. Solche ganz großen Themen sind ja entweder schon häufig bearbeitet worden oder führen schnell zu enttäuschten Erwartungen. Aber, ganz im Gegenteil: Auch wenn HRISTO im Pressetext etwas dick aufträgt und biblische Endzeit-Prophezeiungen bemüht, liefert er hier musikalisch sein bislang vielfältigstes und stimmigstes Werk ab, so viel schon einmal vorweg.
"Atomgrad" (01) startet mit Vogelgezwitscher und einem bereits leicht bedrohlichen Drone, wie ein schwarzer Windhauch. Mehrere Drones verdichten sich schnell zu einem schillernden, strahlenden Geflecht mit mechanisch britzelnden Geräuschen sowie industriellen Schlägen dazwischen, das Unheil kündigt sich an. Insgesamt ist die Atmosphäre zwar (noch) nicht unwohl, aber es knirscht und knackt wie vor einer Explosion in einer bis dahin heilen, natürlichen Umwelt. "Radiant Skyline" (02) ist wahrlich beeindruckend mit seinen gleißenden, leuchtenden Sounds, die – unterlegt von einem stetigen Bratzeln – permanent mächtiger werdend und tatsächlich klingend wie radioaktive Wolken, sehr filmisch das Ganze. Die Dramatik der Synthielinien mit verwehten, choralen Elemente geht auch als Neoklassik durch, die acht Minuten durchlaufen eine ungeheure Steigerung zu einem mächtigen, flehenden, atomaren Schrei. "The Silent Apocalypse" (03) ändert die Szenerie, wechselt in höhliges, verregnetes Ambiente, durch das ein dunkles, fanfarenartiges Tröten nach unten absteigend, untermalt vom Ticken eines Geigerzählers. "The Night That Hell Broke Loose" (04) nimmt den Titel beim Wort: bedrohliches, maschinelles Hämmern, eher kreischende Töne und rezitierende Vocals im Hintergrund, was mich nicht zum ersten Mal an die etwas Dark Ambient-lastigere Variante von DER BLAUE REITER (siehe auch "Nuclear Sun" – Besprechung zum selben Thema) erinnert. Wehmütiger, schmerzlicher Regen mit klagenden Drones fällt in "Under The Graphite Clouds" (05). Und "The Burden Of Knowledge" (06) ist in Gänze eine radioaktive Soundlandschaft, bedrückend wie eine Beerdigung mit Sounds von Instrumenten und Messgeräten vor blasigen, nach oben steigenden Drones. Alles eindrucksvoll unterlegt von martialischem Dröhnen und russischem Flüstern.
Während dieser monumentalen 50 Minuten verliert HRISTO GOSPODINOV zu keiner Sekunde die Struktur, das Gleichgewicht der Elemente aus den Augen. Ein überwältigend dichtes Werk vor dem thematischen Hintergrund der atomaren Bedrohung, oft außerhalb der Genregrenzen von Dark Ambient. Wie gesagt, das beste SHRINE-Album bisher."
[Michael We. für nonpop.de]
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2016 |
€13.00 |
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| SIGHTINGS |
Terribly Well |
LP |
"The noise rock parade that defies definition, set out on a mission of pure volume worship that is the post-decade pilgrimage of NY-based Sightings. After eight instinctive albums, the Sightings guys show no mercy with endless annihilation of their newest material on Terribly Well. All parts destruction measured against their abrasive songwriting. Jagged, collapsing rhythm based mayhem, guitars that can be mistaken for a freight train being ripped for scrap metal, only to be held together with panic stricken bass patterns that keep their voice from the edge of insanity. An accessible album for the unacceptable; their finest record to date. Each song saws through the humanity, taking no hostages with this hectic industrial rock masterpiece. Edition of 500." [label info]
www.daisrecords.com |
2013 |
€20.00 |
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| SIGILLUM S |
23/20 |
do-LP |
Seit über 20 Jahren gibt es das italienische Industrial- & Elektronik-Trio SIGILLUM S, um die es in den letzten Jahren sehr ruhig wurde. Diese do-LP ist eine Kollektion mit vielen Remixen und Kollaborationen in fantastischer Aufmachung und deckt eine unglaubliche Bandbreite ab zwischen pumpenden "old school" rhythmic Industrial Sounds, dunklem death & ambient Industrial und abenteuerlichen eher am Song-format orientierten Stücken mit Vocals & Gitarreinsatz und gar dubbigen Einflüssen.... ein mächtiger Bastard, hervorragend produziert!
Das Vinyl hat z.T. andere Tracks als die CD-Version!
"More than ever, fringe culture methods and cutting edge acoustic science mate for the generations of endless layers and bursts of sonic pleasure - voices and drones clans across plans and peaks, fishing for universal tremors and sensorial catastrophes. iconic translations of lost symbols flow like pathogenic lava into temporal sequence and weather forecasts become performances for alien audiences.\ The 20th anniversary album from post-industrial noise alchemists SIGILLUM S, \ 23/20\ , features (together with the original line up of Eraldo Bernocchi, P.NG5361.Bandera and Luca Di Giorgio) sound contributions from long time collaborators and friends, such as Bill Laswell, Toshinori Kondo, Professor Shebab, SH Fernando / WordSound, Martino Nicoletti, Lorenzo Esposito Fornasari, ZU, Xabier Iriondo, Ephel Duath, Karyn Crisis and various members of the same band , Mark Solotroff, Thomas Fehlmann, Gudrun Gut, Andrea
Marutti, Claudio Agostoni and many others.\
23/20\ is available as two radically different and complementary formats, a digipack CD and a limited edition gatefold double vinyl, with different track lists and sequences for each format - nine tracks are on both formats, while others (seven per format) can only be found either on CD or vinyl (sixteen tracks per format, twenty three in total)." [label press release]
www.sigillum-s.com
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2007 |
€28.00 |
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| SIGMARSSON, SIGTRYGGUR (BERG) |
So Long |
CD |
"Soundartist die Zweite. Nach Mathieus genialer Traumvertonung nun mit So long das zweite Album des Genres in den Top 20. Anders als bei Mathieu gehts hier nicht surreal, träumerisch zu Werke, hier gibts brummelige, elektroakustische Drones bis zum Anschlag. Wer sich bei diesen langen, ständig sich ändernden, schlichten Drones an The Hafler Trio erinnert fühlt, der liegt sicher richtig. In seiner Zeit in Island hatten Haflers Andrew McKenzie und Berg Sigmarssons Band Stilluppsteypa engen Kontakt. Berg Simarsson hat an diesem Meisterwerk jahrelang herumgeschraubt und so kommt am Ende das wahrscheinlich beste Album des Genres seit Hafler Trios grandiosem „No Man Put Asunder: 7 Fruitful And Seamless Unions“ von 2003 heraus." [Sibylle Bölling]
"A journey through time, perhaps, for a daydreamer floating in a small boat amidst the radiant hues of a midnight sun. That daydreamer in this instance is the Icelandic artist Sigtryggur Berg Sigmarsson, best known for his electro-surrealism in Stilluppsteypa. He has long been an artist of extremes and absurdities -- mania fueled performances, wildly scribbled drawings, and Haflerian audio shock-therapy, on one side; and on the other, a profound meditation on austere shape, form, and mood cast through similar media. Sigmarsson will intermingle these sentiments in slippery juxtaposition and assemblage, with beguiling, haunting, and / or charming results. So Long aligns itself firmly within that latter aesthetic of crypto-minimalism which began to germinate some 20 years ago. At that time, Stilluppsteypa was a trio who had recently eschewed their art-punk trappings, drunkenly scheming to corner the market at Documenta with deconstructivist drone and 21th century circuitry. Sigmarsson would find himself in his own studio, crafting sympathetic works to Stilluppsteypa; but these were directed inward as wounded, naked, and vulnerable concoctions reflective of Sigmarsson getting lost in his own little world. So Long quietly simmered in his head over the years; and with the completion of this album, we now have a sublime gesture of polar impressionism flecked with hallucinatory ambience, Vaseline-smeared crackle, and hauntological displacement. This album had originally been planned for release through the impeccably curated Intransitive Recordings, but that publishing house shuddered its doors before this could see the light of day. Sigmarsson self-released a condensed version of the album on the artbook / cassette If You Have Any Questions, Let Me Ask. The Helen Scarsdale Agency is delighted, honored, and humbled to publish this dronescaping threnody in its full radiance and blur." [label info]
www.helenscarsdale.com
"What a strange and wonderful trip it has been for Sigtryggur Berg Sigmarsson! Despite a journey that currently extends into its third decade, Sigmarsson's course as an artist has never lost its youthful charm, emotional resonance, and Scandinavian grandeur. Since 1994, he has been the crux for the Iceland outfit Stilluppsteypa. Once, a damaged art-punk trio of drunken Dada noise, Stilluppsteypa effortlessly reinvented itself into one of the more adventurous of glitched, fizzed, and digitally abraded outfits right before the paranoiac lapse of Y2K, only the shed those clothes for taciturn sound design of radiophonic drone and polar spelunking which earned them more than their fair share of exemplary dronological recordings often joined by the esteemed BJ Nilsen. Dotted throughout Stilluppsteypa's catalogue of recordings, you will find a few recordings from Sigmarsson on his own, occasionally reflecting a similar aesthetic course to Stilluppsteypa; but often veering even further towards austere minimalism and colder than cold electronics. The ice that is in Sigmarsson's veins belies some of the summery poetry that he has affixed to his solo work. His early masterpiece Ship ripples with sepulchral organ tones and rumbling frequencies that were in many ways the personal soundtrack for Sigmarsson's excursions of floating in the sea around Rejkyavik, while staring at the sun daydreaming about clouds, girls, booze, etc. What could be better? So Long is an album that began around the same time as Ship, in the form of extracts of luminously dark organ drones whose pools of sound never made their way on to any other recording. Slowly over the years, Sigmarsson began shaping those lumps of aural clay into a somber wanderings of soft noise, gorgeous hypno-mesmerism, radiant black drone, and elegantly subtle melodies buried under six feet of snow. Until, the next Thomas Koner record, we can delight in the heavy drones from Sigtryggur Berg Sigmarsson!" [Aquarius Records]
"Following a bunch of releases in the late summer of 2014, mostly on cassette, Sigtryggur Berg Sigmarsson (one half of Stilluppsteypa) returns with a full length release for The Helen Scarsdale Agency, following the fact that the original label to release this, Intransitive Recordings, stopped shop a while ago. These three pieces were made over a long period of time, 1998-2013, of course not being worked on a daily basis, but evolving slowly. Sigmarsson himself published a shorter version of this on cassette - see Vital Weekly 935 - about which I wrote: "these two pieces (fifty minutes in total) are more collage like yet also maintain the trademark drone character of the music of Sigtryggur Berg Sigmarsson. Various pieces are cut together in one long piece (Sigmarsson also mailed me the WAV files for these pieces to be included in the podcast). Beautiful dark drone music, using computer techniques no doubt and on the other side we find field recordings of natural sounds, church organs and who knows what else. It's the music I very much like, and perhaps also can't be critical about. Yes, I heard this before, as good as this etc., but I just like this a lot. Highly inspired ambient drone music with a strong bite. Not lulling the listener to a deep sleep but transporting him to different worlds. Excellent!" As a bonus we get here another fourteen minutes of processed organ sounds and likewise processed field recordings adding more mood to the previous fifty plus minutes. It makes it all quite a fine release of one of the best drone meisters." [FdW/Vital Weekly]
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2015 |
€13.00 |
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| SIGUR ROS |
Von |
CD |
"Wieder lieferbar, die erste SIGUR ROS von 1997, damals noch weitaus experimenteller und droniger als heutzutage...in einer hyper-sphärischen, frei fliessenden Art und Weise verbinden sich auf vielen Stücken dunkles Grummeln, field recordings, Instrumentalklänge und z.T. mehrstimmige Elfen-Gesänge zu geräuschhaften Dronescapes...
daneben gibt es Stücke die schon typische Song-Strukturen und klassische SIGUR ROS Harmonien andeuten ... aber vieles klingt noch reichlich anders, rauher, z.T. auch heftiger rockend, mit extremen Studioeffekten & Cut-Ups versehen, wunderschön das folkige Titelstück VON." [Drone Rec.]
"I remember the feeling that enveloped me the first time that I heard Sigur Ros - a copy of Agaetis Byrjun played over the loudspeakers at Vintage Vinyl in Fords, New Jersey (bless 'em) - my knees quivered, my jaw dropped, and I had one of those all too rare musical epiphanies. Subsequently, I worried that once acquainted with their lovely and idiosyncratic music, it would never elicit quite the same genuine and fresh response again. The reissue of the group's elusive debut, Von, on One Little Indian, puts those misgivings to rest. It may be Sigur Ros's debut, but it is as ambitious as albums come.
Yes, Von is a sprawling work - 72 minutes of sprawl - reveling in sonic experiment, diverse in texture, and somewhat ambling in formal design: so what? When layers of choir-boy vocals are added to the group's singing ("Hun Joro"), when feeble, naturalistic sounds are used in questing improvisations ("Sigur Ros"), or when acoustic instruments coalesce with a swath of electronics ("Dogun"), you'll find your jaw on the floor, too, stunned as ever." [Christian Carey / Junkmedia]
www.xl-recordings.com
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2014 |
€14.00 |
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| SKITLIV |
Bloodletting |
pic-10inch |
"Limited edition 10" Picture disc from SKITLIV, the project of former MAYHEM front man MANIAC.
With a line up that includes SHINING’s NIKLAS KVARFORTH, SKITLIV is a disturbed, and disturbing, blackened doom journey through the mind of this legendary Black Metal vocalist who was one of the original exponents of the genre, and is one of its most recognisable figures.
This picture disc is made extra special not only by the inclusion of “Who Will Deliver Us From Gold and Planets” by CURRENT 93 - an introductory collage destruct that was created at the request of Maniac and is dedicated to him, but also because the artwork that is used for the side containing this track is part of one of Tibet’s own paintings.
Ltd x 777 copies. No repress.
Track Listing:
A1. Current 93 - 'Who Will Deliver us From Gold & Planets?'
A2. Slow Pain Coming (Cold Spring Mix)
B1. A Valley Below (Demo Version)" [label info]
www.coldspring.co.uk
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2010 |
€15.00 |
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| SKULL DEFEKTS |
The Drone Drug |
LP |
Endlich sprichts mal jemand aus: DRONES haben Drogenwirkung! Die schwedische Band SKULL DEFEKTS ist eigentlich nicht unbedingt für lupenreine Drone-Musik bekannt, aber hier sind sie ganz auf der "Analog Synth Drone"-Schiene, sehr trocken, sehr vibrierend und kratzend und knarzend, mit inhärenten wellen- und vibratohaften Bewegungen, keine endlosen hallenden Räume sondern spürbare Reibung und Vibration sind das Thema...
"In their own words, Sweden's Skull Defekts are "all about rhythm, repetition, and all energies in sound." The concept manifests itself in two distinctly different forms. On 2007's Blood Spirits and Drums Are Singing, the band showcased their more "rock"-based sound described by Julian Cope as an amalgamation of Chairs Missing-period Wire, Audionom, and '70s German proto-metallers Tiger B. Smith. However, the DFX, as they're sometimes known, also have an alter-ego under which their sound becomes a harsh wall of droning noise and psychedelic industrial bowel churn. It is that persona that is embodied on The Drone Drug.
Drone is often associated with music that is essentially ambient in nature. While The Skull Defekts do create an ambient aura, The Drone Drug has more in common with the terrifying atmospheres created by noisier cohorts like Prurient then the minimalism of Tomas Koner. The sound is grim, black, and abrasive; mechanical, filthy, and unnerving. This limited-edition LP is the first of two by the DFX to be released by Actual Noise, with the second, Skull, coming in the near future.
A recent appearance at No Fun Fest, an Eastern US tour in October, an upcoming split with Prurient, and a new release on Important Records, all make 2008 a very productive and successful year for The Skull Defekts." [label info]
" NOW ON VINYL!! Limited to 500 silkscreened copies. With a coupon for free digital download of the album, with an extra track, one we're pretty sure was included on the prior cd version of this on Release The Bats, which we reviewed thusly: Holy drone!! This is not at all what we expected from these guys, but then, most Skull Defekts records tend to confuse or confound. Which is pretty much why we love them so. And who are we to turn up our noses art a sonic surprise, especially when that surprise is DRONES. Big thick buzzy snarling crumbling blown out low end buzzing writhing brain melting, ear drum crushing, rib cage rattling, speaker destroying drones. Skull Defekts are no stranger to the drone, and the fact that they called this record Drone Drug, should have been a clue, but the band, who in the past have been heavily rhythmic, have discarded pretty much everything except for the drone. No beats, no riffs, no recognizable instruments, nothing but deep dark drones. This is a seriously heavy record. Dense and brutal, four extended tracks, each an exercise in tension, long form extended tones, but within these, stretched out sounds, much like dronelord Phill Niblock, the various layers are surprisingly active, throbbing and pulsing, and twisting and slithering and buzzing and whirring and shimmering, the sounds rough and raw, bits crumbling and emitting grit, slipping into fuzzy drift and then slipping back into a solid endless throb. The power of the drone is divine, and when harnessed, like this, with volume, and texture, and timbre, the music is a physical presence. Headphones come to life and encase your head in an organic black cocoon of sound, speakers unfurl thick flows of sonic tar, laying supine, eyes closed, you're soon buried alive, beneath layers and layers of resonant rumbling sound. And it is divine.This is powerful, earth shifting, massive minimal music. Not sure if these sounds come from synths or guitars, electronics or sine wave generators, malfunctioning effects pedals or a microphone lowered into the center of the Earth (we're leaning toward the latter), the result is something so primal and organic, so primeval and timeless, the act of listening seems to alter the listener's molecular structure, transporting the listener to an alternate universe, made entirely of sound, where our bodies are transformed into sound waves, our souls escape their mortal shackles and reveal themselves to be pure, deep drones. So awesome." [Aquarius Records review]
www.actualnoise.net
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2008 |
€15.00 |
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| SKULLFLOWER |
Tribulation |
CD |
Ekstatische Noise-Meditation pur, die keineswegs statisch erscheint, sondern im Feedback-Lärm erstaunlich vielfältige Muster & Klänge bereithält... SKULLFLOWER bleiben auch 2006 SKULLFLOWER, aber der Trash-Faktor weicht allmählich vor dem ZEN-Faktor zurück: eine Moloch-artige Klangblase umschliesst einen und haucht donnernd & mit stinkendem Odem "OM".
[Drone Rec]
"Richten wir uns nur nach der Übersetzung des Albumtitels so erwarten uns Not, Leiden, Bedrückung, Qual oder kurz Drangsal und das in musikalischer Form. Dass zwischen Albumtitel und den musikalischen Absonderungen des legendären Matthew Bower nicht viel Raum ist, wird jeder wissen, der Skullflower oder zumindest die letzte Platte "Orange Canyon Mind" kennt. Bower geht den auf "Orange Canyon Mind" eingeschlagenen Weg konsequent weiter und sorgt für ein Klanginferno,das nun wirklich so was von zerstörend, trostlos und niederschmetternd ist, dass man nach über einer Stunde lauten Hörens von "Tribulation" nicht unbedingt beschwingter durch den Tag marschiert. Wirkte das Vorgängeralbum viel zu abgehackt und jedes Stück stand eher für sich alleine, so schafft es "Tribulation" deutlich besser den Bogen zu schlagen und bis auf wenige Aussetzer (z.B. das Ende des Albums) gerundeter, homogener zu erscheinen. "Tribulation" weckt etwas im Hörer, auch wenn es nur die totale Verweigerung ist oder der dringliche Wunsch sich aus dieser klaustrophobischen Klangwelt schnell wieder zu befreien. Rückkopplung um Rückkopplung . White Noise. Dieser total berstende, nervende Klang, meist monoton über Minuten und die vielen repetitiven Elemente, wecken zeitlose Ureindrücke. Bis ins kleinste zerfahrene Power- Drones, Feedbacks wohin das Ohr reicht und eine herrlich schwarzes Aufressen der Verstärker. "Tribulation" ist eine dynamische, wie weltverschobene Meditation mit Melodieansätzen wie Rasierklingen. Musik für Lumpensammler, und ich gebe gerne zu, ich bin ein hingebungsvoller beim Hören von "Tribulation"." [Creative-Eclipse]
www.crucialblast.net
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2006 |
€10.00 |
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| SKULLFLOWER / MASTERY |
split |
LP |
"SKULLFLOWER presents a trinity of sombre meditations evoking Europe after the rain, drowned ruins, sunken dreams: spiders run across harpsichords in deserted schlosses and chateaus, doors slam and phantom demon choirs are summoned at seances by Blatavskian crones, whose impenetrable china blue dolls eyes open onto Tibetan vistas, terrible, ancient and remote…
MASTERY is improvised one man cosm(ag)ick from Ephemeral Domignostika. Total berzerker black metal, rooted in the tradition of true grim blackness, but filtered through Mastery’s cracked perception, transforming this into something beyond true; a droned out and damaged, outsider blackness, that sounds pretty much unlike almost any other black metal.
Ltd x 500 copies.
Standard edition: 400 copies on purple vinyl.
Special edition: 100 hand-numbered copies on green vinyl through Cold Spring mailorder only!" [label info]
" 'We offer an invocation to, and an evocation of the hidden, averse, heathen power that seethe within our native soil. Come leave your timid gelded civilised masks, bow down and rise up, reborn, within our whirlwind', schreibt SKULLFLOWER-Mastermind MATTHEW BOWER unter der Überschrift „Skullflower: What we are ...“ in seinem Blog und vermittelt so eine Ahnung des – ich nenn' es mal – ganzheitlichen Aufforderungscharakters, den er mit der Musik seiner, 1987 gegründeten und 1988 mit der 12'' Skullflower-Birthdeath/release/142281">"Birthdeath" auf BROKEN FLAG debütierenden Band verbindet. Kurzum, der Mann hat Sendungsbewusstsein, und das nicht ohne Grund.
Bis zum, durch interne Streitigkeiten zwischen den Mitgliedern verursachten Bruch im Jahre 1996 handelte es sich bei SKULLFLOWER, ungeachtet ihrer Einbindung in die klassische englische Industrial-Szene der frühen 80er Jahre, um eine Band im engeren und bei ihrer Musik um Noise Rock, im – nun ja – sehr weiten Sinne. Dies änderte sich, als Gründungsmitglied MATTHEW BOWER SKULLFLOWER 2003 als Quasi-Soloprojekt ins Leben zurück rief. Zwar umfasst das derzeitige Line-Up immer noch die Mitstreiter SAMANTHA DAVIES und LEE STROKE, man tut den beiden aber sicherlich kein Unrecht, wenn man in ihnen eher Begleitmusiker für die Realisierung von Visionen sieht, die in allererster Linie BOWER'scher Provenienz sind. Der Sound verschob sich von Album zu Album nachdrücklicher in den Bereich des Noisig-Atonalen, bisweilen auch Dronigen – wobei man sich das, was hier behelfsmäßig als "Drone" bezeichnen wird, im Falle von SKULLFLOWER selbstverständlich dezidiert unbehaglich vorzustellen hat. Den bisherigen Gipfelpunkt dieser Entwicklung bezeichnet zweifellos das, 2011 bei COLD SPRING erschienene Album "Fucked On A Pile Of Corpses", mit dem BOWER ein infernalisches Noise-Monster abgeliefert hat, das sich in der Brutalität und Kompromisslosigkeit seiner musikalischen Umsetzung dem überaus charmanten Albumtitel als absolut ebenbürtig erweist.
Umso überraschter – und das durchaus positiv – ist man nun, auf der vorliegenden, ebenfalls auf COLD SPRING veröffentlichten Split-LP wieder eine Rückwendung in vergleichsweise strukturiertere musikalische Territorien zu verzeichnen. Der Begriff skullflowertruth.blogspot.de/2012/07/black-psychedelia-one-of-these-days-im.html">"black psychedelia", den BOWER in seinem Blog auf das Side-Project VOLTIGEURS anwendet, scheint mir für die Beiträge auf der vorliegenden Split-LP wahrlich nicht minder passend: Was für ein Getöse! Was für eine Wucht! Wer den jüngeren Output bis hin zum besagten, Nerven und Gehör gleichermaßen zerschreddernden Meisterwerk von 2011 ebenso zu schätzen weiß wie ältere, tendenziell „rockigere“ (Anführungszeichen sind hier durchaus angebracht) Veröffentlichungen wie Skullflower-Obsidian-Shaking-Codex/master/54292">"Obsidian Shaking Codex" von 1993, der wird von diesen drei Stücken begeistert sein. Zur Darbietung gelangt eine Melange aus den beiden zentralen stilistischen Betätigungsfeldern der umtriebigen Band aus London – das Beste aus beiden Welten sozusagen. Wie auf den meisten späteren SKULLFLOWER-Veröffentlichungen kommt man komplett ohne den Einsatz von Drums bzw. ganz generell ohne irgend einen Beat aus: Der Sound baut sich alleine aus schneidend-knirschenden, durch Verzerrer und Effektgeräte gemarterte, im aktuellen Fall – passend zum compagnon de guerre auf der B-Seite – ziemlich Black-Metal-lastig tönenden Gitarrenriffs auf, die in der Gesamtschau etwas generieren, das man wohl am treffendsten als apokalyptisches Noisedronehochamt umschreiben könnte. Letztlich mündet der Versuch einer konkreteren Charakterisierung der Musik von SKULLFLOWER fast zwangsläufig in ein Ringen um wohlfeile Worte, denn seit die Band nach ihrer Interimsauflösung im Jahre 1996 und der Wiederauferstehung im Jahre 2003 wieder auf Kurs ist, oszilliert der "typische" SKULLFLOWER-Sound irgendwo im Niemandsland zwischen Gitarrenwänden, Feedbackexperimenten und brutalem Noise – und ist überdies immer im Fluss, will heißen, der Schwerpunkt, um den herum sich die Musik jeweils kristallisiert, ändert sich von Veröffentlichung zu Veröffentlichung.
Die Atmosphäre der drei Stücke der Split-LP ist getragen, man könnte sie schon fast ein wenig pathetisch – nicht im abwertenden Sinne – nennen, doch mag das der Thematik geschuldet sein, die sie laut Promotext umkreisen, es handelt sich nämlich um "a trinity of sombre meditations evoking Europe after the rain, drowned ruins, sunken dreams". Im Übrigen darf es, wer für einen derartigen Alleszermalmer wie das mehrfach angesprochene Vorgängeralbum verantwortlich zeichnet, guten Gewissens mal ein wenig ruhiger und getragener angehen – gar kein Problem. Das sei MATTHEW BOWER und uns, dem enthusiasmierten Publikum, von ganzem Herzen gegönnt. Zumal "ruhig" in diesem Fall ohnehin nur sehr, sehr bedingt etwas mit dem landläufig üblichen Verständnis von ruhig zu tun hat. Langer Rede kurzer Sinn: Großartiger Beitrag – Musik, die im Raum steht wie ein schwarzer Monolith.
Und damit kommen wir zur B-Seite und ... äh ... MASTERY. – Vorweg sei das Eingeständnis ausgesprochen, dass ich mich in der schillernden Welt des Black Metal keiner allzu fundierten Sachkenntnis erfreue, obgleich ich dem Genre im Laufe der letzten Jahre zunehmend mehr Sympathie entgegenbringe. Der geneigte Leser möge meine folgenden Worte also als subjektive Meinung eines Interessierten und keinesfalls als kanonisches Urteil eines Eingeweihten – oder eines solchen, der sich dafür hält – interpretieren.
Denn in der Tat: So lange ich mich bei der A-Seite aufgehalten habe, so kurz kann ich mich bei der B-Seite fassen: Laut discogs handelt es sich bei MASTERY um ein, seit 2005 aktives Ein-Mann-Black-Metal-Projekt aus der Gegend um San Francisco; die Musik beschreibt der Promotext als "[t]otal berzerker black metal, rooted in the tradition of true grim blackness, but filtered through Mastery's cracked perception […]; a droned out and damaged, outsider blackness, that sounds pretty much unlike almost any other black metal." Nun ja. Meiner unmaßgeblichen Meinung nach wäre hier ein wenig mehr Bescheidenheit unbedingt am Platze gewesen: "Blood Electric" ist summa summarum eine ebenso brutale wie uninteressante Uptempoprügelnummer, dominiert von einer Stimme, die irgendwo zwischen genretypischem BM-Krächzgeschrei und Death-Metal-Gegrowle changiert. Und aufregend, geschweige denn "droned out and damaged outsider blackness", geht nun wirklich anders. Nicht nur, dass man dergleichen schon x-mal anderswo und obendrein besser gehört hat – wenn auch nicht unbedingt auf knapp 18 ununterbrochene und mit Fortschreiten der Laufzeit zunehmend nervigere Minuten ausgedehnt. Man fragt sich zudem, worin eigentlich das verbindende Glied zwischen SKULLFLOWERs grandiosem Opus auf der A-Seite und diesem mediokren Gekloppe bestehen soll – und zwar ebenso in qualitativer wie in stilistisch-formaler Hinsicht. Ich jedenfalls bin einigermaßen davon überzeugt, dass so ziemlich jeder, der – mit absoluter Berechtigung! – von der SKULLFLOWER-Seite begeistert ist, die MASTERY-Seite mit einem Gähnen quittieren wird – et vice versa.
Doch sei's drum: Allein für den beispiellosen musikalischen Furor, den SKULLFLOWER auf der A-Seite entfalten, lohnt sich die Anschaffung allemal." [Endsal für nonpop.de]
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2013 |
€23.00 |
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| SLEEP RESEARCH FACILITY/LLYN Y CWN |
Sargo / Posidonia |
LP |
The ultimate deep listening experience from two masters of dark ambient. A slow descent into the blackened watery abyss, where light cannot reach.
The first release from Sleep Research Facility since 2012\'s \"Stealth\" (Cold Spring) is inspired by the deep sea ocean floor. The Canadian-based composer explores notions of awareness and perception in the sub/unconscious listener. Focusing primarily on sound bereft of rhythm based energies, SRF provides an environments wherein the music adds texture to the silence. Using form without structure and concentrating on space as opposed to narrative, SRF entertains the idea that music can reside in the very fabric of sound itself. The brand new material here was created specifically for this split release.
Taking inspiration from the beautiful, but often harsh landscapes and environments of his home on Anglesey, North Wales, Llyn Y Cwn has built on the nautical theme of \"Du Y Moroedd\". These tracks are based on field recordings relating to the ocean, and could be seen as a companion piece to the album. \'Dale Dawn\' features a recording of the dawn chorus made from the floating pontoon at Dale, Pembrokeshire. \'Pebble\' includes the sound of waves crashing on a Dorset cobble beach, thousands of rocks colliding in chorus. \'Doppler Current Profiler\' is based on the sound of an ADCP, an acoustic sonar instrument used to measure water currents - a 600Khz ping slowed to a heartbeat.
Limited Edition LP on audiophile black vinyl for best sound presentation. CD in mini-LP sleeve, replicating the vinyl design. The artwork features a separate front cover design with individual art for each side, making this a true split release.
https://coldspring.bandcamp.com/album/sargo-posidonia-csr317lp
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2023 |
€23.50 |
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| SMALL CRUEL PARTY |
(before the dream...) (SOLD OUT) |
7inch |
released February 1995
"This obscure project from Seattle may be known to some through several strangely and wonderfully packaged vinyl and tape releases (and one CD), as well as through installations and sound works presented in many galleries and other locations. On this nameless E.P. we find two tracks, 'Before the Dream' and 'Of the still Earth' in the typically unique SMALL CRUEL PARTY-style, here working with water-sounds as well as unidentifiable sources, thus creating a very particular language of noise, a special dimension that be must entered 'soul to soul', a very personal communication.
What is expressed by this kind of music you can find in your own treasury! SMALL CRUEL PARTY delivers the KEY (sic!) to open it!
The E.P. is accompanied by a full discography. SMALL CRUEL PARTY also played a rather short but fantastic gig at the first Drone-Extrakt Festival, at Tara (Emden), in October 1993. We'll never forget it.
'SMALL CRUEL PARTY teaches you to listen to a different language.' "[label info]
" SMALL CRUEL PARTY BANNTEN DEN SOUND DER KERAMIKWANNE. IN IHR SITZT MAN, INMITTEN VON WILD ÜBER DEN MENSCHEN NOCH UNBEKANNTEN DICHTERN DISKUTIERENDEN, KLEINEN SCHWARZ GEPANZERTEN TIEREN. SICH STETIG DEM HAHNE ENTREISSENDE WASSERTROPFEN MISCHEN SICH MIT IHREM KLANG UNTER DIE KNISTERNDEN STIMMEN. INMITTEN DIESER GROTTENGERÄUSCHE LIEGT DER HÖRER UND BEGINNT ZU BEGREIFEN, INDES DIE SCHEINBAR ENDLOSE OFFENBARUNG SCHLIESSLICH DURCH DIE BEGRENZTE AUFNAHMEKAPAZITÄT DER SINGLE AUSBLEIBT UND ERKENNTNIS IM BRODELNDEN SOG DES ABFLUSSES MIT HINABRAUSCHT."
(Peter Schlewinski, Vertigo)
" WICHTIG FÜR DAS VERSTÄNDNIS DER MUSIK VON SMALL CRUEL PARTY (ICH BIN MIR SICHER, ER WÜRDE ES NICHT MUSIK NENNEN) IST EINERSEITS DIE KONZEPTIONELLE ARBEIT MIT KLÄNGEN UND UMWELTGERÄUSCHEN, ANDERERSEITS DER SCHEINBAR MEDITATIVE CHARAKTER SEINER AUFNAHMEN. SCHEINBAR DESHALB, WEIL GERADE BEI SEINEN BESSEREN STÜCKEN MEDITATIV TATSÄCHLICH NUR EINE UMSCHREIBUNG IST: SIE REIZEN DIE SINNE ZU EINEM GENAUEN HINHÖREN, SIE SIND STIMULANZEN DER SINNE, DIE SICH VORNEHM ZU PHANTASTISCHEN KLANGLANDSCHAFTEN ENTWICKELN. DER HERRSCHENDE MINIMALISMUS DER MITTEL IN DEN ARBEITEN VON SMALL CRUEL PARTY ERLEICHTERT ES, DAS ANLIEGEN HINTER DER MUSIK ZU DEUTEN. "
(Thomas Beck, Odradek)
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1995 |
€ |
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Islands of Sleep |
CD |
"Verpackt in ein großformtagiges S/W-Geäst – Cover kommt die erste SCP-LP daher. Die Aufnahmen entstanden in Paris im Juni 1997. Concrete music based on glass, wood and water manipulation: rubbing, tinkling, lisping, resonance, sharp & bass tones confrontation. Raw calm. Das ganze auf 250gr vinyl und lim. auf 365copies. V.a. die A-Seite,die eigentlich auf 45 rpm läuft, ist sehr schön, und kann auch auf 33 rpm in Entzücken versetzen." [Drone Rec. info zum LP release 1998]
"SCP makes astonishingly hermetic electro-acoustic brain-melters that resist being easily described. This is no exception. There are (thankfully) no simple emotional signifiers or familiar genre-exercise moves to help you along. For active listening. Favorite track: ...Cette Haine Dirigée Contre Lui Mordait Son Marbre Et Sculptait Sa Beauté.. " [Howard Stelzer on Bandcamp]
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2018 |
€12.00 |
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| SMOOTH QUALITY EXCREMENT |
Destroy our planet, please Vol. 2 |
CD-R |
Vier weitere Stücke von aufwühlenden space-electronics in bedrückend surrealer Atmosphäre. Eerie ambient. Four more tracks coming in oppressing surrealistic atmosphere. Deeply emotional space at its best, inner-mind expanding ! |
2005 |
€10.00 |
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| SOLAR SKELETONS |
Frozen Jail of reversed Demons |
LP |
"The Skeletons are unleashed again, this time plunging into the dismal fogs of Dantesque blackened drone buzzadelics. Both haunting and transcending, harrowing and angelic, the "Frozen Jail Of Reversed Demons" is a monumental blend of post black metal fuzzscapes and eerie cello and synthesizer drones." [label info]
www.tutrur.com
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2011 |
€15.00 |
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| SONDERBERG, ADAM / PAUL BRADLEY |
Anoxia |
CD |
Basis-Material des LONGBOX-Betreibers ADAM SONDERBERG wurde hier von PAUL BRADLEY bearbeitet. Klasse, wie sich aus leisen konkreten Geräuschen allmählich ein breit fliessender Drone-Sog ausbreitet, in dem Glocken- und Gongartige Sounds platziert werden. 37 min. one-tracker, DVD-Box.
“The universe of Paul Bradley is quickly expanding. Besides his solo releases (mainly on his own Twenty Hertz label), he is also an avid collaborator, with the likes of Colin Potter (a recent live CDR was released through ICR) and Darren Tate (their recent CD 'Sometime Today' was released on Plinkity Plonk). Here he works together with Adam Sonderberg of the Dropp Ensemble and Civil War (aswell as from the co-releasing Longbox Recordings label). Here he provides Bradley with the rough sound material, for Bradley to freely use and abuse (much alike the collaboration Bradley did with Darren Tate). Field recordings form again a steady ingredient, and are set against a large wall of droning sounds, which sound like a bunch of processed long strings. In thirty seven minutes the listener is taken on spacious journey through weightless space, with the field recordings buzzing like outer-space meteoritic sand against the space craft. Slowly the sand become small rocks towards the end of the journey and sky falls down. Quite a trip, but a pleasant one as such.” [Vital Weekly]
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2005 |
€14.00 |
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| SONIC YOUTH |
Slaapkamers met Slagroom |
LP |
"Auf 3 langen Stücken zeigen S.Y. ihre free-floating, “improvised”, aber kraftvolle, experimentelle Seite… kommt auf grünem Vinyl, die zweite VÖ auf SONIC YOUTH’s eigenem Label.. " [old Drone Rec. info] |
1997 |
€15.00 |
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| SOSTRAH TINNITUS |
Caravanserraglio |
CD-R |
Hinter SOSTRAH TINNITUS steckt der italienische Maler & Musiker MARIO COSTA, der hier ebenfalls (wie kürzlich öfter festgestellt werden konnte) eine sehr breitgefächerte “experimental ambience” anbietet, die schwerlich einem bestimmten Genre zugeordnet werden kann. Soundquellen speisen sich aus Feldaufnahmen, selbstgespielten Drone-Electronics, konkreten Instrumenten oder Objekten (wie Steinen, Muscheln, Metall), und alten low-fi Tapes. „Konkret“ erzeugte Klänge und elektronisch manipulierte stehen hier also gleichberechtigt nebeneinander, wenn auf 7 Stücken alles zu sinnlichen dreamscapes vermengt wird, die nicht einschläfern, sondern sensibilisieren....
Sensual dreamscapes that don’t lull you in but sensitize, from the italian painter & musician MARIO COSTA aka SOSTRAH TINNITUS, based on all kinds of sound-sources (field rec., selfplayed drone electronics, concrete instruments or objects like stones, shells, metal, and old low-fi tapes); following a kind of recent “trend” of a very broad “experimental ambience” that can’t be put into a certain genre. Great sounding and very carefully created stuff....
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2005 |
€10.00 |
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| SOUND |
Screaming Zenith |
do-LP |
Wieder “weird stuff” auf beta-lactam: ein US-Projekt mit düster-schwülstigen, elektronisch-psychedelischen, oder verspielt-experimentellen Stücken (bei dem auch Viola und Sitar zum Einsatz kommen), gratwandern sie zwischen Irrsinn und Ernst bzw. lassen den Hörer im unklaren, ob er das nun gut finden soll oder nicht....und das sexuell-dadaesk-explizite Cover passt zu der Musik eigentlich überhaupt nicht. Das ganze im Vollfarbklappcover, Seite 4 ist mit Artwork beklebt, viele inserts.
“Cacophony plus catastrophe divided by calliope minus colostomy=crepe-noizette! Sound sound off like a delicious blend of fresh When and finely ground Aphex Twin mixed with just a dash of Pascal Comelade drool. 13 tracks of dark dementia sewn together as a quilt of mini symphonic diversions, embroidered with bits and bytes and twisted sub rhythms and the occasional driving breakbeat. Whimsical and dada-esque with solid musical foundations, this record can also stand as rightful heir to the likes of Didier Bocquet and early Ian Boddy in its sequenced charms. And let's not forget our Frog forebears Albert Marcoeur and Etron Fou Leloublan for that certain "je ne sais quoi" factor. Ah, And as if these were not enticements enough, the gorgeous full-colour artwork may just win you some free counceling sessions should it be seen in your possession by an upright citizen type. A capricious and captivating compendium that sustains the continued use of "C" descriptor words containing "P's" to describe it, saving of course for "crap," which this is never, though you may be compelled to do so when you see and hear how beautiful and odd this record is and becomes. Please to file in experimental...barring that, I should think that rock or electronic would be a fair second, or electronica just gone wrong! If you work at Tower, just steal it and order more later!!!!!!!! “ [press-release]
www.blrrecords.com |
2002 |
€15.00 |
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| SPLINTERED / RLW |
Split |
CD |
"Ja, ist das die Möglichkeit? Haben wir soetwas schon jemals vernommen? Jetzt vergreift sich der Mann auch noch an Rockstücken der englischen SPLINTERED und bearbeitet diese auf seine unnachahmliche Art... was dabei herauskommt, ist Musik, die zwar irgendwie an Rock erinnert, aber dieser Rock muß in einem Parallel-Universum stattgefunden haben, es ist, als wenn man mit noch nicht erfundenen Drogen 'normale' Musik hört! WOW! Auf dem CONTRASTASTE-Label!" [Drone Rec. 1996]
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1996 |
€10.00 |
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| SRH |
Telomer[e] |
LP |
listen: https://klanggold.bandcamp.com/album/telomer-e
Sascha Rosemarie Höfer — telomer[e]
Höfer uses different sound sources and recording processes. One of his focus points is the collection of sounds and noises, which he predominantly records analogue and very rudimentary on tape, various voice recorders and microphones he holds dear. Höfer is collecting sounds indoors or in the field. Usually en passant.
“I like to listen if something interesting catches my ear, but not obsessively. I collect sounds, when I feel like it, not because a certain sound may be extraordinarily exquisite, making me want to trace it. I would regard that as a disruption of the moment, something I generally want to avoid.” says Höfer.
Sascha Rosemarie Höfer’s album telomere[e] breaks with his works of previous years. It took longer to complete, is devoid of conceptual and artistically developed ideas. Rather, it presents the process of metamorphosis: dieback, segmentation, recombination, exploration, ageing and rejuvenation, thus mimicking the language of biology.
telomer[e] took three years to complete, a time during which the different pieces underwent various ecdyses, during which ideas developed and unravelled, explored different stylistic directions and once again dissolved, until first fusions emerged. Fusions Höfer picked up to shape the musical segments into something larger than themselves, finally developing pieces for piano he later merged with the different sounds. The result: telomer[e] as presented on this album.
“It is important for me to create a musical representation of the space where I am recording the music. Not least because it carries a central momentum, which I consider as a fundamental element that may not be excluded. The result often sounds rough and lo-fi-esque.” says Höfer.
telomer[e] is captivating due to its contrasts, it is playful, harmonic and atonal, creating a glamorous homogeneity, despite — or because of — these musically antagonistic efforts. Höfer brings the sounds to life, he nudges them into a conversation until they are fusing, but without losing their immediacy. If you are expecting it to be easy on your ears, you’re out of luck.
Written and produced by srh. Recorded, arranged and mixed by srh.
Instruments: piano, modulated guitars, drones, fieldrecordings, dictaphones, glockenspiel, analogue synths, digital and analogue processing.
Trumpet on “TTACCC” arranged by srh, played by Marco Stubbemann; voicesample on “TAAACC” and clattering on various tracks by Mathilde Schoenmakers.
Cover photography by Melanie Schoenmakers; design: Andreas Usenbenz; mastered by Fabian Tormin [plätlin mastering].
translated by www.tommibrem.de
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2018 |
€15.00 |
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| STAHLWERK 9 |
Sebastian im Traum |
7inch |
"Stahlwerk 9 schaffen hier eine äußerst bedrückende Atmosphäre mit tiefen Stimmen und düsteren Worten zur Endzeit. der Soundtrack für einsame, dunkle Nächte... dies ist der letzte Teil von unserer limitierten 7"-Reihe - Abonnenten des Zyklus 2 Boxsets, bitte meldet Euch." [label info] |
2006 |
€9.50 |
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| STATISCHE MUSEN |
Diskretion . Funktionsmusik Für Verrichtungsboxen |
CD |
https://aufabwegen.bandcamp.com/album/diskretion-funktionsmusik-f-r-verrichtungsboxen
Nach dem Ende des selbst so betitelten „death lounge project“ Hematic Sunsets mit dem Album „Aroma Club Adieu“ folgt mit Statische Musen ein weiteres ebenfalls aus weitgehend anagrammatischen Alter Egos Asmus Tietchens‘ (neben ihm Senta Steumisch, Suse Mittach sen. - M’Pei fällt da etwas heraus) bestehendes Projekt.
Der (Unter-)Titel des Albums wird in bierernster Diktion in den Linernotes erklärt: „Der Senat der Freien und Hansestadt Hamburg begann 2021 nach dem Vorbild anderer Großstädte mit der Aufstellung von Verrichtsungsboxen.“ Von dem „Staatsrat Dr. Kurt Euler“ sei angeregt worden, „die Verrichtungsboxen mit therapeutisch wirksamen Klangtapeten auszustatten.“ Von den vier, zwischen 12 und 16 Minuten langen auf der CD enthaltenen Stücken wurde lediglich eine Version („Box 2“) akzeptiert, die anderen drei abgelehnt. Die angenommene Version habe „auf alle Beteiligten außerordentlich wohltuend und anregend“ gewirkt.
Auf „Box 1 (abgelehnt)“ hört man in Hintergrund ambientes Dröhnen und im Vordergrund fast so etwas wie erratischen Rhythmus. Das Stück ist durchzogen von einer gewissen Unruhe, so als ob sich undefinierbare Entitäten an verstimmten Gitarren versuchten. Bei der (angenommenen) „Box 2“ wird man zwischendurch durchaus an die sogenannten Hydrophonien der “Seuchengebiete“-Reihe erinnert, was vielleicht bzgl. der “Funktion” der Klänge nicht unpassend ist, vor allem dann, wenn man an den oben angesprochenen „anregenden“ Charakter des Stücks denkt. „Box 3 (abgelehnt)“ knüpft an die Vorgänger an, beeindruckt auch hier im Changieren zwischen Abstraktion und Melodik. Beendet wird das Album von „Box 4 (abgelehnt)“, einem Track, der leiser und zurückhaltender beginnt.
Die Hematic Sunsets-Aufnahmen waren voller kurioser, aber zum Teil natürlich durchaus „catchy“ Tracks“. Verglichen damit ist die Musik von Statische Musen näher an anderen Werke Tietchens der letzten Jahre. (MG) AFRICAN PAPER
"You never heard of Statische Musen? Me neither, but see it as an anagram (wait for it, think about it), and then it will read Asmus Tietchens. It's not the first time Asmus has used an anagram for a side project, as there was the Hematic Sunsets project, which he ended some time ago. The new project is not along the lines of Hematic Sunsets but more along the work he carries under his own name, but with a difference. The music is more ambient here, with more transparent sound, complex layers, and a bit of what is probably not a synthesizer but an abundance of sound effects. Maybe also ingredients you'll find in his regular music, but over there, it is usually very sparse and here, well, it's not sparse at all. Each of these pieces is a slow burner with slow development. Musc you start playing, which you ignore or enjoy - just as Brian Eno once proclaimed ambient music should be. As such, Tietchens succeeds very well. I was working on my boring accounts stuff because a new quarter started, and I had this CD on repeat all along. I may not have always discovered new things in there, but I found this music the perfect backdrop to an otherwise tedious chore. It is an interesting new development for Tietchens. Of course, I have no idea if this is a temporary thing or if this is something he intends to develop a lot, but time will tell. So far, I am enjoying this a lot, and I would love to see further developments." [FdW / Vital Weekly]
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2023 |
€13.00 |
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| STORMHAT |
Addicted to Disaster |
CD |
Erste "echte" CD für dieses dänische Projekt. Schwer zu sagen was hier genau passiert, zu komplex und überlagernd sind die vielfältigen (Arbeits?)-geräusche die hier in den Raum dringen, eine chaotisch-hallend-konkrete vielflächige Geräuschsymphonie, es rumpelt und zischt und klingt an jeder Ecke. Zum Teil werden die Ursprungsaufnahmen leicht effektiert, oft werden Sounds von Glocken, Klangschalen und/oder Metallteilen verwendet. Sehr sehr spannend und ungewöhnlich.
"The work of Denmark's Stormhat melds a variety of elements of experimental music, from ambient/drone to field recordings and feedback. With his first pressed CD, Peter Bach Nicolaisen gives us a wonderful hour-long journey though field recordings, reverberating & scraped percussion, and drones. An excellent recording, sure to appeal to fans of all related genres, "Addicted to Diaster" provides a wonderful and engaging listen. Stormhat's work has previously been released on Cohort and A Beard Of Snails. Housed in a custom printed color wallet. Edition of 500 copies." [label info]
"....Stormhat is the Danish word for one of the European continent's most poisonous plants; a few grams consumption of the Stormhat-plant marks the end of a human life. Its also the name chosen by Peter Bach Nicolaisen to work around with sound and music that entirely is based on processed field recordings. That may sound like old news to anyone, but I must say that if you expect some microsound, ambient glitch than 'Addicted To Disaster' will be a small disappointment, and that's exactly what I like it. No disappointment here for me. This is a pretty strong disc of multiple layered field recordings that never slip under the threshold of hearing, but owe much more to world of 'noise' and 'industrial', even when it has as such nothing to do with that world. This music is there, it's present and a truly great pleasure to hear. Its hard to say what these field recordings originally were, except for the occasional thunder storm passing and some crackle of leaves, but otherwise things are too abstract to be recognized. This breaks away from the traditional field recordings cum microsound ground and moves into something different. That's a great thing and Stormhat delivered a fine CD." [FdW / Vital Weekly]
http://discs.diophantine.net
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2008 |
€12.00 |
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| STRATVM TERROR |
This is my own Hell |
CD |
"The return in late 2008 of Peter Andersson (Raison D'etre, Necrophorus etc) and Tobias Larsson (Ocean chief) after a long silence.
"This is my Own Hell" is over an hour of darkest, bleakest industrial. Spanning minimalist dark ambience to doomed industrial passages. Stratvm Terror portrays an absolutely hopeless atmosphere of pure desolation.
credits
released December 17, 2008
All torments by Peter Andersson & Tobias Larsson.
Paintings by Mia Mäkilä.
Released as a collaboration with Existence Establishment (existest.org)." [label info]
reversealignment.bandcamp.com
Some seriously bleak death industrial from Peter Andersson (of Raison D’etre) along with his partner in sonic crime Tobias Larsson. Long tracks that rumble and hum, grind and throb. The slow build of opener “Now Ever Sleep...” sets the stage with a terrifying suffocating creepy-crawl that manages to build in intensity without building in volume, it’s like a black hole getting blacker, with greyed swaths of hiss and swirls of crumbling shimmer, underpinned by distant death drums, stunning and harrowing.
The rest of the album manages to up the intensity even more, splintering at times into bursts of caustic, near metallic brutality, with sheets of grinding noise, heaving machinelike swells, super processed vokills, a swirling morass of sonic miserablism. But those moments are balanced by hushed passages of tranquil ambience, and long stretches of what sounds like air conditioners and heating units and the mundane sound of city life, blurred and smeared into blackened streaks and muted rhythmic pulsations.(Aquarius Rec) |
2008 |
€12.00 |
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| SUDARIA |
The Syncretic Labyrinth |
MC |
"Sudaria opens up the gates of (un)reality to unveil the true shapes behind the mirror of the illusory self; 9 mantras to break the illusion, 9 keys to open the holographic seals of Maya.
«Following in somnambulism the invertebrate steps of a primary Art. Drowned into the ascetic syncretism of silence and noise. The pulse of necro-mechanical cannibalism. Rising beyond Catharsis in ransfiguration; devouring the corpse of the illusory self. 9 Keys to the Gate; 9 mantras to break the holographic seals of Maya. Dressed with the shrouds of Malediction. The Immortal Binary Clock.»
Samples on «Ghastly Eaves» from Arvo Pärt’s Missa Syllabica
—All Musick and artwork by Miguel Souto, MMXVI.
miguelsouto.bandcamp.com
sudaria.bandcamp.com"
www.attenuationcircuit.de
"In a binary existence, the idea of quantum suicide can be engaged in order to convince us of our own immortality – we exist only in a world in which we haven’t died. All other universes, however, contain a rotting corpse that looks uncannily similar to ourselves. Unfortunately, not all life and death scenarios are quite so black and white and it is this nagging knowledge that could have led Miguel Souto to protect himself with these nine sonic mantras.
The Syncretic Labyrinth is a dark, contemplative and often hellish joint release from the German Attenuation Circuit and Spanish Sphingidae labels. Ghostly winds and strained, shrieking guitars set the tone on opening track Veils of the Syncretic Maya before a low drone edges in, paving the way for a frightening chugging as if feral pistons were rampaging through rain-drizzled streets. Kapala then pours its gloopy way into the skull of its audience. A thick, blackened bass rumble squeezes into your cranial space as unrelenting, reverb-chained, metallic thuds pound out in the approaching distance. Voices gasp in reverse like a solemn message escaping from the Black Lodge before being replaced by a pained guitar painting the aural landscape. This shifts from solitary notes to driving chords, whipping up a growing sense of tireless toiling – the slog of existence peppered with a glimmering light through wretched gloom.
The labyrinthine cacophony (of which Borges would be proud) that Sudaria has formed sidles easily from tormented industrial clangs, through leaden techno for sleepwalkers, and into a stained dark ambience via the tectonic-plate-bothering plod of some inconceivable colossus. A gentle sea of consciousness is sporadically cleft apart by softly comforting snippets of travelling trams, trains, and trucks, grounding this in the gritty present. A bluster slips by. Lofty ideas can be born in these waters but heads must stay out of clouds. A melancholy piano desperately collapses and Arvo Pärt’s choral chants lie under a canopy of drones. These paranoid yet hypnotic soundscapes give the final moments of this record an ethereal and phantasmagorical quality."
mithratemplezine.com/sudaria-the-syncretic-labyrinth-album-2017/
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2017 |
€8.00 |
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| SUDDEN INFANT |
Psychotic Einzelkind |
CD |
"Founder Joke Lanz has paired up with Bill Kouligas & Christian Weber to create the most musical & realized Sudden Infant studio recording to date. Psychotic Einzelkind clocks just over 71 minutes & features three remixes by Z'EV, Lasse Marhaug, & Thurston Moore." [label info]
www.blossomingnoise.com
"Eine CD mit einem solchen Titel, am vorderen und hinteren CD-Cover sind Flecken abgebildet, die als Rorschach-Test durchgehen könnten. Und dann: diese Musik. Joke Lanz, Bill Kouligas und Christian Weber aka Sudden Infant rauschen und dröhnen sich durch elf Nummern, zu denen sich drei Remixe von so illustren Gästen wie Z'EV und Lasse Marhaug dazugesellen, Thurston Moore drangsaliert die Gitarre, als ob er Bandmitglied bei Ramleh wäre. »Psychotic Einzelkind« versammelt Tracks, die zwischen Noise, einer Art von Industrial Metal und recht konventionellen Schlagzeug-Rhythmen angesiedelt sind. In unerwarteten Momenten brechen sich diese Texturen wieder selbst, abstruse Sounds und Geräusche drängen sich in den Vordergrund. So gesehen also eine typische Sudden-Infant-VÖ, man merkt wieder mal, dass diese Entwürfe weit mehr seltsamer Soundart (NWW, HNAS, …) geschuldet sind als dem hermetischen System des Noise. Rudimentärer Lärm mit Unterhaltungswert und Persiflage." [Skug]
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2008 |
€13.50 |
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My Life's a Gunshot |
4 x LP |
"Top shelf all the way - we're all amateurs when he hits the stage!" - Ron Lessard / RRRecords
" Limited edition of 500
Paintings by Joke Lanz
Essay by G.X. Jupitter-Larsen
Mastered by Rashad Becker
Design by Bill Kouligas
Compiled & selected by Joke Lanz & Ed Benndorf
These two double LP's combine 49 rare and unreleased tracks as well as some of Sudden Infant's most essential and radical work from the last twenty years. Beautifully housed in two fold-out double LP's with original cover paintings by Joke Lanz and an exclusive 4-page essay by GX Jupitter-Larsen. No CD or download releases planned.
"Born in Switzerland, now based in Berlin, Joke Lanz (aka Sudden Infant) is one of the most prolific and profound artists working in the border zones where performance and body art meet improvisation and Noise. In his Sudden Infant guise, Lanz creates a unique blend of physical sound poetry and epileptic noise bursts, using contact microphones, loops, tapes, etc. The result is an extreme form of musique concrète that juxtaposes spasmodic gibbering with a battery of disorienting electronics." - The Wire
Recent selected activities:
Artist residencies in Berlin (1999) and London (2004)
Composition assignment by Pro Helvetia - Arts Council of Switzerland (2006)
Lectures and workshops at:
Musicacademy Lucerne Switzerland 2003/05
University of Stellenbosch South Africa 2008
University of Music and Performing Arts Vienna Austria 2009
Noise for kids workshops and presentation at:
Avanto Festival Helsinki Finland 2005
Henie Onstad Art Center Oslo Norway 2009
Several compositions for Contemporary Dance, Films, Radioplays and Soundinstallations
Innumerable releases on international labels e.g. Schimpfluch, Entr'acte, RRR, Tochnit Aleph, Blossoming Noise, SSSM, Artware, Klanggalerie, MSBR, Some Bizarre, iDeal."
[full label info]
"Joke Lanz Is Back! - Mit einem großen Knall,
viel Krawall und Krach stürzt diese 8-seitige
und Vinyl-Only-Mammut-Werkschau von SUDDEN
INFANT auf einen ein. Er schlägt mehr als einmal einen unvorhersehbaren Haken und läßt den Hörer eigentlich immer erwartungsvoll zurück auf das was denn da als nächstes kommen wird. Natürlich könnte man sich die Titelliste zur Hand nehmen, aber das bedeutet man verdirbt sich seinen eigenen Spaß. Es tun sich tausend von Eindrücken auf. Man wird förmlich von der Schwere des Vinyls und der Intensität der Darbietung in diese, seine Welt hinabgezogen. Verschiedenste Spielarten der freien Muzak werden in unterschiedlichster Charakteristik und Aufnahmemedien zum Verzerr angeboten. Manches wird den einen oder anderen stören, was wiederum andere in Entzückung versetzt. Vom Erzeuger selber wurde an dieser Zusammenstellung bis zum Ende gefeilt, gearbeite und gestaltet. Diese Liebe zum Detail ist umwerfend, gnadenlos und vollgestopft mit naiver Spielfreude und entwaffnender Offenheit. Ein Essay zu SUDDEN INFANT vom G.X. Jupitter-Larsen höchstpersönlich rundet diese außergewöhnliche und beispielhafte
Veröffentlichung ab. Essentiell für alle, die
das Wort "Industrial" auch weiterhin gedenken im richtigen Kontext in den Mund zu nehmen! Zubeißen! (10)" [Carsten Vollmer, ELEKTRISCHE ZONE]
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2010 |
€49.00 |
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| SUNN O))) |
Black One |
CD |
Das BLACK ONE – Album bedeutet für SUNN O))) nicht nur den Einzug in die Feuilletons der grossen Tageszeitungen (New York Times: „art metal“, Die Zeit: „Laute Mönche“), es ist auch das bisher experimentellste und ausgefeilteste Dokument ihres Schaffens, reine Geräuschmusik-Stücke wechseln mit den typischen sub-bass-metal-drones, gequälter Zombie-Gesang taucht auf, aber auch ganz ruhige Zen-Klänge von OREN AMBARCHI, der bei vielen Stücken mitgewirkt hat.... Definitiv das beste SUNN O)))—Album bisher, mit dem sie in neue Bereiche vordringen anstatt den etablierten Stil endlos zu wiederholen.
„...Im Idealzustand (live!) erreicht dieses Schichten von Sounds und Feedbacks eine Intensität, die mit dem Phänomen der Singularität aus der Astrophysik vergleichbar ist. Masse nimmt exponentiell zu, bis ihre Dichte nicht mehr messbar ist. Ihr Zusammenbruch ist Ende und zugleich Neubeginn. Der Punkt, an dem bei Sunno))) die Gesetze der Physik und Empirie versagen, neue Kategorien entwickelt werden müssen, ist der Moment, in dem der Zeuge dieses subsonischen Spektakels ins schwarze Nichts hinaustritt und von dort seinen leeren Körper betrachtet. Sunno))) machen ultimative Höhlenmusik. Grottenrock. Und wäre diese Welt eine bessere, Steve O'Malley und Greg Anderson wären die neuen Sly & Robbie: eine runtergebrochene Rhythmussektion, geeicht auf den metronomischen Pendelschlag des Weltalls....“ [Andreas Busche / Spex]
“The anticipated new album from sonic-doom powerhouse SUNN O))), and the band's darkest, most obliterating album to date. Seven bleak and crushing tracks of aural asphyxiation, delivered with tonal magma explosions, subsonic ferocity, and the blackest atmospheres known to man (or beast). Includes guest contributions from OREN AMBARCHI, WREST (LEVIATHAN, LURKER OF CHALICE, TWILIGHT), JOHN WIESE (BASTARD NOISE), and MALEFIC (XASTHUR, TWILIGHT), who armed with a microphone and severe claustrophobia, recorded vocals from inside a casket, loaded in the back of a Cadillac hearse.” [label info]
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2005 |
€13.00 |
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| SUPERSILENT |
8 |
CD |
"Inzwischen sind wir bei Supersilent 8 (RCD 2067), Dazwischen liegt ein beständig sich verändernder Klangfluss von harschem Free Noise (1-3) über Electrojazz (4) zu ambienten Soundscapes (5 & 6). 8 entstand, wie schon die Rune-Grammofon-Klassiker 1-3, Luggumt oder
Raus Aus Stavanger, im Athletic-Sound-Studio in Halden. Alles ist improvisiert, aus 5 Stunden wurden 66 Minuten ausgewählt und von 1 bis 8 durchnummeriert, es gibt keine Overdubs. Abstraktion, oder nennen wir es besser Absolutheit, und Kollektivität sind Trumpf. Als Klangquellen dienen Audio Virus & Gitarre, Keyboards & Synthesizers, Drums, Trumpet, Voice & Electronics. Neologismen wie FutuRhythMachine (K. Eshun) oder SonicFriction (T. Berne) sind notwendig, um der Nowness von Supersilents Trips halbwegs gerecht zu werden. Mit Supersilent unterwegs sein, heißt Niemandsland
durchstreifen. Das Neuland hat gemeinsame musikalische Grenzen allenfalls mit Ektroland und Neuseeland. Fremdartig monotone, oder krumme Sun-Ra-Takte (8.3!), raues, rockfernes Gitarrengedröhn, Gebrabbel und Singsang, als ob der Geist von Leif Elggren unter einem Bett hervor kröche (8.5). Der Hall einer Possible-Worlds- Trompete von weit draußen, der Hauch einer ‚Flöte‘, immer wieder ‚psychedelische‘
und ‚spaceige‘ Raumzeitverformungen durch Keyboards und Electronics. 8 ist wie eine Prellung, die schillernd aufblüht,
gleichzeitig zeitlupig und gerafft auf eine Stunde, vielleicht weil der Bluterguss einen ganzen Raumquadranten verfärbt. Manchmal
bleibt nur ein Zwitschern und aleatorisches Zucken wie von einschlagendem Sternenstaub, dazu Kopfstimmengesang (8.6). Plötzlich ein Freerock-Blitzgewitter, ein donnerndes, schneidendes Inferno (8.7)! Mit einem finalen Gerumpel. Als Epilog dann wieder Getröpfel. Und enigmatische Spaceharmonik. Die pure Alienpoesie." [Bad Alchemy]
"Helge Sten, Ståle Storløkken, Arve Henriksen and Jarle Vespestad celebrate 10 years as a groundbreaking quartet with their first studio album in almost 5 years. Their music lives in a no-man's-land between the genres, somewhere between rock, electronica, jazz and modern composition. Yes, we say composition because when listening it´s not far fetched to think it could have been, although everything here is improvised, as it has always been with Supersilent. With ”8” they have yet again re-invented themselves, exploring more abstract and mysterious pathways and ending up even further away from traditional categories. The album is produced by Deathprod and mastered by US mastering guru Bob Katz." [press release]
".... Another excellent, original Supersilent effort, with the use/abuse of vocals opening up some new dimensions to their sound. Parts of Supersilent 8 give us the idea we're listening to some sort of really strange field recording, the documentation of the fracturing of an iceberg, the swarmings of bugs, or the language of birds or bats, when in fact this is a very human-activated, machine- mediated, far-from-natural audio document. Of course at other times on this album that fact is quite evident! Indeed, Supersilent 8 also is the closest these "death-jazzers" have come to making rock album, especially when the super distorted, hazy murk of psychedelic howling almost garage-rock-improv pummel of track 7 is taken into account." [Aquarius Records]
www.runegrammofon.com
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2007 |
€15.50 |
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| SUZUKI, AKIO |
NA-GI 1997 |
CD |
Great album by this japanese sound artist, field recordings from the japanese coast melt with soft overtunes & subtle sounds from a wind-instrument....
Field Recordings von der japanischen Küste....in halluzinogener Art vermischen sich hier Wind- & Meeresrauschen, sanfte Obertöne, und dumpf-verhallte Töne eines Blasinstrumentes.....
„ NA-GI (Windstille). Bei der Installation KLANGRÄUME_HANA 1997 steht ein Tisch mit einer Vase, bei der die Schnittblume täglich ausgewechselt wird, in der Mitte des Raumes. Das "Einwerfen" der Klänge in die Natur ähnelt dem Stecken einer Schnittblume in eine Vase. Verfolgt man diese Klänge, findet man die ursprüngliche Musik der Natur. (Akio Suzuki "study event" '63)
Bei der Installation KLANGRÄUME_HANA 1997 steht ein Tisch mit einer Vase, bei der die Schnittblume täglich ausgewechselt wird, in der Mitte des Raumes. Der Tisch und die unglasierte Tonvase werden so schlicht gehalten, daß sich der Blick des Betrachters auf die Blume konzentrieren kann. Man hört die Musik immer auf der Grundlage der eigenen Erfahrungen. Steht man vor der Blume, könnte man da nicht in die innere Musik hineinhorchen?
Die Musik wurde in Takano, Tango-cho, aufgenommen, an der nördlichen Küste von Kyoto, wo ich wohne. Die von vulkanischen Felsenhöhlen umgebene Bucht ist der Ort, wo die Klänge der mächtigen Wellen des offenen Meeres gedämpft widerhallen. In den Höhlungen des Felsens strömt das Meerwasser immer wieder wie ein Atemzug ein aund aus. In der Höhle tropft ständig Quellwasser, und hin und wieder bringt der Wind von der Wiese über der Kluft die leisen Töne der Grillen herüber. Indem man nach den kleinen, im Schwarm wie eine Silberkugel rundtanzenden Fischen blickt oder die Felsen beobachtet, auf denen sich ein flackerndes Licht der Wasseroberfläche spiegelt und dabei die Klänge "einwirft", offenbart sich das Dasein der Strandvögel und der Frösche, als ob aus der Zeit ein Stück herausgeschnitten worden wäre. Die Klangräume der Küste von Takano. Ort der neuen Begegnung mit dem Rhythmus der Meerestöne.“ [Akio Suzuki, Okt. 1997]
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1997 |
€16.00 |
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| SVARTE GREINER |
Kappe |
CD |
"Wer dachte, dass das Debüt von Erik K. Skodvin alias Svarte Greiner schon eine ziemlich düstere Angelegenheit war, sollte Kappe besser nicht im Dunklen hören. Denn die vier Tracks gehören zum verstörtesten und düstersten Dark-Ambient, das ich seit langem gehört habe. Vier Kompositionen in unterschiedlicher Länge, von denen der fast schon ironisch betitelte Opener Tunnel of Love noch das kürzeste Stück darstellt, auch wenn es den anderen in Sachen Intensivität in Nichts nachsteht: angetrieben von einem permanenten, metallenem Geräusch von rasselnden Ketten, braut sich im Hintergrund langsam ein kolossaler Sturm zusammen, ehe man in tiefe Drones und undurchdringendes Rauschen abdriftet. Dagegen wirkt der Anfang von Where Am I geradezu friedlich, doch auch hier setzt bald klaustrophobische Enge ein, weicht auch der letzte Kerzenschimmer totaler Dunkelheit. Immer wieder brechen Fragmente durch, die entfernt Stimmen und Schreie sein könnten, dekonstruierte Instrumente, Gitarrenfetzen und vermummte Saxophonklänge quellen aus der hallenden Weite hervor und verlieren sich wieder. Der fast schon sakrale Unterton wirkt zunehmend wie der Soundtrack des letzten Gerichts. Und doch ist Kappe keine willkürliche Ansammlung verstörender Sounds, sondern erstaunlich gut durchkonzipiert. Trotz der scheinbaren Monotonie, die die 16 Minuten von Candle Light Dinner Actress durchzieht, schafft es Skodvin, trotzdem die Aufmerksamkeit hoch zu halten, auch oder gerade wenn sich einem zuweilen die Nackenhaare aufstellen. Kappe ist ein 45-minütiger Horrortrip, und damit auch ein Album, das an den Nerven und der Ausdauer der Hörer zehrt. Ein Album, das aus den tiefsten Wäldern Norwegens zu kommen scheint, und genau dorthin auch wieder verschwindet, ohne dass man genau weiß, was einen getroffen hat. Eine Unheimliche und vor allem unheimlich dichte Angelegenheit. Wahnsinnig, im doppelten Sinne." [Eikman, The Last Beat]
"This is Erik Skodvin's (one-half of Deaf Center) second full-length release for the Type label as Svarte Greiner. His debut Knive was a milestone in doom music. Taking a surprisingly acoustic route, he kick-started a sub-genre as he used cello, violin and rattling miscellanies to conjure up blood-curdling soundscapes. Kappe continues Skodvin's blackened underworld cruise, furthering his mysterious, cinematic sound. Through incessant touring, Skodvin has built up a distinctive live technique since the release of Knive and it is this which works as a spirit guide on Kappe. Travelling the dark corners of the world, Skodvin has explored every shadowed alleyway in his grasp, built up a collection of broken glove-puppets and potion-filled medicine bottles and trapped many a stifled scream in the process. Some of these disparate adventures were captured to cassette tape (Penpals Forever, Digitalis Limited) and wax disc (Til Seters, A Room Forever), but the most evil moments were set aside for this full-length record; four fated psalms in honor of the dark Northern lords. The album's opener "Tunnel Of Love" may be the noisiest piece Skodvin has produced to date with a death-rattle of chains accompanying his patented maritime bass drone. It sounds something like Death's gondola gliding through purgatory, gradually building into a dense, chattering cloud of torment before dropping into bleak stillness. Skodvin is joined by Ultralyd saxophonist Kjetil Møster who adds a disarmingly terrifying squeal to the horrifying detuned strings on "Candle Light Dinner Actress." The most startling change here is his incorporation of the electric guitar -- "Mystery Man" sees Skodvin harness the feedback into loops of distressing, pained melancholy, bringing to mind Skullflower or a slow-motion Sonic Youth at times. Kappe, however, is very much its own beast, and followers will already know that nothing sounds quite like Svarte Greiner. You won't find a more unsettling record this winter." [label info]
"... another mysterious missive, broadcast as always from some dark sonic underworld, courtesy of the man known as Svarte Greiner (Erik Skodvin to his mother), following the equally haunting and mysterious Man Beard Dress lp from the end of last year. As we've mentioned before, this is doom. But not doom as you know it. Not heavy and crushing and downtuned and distorted, instead, spectral and ghostlike, abstract and ambient, doom in vibe, intention, spirit, as much as in sound. It's not about riffs or beats, it's about mood and space and soul, and taking a cold hard look through the cracks into the crumbling wasteland that lies inside all of us... " [Aquarius Rec]
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2009 |
€16.00 |
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| SYBARITE |
Dolourous Echo |
7inch |
Dass BRAINWASHED auch immer ein Faible für gut gemachte Popmusik hatten, beweist diese Single von SYBARITE mit zwei warmen, weich melancholischen, harmonisch-fliessenden aber interessant gestalteten Elektro-Pop / IDM - Stücken....
“Two instrumental songs from Brooklyn-based multi-instrumentalist Xian Hawkins. As Sybarite, he's released full-length albums on labels like Temporary Residence and 4AD and has had a number of singles and compilation tracks from labels all over the world. He is currently working on his second full-length album for 4AD. It's upbeat, amazingly well crafted and never wears out its welcome. www.brainwashed.com/sybarite blue vinyl !” [press release]
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2005 |
€6.00 |
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| SYNCHRE |
Requiem |
CD |
All instruments and compositions _ Luca Canciello & Lorenzo Brusci
Vocals _ Movement 2, The Zimbabwebird; Movement 1 and 3, Sosta Palmizi
Text, Movement 2 (by Zimbabwebird, in Zulu and Shona, 2015): "Thuma mina, mweya mutsvene.
Unditumeo" [Send me, pure spirit. And then send me.]
Lorenzo Brusci, 1966, co-founder of MUSSTDESIGN.com, managing partner at the music robot start up MUSICFIT (musicfit.ch).
He launched over the last 20 years prestigious adventures in the audio and sound space design field as the sound and interactive design studio GIARDINO SONORO (giardinosonoro.com) and the architectural speakers manufacturer ARCHITETTURA SONORA. He has been composing music for various ensembles, theatre, television and radio since the early ’90s (He founded TIMET.org in 1993).
Lives between Berlin, Tuscany and Krakow.
www.lorenzobrusci.com
www.soundcloud.com/lorenzo-brusci
Luca Canciello, Italian born, Berlin based.
Multi-instrumentalist, composer, sound designer, he performs experimenting with live electronics, instruments and sounds.
www.soundcloud.com/climnoizer
His musical journey and inspiration have brought him into various fields and art disciplines, working solo or collaborating with other artists and bands.
His interest for other art forms, in particular dancing, leads him composing musical pieces for theatre, dance companies, experimenting the various natures of rhythm in music .
On sound design, he’s been involved on projects linked to international cultural heritage and architectural media mapping.
The mechanism of individual and collective memory and its rituals, are the central inspiration of our Requiem. It’s not a formal Mass; our intention was to harvest and express the community’s need of sharing and binding its ties while facing the experience of death.
A deep sense of community - religo in latin, binding in english - inspired our structural research. Requiem becomes then the concerting moment that asks for “holding back”, a desperate request of time suspension, the ultimate demand for re-living, re-experiencing, re-loading, re-gaining, now, in this very ritual and public moment what will be lost forever.
Through a free attitude in music composition and expression - our syncretism - we designed a process of electroacoustic layering, consolidating in 3 compositional areas the process and destiny of organic life.
- Living Elegy - the enchantment for life and its many endangering gates: the movement is subdivided in (living) Articulation, (ritual)Transition and (pathological) Abandon;
- Nostalgia - the seeking for the integral time suspension and life preservation;
- Transfiguration - where we depict the organic reaction to danger and biological faith, subdivided in (furious and ultrabiological) detachment, (regenerating) intimate power, (coding the) extended mind, (persuing a new form of) immanency.
https://emerge.bandcamp.com/album/requiem
"Lorenzo Brusci (Timet, Climnoizer, Giardino Sonoro) & Luca Canciello gestalten als SYNCHRE mit ihrem Requiem (ACU 1009, CD) aus Drones, Breakbeats und dunkel grollenden Blechbläsern (oder Orgelpfeifen) einen Dreisatz aus 'Living Energy', 'Nostalgia' und 'Transfiguration'. Als einen Übergangsritus, mit einer zart flehenden Gesangseinlage von Tozim Madzima aka Zimbabwe Bird, zu plonkenden Lauten aus dem Innenklavier. Danach wieder rauschend sich wälzende, zittrig verzerrte und knarrende Synthie- und Gitarrensounds, mit Vogelgezwitscher durchsetzt und erst zeitlupig gedehnten, dann wieder zuckenden Beats. Und zuletzt auch wieder der dunklen Bläserpracht, zu der sich diese grandiose Musik der brausenden Verwandlung entgegen stürzt. Wer braucht noch eine Leitkultur, nach so einem Durchgang ins weiße Licht?" [Bad Alchemy] |
2016 |
€10.00 |
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| SZCZEPANIK, NICHOLAS |
The Chiasmus |
CD |
"Nicholas' debut CD is much more than an impeccably constructed piece of abstract drone music: The Chiasmus undulates between waves of quiet melancholy and overwhelming beauty, with small slices of pointillistic noise. an album where the emotional response is always the central focus rather then pure aesthetic concerns, the nuances of The Chiasmus are only revealed upon multiple listens; by then, the listener is completely tuned into the world it presents. packaged in a jewel with a 16 pages booklet of art by Avery McArthy." [label info]
"... We mostly know him as the owner of Sentient Recognition Archive label, who produce some professionally packed CDRs of the moody, textured drone music around. I think this is the first time I hear his music. Its hardly a surprise that he creates such music himself. Drone music with a big D. Szczepanik seems to be drawing inspiration from all over the place. Through calm and atmospheres, he isn't too shy about breaking away from that and offer a louder end of his excursions. Things buzz and drone and sometimes bite your ear. Think a louder Organum meeting the softest Machinefabriek. The softer moments are the best, I think, but the louder bits (a minority here) provide a great counter point. Maybe a bit long, but very nice." [FdW / Vital Weekly]
"A split release between bad ass French microlabel Basses Frequencies, and Szczepanik's own Sentient Recognition Archive label, The Chiasmus is Szczepanik's latest collection of dronology, and the first proper cd we've had (quite possible his first proper cd release
entirely). We've long been fans, being the dronelords and ladies we are around these parts, and past Szczepanik joints have demonstrated a mastery of the drone, creating surprisingly lush and lustrous expanses of low end minimalism. On The Chiasmus, Szczepanik continues to move ever deeper, ever darker, five long tracks, each a different variation of drone, drifting from minimal black shift, to near Pop Ambient bliss.
Record opener is cavernous, epic, Teutonic and slow shifting, peppered at the beginning with bits of glitch and hiss, the song soon settles into an uneasy sprawl, ominous and dangerously grim, but still somehow warm and expansive and enveloping. The second track shifts gears completely, unfurling a gauzy bit of chordal shimmer, all warm and sun dappled and delicate and gauzy, gentle tranquil melodies played out over minutes instead of seconds, a little Eno for sure, as the song drifts and flutters and hovers dreamily in midair. The final three tracks hover somewhere in between, deep moaning post industrial whirs laid over dense metallic buzz, the two layers slowly seeping into one another like some blackened sonic spill, deep bell like tones ring out, their tones frozen in time and stretched out into softly undulating sheets of sound, slightly reflective and iridescent and
kaleidoscopic, glimmering and glistening underneath some alien black sun, and finally, a loooooooong stretch of grinding muted buzz,
spreading out in slow motion, it's black shimmer infused with streaks of melody, as if some strange black seas was slowly growing warmer and coming to life before our ears.
Fantastic, gorgeous stuff. Essential listening for the drone obsessed..." [Aquarius Records review]
www.bassesfrequences.org
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2009 |
€12.00 |
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| SZKIEVE |
Chants et Danses Folkloriques des Hauts Plateaux |
CD-R |
Nach der "Ekranoplanes" mCD auf Ant-Zen was neues vom Belgo-Kanadier SZKIEVE, er verwendet auf den neun Stücken analog-synth sounds, schillernde organ drones & haufenweise field recordings, die mit bestimmten Plätzen & Geschichten Ekuadors verbunden sind.
Abwechslungsreiche Soundgemälde...
"Experimental sound composer from Belgium, actually he is living in Canada. Dimitri Della Faille the man behind Szkieve started with his project at 1998 also, he founded on this year Hushush label. Szkieve has performed some concerts in Europe, America, Japan & China, previous records were released at Hushush label, Ant-Zen, Ad Noiseman and others. This new record enclose an amazing mixture of deep sounds with some short ambient parts on 9 tracks. Each track title has a reference about old Ecuadorian stories of different places. Limited edition of 300 copies, full color art works & packaged in PVC sleeve." [label info]
www.rapeartprods.com
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2008 |
€12.00 |
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| TAM QUAM TABULA RASA |
Fabula Rasa |
CD |
"Und dann ist es doch noch passiert! Über 15 Jahre nach den ersten Cassetten erscheint endlich die erste full-length CD der italienischen (for me at least) KULT-Gruppe! Auf 6 Stücken breitet sich hier ihr typischer, auf endlos-loops basierender hypnotischer Sound aus.. weniger noisig als auf älteren Cassetten, ist dies eine würdiges erstes Album!" [Drone Rec. info 2001]
„First widely distributed CD from this well travelled Italian group. Obscure ritual sounds utilizing loops, restrained feedback, natural sounds, bells, various percussive elements and droning tones. At times hypnotic and flowing, other times more creepy, abrasive and cold. Sexually graphic artwork.” [label info]
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2001 |
€13.00 |
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| TARAB |
I'm Lost |
CD |
"A schizoid-concrete opus of environmental sounds heightened, stimulated, decontextualized, and teased into a psychic puzzle of industrialized and post-industrialized detritus, I'm Lost marks another milestone in the ever impressive catalogue from Australian sound-artist Eamon Sprod, who adopts the moniker Tarab for his endeavors. The title is one that explodes with a multitude of meaning. There's the geographical frustration in losing one's way as the surrounding landmarks fail to match with whatever technology may be in use (e.g. a sextant, a compass, an iPhone, a torn map, one's poor memory of a childhood neighborhood, etc.). There's the psychological implications of being lost from the existential narratives that we have scripted for ourselves due to broken relationships, failed jobs, dead relatives, natural disasters, the hand of God, etc. In addition to these possibilities, Sprod proposes that the notion of "lost" could also be an inversion of the idea of the "found object" or the "found sound," instead becoming the "lost object" or the "lost sound." Sprod's semantic wordplay is hardly a conceptual gimmick, as he fully immerses himself in the confusional framework while maintaining a consummate technical prowess over his field recordings. The compositional approach is rhizomatic, with dead-ends, wrong turns, and reprisals of these same dead-ends and wrong turns, offering a blackhumor sneer at the stubbornness of humanity's inability to learn from our mistakes (e.g. pollution, blight, poverty, disease, etc). Within the album's harsh edits and disjointed collages, Sprod renders sound with dysphoric associations through his vacant drift, crumbled gravel, scalding plasma-tube frequencies, and putrid factory noise. I'm Lost achieves the same psychological gravity as heard in the works of Sudden Infant, P16.D4, and John Duncan with an even greater sense of dislocation from those pioneers of radical tape splicing." [label info]
www.23five.org
" "Careful arrangements of sonic rubbish." That's one hell of a great artist's statement, courtesy of Eamon Sprod (aka Tarab). Over the past decade or so, this Australian sound-artist has quietly produced some of the finer examples of composition through field recording. His work is hardly the stuff of pleasantries from a soft ambient whoosh set as the backdrop to various birdsongs plopped willy-nilly for the intrepid listener to identify. Nope, there's always the threat of psychological, psychic, and existential violence lurking throughout Sprod's work. When the insect chorales push through to the foreground, it's symbolic of pestilence, disease, blight, and the simple fact that much in the outback can fucking kill you. It's easy to tap into the ultra-violent, post-apocalyptic, doomsayer, and/or isolationist scenarios mapped out elsewhere through the Australian psyche (e.g. Mad Max, Chopper, On The Beach, Bad Boy Bubby, etc.); and Sprod carves out his own niche in digging through the hinterlands of urban neglect, locating meaning of psychogeographical import (or the lack there of) within a recontextualized sound object. Since his debut Surfacedrift back in 2004, Sprod's work has steadily exhibited a maturation in conceptualization and aesthetic complexity, culminating in the schizophonic collage-tactics of I'm Lost.
The opening salvo of leaden thud, turbine roar, and pressurized blasts of air slithering through release valves is a torrent of concrete-actions, jump-cuts, and dead-ends, as if Sprod has decided to dematerialize the listener and purposefully mistranslate the coordinates between alternate realities of equally miserable / fascinating locations of industrialized bleakness. When he settles upon a singular space-time continuum, it's a vat of uranium churning at the bottom of an oil drum, while the container itself quickens its half-life through atomic fission. Another turn and Sprod channels an ethereally unholy skree of a thousand particle accelerators amassing their beams on a single contact microphone, ending up with something akin to a far more uncomfortable Phill Niblock or Rhys Chatham, manifested through what could be fluorescent bulbs. The quiet passages of textural rummaging that Sprod intersperses throughout I'm Lost have the queasy feel of somebody pulling off scabs from old wounds. Equal parts Cronenberg and Schimpfluch (Lanz, Phillips, Eb.Er., Zeier, etc.) - so of course, it's fucking awesome." [Aquarius Records]
"When reviewing 'Strata', the previous release by Tarab in Vital Weekly 911, I already noted that he's not the world's busiest bee when it comes to releases, but with steady intervals there's always something new. The title could refer to being lost in a geographical sense of the word, or being lost from 'existential narratives that we have scripted for ourselves' (broken relationships, failed jobs), but Eamon Sprod uses it for 'lost object' and 'lost sound', opposed to 'found object' and 'found sound'. He still uses field recordings on these five pieces here, but also to a wider extent than before the collage/cut-up aspect in all of this. 'Strata' seemed rather un-manipulated, but 'I'm Lost' is surely the product of lots of manipulation. Firstly through the layering of sounds and secondly through cutting these up and re-assembling these sounds. It makes that this music is a bit more noise like than before, jumping around in all these weird and unexpected cuts. It's not easy to say
where Tarab gets his field recordings; if they are tied in to specific location(s), or thematically linked or from whatever source he seems fit. Maybe they all stem from pollution sites, I thought, as to a certain extent it seems to me this album is also a bit darker than his previous work, or perhaps many other works by those who work inside field recordings. It may share the negative worldview of say Joe Colley or the near-broken equipment of Francisco Meirino and with both of them it's a similar collage like styled, dynamic work of collage and cut-up. And, if you have been paying attention in the past few years, it's this dynamic form of noise - loud, quiet, high, low - which, combined with a refined sense of composition, is something that I enjoy very much. Therefore I can easily say that this is Tarab's best work to date. Strictly personal opinion, obviously." [FdW/Vital Weekly]
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2014 |
€13.00 |
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| TARENTEL |
Ephemera |
CD |
"Die vielleicht harmonischte aller Post-Rock-Gruppen mit entspannten, sphärischen Gitarrenstücken, behäbig langsam und den Zeitfluß verfremdend.. nice new album of one of the most harmonic post-rock bands with relaxed, spheric guitar-drone pieces.." [Drone Rec. info 2002] |
2002 |
€15.00 |
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| TARIQUA 'ALAWIYA |
The \'Imara (The Dance of the Stars) |
LP |
This version of the ‘imâra starts with the qahili introduction in the form of a prayer to the prophet, then the tawhid (the affirmation of divine unicity) : « lâ illâha illah llah ».
This same dikhr (psalmody) quickens its pace, at first very slowly, then more and more rapid until the name of Allah is repeated to a binary rhythm.
The fuqâra will shortly retain only hu (from Allahu) as it is gradually imposed by the qutb (the pole). The hu is transformed by this special ‘imâra alchemy into the unique breath of the spirant hamza (the sound emission technique is purely abdominal), and then, when the qutb claps his hands, it becomes more and more prominent.
Associated with the name of Allah, the hu asserts itself by accelerating and quickening the pace to the point of metamorphosing itself into hamza. The balance between the soloist who sings the mystical poems and the rest of the assembly is progressively established, and then the accelration of the hamza finally throws the participants into the abyss of ecstasy.
https://viaparigi.bandcamp.com/album/the-im-ra-the-dance-of-the-stars
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2021 |
€25.00 |
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| TAZARTES, GHEDALIA |
Jeanne |
CD |
"Jeanne (Vand‘Oeuvre 0732) ist nur ein Kleinod von 30 Minuten, die Musik für ein Theaterstück nach dem Roman Jeanne la Pudeur von Nicolas Genka, das die Compagnie Pardès Rimonim 2006 aufführte. Aber wenn Tazartès Zeilen von
Genka in seiner unnachahmlichen Manier intoniert, singen wäre dafür viel zu wenig gesagt, dann stellt sich unwillkürlich das Tazartès-Feeling ein, ein Schauer, ausgelöst von
einem Timbre, das wie aus uralter Zeit und wie von weither klingt, mystisch, mythisch fast. Urtümliche Weltmusik ist das, aber völlig eigen gemischt aus rauen Streicherklängen,repetitiven Minimalmotiven, seltsamer Keyboardharmonik in Moll und ziemlicher Schräglage. Klassisch wenn man so will, Kammermusik, wie man sie sich als Soundtrack von Michael Nyman vorstellen könnte, der eine Stimmung von Wehmut unterstreicht. Von
Tazartès stammt übrigens die Musik zu Yolande Zaubermans preisgekröntem Film Moi Ivan, toi Abraham (1993) und zu Catherine Corsinis TV-Version von Ödon von Horvaths Jeunesse sans Dieu (1996). Seine Form von Proto-Freakfolk, er taufte es Mitte der 70er ‚Impromuz‘, erhält einen wesentlichen Teil seiner Bizarrerie durch einen Zug ins Urbane, speziell durch seine Adaption von Musique concrète in der Freundschaft mit Michel Chion. Wobei das zittrige, pathetische arabisch-jüdische Ziegenhirtentimbre die Verbindung zu einem Zustand oder einer Bewusstheit von Fremde herstellt, einen Kontakt zum Jude-, Frau-, Tier- und Quasimodo-Pol. Zu ‚Les femelles‘ blubbert nur eine Tuba. Dann klackert ein Schlagzeug zu den dunkel webenden Streichern und Tazartès stimmt einen Chazzán-Blues an, während im Hintergrund Fußballfans vorbei ziehen. ‚TA‘ rockt einigermaßen autistisch gegen die Wand und da singsangt er dazu nur ein entsprechend debiles „tatatatita“. ‚Mother‘ ist dann purer Freakrock, der auf der Zeile „(What do you mean with) I want to fuck your Mother tonight“ herum kaut und mehrstimmig „Mamme-
Mama“ stammelt, bis Tazartès mit ‚Lamento/Jeanne‘ noch einmal einen archaischen und herzzerrissenen Klagegesang anstimmt und ein Rezitativ, als ob der Geist von Artaud in
ihn gefahren wäre. Umgekehrt ist sein Geist längst übergesprungen auf DDAA und STPOs Pascal Godjikian. Aber hier hört man das Original in seiner irritierenden, fast erschreckenden,
ergreifenden Einzigartigkeit." [Bad Alchemy]
"Recreating the idioms of some ethnic musics, Ghédalia Tazartès invents himself an imaginary world which seems to be inspired by differents forgotten traditions. Musician, genious handyman, singer to the improbable accents, Ghédalia Tazartès pours a flood of sounds and atmospheres, voices and strange melodies, weaving the screen of an hallucinatory soundtrack which accounts for the universe of the show 'Jeanne' (Co Pardès rimonim) for which it carried out the majority of those compositions. Artist out of time, Ghédalia Tazartès shared incredible collaborations in particular with Alain Gigout, Michel Chion, Philippe Adrien or François Verret." [credit notes]
www.centremalraux.com/disques
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2007 |
€15.00 |
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| TBC_CZEPOKS |
Korridore |
CD-R |
TBC: Electronics
Rana "Miss Ton": Keyboard
Rieckmann: Saz , Tankdrum
Seemann: Bass und Bogen, Tankdrum, Spieluhr, Violinharfe
Aufgenommen in den FSK Studios am 11. Februar 2022
Nachbearbeitet von Seemann
Master: TBC
Cover: Nika Vero
https://tbc-czepoks.bandcamp.com/album/korridore
" 'Raum', 'Stock 3', Gänge' und Korridore (Wachsender Prozess, Cdr), das hatte bis vor Kurzem noch 'nur' einen Beigeschmack von allenfalls leicht kafkaesker Bürokratie oder den unguten Geruch von Krankenhäusern. Jetzt evoziert TBC_CZEPOKS damit unwillkürlich den Wunsch nach Flucht-Korridoren. Der Zoom in beige Labyrinthe, die Gängelei durch Formulare hat sich umgekehrt in verzweifelte Hoffnung auf Auswege, Notausgänge, Befreiung. Die vier Soundscapes, in die einen Thomas Beck aka TBC mit Electronics, Rana „Miss Ton“ an Keyboard, Gunnar Rieckmann per Saz und Seemann mit Bass & Bogen, Spieluhr und Violinharfe, beide auch noch mit Tankdrum hineinziehen, sind dark ambient genug, dass da der saugende Thrill von David Lynchs paranoiden Kamerablicken in „Lost Highway“ ebenso fesselt und Unbehagen bereitet wie eine Bedrückung in bombardierten Kellern. Ein dunkelwolkiges Quallen ist auf Dauer gestellt, die Spieluhr weckt melancholische Gefühle, nostalgische Erinnerungen, der Tankdrumbeat leise Hoffnung, eine Frauenstimme versucht mit beschwichtigendem Lalala einzulullen. Windspielerischer Klingklang verfestigt sich gamelanesk, doch die Beats 'tropfen' dabei auch wie die Wassermusik in Ilja Kabakows undichtem Museum. 'Gänge' dehnt sich wie 'Raum' zuletzt nochmal über 14 Min., als Dreamscape, in dem gedämpfte Beats nicht aufhören als Loop zu 'läuten', Drones nicht nachlassen zu rumoren. Dabei versuchen die vier bewusst, das ständig 'händisch' zu strukturieren, mit Sazwellen und vor allem feinmetallisch hellen, klingelnden, ansatzweise rhythmisierten Schlägen, die jedoch dem unterbewussten Fluten, Dröhnen, Mahlen nur wenig entgegensetzen können." [BA 115 rbd] |
2022 |
€8.00 |
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| TEARDO, TEHO & BLIXA BARGELD |
Nerissimo |
LP |
Sie sind zurück! Drei Jahre nach ihrem Debüt „Still Smiling“ veröffentlichen Teho Teardo und Blixa Bargeld ihr neues Album „Nerissimo“. Darauf zeigt sich erneut ihre langjährige, künstlerische und persönliche Verbindung. Während viele gemeinsame Projekte zeitlich befristet sind, haben Teho und Blixa ihre Beziehung neu definiert und erkunden gemeinsam neue musikalische Territorien.
Zum Artwork des Albums wurden sie vom Gemälde „Die Gesandten“ inspiriert, das Hans Holbein der Jüngere 1533 schuf. Darin sind Referenzen zur Philosophie, Religion, Sterblichkeit und Illusion eingebettet – Themen, die ebenfalls auf dem Album aufgegriffen werden. „Nerissimo“ ist der italienische Superlativ für schwarz – und das ist dieses Werk durch und durch. Dabei ist jedoch mitnichten „dunkel“ gemeint, wie die Farbe sonst gerne assoziiert wird. Schwarz enthält alle erdenklichen Farben und ebenso bietet auch die Musik unzählige Möglichkeiten.
So spielen sich in den Songs mikroskopisch kleine Dramen wie in einer Petrischale ab ("Ulgæ") und erstrecken sich zu einer surrealen und kosmischen Siebenminutenreise in „Animelle“. Der Titeltrack eröffnet das Album auf Englisch, beendet es auf Italienisch und wirkt so wie eine Buchstütze, die eine wertvolle Sammlung literarischer Werke umklammert. Neu ist der Einsatz von Holzblasinstrumenten. Umgeben von Tehos Baritongitarre, Glocken und dem Arrangement klassischer Streichinstrumente spielt vor allem die Bassklarinette eine signifikante Rolle. Wie eine Schutzhülle umarmt sie zärtlich Blixas tiefe und gleichzeitig liebliche Stimme.
Die Sprache verbindet auch die beiden Städte Rom und Berlin, in denen das Album aufgenommen wurde und legt den Grundstein für eine emotionale Reise durch die letzten drei Jahre des gemeinsamen Arbeitens. Die mannigfaltigen Facetten der verschiedenen Schwarztöne bilden ein Tagebuch von Geistererscheinungen. Von Farben, die – einmal beim Namen genannt – das ganze Universum verändern können. Sie gleichen einem Flug durch die Nacht, bei dem die vielen einzelnen kleinen Lichter der genannten Hauptstädte von oben sichtbar werden und ein ganz neues Bild ergeben.
https://neubauten.org/de/releases/nerissimo
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2016 |
€20.00 |
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| TEFITON (VAN BEBBER, CLAUS / ERHART HIRT) |
Tefiton |
LP |
"tefiton features over 40 minutes of thickly layered and at places elegantly slick noise textures generated from electronics, feedback and turntable. tefiton features ulrich krieger (zeitkratzer, sonic youth collaborator) on saxophone on one track. the overall sound shifts between almost classical improv and abrasive moments more known from the field of noise music. claus van bebber (turntables) has been a founding member of the artist collective heinrich mucken (1982-1990) and as a sound artists has collaborated with erhard hirt, paul hubweber, philip jeck, helmut lemke, michael vorfeld and more. erhard hirt (guitar + live electronics) works since the 1970ies as a musician and promoter/curator in the field of improvised and experimental music and collaborated with derek bailey, stephan wittwer, davey williams, eugene chadbourne, hans reichel and many more." [label descriptions]
label: www.aufabwegen.de
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2005 |
€13.00 |
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| TEMPLE MUSIC |
Volume II |
CD |
"Temple Music return to the themes first set out in Volume One – that the Olympian Gods of ancient Greece can still walk amongst us - in their superb new album, Volume Two. In the years intervening, Temple Music have evolved - via some stunning live shows and the Songs Of Absolution album, as well as the explorations of sonic possibilities in the ongoing Green Man series - into a unique acoustic/electronic/experimental/mythic band, and each of the six tracks on this new collection displays a different facet of their sound. Key personnel continue to be Stephen Robinson and Alan Trench, joined here by Julie Brackenbury and Tracy Jeffery. Using old analogue synths, delicately plucked and blown acoustic instruments and an acute musical sensibility that melds together seemingly disparate elements into a visionary whole, Temple Music create mesmeric and awe-inspiring soundscapes; for invocation and contemplation; for navigation through the dreaming backwaters of the aeons; and for the starlit times that shiver in the spaces between - intense and atmospheric, shifting and hypnotic . As you would expect from Temple Music and Shining Day, this new collection comes in a wonderfully evocative package; a foldout full colour wallet from original artwork by Alan Trench printed on heavyweight textured stock and cased in a protective wallet. Edition of 300 copies." [label info]
www.shiningday.pl
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2007 |
€13.00 |
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| TENHORNEDBEAST / MARZURAAN |
split |
CD |
Zwei lange Stücke auf dieser Split der Bands aus UK. Unfassbar weiten & mächtigen, fast halbstündigen DOOM-DRONE produzieren TENHORNEDBEAST, die früher als ENDVRA aktiv waren. MARZURAAN ist die zweite Inkarnation von RYN, und sie rocken hier weniger metallisch-krachig, sondern in wunderbarer ultra-minimaler JESU-Manier... Spezielles ausgestanztes Cover.
"Aurora Borealis is proud to present this split CD by two of the lesser known greats from the Northeast of England. TENHORNEDBEAST is the dark vision of Christopher Walton, part of the much feted ENDVRA, masters of 90s dark and occult ambient. 'Law of the needle', clocking in at over 28 minutes, is an oppressive opus of doomed drone, both monolithic and multifaceted. Pure power. "elongated, sinister drone, ...distant, echoing string resonance from bowed guitars and cold, steely walls of distortion" think the good folks at Boomkat, as well they may. MARZURAAN contribute 'Into countless battles', 13 minutes of narcotic guitar haze. I think this is my favourite of anything they have done to date. So good, you never want it to end. The gruff metal grunts of the 'Solid Wood' LP have been replaced by a subdued, almost crushed vocal, totally stands out. "acres of textured guitar, low end pressure and brooding drums" say Boomnkat. Can't wait to hear more from MARZURAAN - this is epic, like a bassier, looser, Mogadon dosed JESU with a man past caring roped in to give his thoughts on where its all gone wrong. Pete from MARZURAAN did the artwork and layout. Printed on heavy textured card and with 2 diecut runes. Comes in a pvc bag." [label info]
" Every once in a while, someone will release a record, and we can't help but feel like it was made specifically for us. And for you. Some records just perfectly speak to the aQ aesthetic, as undefinable as that seems to be. This is another one of those cases. Someone thought it would be a perfect combination to match up UK one man ambient drone outfit Tenhornedbeast, with UK slow motion doomlords Marzuraan. And it is perfect. And a fantastic idea, but just because something is a great idea, doesn't always mean someone thinks of it. And we're not saying we had been thinking someone should get these two bands together specifically, we're just glad they did, and we sort of wish we HAD thought of it. But that's neither here nor there. The important thing is that it happened, and now we can all luxuriate in the deep dark heaviness both of these bands explore. And while the bands are indeed different, their aesthetics are not all that far removed. The both exist in some blackened nether region, haunting sonic realms, where heaviness can be expressed in both utter darkness and extreme force, sometimes
both, and once in awhile neither.
Tenhornedbeast offer up a nearly 30 minute long sonic ritual, beginning as a bit of swirling black minimalism, but slowly building to a truly intense wall of doomdrone, the sound thick and textured, a churning cauldron of low end buzz and downtuned disembodied riffs, all brought to a boil and poured out in a viscous black torrent, left to flow like some subterranean river. But these deep drones are laced with melodies, and keening high end shards, allowed to shine forth occasionally, but often swallowed up before they can fill those caves with their unnatural light. The track continually changes shape, sound and timbre, various shades of grey and black, lightening and darkening as the landscape changes, a haunting journey through some lost world, where sound replaces sight, allowing us to navigate ever deeper.
Marzuraan counter with what must be one of their prettiest tracks ever. It's still sludgey and doomy, but the notes ring out, the melodies almost soar, the sound fuzzy and glimmering, almost like these guys have caught the shoegaze bug as well. Washed out and blissy, super melodic and melancholy, but the coolest part is that the track seems to warble and waver, almost like someone is manually adjusting the tape speed, so the notes sound drunken and drugged, the track lurches and weaves drunkenly, only adding to the haunting and off kilter beauty. Part way through, the riffs get a little more riffy, and then the vocals come in, a moaning distant croon, and we're most definitely in serious Jesu territory, but that weird speed shifting hitch, keeps it from sounding too pretty, or two blissy. But if these guys keep heading in this direction, they could definitely give Jesu, and Nadja and other metallic shoegazers a run for their money.
The packaging is super swank, a three panel gatefold, each of the front panels diecut with each band's symbol, printed inside and out, housed in a thick plastic sleeve with a sticker affixed to the front." [Aquarius Records review]
www.aurora-b.com
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2008 |
€13.00 |
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| TENNEY, JAMES |
Melody, Ergodicity and Indeterminacy |
CD |
Für Freunde früher elektronischer Musik sind auf dieser CD v.a. die beiden Computermusik-Stücke ERGODOS I & II interessant (1963 + 1964), die mit unglaublichen Sounds gefüttert sind und als Vorläufer späterer Minimal & Drone-Musik gelten. Daneben sind hier 4 Solo-Instrumentalstücke für Flöte & Klarinette enthalten (darunter seine frühesten Werke POEM (1955) und MONODY (1959). Äusserst obskur wird es, wenn moderne Kompositionstechniken Computerklänge & Instrumente verbinden, was auf drei längeren Stücken von 1964 passiert. Eine schöne Zusammenstellung, welche die Vielseitigkeit dieses US-amerikanischen Komponisten demonstriert, inkl. Booklet mit Begleittext auf Englisch, Deutsch, Französisch!
"Poem" (1955). Jos Zwaanenburg, flute. "Ergodos I" (1963) computer music. "Monody" (1959). John Anderson, clarinet. "Ergodos II" (1964) computer music. "Seegersong #1" (1999). John Anderson, clarinet. "String Complement (with Ergodos II)" (1964) computer music with violin, viola, cello, bass. "Seegersong #2" (1999). Jos Zwaanenburg, flute. "Instrumental Responses (with Ergodos I)" (1964) computer music with flute, bass clarinet, trombone, bassoon, violin, viola, cello, bass, percussion, baritone. "Ergodos III" (1994). Frank Denyer and Nora Mulder, pianos. "Percussion Response" (with Ergodos I) (1964) computer music with Tobias Liebezeit, percussion.
Barton Workshop. James Fulkerson & Frank Denyer, directors. First Recordings. “James Tenney (1934-2006) was probably the first composer to develop an aesthetic for computer music, realizing that electronic music almost forced the composer to accept noise as music and to abandon the idea of absolute control over a composition. He came to accept Cage’s passion for randomness, but from a different angle: computer music can be “unpredictable” (rather than “random”). This CD looks at how Tenney persistently asked two questions: “What if?” and “How does it work?” Entitled Melody, Ergodicity and Indeterminacy, it brings an understanding of Tenney's exploration of the act of listening and the factors of composition, of how materials can be assembled, how a composer creates musical continuity. It contains four solos for flute and clarinet which are taken both from some of his earliest works, Poem (1955) and Monody (1959) and from relatively late in his career, Seegersong #1 & 2 (1999). The cd features Tenney’s Ergodos compositions (forerunners of minimal music or drones) - instead of a fixed object, the listener hears a process and assembles his own experience from the sounds which have enveloped him. The reel-to-reel source tapes for Ergodos I and II are unique in that they may be played in either direction, beginning and ending at any point and-or with any number of super-impositions of parts (channels). On this cd, both Ergodos tape pieces are presented along with the tape and its String complement, Instrumental responses (10 performers) and also with a percussion soloist (Percussion responses). Like so many of Tenney’s pieces, these works walk a line between the composers input and the choices of the performers in order to come to fruition. Tenney’s conscious inclusion of the performer's input is a consistent characteristic of his music and remains a factor which distinguishes him from many other composers.”
www.moderecords.com
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2007 |
€15.00 |
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| TEST DEPARTMENT / TEST DEPT. |
Disturbance |
LP |
In an ideal world, Disturbance, the new album from industrial pioneers Test Dept, would not exist. It wouldn’t need to. Britain would not stand divided by xenophobia. Working class communities would not be under siege. Capitalism would not have created a climate change crisis pushing the planet towards a dangerous brink. And the Thatcherite ideals that Graham Cunnington and Paul Jamrozy spent Test Dept’s early years raging against would not be so terrifyingly back in political vogue.
Back in1981, Cunnington, Jamrozy and a revolving door of talented artists from disparate disciplines and backgrounds formed Test Dept, forging an incendiary new sound from a squat in New Cross that made them underground heroes, landing the group under surveillance by the British government. 37 years later, on Disturbance, that sound is as incendiary as ever.
“It began with a project to do with our archive,” recalls Cunnington. It was the early 2010s and Test Dept had been dormant for years. The pair wanted to sort through Test Dept’s old recordings to “re-establish our history and get our music out there again” after record label red tape left many of their 14 albums out of print.
When attention turned to the “next logical step of a new album”, an idea emerged – taking germs of ideas from old songs and turning them into new, sledgehammer-heavy sonic experiments full of powerful protest poetry. Politics had come full circle. It felt fitting to do the same with their music.
The result is an album that at once peers into the past and roars into the future, across eight tracks that conjure the raw power of Test Dept in their original, 1980s incarnation while adding new elements. “We’re different people now – not spring chickens anymore,” laughs Jamrozy. “We’re still angry but it’s tempered by a slightly different wisdom. We tried to upgrade the sound, to soup things up further.”
“Art is not a mirror to reflect reality, but a hammer to shape it,” the poet and playwright Bertolt Brecht once wrote. It’s a mantra that continues to drive Test Dept. who return to their past on this eviscerating new album in order to move into a bold new future. They hope Disturbance can soundtrack a society doing the same.
music merch
Disturbance
by Test Dept
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dauvit Test Dept. have always sounded like Test Dept. and nobody else sounds like Test Dept.
Another fantastic release.
jvvoda thumbnail
jvvoda Not a case of sentimental cash-out reunion call, quite the opposite. This record will keep you pushed to the edge of your comfort zone, and true to the title, it will leave you disturbed - in the best possible way - as a wake up call from your apathy and ignorance back to action.
mipsen thumbnail
mipsen What a great interpretation of my favorite track of the "Unacceptable Face of Freedom"! The whole album is extremely recommended! Favorite track: Gatekeeper.
R5N thumbnail
R5N Just a fucking brilliant album. 🤘Glad to see such a great return.
Bryon Wilson thumbnail
Bryon Wilson Love the album! I honestly can’t say what my favorite track is. I keep listening to the entire thing straight through. Great work.
Synthonic thumbnail
Synthonic You don`t listen to Test Dept, you feel them. If you have a heart, that is.
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Includes unlimited streaming via the free Bandcamp app, plus high-quality download in MP3, FLAC and more.
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Record/Vinyl + Digital Album
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Single black vinyl in gatefold sleeve with artwork designed by David Altweger
Includes unlimited streaming of Disturbance via the free Bandcamp app, plus high-quality download in MP3, FLAC and more.
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Compact Disc (CD) + Digital Album
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CD in 6 panel digipack with artwork designed by David Altweger
Includes unlimited streaming of Disturbance via the free Bandcamp app, plus high-quality download in MP3, FLAC and more.
ships out within 3 days
£8.99 GBP or more
1.
Speak Truth To Power 06:21
2.
Landlord 04:41
3.
Debris 04:33
4.
Full Spectrum Dominance 07:27
5.
Information Scare 04:50
6.
Gatekeeper 05:32
7.
GBH84 04:21
8.
Two Flames Burn 07:53
about
In an ideal world, Disturbance, the new album from industrial pioneers Test Dept, would not exist. It wouldn’t need to. Britain would not stand divided by xenophobia. Working class communities would not be under siege. Capitalism would not have created a climate change crisis pushing the planet towards a dangerous brink. And the Thatcherite ideals that Graham Cunnington and Paul Jamrozy spent Test Dept’s early years raging against would not be so terrifyingly back in political vogue.
Back in1981, Cunnington, Jamrozy and a revolving door of talented artists from disparate disciplines and backgrounds formed Test Dept, forging an incendiary new sound from a squat in New Cross that made them underground heroes, landing the group under surveillance by the British government. 37 years later, on Disturbance, that sound is as incendiary as ever.
“It began with a project to do with our archive,” recalls Cunnington. It was the early 2010s and Test Dept had been dormant for years. The pair wanted to sort through Test Dept’s old recordings to “re-establish our history and get our music out there again” after record label red tape left many of their 14 albums out of print.
When attention turned to the “next logical step of a new album”, an idea emerged – taking germs of ideas from old songs and turning them into new, sledgehammer-heavy sonic experiments full of powerful protest poetry. Politics had come full circle. It felt fitting to do the same with their music.
The result is an album that at once peers into the past and roars into the future, across eight tracks that conjure the raw power of Test Dept in their original, 1980s incarnation while adding new elements. “We’re different people now – not spring chickens anymore,” laughs Jamrozy. “We’re still angry but it’s tempered by a slightly different wisdom. We tried to upgrade the sound, to soup things up further.”
“Art is not a mirror to reflect reality, but a hammer to shape it,” the poet and playwright Bertolt Brecht once wrote. It’s a mantra that continues to drive Test Dept. who return to their past on this eviscerating new album in order to move into a bold new future. They hope Disturbance can soundtrack a society doing the same.
credits
released March 1, 2019
Graham Cunnington - Percussion, Electronics, Vocals
Paul Jamrozy - Percussion, Electronics, Vocals
Zel Kaute - Drums
Lottie Lou - Electronics, Live Sound
David Altweger - Visual Director
Rob Lewis - Additional Drums
Ashley Davies - Bass / Percussion
Laura Thompson - Additional Vocals on 'Gatekeeper'
Roz Corrigan - Piano on 'Debris'
Michelle Outram - Cello on 'Truth'
Jordi Blanchar & Ilenia Bombardi - Additional Vocals
Recorded:
Flesh & Bone Studios, Hackney
The Shed, Nunhead
Mixed & Produced: The Shed
Engineered: Lottie Lou
Mastered: Giovanni Versari at La Maestra Mastering, Tredozio (FC)
GBH84 Is dedicated to The Orgreave Truth & Justice Campaign
Artwork by David Altweger
Photos by Michael Kötter |
2019 |
€20.00 |
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Disturbance |
CD |
In an ideal world, Disturbance, the new album from industrial pioneers Test Dept, would not exist. It wouldn’t need to. Britain would not stand divided by xenophobia. Working class communities would not be under siege. Capitalism would not have created a climate change crisis pushing the planet towards a dangerous brink. And the Thatcherite ideals that Graham Cunnington and Paul Jamrozy spent Test Dept’s early years raging against would not be so terrifyingly back in political vogue.
Back in1981, Cunnington, Jamrozy and a revolving door of talented artists from disparate disciplines and backgrounds formed Test Dept, forging an incendiary new sound from a squat in New Cross that made them underground heroes, landing the group under surveillance by the British government. 37 years later, on Disturbance, that sound is as incendiary as ever.
“It began with a project to do with our archive,” recalls Cunnington. It was the early 2010s and Test Dept had been dormant for years. The pair wanted to sort through Test Dept’s old recordings to “re-establish our history and get our music out there again” after record label red tape left many of their 14 albums out of print.
When attention turned to the “next logical step of a new album”, an idea emerged – taking germs of ideas from old songs and turning them into new, sledgehammer-heavy sonic experiments full of powerful protest poetry. Politics had come full circle. It felt fitting to do the same with their music.
The result is an album that at once peers into the past and roars into the future, across eight tracks that conjure the raw power of Test Dept in their original, 1980s incarnation while adding new elements. “We’re different people now – not spring chickens anymore,” laughs Jamrozy. “We’re still angry but it’s tempered by a slightly different wisdom. We tried to upgrade the sound, to soup things up further.”
“Art is not a mirror to reflect reality, but a hammer to shape it,” the poet and playwright Bertolt Brecht once wrote. It’s a mantra that continues to drive Test Dept. who return to their past on this eviscerating new album in order to move into a bold new future. They hope Disturbance can soundtrack a society doing the same.
released March 1, 2019
Graham Cunnington - Percussion, Electronics, Vocals
Paul Jamrozy - Percussion, Electronics, Vocals
Zel Kaute - Drums
Lottie Lou - Electronics, Live Sound
David Altweger - Visual Director
Rob Lewis - Additional Drums
Ashley Davies - Bass / Percussion
Laura Thompson - Additional Vocals on 'Gatekeeper'
Roz Corrigan - Piano on 'Debris'
Michelle Outram - Cello on 'Truth'
Jordi Blanchar & Ilenia Bombardi - Additional Vocals
Recorded:
Flesh & Bone Studios, Hackney
The Shed, Nunhead
Mixed & Produced: The Shed
Engineered: Lottie Lou
Mastered: Giovanni Versari at La Maestra Mastering, Tredozio (FC)
GBH84 Is dedicated to The Orgreave Truth & Justice Campaign
Artwork by David Altweger
Photos by Michael Kötter
https://testdept.bandcamp.com/album/disturbance
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2019 |
€13.00 |
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| TESTCARD |
# 17 : SEX |
BOOK |
Inhaltsverzeichnis
Kimiko Leibnitz:
Anything Goes? Sexualität, Medien und die Verschiebung von Tabugrenzen.
Georg Seeßlen:
Die nackten Wilden des Kapitals. 10 Ungebote von Sexualität und Marktwirtschaft.
Dagmar Brunow:
Im Bett mit Marcuse. Sexualitätsdiskurse in der radikalen Linken. Im Gespräch mit Massimo Perinelli.
nói:
Knoten und Jogginghosen. Besuch bei einem Japanbondage-Workshop.
Mick Schulz:
Mit Lust gegen die Gesellschaft! Oder: Was man heute noch aus alten Bravo-Heften lernen kann.
Tim Stüttgen:
»Nicht alle empfinden das Gleiche über Sex.« Im Gespräch mit Laura Maria Agustin über MigrantInnen, die Sex verkaufen und diejenigen, die ihnen angeblich helfen wollen.
Michaela Wünsch:
Sexuelle Arbeit. Im Gespräch mit Renate Lorenz.
Ron Steinke:
Schwule Frauen, lesbische Männer. Geschlechternormen im deutschen Transsexuellengesetz.
Jasper Nicolaisen:
Liebe_Machen. Sex und Transbeziehungen.
Mike Laufenberg:
The Trouble With Nature. Über homosexuelle Körper und das Dilemma der Identitätspolitik.
Klaus Walter:
Sprechen über Aids. Im Gespräch mit Brigitte Weingart.
Projekt L (Berlin):
Shrek, Tokio Hotel und der nicht-virtuelle Körper. Notizen zum Projekt (anti)lookism.
Ladyfestwien Sex-AG:
Ladyfest goes Sexparty.
Dorothee Krings:
»Man ist schon anders erzogen, wenn man durch die SM-Schule gelaufen ist.« Ein Gespräch mit zwei BDSMlerInnen.
Martin Büsser:
For your pleasure. Fragmente einer Porno-Komparatistik.
Kerstin Stakemeier:
Come. Möglichkeiten eines GEILEN Pornos.
Tjark Kunstreich:
»Ich hätte nie dazu gehört.« Der Porno-Star Michael Lucas über Europa, Israel, Amerika und die Schwulen.
Barbara Eder:
From Hard-Core to Post-Porn. Sex, Gender und der kalte Blick aufs nackte Fleisch.
Matthias Schönebäumer:
pop that ass. Über Detroit Ghettotech als pornographische Karikatur.
Torsten Nagel:
»This is not a love song.« Der ganz alltägliche Pop-Sexismus.
Chris Wilpert:
No Sex, Please! Auf der Suche nach Sex im deutschsprachigen Indie/Pop/Punk. Eine Leerstelle …
Andreas Richter:
Wer sXe sagt, muss auch Sex machen. Über Straight Edge und die verpassten Chancen.
Jens Thomas:
Ich bin nicht schwul, und das ist auch cool so. Homophobie im deutschen HipHop: Sexismus in Reinform oder Fiktion nach Maß?
Martin Büsser / Sonja Eismann:
The L-Underground. LESBIANS ON ECSTASY.
Benedikt Köhler:
KIDS ON TV. Unmixing Business and Pleasure – Zwei Lesarten einer Löschung.
Katja Peglow:
Goodbye Schmuddelecke! Das Jungsheft. Ein Porträt.
Ann Pellegrini:
Höllentheater. Sünde und Abschreckung – das Phänomen der Hell Houses.
Atlanta Athens:
Wie war dein bester Orgasmus? Der Film Shortbus plädiert dafür, sexuelle Verhandlungsräume zu erweitern.
Julia Reifenberger und Marcus Stiglegger:
»Wenn die Hölle eine Anatomie hätte, wäre es der weibliche Körper.« Das feminine Kino der Cathérine Breillat.
Ernest Mathijs:
To Die For. Der Fan und die Rezeption von Sexualität und Horror in den frühen 1980ern.
Ivo Ritzer:
Histoire(s) de la sexualité. Der Film-Regisseur Russ Meyer als Bild-Philosoph.
Jonas Engelmann:
»Lieber aufrecht sterben, als auf den Knien leben!« Battle In Heaven – Ein Film von Carlos Reygadas.
Simon Dickel:
Black Men Loving Black Men and other Revolutionary Acts. Positionen zu Begehren und Sexualität in schwarzer schwuler Kultur.
Hendrik Lakeberg:
»Vor 50 Jahren konnte man als Homosexueller in der arabischen Welt freier leben als im Westen.« Im Gespräch mit Joachim Helfer.
Birgit Binder:
Das binärgeschlechtliche System angreifen. Im Gespräch mit Lynn Breedlove.
Annika Nickenig:
Ein Raum, der nicht für uns gedacht ist. Virginie Despentes und die ›selbst verschuldete Vergewaltigung‹.
Franziska Meifert:
Pornologie. Liebe, Lust, Laster. Eine Bücherschau.
Frank Apunkt Schneider:
monochroms bewährtes Rezept zur Herstellung von »1 Einh. technol. Innovation«. Oder: Die Quintessentialisierung eines Quintessentialismus.
Rezensionen
www.ventil-verlag.de
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2008 |
€14.50 |
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# 14 : DISCOVER AMERICA |
BOOK |
Inhaltsverzeichnis
Jens Thomas:
Alle gegen einen. Ursachen und Folgen des Antiamerikanismus.
Oliver Uschmann:
Die Guten und die Bösen. Beobachtungen zum amerikanischen Aufstand gegen George W. Bush.
Martin Büsser:
Befreite Klänge. Die neue Lust an Experiment und Kollektiv – von BLACK DICE bis Load Records.
Christoph Jacke: Quiet Is The New Loud – neue stille Songschreiber in den USA oder das Dazwischen von Punk und Techno.
Thomas Venker:
AEM. American Electronic Music – Sounds ohne local scene(s).
Matthias Schönebäumer:
We Almost Lost Detroit. Pop-Standort Detroit: Schwarze Musikkultur zwischen Verfall und Aufschwung.
Yvonne Kunz:
Williamsburg-Porträt.
Christian Schmidt:
Von Amerika lernen heißt siegen lernen! Die US-Zine-Kultur.
Jens Petz Kastner:
»¡Vivan las Americas!« Neozapatismus und Popkultur.
Roger Behrens: Bossa Nova. Fünf Versuche einer Annäherung.
Robert Engelbrecht : Das Brummen eines Kontinents. Drones und Minimalismus.
Hans Plesch:
Christian Wolff und Frederic Rzewski. Zwei amerikanische Komponisten.
Yvonne Kunz : U.S.A. à la Carte. GRAND BUFFET: Independent im Wildlife Park des weißen Mittelstandsamerika.
Silke Hackenesch:
The Wrong Nigga to Fuck Wit!: Die HipHop-Kultur als zeitgenössische Form des Black Freedom Struggle?
Simon Strick:
Rap und Tod. Vom Gangsta-Rap zu den amerikanischen Rap-Megastars der 1990er.
Ina Beyer:
Smells like Queer Spirit.Tim Stüttgen: Made in USA: Gender Studies und ihre Wirkung auf die Popkultur.
Katja Scheer: »White Fantasy of Overcoming Racism« – Die Riot Grrrl-Bewegung zwischen Anspruch und der Bildung eines weißen Subjekts »Grrrl«
Martin Büsser:
Beschädigte Provinz. Die Filme des Harmony Korine.
Holger Roemers:
»It’s A Whole New World Out There«. 54, ALMOST FAMOUS und ROCK STAR: Hollywoodfilme über das Pop-Milieu.
Andreas Rauscher:
Doing The Right Thing – Die Filme des Spike Lee.
Thomas Ballhausen:
Jacob’s Ladder. Das Vietnamtrauma im Horrorfilm.
Marcus Stiglegger:
Heimatfilme ... Discovering Oliver Stones Amerika
Susann Witt-Stahl:
Im Gespräch mit Moshe Zuckermann
Franziska Meifert:
USA-Lektüren. Eine aktuelle Bücherschau.
Manfred Heinfeldner: Im Rhythmus des Beat – Das andere Amerika schrei(b)t: Kerouac und Co revoltieren gegen Mainstream USA
Peter Bräunlein:
Kritischer Cowboy. Kinky Friedman zwischen Subversion und Klamauk.
Bernhard Herbordt:
Komar & Melamid – Mythos, American Dreams und die Affirmative Ästhetik.
Rezensionen
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www.testcard.de
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2005 |
€10.00 |
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#18 : REGRESS |
BOOK |
" »testcard« reagiert auf den reaktionären Wandel unserer Gesellschaft – polemisch, analytisch, kämpferisch, aber nicht resigniert.
1968 ist dieses Jahr in aller Munde. Aber wie steht es mit unserer gegenwärtigen Gesellschaft? Nahezu alle im Zuge von 1968 erkämpften Errungenschaften werden derzeit wieder schrittweise abgeschafft. »testcard« #18 wirft einen kritischen Blick auf den reaktionären Backlash, den die westlichen Gesellschaften in den letzten Jahren erfahren haben. Dies betrifft die Renaissance von Religionen aller Art, spirituelle und irrationale Lebensmodelle, die erstarkte Bedeutung der Kleinfamilie und von traditionellen Geschlechterrollen, Neoromantik und Eskapismus in der Kunst und Musik und den Abbau von Bürgerrechten.
Die neue Stimme der Reaktion kommt jedoch nicht einfach nur »von oben«. Phänomene wie flächendeckende Kameraüberwachung werden von einem Großteil der Bürger begrüßt oder sogar ausdrücklich gefordert. Filme wie »Keinohrhasen« oder Bücher über spirituelle Erlebnisse auf dem Jakobsweg feiern deshalb so große Erfolge, weil sie den regressiven Nerv der Zeit treffen. Doch wie konnte es zu einem solchen Mentalitätswandel kommen? Warum gehen Prekariat und zunehmende Entrechtung nicht mit Protesten einher, sondern mit der Flucht in Denk- und Lebensmodelle, die den Anschein erwecken, es habe das Projekt Aufklärung nie gegeben?
»testcard« #18 vermeidet einseitige Schuldzuweisungen und versammelt erstmals in einer Anthologie kritische Analysen zu einem Rückschritt, der alle gesellschaftliche Bereiche erfasst hat.
Inhaltsverzeichnis
Dietmar Dath:
Das große Abschaffen.
Anne Roth:
Dringend tatverdächtig. Die Verhaftung des Soziologen Andrej Holm.
Ron Steinke:
Genug gekuschelt. In der Debatte um »Erziehung« werden andere Saiten aufgezogen.
Enno Stahl:
This is the end of the world as we know it. And I feel bad ... Der Faktor Arbeit – stirbt aus ...
Thomas Waitz:
Der große Gesundheits-Check. Die Dicken, die Armen und das Fernsehen.
Jens Thomas:
Machs Dir selbst. Do it yourself. Über den Wandel eines Begriffs.
Johannes Ullmaier:
Basiswissen Regression.
Nicolas Dierks:
Mitwohnzentrale für Weltbilder.
Sascha Seiler:
Believing the Western Canon. Kanonbildung in der Popmusik.
Wolfgang Seidel:
Zukunftsmusik. Wie das Zukunftsversprechen des Pop vom Rückschritt abgelöst wurde.
Didi Neidhart:
Kein Pop ist auch keine Lösung.
Klaus Walter:
New Musical Apartheid.
Matthias Rauch:
Die Notwendigkeit der Subversion. Die Analyse des global Populären in den Cultural Studies.
Martin Büsser:
Zu zart für diese Welt. Woher kommt der Hass auf Emos?
Chris Wilpert
Gustav. »Wie fühlst du dich als Mann auf der Bühne?«
Holger Adam:
Der Ruf der Sirenen. Zur (regressiven) Rezeption der »Folk-Elfe«.
Ellen Wesemüller
Das IKEA aller Festivals? Feminismus und Subversion in der Ladyfestbewegung.
Jörg Nowak:
»Feminismus der Besserverdienenden und Familie fürs Volk«
Torsten Nagel:
Her mit der schönen (Sozio)Kultur?
Gabriel Kuhn:
»Rewilding« or »Regressing«? Zum US-amerikanischen (Anarcho-)Primitivismus
Dieter Bott:
Der Fan als idealer Staatsbürger.
Stephan Loichinger:
Partnervermittlerin Claudia Püschel-Knies.
Jan Gerstner:
Ein unverzichtbares Land. Der deutsche Familienroman und die Nation.
Atlanta Athens:
Sich Raum nehmen, solange die anderen lächeln?
Andreas Rauscher:
Indiestream. Der amerikanische Independent-Film zwischen Nische und Backlash.
Kimiko Leibnitz:
Der reaktionäre Kern von I Am Legend.
Christian Hißnauer:
Von der Entmythologisie-rung zum neuen Mythos. Die Entpolitisierung der RAF im medialen Diskurs.
Martin Büsser.
Im Beichtstuhl des Grauens. Der Filmemacher Wenzel Storch.
Benedikt Frank:
Ausgetauschte Tonspur. Das heute ungenutzte Potenzial der filmischen Montage und Zweckentfremdung.
Ivo Ritzer:
Nicht versöhnt. Der Regisseur John Milius – ein progressiver Reaktionär?
Frank Apunkt Schneider:
Warum früher nicht alles besser gewesen sein darf. Zur Krise des poptheoretischen Gegenwarts-Dogmas.
Franziska Meifert:
Störenfriede – Strategien gegen die Regression. Eine Bücherschau.
Ewgeniy Kasakow:
Jegor Letow (1964–2008). Nachruf auf eine umstrittene Schlüsselfigur des russischen Undergrounds."
www.testcard.de
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2009 |
€14.50 |
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#24: BUG REPORT. Digital war besser |
BOOK |
" »Wie würden Sie das Internet beschreiben?«
»Als die Hölle in bunt, mit Nullen und Einsen. Eine binäre bunte Hölle.«
– Bernd das Brot
Bei kaum einem Medium fallen Theorie und Praxis so wenig in eins wie bei Computern und dem Internet. Wir lesen Blogs, auf denen in einer Breite und Tiefe über nischenhafte Popmusik gesprochen wird, wie es im »goldenen Zeitalter« des Pop-Journalismus niemals möglich gewesen wäre. Wir halten unsere Plattensammlungen mit Datenbanken, die von ihren NutzerInnen gefüllt werden, auf dem neuesten Stand. Gleichzeitig steht uns ein Großteil der Musikgeschichte mit ein paar Suchanfragen zur Verfügung – womöglich illegal, auf jeden Fall aber kostengünstig. Auch die testcard-Redaktion selbst, die sich zwischen drei Großstädten und einer bayerischen Universitätsstadt aufteilt, wäre ohne das Netz kaum koordinierbar.
Trotzdem hört man gerade in sub- und gegenkulturellen Kreisen Klagen, die weit über die Kritik an der Datensammlung durch Regierungen, Geheimdienste und Medienkonzerne oder mickrigen Spotify-Einnahmen hinausgehen. Von »digitaler Erschöpfung« ist da die Rede oder von »kommunikativem Kapitalismus«, von einer Verschränkung von Liberalismus und Kybernetik, der Herrschaft der Algorithmen oder vom »fucking Internet«. Zeit für eine Bestandsaufnahme jenseits von kalifornischer Ideologie und »Disruption«, aber ausdrücklich nicht auf der Seite derjenigen, die mit aller Macht ihren Einfluss von den alten Medien in die neuen herüberretten wollen.
Vielleicht sprechen wir letztlich über ein altes Problem: Was ist die Basis, was der Überbau, wie verhalten sie sich zueinander? Das Sprechen über Digitalisierung und das Netz fällt uns vielleicht deshalb schwer, weil die Form von Technologie nicht ohne ihren polit-ökonomischen und sozialen Rahmen zu denken ist. Oder sind ein anderes Computing und ein anderes Netz möglich?
Aus dem Inhalt: Sounds der Digitalisierung >> Verschaltete Welt >> Kleine Genealogie des Computers >> Digitales ABC >> Zustand und Zukunft des Webcomics >> Digitale vs. analoge »Gegenwart« >> Nathan Jurgensons Webtheorien >> Mensch-Maschinen und Roboter >> Erzählen in der Digitalisierung >> Altern der digitalen Ästhetik >> Retrospieleboom >> Ungegenstand der Musikinformatik >> Let’s Player >> Indie-Computerspiele >> Ästhetik des Post-Digitalen >> ...
Inhaltsverzeichnis
Christian Werthschulte:
(right now, please). Warum die digitale Gegenwart irgendwie auch nicht besser als die analoge geworden ist
Roger Behrens:
Digital ABC
Roger Behrens:
Digitale Frist. Computer. Pop. (Beta-Version)
eve massacre:
Network of blood. Von »Augmented Reality« bis zum »Liquid Self«: Nathan Jurgensons Webtheorien
Waltraud Blischke:
Bugs, Big Data und die UnverNETZbaren. Ein Gespräch mit Peter Bittner, Stefan Hügel und Julia Stoll vom FIfF
Marco Schröder:
Eine Maschine für alle Maschinen. Kleine Genealogie des Computers mit Implikationen für seine Anwendung in Philosophie und Musik
Raphael Smarzoch:
Rumorende Algorithmen. Die Sounds der Digitalisierung
Flora Könemann & Chris W. Wilpert:
Part of your distortion. Effekte im Zeitalter ihrer Re-Auratisierung
Julian Rohrhuber:
Dienst nach Vorschrift. Über den Ungegenstand der Musikinformatik
Waltraud Blischke:
t-cardcomp. Die Musikliste zur ungeregelten Geschmacksynthese
Jonas Engelmann:
In Love With the Modern World. Ein virtueller Roundtable über Zustand und Zukunft des Webcomics hierzulande
Carl Wiemer:
Das schnelle Altern der digitalen Ästhetik. Samuel Beckett und der Zenit ?ästhetischer Modernität
David Schwertgen:
Der Autor im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit
Johannes Ullmaier:
Human Trouble. Transhumane Anthropologie im Turing-Test
Hommer / Lenzin:
Parolen aus der Stadt. Abenteuer eines Wolfes. Episode 3
Bettina Wilpert:
Guided by Voices. Erzählen in der Digitalisierung
Waltraud Blischke:
»Wenn man damit Geld verdienen kann, muss das ja salonfähig sein.«
Ein Gespräch mit dem Let’s Player SgtRumpel
Philipp Eichhorn:
Technology in our hands. DIY als Totengräber des Fortschritts anhand des Retrospielebooms
Fiona Sara Schmidt:
Die Geschichte muss das Medium notwendig machen. Die Spieledesignerin Lea Schönfelder über Autorenspiele, Zensur und perfekte Posen
Benedikt Frank / Thomas Schröder:
Wo andere Urlaub machen. Arbeit im Spiel, Spiele als Arbeit
Rezensionen Tonträger:
20.SV: The Great Sonic Wave
ADDISON GROOVE: Turn Up The Silence
ALOA: s/t
ALTE SAU: s/t
ALVARIUS B: Chin Spirits
AMANDA FEERY: Spells From The Ice Age
AME ZEK: Rostfrei
AMON DÜÜL II: Düülirium
ANDROMERDA MEGA EXPRESS ORCHESTRA: Live on Planet Earth
ASTRAL SOCIAL CLUB: Medow Mechanicals
BANANA PILL: Weave
BANKS: GODDESS
BART DE PAEPE: Rhode
BEYONCÉ KNOWLES: s/t
BILL ORCUTT: Daddy’s Got A Spice Rack
BILL ORCUTT: Fantomas ? Le Faux Magistrat
BIRD PEOPLE: King Of the Grove / Nightshades
BOHREN UND DER CLUB OF GORE: Piano Nights
BRIDGET HAYDEN: Just Ideas/The Night’s Veins
BUCK GOOTER: Molescules
BULBUL: Hirn Fein Hacken
CATHY LANE: The Hebrides Suite
CHRIS PETIT: The Museum of Loneliness
CHRISTINA KUBISCH UND ECKEHARD GÜTER: Mosaïque Mosaic
CICADA DREAM BAND: Bug Music
CRASH COURSE IN SCIENCE: Signals from the Pier Thirteen
DANIEL BACHMANN: Orange Co. Serenade
DANIEL BLINKHORN:Terra Subfónica
DAS WEISSE PFERD: Inland Empire
DATASHOCK: Keine Oase in Sicht
DEUTSCHE TRINKERJUGEND: Scheissegal
DIE HEITERKEIT: Monterey
DIE PARTEI La Freiheit des Geistes
DIVIL A’ BIT: In Deference To The Squeamish
DJ RASHAD: Rollin’ EP / Double Cup / We On 1
DJ SARDENA: The Voice: Studio Sardena
DJ SLUGO: King Of Ghetto House
DSR LINES: Spoel
EEK: Live At The Cairo High Cinema Institute
EIKO ISHIBASHI: Imitation Of Live
EMBRYO: Message From Era Ora
FENNESZ: Bécs
FENSTER: The Pink Caves
FILIPE FELIZARDO: Volume II ? Sede e Morte ? Guitar Variations For The Thirsty And The Dead
FKA TWIGS: LP1
GONZÁLEZ & STEENKISTE: Dimly Lit
GÜNTER SCHLIENZ: Contemplation
HAILU MERGIA: Shemonmuanaye
HALSABSCHNEIDER: Havelmusik 1982?1984
HEIN SCHOERS: The Sounding Museum: Box Of Treasures
HELEN: Witch/Zanzibar
HELLVETE: Ode
HONIGRITTER: Kellergeister in unserem Haus
IF, BWANA: Live at the Logos Tetrahedon
INEZ LIGHTFOOT: Sleep By Day / Fly By Night
ISLAJA: S U U
JA, PANIK: Libertatia
JAMMIN GERALD: Factory Funk
JASON LESCALLEET: Much To My Demise
JEFF & JANE HUDSON: Flesh
JIM O’ ROURKE / PAAL NILSSEN-LOVE / LASSE MARHAUG: The Love Robots
JIM O’ ROURKE: Old News / No.?9 / No.?5 / No.?7 / No.?6 / No.?8 / FIRE! WITH JIM
JOSHUA BURKETT: Xavier’s Birds
JUMPING BACK SLASH: Namhlanje EP
KELIS: Food
KEMIALLISET YSTÄVÄT: Alas Rattoisaa Virtaa
KILLERLADY: s/t
KK NULL + THE NOISER: s/t
KLINISCH SAUBER: Kommerz Krieg Mond!
KREIDLER: ABC
KREISKY: Blick auf die Alpen
KRISSI B: The Duke
LANA DEL REY: Ultraviolence
LASSE-MARC RIEKS: Helgoland
LAU NAU: Valohiukkanen
LEAST CARPET: Back Alley
LIEVEN MARTENS MOANA: Os Canais
LILY ALLEN: Sheezus
LIMPE FUCHS / VIZ MICHAEL KREMITZ: Kugel Haus Musik
LOS MICROWAVES: Life After Breakfast
LOUIS SARNO: Song From The Forest
LOVE A / KOETER: Split
LUKE FOWLER: Fowl Tapes II
MAMMANE SANI: La Musique Électronique Du Niger / Mammane Sani And The Workstation / Taaritt
MANY ARMS: Suspended Definiton
MARCELLUS PITTMAN: Do You Like Music EP / 1044 Coplin
MARION, FRANZISKA UND ARNULF MEIFERT: Incredible Familiar Music / Absolute Relative Music
MARK PRITCHARD: You Don’t Know Me
MARY OCHER: Eden
MERZOURGA: 52°46’ North 13°29’ East. Music For Waxcylinders
METABOLISMUS: Sus
MOUSE ON MARS: Spezmodia EP
MURENA MURENA: Ghoaster Coaster
MUTTER: Text und Musik
MY BLOODY VALENTINE: mbv
NOXAGT: Brutage / Collection 1
O’ ROURKE / Steamroom
OLIMPIA SPLENDID: Nuttu Nurin
ORACLES: Stanford Torus EP
OREN AMBARCHI, KEIJI HAINO & JIM O’ ROURKE: Imikuzushi / Now While It’s Still Warm Let Us Pour In All The Mystery
ORPHAN FAIRYTALE: My Favourite Fairytale
PANABRITE: Wasteland Cycle
PARRIS MITCHELL: Project EP
PART WILD HORSES MANE ON BOTH SIDES: Aulos’ Second Reed
PASCAL NICHOLS: Nihilist Chakai House
PATRICK COWLEY: School Daze
PETER MICHAEL HAMEL / THOMAS GUNDERMANN: Coincidence
PETER MICHAEL HAMEL:Voice Of Silence
PHARRELL WILLIAMS: G I R L
RAMBLING BOYS: True To Blue
RASHAD BECKER: Traditionel Music of National Species Vol. 1
RAUM: Event Of Your Leaving
RAZEN: Reed Bombus LFO
RODOLPHE ALEXIS: Morne Diablotins
RP BOO: Legacy
RUARI O’ BAOIGHILL: The Faceless One
RYLEY WALKER: All Kinds Of You
SCHREIN: Einszweinschrein
SIR RICHARD BISHOP: Solo Acoustic Vol. 8
STAER: Daughters
STEVE GUNN / MIKE COOPER: Cantons de Lisboa / Way Out Weather
STOSSTRUPP REVIVAL DUETT: s/t
SUN RA: Mix-Tape
SUNROOF!: Rock Power
SWANS: To Be Kind
TENSES: Howard
THE SPACE LADY: The Space Lady’s Greatest Hits / »Major Tom«/»Radar Love« / Recorded Live in San Francisco / Songs in the Key of Z. Vol. 2
THE YOUNG MOTHERS: A Mothers Work Is Never Done
THEO PARRISH: Footwork / American Intelligence / Theo Parrish’s Black Signature
TOM WU: s/t
TRAXMAN: Da Mind Of Traxman / Da Mind Of Traxman 2 / Westside Boogie Traxy Vol. 3
TREK WITH QUINTRONIC: Landing Plus
VALERIO TRICOLI: Miseri Lares
VAPOUR THEORIES: Split-LP
VENN RAIN: Crepuscular Raze
VARIOUS ARTISTS: Keine Bewegung!
VARIOUS ARTISTS: Pulsating Strings: A Collection of Psychedelic Asian Guitar Music
VARIOUS ARTISTS: 10 Year Anniversary Hybrid Vinyl Series
VARIOUS ARTISTS: Cassette Van Antwerpen
VARIOUS ARTISTS: La Psicotropia
VILLAGE OF SPACES: Gathering
WESTBAM: Götterstrasse
WILLIAM ONYEABOR: Who Is William Onyeabor?
WILLIAM TYLER: Impossible Truth
WOOG RIOTS: From Lo-Fi to Disco
ZEA: The Swimming City
Rezensionen Papier:
ALBERTINE SARRAZIN: Astragalus
ASTRID KUSSER: Körper in Schieflage. Tanzen im Strudel des Black Atlantic um 1900
BENJAMIN STEIN: Das Alphabet des Rabbi Löw
BLACK HAWK HANCOCK: American Allegory. Lindy Hop And The Racial Imagination
BRECHT EVENS: Die Amateure
CHRISTIANE BAREITHER, KASPAR MAASE, MIRJAM NAST (HG.): Unterhaltung und Vergnügung. Beiträge der Europäischen Ethnologie zur Populärkulturforschung
CHRISTOPHE BLAIN: Gus: 1. Nathalie / 2. Schöner Bandit / 3. Ernest
CLAUDIA BOSSE (Hg.): Cheap Method Edition #1. Struggling Bodies In Capitalist Societies (Democracies)
DANIEL CLOWES: Der Todesstrahl
DAVID BUCKLEY: Kraftwerk. Die unautorisierte Biographie
DAVID PRUDHOMME: Einmal durch den Louvre
DAVID SIMONELLI: Working Class Heroes. Rock Music and British Society in the 1960s and 1970s
DENNIS EICK: Digitales Erzählen. Die Dramaturgie der Neuen Medien
DIEDRICH DIEDERICHSEN: Über Pop-Musik
DIETER MERSCH: Ordo ab chao ? Order from Noise
DIETMAR DATH / OLIVER SCHEIBLER: Mensch wie Gras wie
DIETMAR DATH: Feldeváye ? Roman der letzten Künste
DOUGLAS RUSHKOFF: Present Shock
EKKEHARD KNÖRER: Battlestar Galactica
ENNO STAHL: Diskurspogo. Über Literatur und Gesellschaft
ERIKA SCHMIED: Peter Kurzeck ? Der radikale Biograph
ERWIN IN HET PANHUIS: Hinter den schwulen Lachern. Homosexualität bei den Simpsons
FANNY BRITT / ISABELLE ARSENAULT: Jane, der Fuchs und ich
FLORIAN CRAMER: Exe.cut(up)able statements. Poetische Kalküle und Phantasmen des selbstausführenden Texts
GUNNAR HINDRICHS: Die Autonomie des Klangs
HANS BLUMENBERG: Präfiguration. Arbeit am politischen Mythos
HANS-CHRISTIAN DANY: Morgen werde ich Idiot. Kybernetik und Kontrollgesellschaft
HEIKO KOCH: Casa Pound Italia. Mussolinis Erben
IAN F. SVENONIUS: 22 Strategien für die erfolgreiche Gründung einer Rockband
JAN SÜSELBECK (HG.): Familiengefühle. Generationengeschichte und NS-Erinnerung in den Medien
JOE SACCOS: Der Erste Weltkrieg ? Die Schlacht an der Somme
JONAS ENGELMANN: Gerahmter Diskurs ? Gesellschaftsbilder im Independent-Comic
JÜRGEN SCHMICH: Plattensüchtig. Expeditionen in eine andere Welt. 7 Schallplattensammler im Interview
JÜRGEN ZIMMERER: Kein Platz an der Sonne. Erinnerungsorte der deutschen Kolonialgeschichte
KATIA FOUQUET: Jonas oder der Künstler bei der Arbeit
KITTY KRAUS: Lidschlag
LINDER STERLING: Frau/Objekt
LUCIUS BURCKHARDT: Der kleinstmögliche Eingriff
MAGNUS KLAUE: Verschenkte Gelegenheiten. Polemiken, Glossen, Essays
MAISHA EGGERS / GRADA KILOMBA / PEGGY PIESCHE / SUSAN ARNDT: Mythen, Masken und Subjekte. Kritische Weißseinsforschung in Deutschland
MANUEL MENRATH: Afrika im Blick. Afrikabilder im deutschsprachigen Europa 1870?1970
MARIA JANION: Die Polen und ihre Vampire. Studien zur Kritik kultureller Phantasmen
MARK BUTLER: Das Spiel mit sich. (Kink, Drugs & Hip-Hop). Populäre Techniken des Selbst zu Beginn des 21. Jahrhunderts
MARTIN NIEDERAUER: Die Widerständigkeiten des Jazz. Sozialgeschichte und Improvisation unter den Imperativen der Kulturindustrie
MERCEDES BUNZ: Die stille Revolution. Wie Algorithmen Wissen, Arbeit, Öffentlichkeit und Politik verändern, ohne dabei viel Lärm zu machen
MICHAEL PETRY (HG.): Nature Morte ? Stillleben in der zeitgenössischen Kunst
MICHAEL PHILIPP / BUCERIUS KUNSTFORUM (HG.): Dionysos. Rausch und Ekstase
OSWALD WIENER: die verbesserung von mitteleuropa
OUMAR DIALLO / JOACHIM ZELLER: Black Berlin. Die deutsche Metropole und ihre afrikanische Diaspora in Geschichte und Gegenwart
PETER KURZECK: Bis er kommt / Angehalten die Zeit
SPRING: The ABC of Tragedy / Wunder
STEFFEN SCHOLL: Musik ? Raum ? Technik. Zur Entwicklung und Anwendung der graphischen Programmierumgebung »Max«
STEPHAN PACKARD (Hg.): Comics & Politik
STUART HALL: Ausgewählte Schriften
SUSAN ARNDT / ANTJE HORNSCHEIDT: Afrika und die deutsche Sprache. Ein kritisches Nachschlagewerk
SUSAN ARNDT / NADJA OFUATEY-ALAZARD: Wie Rassismus aus Wörtern spricht. (K)erben des Kolonialismus im Wissensarchiv deutsche Sprache
THOMAS MEINECKE: Analog. Kolumnen
TOBIAS GOLL / DANIEL KEIL / THOMAS TELIOS (HG.): Critical Matter. Diskussionen eines neuen Materialismus
VARIOUS ARTISTS: In 50 Comics um die Welt / Comics zur Lage der Welt
VOLKAN ÇIDAM: Die Phänomenologie des Widergeistes. Eine anerkennungstheoretische Deutung von Marx’ normativer Kritik am Kapitalismus im Kapital
VOLKO KAMENSKY / JULIAN ROHRUBER (HG.): Ton. Texte zur Akustik im Dokumentarfilm
WENZEL STORCH: Die Filme
WERNER SCHWAB: Fäkaliendramen
WOLFGANG HERRNDORF: Arbeit und Struktur"
[Verlags / website info]
www.ventil-verlag.de/katalog/testcard
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2014 |
€15.00 |
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| THALASSA |
Bonds of Prosperity |
LP |
"Thalassa is the avant-drone project for Aaron Turner (Sumac, Isis, Mamiffer, House Of Low Culture, etc.) and William Fowler Collins. In his many guises, Turner articulates a chimerical aesthetic that intrepidly explores beyond the scope of sludge, hardcore and post-rock. In Collins’ blackened earth drones, he steadfastly engages in the elemental exploration of the New Mexican landscape that often inspire comparisons to the potency of black metal without the need for a single blast beat. It makes a hell of a lot of sense these two would eventually cross paths and collaborate.
The project name Thalassa harkens to ancient Greek mythology of a primordial sea-goddess, later reprised in the early 20th century through an obscure psychoanalytic treatise by Sándor Ferenczi who posited ideas of human sexuality in symbolic return to the sea. For Turner, the project's name was sparked by a blood disorder called Thalassemia, whose root name is that very same Greek goddess. The ocean, blood, rain, sand, the desert, heat, fog -- all of these elemental / environmental forces are at play in the heavily sedimental drones and crumbled noise from Turner and Collins on their debut release, Bonds of Prosperity.
Pressurized torrents of sound build incrementally through layers upon layers of
aggregated grit, soot and flotsam. Given the ecological and mythic references, these tracks suitably take the long-view through a uniquely muscular approach to American minimalism. Thalassa finds itself in very good company with Maeror Tri, Deathprod, Sunn O))) and Lustmord.
2XLP edition of 300 copies, housed in a custom printed 2LP sleeve, pressed on black vinyl only."
sigerecords.blogspot.de
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2017 |
€27.50 |
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| THE LAWLESS |
Habit Forming |
CD |
"Do you know the feeling when a tune sounds totally familliar to you, even though you never heared it before? When I first heared the HABIT FORMING demo, I was certain it must have been sampled from some 60s/70s B-movie soundtracks by e.g. ENNIO MORRICONE that QUENTIN TARANTINO did not exploit yet. Or a unknown JAMES BOND movie. So, I really couldn't believe it when the artist, Ross McLean, told me these were his genuine recordings, and i instantly knew I found something very rare. Over a period of more than 2 years he not only composed and produced the entire album all by himself, he also played almost all of the instruments: Bass, Guitar, Drums, Piano, Keyboards, Accordeon, Flutes, Glockenspiel, Percussion and backing Vocals.
HABIT FORMING instantly gets you with it's mysterious, charming and warm atmosphere. The catchy but decent melodies are rather breathed than sung by Fifi Dewey, wordless and unisono with the instruments, which sometimes creates a almost oriental and 60s feel. The extremely rich orchestration makes you discover more little details every time, and recording the instruments with a lot of 'room' or 'air' makes the sound even more lively.
All in all, you can't help thinking this MUST be a soundtrack... - maybe to the next Tarantino movie? The only sad thing about HABIT FORMING is that it is the best album i will ever release… -Marcus Gabler (A&R Mille Plateaux), November 2011.
HABIT FORMING introduces the new MILLE PLATEAUX ORGANIC label. It expands the range of MILLE PLATEAUX's sounds by (electro)acoustic, avant-pop or, simply put, non-electronic productions." [label info]
www.mille-plateaux.com
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2011 |
€13.00 |
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| THE LONDON SOUND SURVEY |
Thames |
LP |
Thames presents diverse sound interactions along the River Thames that surprise with their musicality. As we travel from central London to the river’s furthest estuary, it feels like we’re travelling back in time. We hear the sounds of nature and industry in competition, from the pitched, quasi-musical sound of Tower Bridge lifting up, to the marsh frogs of Allhallows.
“This collection of field recordings by the London Sound Survey brings the Thames to life through sound. Over many years Ian Rawes has made an audio mosaic reflecting this extraordinary landscape, from Tower Bridge to estuarine marshes and a now-lost oil refinery, allowing listeners a unique insight into the experience of these places.” — Rachel Lichtenstein, author of ’Estuary: out from London to the sea’ (Penguin, 2016)
Since 2008, Ian Rawes’ London Sound Survey has documented the changing sound of the UK’s capital through a huge array of new field recordings, capturing every aspect of London life. Ian began making field recordings of London street life partly because he believed the city’s rate of change was quickening.
The London Sound Survey went online in 2009 and has grown since to include much sound-related historical material as well as over 2,000 modern-day recordings. As the project has progressed, the soundworld of London has changed, with familiar sounds becoming extinct imperceptibly, never to be heard again.
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2020 |
€23.50 |
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| THE ONE ENSEMBLE OF DANIEL PADDEN |
Oriole |
LP |
" 'oriole' is the new album by the one ensemble. bolder and more dynamic than previous albums, it showcases the one ensemble's ability to combine thrilling live playing with compositional elegance, shifting between hard-nosed rhythmic workouts and string miniatures, between wayward waltzes and open-throated song. oriole features the core quartet of shane connolly (drums and percussion), peter nicholson (cello), daniel padden (guitar) and aby vulliamy (viola and accordion). the one ensemble started life as the solo project of volcano the bear's daniel padden, but after two albums it became a live band, taking padden's experimental folk and expanding it into a fuller, more orchestrated sound. under padden's leadership, the ensemble developed a curious and strident brew of eastern european folk, chamber music, a pinch of robert wyatt and some kind of earthy psychedelic primitivism."
www.altvinyl.com
"This LP sees Daniel Padden's One Ensemble laying down some Eastern European-sounding folk business with accordions and fiddles and stuff. It's all quite dusky and repetitive and there's sometimes some vocals. It's not a straight folk record by any means, though, with the ensemble free to play around in more jazzy and experimental territory when they want to. It's not a million miles away from Leeds's finest chamber jazz-folk troupe 7 Hertz actually, and there's shades of A Hawk and a Hacksaw in its warm, bubbling fusion vibes, and Phil reckons there’s a bit of an Alexander Tucker-esque medieval feel here too, and when they take it down a notch like in ‘Chicken on a Raft’ it’s reminding me of Lungfish’s Dan Higgs.
Padden is of course best known for his work with Brit oddballs Volcano The Bear, and that's no surprise listening to this record either, as the band he's put together seem perfectly happy to switch from bustling gypsy folk to disorienting neoclassical to even more disorienting free expression without so much as a hiccup, and some of the most effective moments see them taking repeato-rock ideas and throwing folk textures all over them.
It works really well and is thoroughly charming, with the physicality of the traditional instruments really shining through in the strained, warm tones. In fact I think as far as charm and listenability go it’s the equal of his other band. Well worth investigating." [Norman Records]
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2012 |
€16.50 |
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| THE TRIPLE TREE |
Ghosts |
CD |
"Tony Wakeford kann's nicht lassen! Als ob der umtriebige Mr. "Sol Invictus" nicht schon mit zahlreichen Nebenprojekten (u.a. Grey Force Wakeford, Trio Noir, L'Orchestre Noir, Hawthorn) ausgelastet wäre, hebt er nun gemeinsam mit Andrew King sowie ausgewählten "Familienmitgliedern", u.a. Renee Rosen, Guy Harries, John Murphy (u.a. Knifeladder, SPK, Death in June, Shining Vril) oder Kris Force (Amber Asylum), ein weiteres namens The Triple Tree aus der Taufe, dessen Debut "Ghosts" niemand geringerem als dem britischen Ghoststory-Autor M.R. James (1862-1936) gewidmet ist.
Bereits das James-Zitat "Depend upon it! Some of these things are so, but we do not know the rules!" auf der Rückseite des Booklets deutet die Marschrichtung an: Festgelegte Regeln kennt man hier nicht, und schon gar nicht die des Neofolk. Folglich sollte man sich der Scheibe exakt unter diesem Gesichtspunkt nähern, denn "Ghosts" ist abgedreht, "Ghosts" ist schaurig und "Ghosts" verlangt dem Rezipienten zeitweise einiges an Toleranz ab. Sägende Geigenläufe, diffuse Feldaufnahmen, schräge Flöten-/Pfeiftöne, dumpfe Percussions sowie viele weitere Soundelemente, oft subtil disharmonisch zusammengefügt, erzeugen eine Atmosphäre, welche den Hörer direkt in James' gespenstische Szenarien zu führen vermag, in staubige Bibliotheken, schmutzige Hinterhöfe oder düstere Gemäuer des viktorianischen England. Die Stimmen von "Dr. Wakeford" und "The Rev. King" tun dazu ihr übriges. Während "The Mezzotint" oder "Lost Hearts" in schlichtem Erzählstil dargeboten werden, kommt "The Stalls" als altertümlicher Kanon daher und "Black Crusade" scheint von beiden direkt in einer Kaschemme der Londoner Docks eingesungen worden zu sein.
Doch "Ghosts" ist auch berückend schön. Neben dem durch gezupfte Gitarre und markante Männerstimmen fast erhaben wirkenden "Three Crowns" sind es hauptsächlich jene Titel, in denen die beteiligten Damen Autumn Grieve, Kris Force oder Mercy Liao gesanglich zum Zuge kommen. Dabei kristallisiert sich vor allem das perlende Duett "The Malice of Inanimate Objects" als Höhepunkt heraus. Aber selbst dieses ist von einer unheilsschwangeren Aura umgeben, da die Lieder ständig durch schrille Versatzstücke gebrochen werden, die sich entweder als Intros/Outros oder komplette Tracks einschleichen. Genau das richtige, um die Gruselstimmung immer wieder zu entfachen.
Trotz alledem kommt jedoch eine typische Eigenschaft der Inselbewohner nicht zu kurz, der Humor. Im Booklet präsentieren sich die beiden Protagonisten nämlich launig, wie direkt aus einem der schauerlichen Romane entsprungen. Schrullige Fotos für ein ebenso schrulliges und gerade deshalb fesselndes Album. M.R. James wäre sicher stolz gewesen!" [Medienkonverter]
"The Triple Tree consists of Tony Wakeford (Sol Invictus) and Andrew King aided and abetted by M, Autumn Grieve, Kris Force (Amber Asylum), Guy Harries, Renee Rosen and John Murphy (Death In June, SPK, KnifeLadder), and is an extended homage to the supernatural fiction of M. R. James (with a certain nod to his notable studies in the New Testament Apocrypha) the greatest ghost story writer in the English language, and the finest medievalist of his generation. Join Dr Wakeford and the Rev. King as they search for the Three Crowns, attempt to Cast the Runes, purchase The Mezzotint, follow Mr Abney’s "remarkable enlightenment" in Lost Hearts, and join Count Magnus on the "Black Crusade"! Winter evenings will never be the same again... Digipak with booklet." [label info]
".. Anthony Wakeford and Andrew King is best known as part of the project Sol Invictus, that for more than two decades has combined neo-folk and neoclassical influences with electronic experimentation. The comprehensive experiences in that particular field beautifully flourish on this tribute to haunted tales of medieval times under the project flag "Triple Tree". The atmosphere is perfectly accomplished with some beautiful male and female vocal integrated in medieval folk-expressions that stylishly turns associations towards Dead Can Dance. As a contrast to the organic sounds, the electronic part of the album first of all operates in ambient-oriented soundscapes to create haunting atmospheres of ghouls. "Ghosts" is a strong sonic depiction of early ghost stories from M.R. James, inspiring the listener to dive into the dark forces of the medieval author!" [NM, Vital Weekly]
www.coldspring.co.uk
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2008 |
€8.00 |
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| THE [LAW-RAH] COLLECTIVE & CINEMA PERDU |
Invocation |
CD |
"in our lives we meet various people and we get to spend some quality time with a couple of them. depending on who we spend our time with and in what state of mind the time together is spent, we talk about friendship. and the more honest and unconditional this friendship is, the more it adds to the quality of our respective lives. it's a rare thing when you meet someone and right from the first moment you know you add to each others lives. it only happens a few times - and maybe not even that often - but we have all been there and we all recognize those moments; as well as the people it concerns. and yes, those times bring back a warm and fuzzy feeling. but then there are the many ways a friendship can end: a wrongfully interpreted word, a misunderstood thought, incompatible visions or simply because it started to cost more energy then it gave back. as incomprehensible a friendship can begin, it can also end. sadly there are also true and deep friendships that have never ended, even when said friend has left this dimension. the feeling that we're left with is just about the worst feeling ever ... with 'invocation' the [law-rah] collective and cinema perdu present a split album with personal views and interpretations of the emptiness that remains. finding closure in a process of grief. not the most happy of feelings, but it's a feeling we all recognize, an emotion we can all relate to and maybe the one thing we all have problems with giving it a place in our lives. the process of composing, writing, producing and finishing 'invocation' has helped us seeing things in perspective again after loosing loved ones. 'invocation' - simply to have that final conversation, to share that final drink, or just to say you care ..." [label info]
"So today we will be looking at (and listening to, of course) some darkly pulsing ambient and asking, “just what is it about this music that makes it so great for processing inarticulate emotions?” Well before I answer that, and while I try not to ‘zone out’ entirely, let me just articulate my feelings right now by saying: This... Is... Great. And, furthermore, it pulses darkly and in all the right places. Ahhh…
It’s a collaborative effort, this, between The [Law-Rah] Collective (Bauke van der Wal) and Cinema Perdu (Martijn Pieck) -- each performing and contributing two individual tracks and a fifth track wherein they combine their compositional efforts. Opening track, ‘1’, by [Law-Rah], pleasantly and gently throbs like the aural equivalent of a deep red Rothko painting. For musical touchstones, think Nurse With Wound and Locust. His second individual track, ‘5’, drones slightly more ominously and is accompanied by a glitchy ‘popping’ sound which is not unlike that made earlier when we were preparing the post here at Norman and a trolley rolled over a long sheet of bubble wrap. These sounds phase in and out and pan woozily to leave the listener a little disorientated.
Cinema Perdu similarly explores the empty psychological spaces which remain once you are all cried out. Really, this is perfect for the final part of the day when this reviewer has precious little more strength to muster. The two tracks Martijn Pieck brings to this disc are as sublime as the previous two by Bauke, in that the music is the contemplative, irresistible, seemingly boundless evocation of space, of internal conflicts easing and resolving themselves outside of time. Plus, his second track features metallic chiming under mallets. I’m a sucker for resonating metal and mallets.
Martijn and Bauke’s collaborative track, ‘4’, is possibly the most affecting of all. What sounds like a sample from a long lost choral masterpiece is used as a bed for found sounds and plucked electroacoustic instruments, with an industrial throb underpinning it all… there’s an organ playing. For a minute there, I thought it was coming from the cathedral in my mind. Then silence. The CD whirrs its death throes and I feel a little more alive." [Norman Rec.]
"THE [LAW-RAH] COLLECTIVE ist ein mehr oder weniger loser Zusammenschluss von Künstlern rings um den niederländischen Musiker BAUKE VAN DER WAL, der das Projekt mit dem enigmatischen Namen um das Jahr 2000 herum gründete. Bevorzugt tummelt man sich im Experimental-, Drone- und Dark Ambient-Sektor, zeigt aber auch keine Berührungsängste mit harscheren, ja dezidiert noisigen Spielarten, was exemplarischen Ausdruck in Kollaborationen mit NAVICON TORTURE TECHNOLOGIES (Box Edition von "The Gospels Of The Gash" und "Your Suffering Will Be Legendary") findet. Überhaupt ist man, was die stilistischen Details betrifft, um relativen Abwechslungsreichtum bemüht, und so reicht das bei discogs aufgespannte Genre-Spektrum von "Elektronik, Pop" über "Experimental, Abstract" bis hin zu "Dark Ambient, Drone". Seiner Grundrichtung bleibt das Kollektiv nichtsdestoweniger treu; nicht umsonst hat man schließlich – nomen est omen – der eigenen Homepage die Adresse "darkambient.net" verpasst. Entsprechend gerne arbeitet man freilich mit stilistisch benachbarten Künstlern wie CISFINITUM oder eben CINEMA PERDU zusammen. Der Mann dahinter, MARTIJN PIECK, ist langjähriger Freund VAN DER WALs, seit 2008 Vollmitglied von THE [LAW-RAH] COLLECTIVE und seit 2011 unter dem nom de guerre CINEMA PERDU aktiv, unter dem er bislang mehrere Alben im File- und Tape-Format veröffentlicht hat.
Die vorliegende CD "Invocation" ist nach dem gemeinsamen Split mit WOODBNDR, "Blue Ruins Under Yellow Skies" von 2014, die zweite dezidierte Zusammenarbeit mit CINEMA PERDU und folgt stringent jener kontemplativen Drone-Programmatik, die im Großen und Ganzen das Leitmotiv für die Arbeit VAN DER WALs mit dem [LAW-RAH] COLLECTIVE abgibt, hier allerdings in ganz besonders vielschichtiger, facettenreicher Form zelebriert wird. Das Thema der CD fordert eine gewisse Besinnlichkeit freilich nachgerade heraus, beschäftigt sich die inhaltliche Ebene von "Invocation" doch mit dem Zerbrechen, Erlöschen, in jedem Fall aber mit dem Ende intensiver Freundschaften und enger Beziehungen, sowie insbesondere mit jener gähnenden Leere, die eine solche, mehr oder weniger gewaltsame Trennung einer tiefen emotionalen Verbindung nach sich zieht – egal, ob sie "nur" einem menschlichen Zerwürfnis, einer individuellen, existenziellen Krise oder gar dem physischen Ableben eines der Beteiligten geschuldet ist: "Invocation" versteht sich, so führt der Promotext aus, als "split album with personal views and interpretations of the emptiness that remains. Finding closure in a process of grief." Vor diesem Hintergrund erschließt sich denn auch ganz zwanglos der Hintersinn jener Sentenz, die sich auf der Innenseite des CD-Kartonschubers findet: "Some things were never meant to change but here we are" ...
Das beim Berliner RAUBBAU-Label erschienene Album enthält sechs unbetitelte, lediglich durchnummerierte Tracks zwischen knapp acht und knapp zwölf Minuten Länge – etwas Zeit, Muße und Geduld sollte der interessierte Hörer also schon mitbringen, möchte er sich mit dieser, ohne Worte auskommenden, "conversation about what really matters" auseinandersetzen. Wer nun allerdings vom leidlich bekannten, sich über die komplette Laufzeit spannenden, mediokren Einheitsgebrumme ausgeht, das so betrüblich oft unter der Bezeichnung "Dark Ambient" firmiert, wird erfreulicherweise eines besseren belehrt: Lediglich das erste und das letzte Stück, beide von THE [LAW-RAH] COLLECTIVE eingespielt, präsentieren sich als ausgesprochen dronige, tiefenentspannte, einzig durch allerlei Rascheln, Knistern und anderweitige Störfrequenzen in minimale Regung versetzte, dabei jedoch niemals langweilige Soundmeditationen, während die von CINEMA PERDU beigesteuerten Beiträge 2 und 3 deutlich experimenteller und collagenhafter daherkommen – streckenweise fühlte sich der Rezensent durchaus ein wenig an NURSE WITH WOUND erinnert. Die eigentliche Zusammenarbeit zwischen den beiden Outfits, Track Numero 4, gibt denn auch das interessanteste Stück des Albums ab und entwickelt sich, ausgehend von einem sakralen, durch rotorartiges Flattern fragmentierten Choraleinstieg, hin zu einem, schon fast treibend-rhythmischen Mittelteil, um schließlich in einem amorphen, alle Strukturen wieder einschmelzenden Klangbad zu verhallen. Nicht alles auf "Invocation" ist also gar so meditativ, wie es auf den ersten Eindruck und nach Lektüre des zitierten Begleittextes scheinen mag – nach einigen Hördurchgängen entpuppt sich das versammelte Material in der Gesamtschau vielmehr als erfreulich abwechslungsreich und immer wieder für das eine oder andere überraschte "Oho!" gut.
Fazit: THE [LAW-RAH] COLLECTIVE & CINEMA PERDU legen mit "Invocation" ein rundum gelungenes Werk vor, das routiniert mit den Genregrenzen spielt, sie ausweitet und bisweilen beinahe transzendiert, ohne dabei jemals bemüht zu klingen, sich in Beliebigkeiten zu verheddern oder in akademischen Frickeleien zu verlieren. Beide Projekte interagieren perfekt miteinander und realisieren so ein bemerkenswertes, ebenso meditativ-hypnotisches wie dramatisch dichtes Album, das durch seine implizite Programmatik und die unprätentiöse Art & Weise, in der diese präsentiert wird, noch zusätzlich punktet: "the process of composing, writing, producing and finishing 'invocation' has helped us seeing things in perspective again after loosing loved ones. we hope it can do the same to you." – Irgendwie ist die ganze Veröffentlichung ... einfach ... sympathisch. Und wer kann schon etwas gegen sympathische Musik haben? Der Autor dieser Zeilen jedenfalls nicht." [Endsal/NON-POP]
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2016 |
€13.00 |
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| THEE SILVER MT. ZION MEMORIAL ORCHESTRA |
Fuck off get free we pour Light on everything |
LP |
"THEE SILVER MT. ZION haben über sieben Alben seit 1999 hinweg einen stacheldrahtbewehrten Bogen der Protest Music gespannt. Erst kürzlich haben sich THEE SILVER MT. ZION MEMORIAL ORCHESTRA auf nur fünf Musiker zurückgestutzt. Menucks massive E-Gitarre fungiert hier als Rückgrat, um das zwei Geigen, ein Bass (dieser Tage öfter elektrisch als akustisch) und das Schlagzeug rotieren. "Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything" ist das erste definitive Dokument des neuen Sounds und Stils der Band als Quintett. Das Kernstück des Album, ,Austerity Blues" mit seiner Abschlusszeile "Lord let my son live long enough to see that mountain torn down" gesungen in verschiedenen Spielarten über die zweite Hälfte des 14-minütigen Epos, personifiziert den unerschrockenen Blick Menucks auf eine Welt voller Erbärmlichkeit, Gier und Ungerechtigkeit, betrachtet durch die Linse von Elternschaft, Sterblichkeit, Durchhaltevermögen und Trotz. Dies ist keine fröhliche Musik, aber sie kann auch nicht einfach so als apokalyptisch und weltmüde abgestempelt werden. ,Fuck Off Get Free" wütet voller Zorn und Hoffnung und ist zugleich absolut leidenschaftlich und bewusst unromantisch. THEE SILVER MT. ZION MEMORIAL ORCHESTRA zeigen einmal mehr, das es so viel gibt, gegen das sich kämpfen lässt. Im Unterschied zu anderen Bands haben THEE SILVER MT. ZION die passenden Kampfsongs im Gepäck. //
Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra (SMZ) has traced a barbed-wire arc of genre-defying protest music since its inception in 1999. Formed by Efrim Menuck, with Thierry Amar and Sophie Trudeau, the initial iteration of the band was a predominantly instrumental trio that forged a more intimate and ragged chamber-punk than Godspeed You! Black Emperor, the other group in which all three founding SMZ members also played (and continue to play). Through seven albums from 2000-2010, SMZ expanded its line-up and shifted towards an increasing use of lead and group vocals, with Menuck penning politically-charged lyrics to anchor long-form multi-movement compositions that juxtaposed electrified guitars against a 4-piece string section of violins, cello and contrabass.
Most recently, SMZ has pared back to five players, with Menuck's massive spectrum-spanning electric guitar sound emerging as the spine around which two violins, bass (now more often electric than acoustic) and drums are deployed. SMZ have managed a handful of short tours in the past couple of years (in the gaps between GYBE commitments) and as anyone who has seen the band in its recent incarnation can attest, their current sound is more honed, laser-guided and bone-rattling than ever, melding hardcore, blues, garage and dark metal influences that have nothing to do with anything so quaint as “post-rock” (a tag the group has always and rightly rejected).
Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything is the first definitive document of the band's newfound sound and style as a quintet. It’s also their first single LP-length work since the band’s debut record as a trio almost 15 years ago, and features road-tested pummeling rock-outs “Fuck Off Get Free (For The Island Of Montréal)”, “Take Away These Early Grave Blues” and “What We Loved Was Not Enough” alongside the previously unheard lullabyes/minuets “Little Ones Run” and “Rains Thru The Roof At Thee Grande Ballroom (For Capital Steez)” and the album centerpiece “Austerity Blues” with its closing lyric “Lord let my son live long enough to see that mountain torn down” sung in varying incarnations throughout the second half of this 14-minute epic.
This lyric in many ways encapsulates Menuck's unflinching take on a world replete with shabbiness, greed and injustice, seen through the lens of parenthood, mortality, endurance and defiance. There are few other musicians who deliver social critique with the courage and honesty of lines like “All our cities gonna burn / All our bridges gonna snap / All our pennies gonna rot / Lightning roll across our tracks / All our children gonna die”. Feel-good music this is not; but neither can it reductively be tagged apocalyptic or world-weary. Fuck Off Get Free rages with scorn and with hope, utterly passionate but pointedly unromantic. Thee Silver Mt. Zion once again demonstrates, like few other bands working today, that there is much to fight for and against, and plenty more fight songs to sing." [label info]
www.cstrecords.com
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2014 |
€21.00 |
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Fuck off get free we pour Light on everything |
CD |
"THEE SILVER MT. ZION haben über sieben Alben seit 1999 hinweg einen stacheldrahtbewehrten Bogen der Protest Music gespannt. Erst kürzlich haben sich THEE SILVER MT. ZION MEMORIAL ORCHESTRA auf nur fünf Musiker zurückgestutzt. Menucks massive E-Gitarre fungiert hier als Rückgrat, um das zwei Geigen, ein Bass (dieser Tage öfter elektrisch als akustisch) und das Schlagzeug rotieren. "Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything" ist das erste definitive Dokument des neuen Sounds und Stils der Band als Quintett. Das Kernstück des Album, ,Austerity Blues" mit seiner Abschlusszeile "Lord let my son live long enough to see that mountain torn down" gesungen in verschiedenen Spielarten über die zweite Hälfte des 14-minütigen Epos, personifiziert den unerschrockenen Blick Menucks auf eine Welt voller Erbärmlichkeit, Gier und Ungerechtigkeit, betrachtet durch die Linse von Elternschaft, Sterblichkeit, Durchhaltevermögen und Trotz. Dies ist keine fröhliche Musik, aber sie kann auch nicht einfach so als apokalyptisch und weltmüde abgestempelt werden. ,Fuck Off Get Free" wütet voller Zorn und Hoffnung und ist zugleich absolut leidenschaftlich und bewusst unromantisch. THEE SILVER MT. ZION MEMORIAL ORCHESTRA zeigen einmal mehr, das es so viel gibt, gegen das sich kämpfen lässt. Im Unterschied zu anderen Bands haben THEE SILVER MT. ZION die passenden Kampfsongs im Gepäck.//
Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra (SMZ) has traced a barbed-wire arc of genre-defying protest music since its inception in 1999. Formed by Efrim Menuck, with Thierry Amar and Sophie Trudeau, the initial iteration of the band was a predominantly instrumental trio that forged a more intimate and ragged chamber-punk than Godspeed You! Black Emperor, the other group in which all three founding SMZ members also played (and continue to play). Through seven albums from 2000-2010, SMZ expanded its line-up and shifted towards an increasing use of lead and group vocals, with Menuck penning politically-charged lyrics to anchor long-form multi-movement compositions that juxtaposed electrified guitars against a 4-piece string section of violins, cello and contrabass.
Most recently, SMZ has pared back to five players, with Menuck's massive spectrum-spanning electric guitar sound emerging as the spine around which two violins, bass (now more often electric than acoustic) and drums are deployed. SMZ have managed a handful of short tours in the past couple of years (in the gaps between GYBE commitments) and as anyone who has seen the band in its recent incarnation can attest, their current sound is more honed, laser-guided and bone-rattling than ever, melding hardcore, blues, garage and dark metal influences that have nothing to do with anything so quaint as “post-rock” (a tag the group has always and rightly rejected).
Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything is the first definitive document of the band's newfound sound and style as a quintet. It’s also their first single LP-length work since the band’s debut record as a trio almost 15 years ago, and features road-tested pummeling rock-outs “Fuck Off Get Free (For The Island Of Montréal)”, “Take Away These Early Grave Blues” and “What We Loved Was Not Enough” alongside the previously unheard lullabyes/minuets “Little Ones Run” and “Rains Thru The Roof At Thee Grande Ballroom (For Capital Steez)” and the album centerpiece “Austerity Blues” with its closing lyric “Lord let my son live long enough to see that mountain torn down” sung in varying incarnations throughout the second half of this 14-minute epic.
This lyric in many ways encapsulates Menuck's unflinching take on a world replete with shabbiness, greed and injustice, seen through the lens of parenthood, mortality, endurance and defiance. There are few other musicians who deliver social critique with the courage and honesty of lines like “All our cities gonna burn / All our bridges gonna snap / All our pennies gonna rot / Lightning roll across our tracks / All our children gonna die”. Feel-good music this is not; but neither can it reductively be tagged apocalyptic or world-weary. Fuck Off Get Free rages with scorn and with hope, utterly passionate but pointedly unromantic. Thee Silver Mt. Zion once again demonstrates, like few other bands working today, that there is much to fight for and against, and plenty more fight songs to sing." [label info]
www.cstrecords.com |
2014 |
€14.50 |
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| THIS HEAT |
Health & Efficiency |
maxi-CD |
CD Re-issue of the genius 12" from 1980, re-mastered !
"1980 veröffentlichten This Heat die hier besprochene 12"-EP (oder Maxi-Single), die 1998 von These Records als Mini-CD wiederaufgelegt wurde. Gleichzeitig erschien das Material zusammen mit den Stücken von "Repeat" auf einer Doppel-LP (mit dem Titel "Health & Efficiency / Repeat"). "Graphic/Varispeed" ist zudem auch auf der "Repeat"-CD zu finden.
Zwei sehr unterschiedliche Stücke haben This Heat hier auf die beiden Seiten der EP pressen lassen. Das Titelstück stellt ein Destillat der Musik der drei Engländer dar, eine energiegeladene Zusammenfassung ihrer musikalischen Ideen in 8 Minuten, ein dichtes und spannendes Konglomerat aus schrägem Song, Tonbandeffekten, RIO-Krach, Schlagzeug-Freakouts, quasiindustriellen Klängen, wavigem Rock, Canterbury-Rudimenten und nervösem Tonschweben. "Health & Efficiency" ist meiner Meinung nach das beste Stück, dass This Heat je gemacht haben. Wer sich nur eine Nummer der Gruppe antun möchte, sollte sich dieses Stück anhören. Genial!
"Graphic/Varispeed" bietet dann, mehr oder weniger, nichts. Ein ewigliches, einförmiges Tonschweben kommt hier aus den Boxen, mal lauter mal leiser, mal hoch mal tief, mal weich mal hart. Wenn man das Brummen eines alten Kühlschranks aufnehmen würde, wäre das Ergebnis wohl ein ähnlich abwechslungsreiches Stück "Musik". Das Ganze ist eine extreme Minimal-"Kunst", die man wohl mit einem verblüfft-verständnislosen Lächeln hinnehmen muss. Man kann den Nichts-Effekt übrigens noch steigern, wenn man die EP bei 33 rpm abspielt ... den Besitz der Vinylversion vorausgesetzt (diese langsame Version der Nummer ist übrigens auf "Repeat" zu finden).
Trotzdem, das Titelstück sollte man kennen (wenn man denn die beiden Studioalben von This Heat schätzt)!" [Achim Breiling / Babyblaue Seiten]
www.rermegacorp.com
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2006 |
€9.50 |
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| THO-SO-AA |
Absorb |
CD |
Viele haben darauf gewartet, jetzt ist sie draußen. THO-SO-AA lassen sich viel Zeit, bis neue Aufnahmen das Licht der Welt erblicken, und das hört man: wohlüberlegt konstruierte, sich gemächlich im Raum ausbreitende Elektronik – überraschenderweise tönt die ABSORB viel rhythmischer als die beiden Vorgänger, aber das stört nicht im geringsten. Subtil, schwelend, isolationistisch, und doch voller Sehnsucht tönt dieser „slow rhythmic ambient“ und hinterläßt emotionale „Imprintings“..
[Drone Rec. info 2001]
“Now the third part of THO-SO-AA ´s sound creations is finished and to be released. ABSORB is the consequent result of a very interesting development in the work of this artist. The 3rd THO-SO-AA CD shows a lot of varitions in the soundworld of this ambient project. Of course you will hear the typical dark ambient sounds, but you can also listen to ritual soundcreations and also rhythmical tracks and you can say they are danceable.” [taken from the label press-release].
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2001 |
€13.00 |
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| THORSTEN SOLTAU & COMRADES |
Roman Feast & a Grape from Thor Heyerdahl's Table |
do-MC BOX |
"Roman Feast & A Grape From Thor Heyerdahl's Table features a wide collection of Thorsten Soltau's layered concrete sounds and the sources that created them.
On this double-cassette album he and his "Comrades" have created a beautiful, and sometimes haunting journey through ambient drones, concrete music and cut-up sound collages.
An arrangement varying from whipping noise layers and piercing feedback drones combined with amplified objects, to field recordings, repeating piano rhythms and hidden voice fragments to spoken word storytelling!
An adventure in experimental music!
Feat. Max Kuiper, The Dead Mauriacs, Marina Stewart, Mihkel Kleis, Rainier Lericolais, Gildas Brugaro, Fluorescent Grey and Susan Matthews
Two high-bias chrome cassettes in special vinyl packaging. Comes with one hand-numbered and signed art print out of the four motifes: The Center, Poor Man’s Deathbed, Bring Me A Head Full Of Thoughts or the Red Killer." [label info]
"For whatever odd reason I was thinking that Thorsten Soltau was one of the guys from the old cassette network, but in fact he started to play music in 2009 and on discogs it says about his work that he works "exclusively with concrete material, plundered data carriers and vinyl sources and leaves his first proper use of digital manipulation behind. Influenced by first electronic music and the avant-garde cut-up of musical and non-musical sources Thorsten Soltau decided to teach himself a form and musical language of strange, two-dimensional musique concrete and jarring rhythms." He works with other people a lot, I think, as this excellently designed double tape proofs. The comrades are people like Max Kuiper, Marina Stewart, Mihkel Kleis, The Dead Mauriacs, Roman Feast (all on the first tape, sometimes with more comrades per track), while Kuiper and Kleis return on the other tape along with Gildas Brugaro, Susan Matthews and Fluorescent Grey and Rainier Lericolais provide a remix. A vivid little scene, as The Dead Mauriacs also release on this label. In the first four piece, all on cassette one, I must admit I heard some great music but hardly something that translated to concrete material, plundered data carriers and vinyl sources, but rather something that sounded like ambient inspired synthesizer work, despite whoever was collaborating. These pieces were all quite dark, quite heavily layered with synthesizer like sounds and didn't sound surprisingly new, but they did sound surprisingly good. Music that fits the dreary grey day, ending with a boom and a clap in the Lericolais remix. On the other tape we find more what discogs (at least) promises: plundered sound sources, vinyl work and such like. First through a live recording (Soltau/Kuiper/Brugaro/Matthews) which opens with the crackling of vinyl and ends with noise and we move in between through these ends.
Thereafter is a piece by the first three but with the addition of Kleis and it's quite a lovely piano sample being repeated over and over, but shifting back and forth, going the all out of phase way from Steve Reich and slowly morphing into a marimba or glockenspiel. He would be proud of the simple yet highly effective piece of music. The Fluorescent Grey remix doesn't much add to this beauty, it just makes it a bit noisier. 'Plagot 2' is a nice faint technoid like piece, but also seems a bit superflouos. Otherwise: excellent release." [FdW/Vital Weekly]
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2014 |
€14.00 |
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| TIBETAN RED / THE OVAL LANGUAGE / DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE |
The Breath of the Hydra |
CD |
A three way collaboration between the Germany based THE OVAL LANGUAGE, the Catalan TIBETAN RED and DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE living in Rennes, France. In an on and off exchange since end of 2016, a continuous exchange of audio material, ideas and suggestions. Salvador Francesch and Guido Hübner meet again after long years at the occasion of a concert of the latter one at the LEM festival in Barcelona. Since then working together became evident as was the choice of including Klaus-Peter John with whom several collaborations had already seen the light of day through the years, most notably the homage to the late Carlfriedrich Claus ‘sprechzimmern’ with RLW as well as a 2x CD collection of collaborations on the notorious Monochrome Vison label in Moscow.
The association of their different sound worlds and even more specifically their extremely particular fashions of creating them was meant to merge and melt in a whole able to blur clear distinctions with only an occasional sneaking out of a head and a hissing tongue amongst many that takes the scent and direction respectively in the brooding heat that forges shape and carves direction.
TIBETAN RED Salvador Francesch is a catalan-canadian painter, sculptor and sound explorer who lives in La Garrotxa, Girona. He has released 5 CDs in his Tibetan Red project. His work pursues experimentation with sounds that seek to convey some aspects of his interest in Eastern rituals and ceremonial art.
THE OVAL LANGUAGE Klaus-Peter John is from Leipzig, the project started as a trio in the early 80’s working to turn into his solo project with sound, noise works in open spaces, photography, installations and land-art informed projects in which mainly the voice is put center stage.
DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE started in the early 80’s in Berlin with cassette production and performative concerts, exhibitions and installations to which a D.I.Y. approach of a lot of customized equipment became inherent accompanying an interest in several areas of science and technology. Moved to Barcelona then France, producing many recordings and performance works.
https://emerge.bandcamp.com/album/the-breath-of-the-hydra
"The Breath of the Hydra (ACU 1029), da weißt man ja, es sind drei Köpfe. So auch hier: TIBETAN RED + THE OVAL LANGUAGE + DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE. Ersterer, Salvador Francesch in La Garrotxa in den katalonischen Pyrenäen, hat dem mit Todo entretenimiento es una anticipación del infierno auch das Motto vorangestellt. Der Dichter José Bergamin soll das gesagt haben, als Vorstand der Alianza de Intelectuales Antifascistas der kulturelle Kopf der Spanischen Republik, der Picasso den Auftrag zu "Guernica" gegeben hat. Francesch teilt mit Bergamins Rechtfertigung des 'Roten Terrors' allemal die Vorliebe für Rot und offenbar auch die Vorfreude auf die Hölle. Blödsinn, natürlich die Abneigung gegen Amusement. Er ist mit seinem Debut 1985 auf Freedom in a Vacuum nicht ganz so lange dabei wie Guido Hübner, der ab 1981 sich der Cassette- & Soundculture einschrieb. Bei "Sprechzimmern" (2015), einer Hommage an den konkreten Lautpoeten Carlfriedrich Claus, und zehn Jahre zuvor bei 'Papillon Schizophone' war er dabei auch schon mit Peter John zusammengekommen. Der Leipziger, der in den 80ern als Sänger bei Neu Rot (!) anfing, hat sich nach "Hibernation" & "Waldkonzerte" auf Edition Telemark zuletzt mit "Hexen Hexer" gegen Denunziation und Hexenjagden positioniert, auch wenn heute dabei, anders als im Spanischen Bürgerkrieg und beim Hydraschlachten, seltener Blut fließt. Ich kann mir eine 'Melancholie des Widerstands', wie sie Hübner von László Krasznahorkai aufgegriffen hat, als das Verbindende zwischen den dreien vorstellen bei ihrem alchemistischen Procedere mit brodeligem Köcheln und Sieden, das einher geht mit kratzigen und schleifenden Impulsen und hohleren, quasi perkussiven Anmutungen, die das überwölben. Dazu vexieren zirpige, halbwegs natürliche Klänge mit einem leisen, hauchzarten 'Schreiben' mit metallischem Griffel, über das motorische, zischende, sirrend oszillierende Attacken hinweggehen und einen industrialen Dominator installieren, der impulsiv oder gedämpft rumort und infernalische Stimmen nur ahnen lässt. Der Griffel schreibt weiter in einer opaken Nichtstille und hat dabei etwas von einem Keuchen oder Röcheln an sich. Martialische Wellen mischen das auf, und zischende Ventile machen das zu einem Tauchgang in die Schinderwerkstätten der Schlotbarone. Trappeliges Toben, abgerissene Kürzel und tatsächlich der Kehle entrissene Laute verunklaren dabei die Differenz von Mensch-Maschine, Organisch-Anorganisch, Außen-Innen, Hart-Weich, Makro-Mikro. Immer wieder leise als bruitistische Audiographie aus winzigen, halb wie gehauchten Krakeln vor einer nun dröhnend bebenden Klangwand. Wenn nur das Schreien nicht wäre, das infernalische, kaum zu hören, aber doch nicht zu leugnen. Ganz in der Nähe - Folterkeller, Höllen. Die satanischen Mühlen mahlen als zerrende Tonbandspuren, weiß der Teufel, was sich hinter verschlossenen Türen alles abspielt. Scharrt da wer an Metall? Was sind das für unheimliche Heimlichkeiten?" [Bad Alchemy]
"German Attenuation Circuit label run by Sascha aka EMERGE, has released a new album in which three sound artists of electronic experimental music collaborate: German artist The Oval Language, Catalan Tibetan Red and Das Synthetische Mischgewebe who lives in Rennes, France.
"The Breath of the Hydra" is the result of exchanging audio files since the end of 2016.
Salvador Francesch is a Catalan-Canadian painter, sculptor and sound explorer who lives in La Garrotxa, Girona. He has published five CD's with his Tibetan Red project.
Klaus-Peter John aka The Oval Language is from Leipzig and works in noise, open space, photography, installations and informed land-art projects where the voice takes center stage. Guido Hübner aka Das Synthetische Mischgewebe started in the early 80's in Berlin with the production of cassettes and performance concerts, exhibitions and installations.
This album consists of a single track of almost 52 minutes long which unfurls two faces. One, the sound is almost imperceptible and silence plays a relevant role. In the other, drones and noises are the background of a proposal with a strong organic character and consequently, gasping and buried voices are barely heard and spit out an indecipherable language. The clicks near the middle of the track look like whips that are followed by screams which are in the distance. All this takes place in a dark ambience that well represents the history of the Hydra." [Guillermo Escudero/LOOP]
https://emerge.bandcamp.com/album/the-breath-of-the-hydra, http://www.attenuationcircuit.de/
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2021 |
€12.00 |
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| TIDAL / CHAOS AS SHELTER / IGOR KRUTOGOLOV |
Ingathering of exiles |
CD |
Sehr fruchtbare Zusammenarbeit des US-Minimal-Drone-Projekts TIDAL mit den apokalyptisch-sakralen CHAOS AS SHELTER und dem ebenfalls aus Israel stammenden Experimentalmusiker IGOR KRUTOGOLOW, die hier eine unheilvolle und schwermütige Atmosphäre heraufbeschwören: bedrohlich–symphonische Drones, pathetische Klagegesänge, tief-eruptive Soundschwälle, schwelende feedbacks, elektronische Sounds und akustische Instrumente oder Soundquellen... ein bedrückend intensiverTrip ins sakrale Herz der Dunkelheit, der sich hier symbolisch auf das biblisch-messianische Heilsversprechen bezieht..
„Tidal is David Brownstead, previously known for his harsh noise project 666 Volt Battery Noise. Now focusing on minimal ambient music, David has released CDs under the name Tidal on Alluvial Recordings and just recently on Manifold Records. "The Four Rivers" on Alluvial, is the first installment in what is to be a trilogy dedicated to and inspired by Mishima. "Golem And Man" on A Pyrrhic Victory/Manifold is his latest release which was released in October 2002. The second installment of the Mishima trilogy is in the works as well as other releases and collaborations.
Conceived in 1999, Vadim Gusis (Chaos as Shelter) is Israel's premier solo composer of Soundscape, Neo-Folk, Ambient Drone music...He currently has three CDr releases, one 3" CDr, 2 CDs, a double CD and a 7" record in his discography. He works out of New Jerusalem Studio.
Igor Krutogolov is an experimental multi-instrumentalist (including cello, piano and throat singing) based in Jaffa, Israel. He is a frequent contributor to Chaos As Shelter as well as various other projects in genres ranging from ambient to improvisation to harsh noise. His solo work has appeared on various compilations and he is currently working on upcoming solo and collaborative releases. Historically "The Ingathering of Exiles" is when, in the Messianic age, all Jewish people, including the Ten Lost Tribes, would gather from their exile around the world to Israel. The Ground Fault Recordings CD, "Ingathering of Exiles" is an idea that explores the shared
heritage of the three collaborators.” [label description]
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2003 |
€7.00 |
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| TIETCHENS, ASMUS |
Das Vieh und sein Vater |
CD |
Irgendwie sind uns nochmal einige Kopien dieser "rare tracks"-Zusammenstellung von 1996 in die Hände gefallen, erschienen auf einem Label das schon längst nicht mehr existiert. 18 Stücke sind hier enthalten, die von 1981 bis 1995 (bis auf 3 Stücken aber alles aus den 80ern) auf MC und LP-Compilations erschienen, das meiste davon ist rar & jetzt nirgendwo anders erhältlich. Einige Beispiele: "TINA, ICH LIEBE SIE!" von "Sex & Bestiality" 4 x MC (Bain Total, 1984, das DIE FORM-Label); "TRIUMPH DES WILDEN" von "Alternative Funk 1" MC (Audiologie 2, 1995), "KRYPTO-PHONOPHONIE" von "Captured Music" (Selektion 1987), etc. etc.
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1996 |
€13.00 |
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Eine Menge Papier |
mCD |
"Asmus Pre-Mengenserien und somit alles vor der sonischen Auseinandersetzung mit Sinus und Rauschen birgt noch wesentlich feinere Schätze als man denken mag- beachtet man Tietchens Output an Material in den letzten zwanzig Jahren und lässt man sich davon nicht abschrecken, entgehen einem Dinge wie »Papier ist geduldig« oder »6.9.98 7 Uhr/8 Uhr« nicht. Ersterem gewährt aufabwegen in sehr hochwertiger und edler Manier einen Publikumsneuzugang (der angesichts der damals sehr niedrig gehaltenen Limitierung auch geraten erscheint) und erweitert das recht kurzweilige Material der original Syntactic 7“ um eine weitere, nie veröffentlichte Single sowie Material aus den Sitzungen, die es nicht auf das Vinylformat geschafft hatten. Der Klang ist erstaunlich für die 1996 umgesetzte 7“, hier zieht vor allem Tietchens’ großartiger Umgang mit dem Quellmaterial sämtliche Register avantgardistischen Könnens. Wie unschwer zu erkennen bzw. auch zu hören, beruht das Material dabei auf Papiergeräuschen, eine Serie die Asmus aufgrund des limitierten Frequenzganges des Materials und seiner beschränkten Weiterverarbeitung jedoch frühzeitig wieder beendete. Teilweise sehr krachig mit deutlichen Anleihen an Asmus Tietchens Achtziger-Konkretindustrial: »P.I.G. 5« mit seinen betont sinusoiden Einzelklängen gerät zur fast schon skizzenhaften Abstraktion von Papierklang, hingegen betont »P.I.G 4« auf recht kurze Weise die Schönheit von Tietchens Bearbeitungsmanie, kennzeichnet sich das Stück doch durch recht scharfgeschnittene und –gefilterte Einzelereignisse ehemaliger Schriftstückverformungen.
Letztes Stück bietet dem Hörer eine wunderbar noisige Vertonung all dessem, was Tietchens an Papier in seinem Studio wahrscheinlich aufbieten und –gespannt lauschend und schelmisch lächelnd- auch zerknüllen konnte. " [Thorsten Soltau, AEMAG]
“Eine Menge Papier” assembles 20 minutes of sounds derived from using paper as the sound souce. Two tracks originally came out as a limited 7” record on the austrian Syntactic label in the 1990ies and appear here for the first time on CD. The other two tracks were planned for a follow up 7” on the same
label that never materialized. The fifth track is a study of sonic material in the same series. There are two further tracks from the P.I.G. series that are considered by the artists as failed attemps. These remain in the closet. The five sonic movements on “Eine Menge Papier” go back to the Tietchens sound right before he started the Mengen series, using primarily sine waves and white noise. “Eine Menge Papier” is an interesting documentation of the transition in Tietchens’ sound from the concretish, post-industrial rumblings and textures to the more refined, abstract and cold atmospheres. Asmus Tietchens has been producing electronic music since the 1960ies and is
one of the most renowned sound artists today in Germany. In the last five years he was awarded twice the SWR state radio prize “Karl Sczuka Preis” for radio art. He has released more than 80 records and CDs on labels all around the world."
[label notes]
www.aufabwegen.com
www.tietchens.de
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2009 |
€9.50 |
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Biotop |
LP |
"Scheppernd, künstlich und plärrend bunt: Reissue des 81er-Albums des Hamburger Elektronikers.
Asmus Tietchens ist einer der bekanntesten deutschen Künstler im Bereich der abstrakten Musik. Fünf seiner Frühwerke, die grob im Bereich Avantgarde-Synthiepop zu verorten sind, werden nun beim Label Bureau B wieder veröffentlicht. "Biotop" war 1981 Tietchens’ erste LP bei Sky Records (u. a. Cluster, Rother, Roedelius, Moebius, Plank, Riechmann). Es mag rückblickend wie eine bewusste Irreführung erscheinen, dass die ersten musikalischen Hervorbringungen von Asmus Tietchens als schräg tönender Pseudopop daherkommen. Vier Alben aus den Jahren 1981-83 sowie diverse Einzelstücke bilden die "Zeitzeichen"-Phase, die sich mit den Worten ihres Urhebers durch den Einsatz von "rhythmisch-harmonischen Versatzstücken und quietschbunten Schallplattenhüllen" auszeichnet. Die Stücke auf "Biotop" sind mit ihren insektoiden Fiepstönen, der bollerigen Perkussion und der verschleppten Kinderliedhaftigkeit so scheppernd, künstlich und plärrend bunt, wie es den Vorstellungen eines Künstlers entsprach, der reguläre Unterhaltungsmusik weder herstellen konnte noch wollte. //
Asmus Tietchens is one of the best known German artists in the field of abstract music. His early works though are finest avant-garde synthesizer pop. "Biotop" was Tietchens' first release on the German label Sky Records (Cluster, Michael Rother etc.). It is inhabited by insectoid squeaks, banging percussion and echoes of displaced nursery rhymes. These blaring, crashing tracks glare with artifice, mirroring the ideas of an artist lacking the inclination and capacity to compose straightforward easy listening music.
"Spät-Europa" also conveys a banefully distorted pseudo pop soundscape of disjointed rhythms and oblique melodies, defined by nervous pulses, cool alacrity and croaking toots; tongue in cheek it most certainly is, but the musical arrangement again affirms its own identity. Here, shadowy, rumbling industrial elements cut into the neon coloured pieces indicative of the artist's parallel lines of development. Both reissues are available on CD (Digipak), vinyl (180g) and for download." [label info]
www.bureau-b.com
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2013 |
€18.50 |
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Humoresken und Vektoren |
CD |
"CD in full colour digipak with photos by Okko Bekker and Asmus Tietchens. Production: Okko Bekker. Recorded at Audiplex Studios Hamburg in 2012. 16 tracks of new material. 500 copies.
On „Humoresken und Vektoren“
„Humoresken und Vekotren“ takes up a work that was started upon the invitation of Francisco Lopez for the spanish Störung label. The task was to deliver thirteen 2-minute original compositions for a compilation release. “Humoresken und Vektoren” recycles these miniatures from 2010 and unfolds it into eight new works having no resemblance with the original sourcings whatsoever. These eight tracks are bound together by eight short pieces entitled “Tristia” that function as bridges between the longer pieces. “Humoresken und Vektoren” is a combination of very dynamic and detailed sounds and a range of delicate layers and abstract textures. The CD features very surprising artwork unlike most recent Tietchens releases.
Asmus Tietchens writes:
Vier Humoresken, vier Vektoren und alle Stücke getrennt durch jeweils eine kleine Traurigkeit: Tristia, Die allerdings in gleich acht Varianten. Im 19. Jahrhundert wurden ohne Ende Humoresken komponiert.
Ich habe nie begriffen, was an diesen Stücken lustig sein sollte. Im 20. Jahrhundert gab es eh nichts mehr zu lachen, also wurden auch keine Humoresken mehr komponiert. Das 21. Jahrhundert scheint zum Schreien komisch zu werden, also habe ich vier Humoresken komponiert.
Wahrscheinlich wird kaum jemand heraushören, was an ihnen lustig ist.
Vier Vektoren geben zwar definierte Richtungen an, aber solange die Koordinaten nicht bekannt sind, zielen sie ins Nichts. Solche Vektoren zu betrachten, ist ebenso ergiebig, wie den Bereich zwischen Null und Eins zu untersuchen. Und vielleicht sind die acht kurzen Tristia- Stücke ja die eigentlichen Humoresken? Und die Vektoren ein wenig traurig? Und die Humoresken führen nirgendwohin?" [label info]
www.aufabwegen.com
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2014 |
€13.00 |
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| TIETCHENS, ASMUS & JON MUELLER |
8 Stücke |
CD |
"Second collaborative effort between german sound manipulation pioneer Asmus Tietchens and american improv-drummer Jon Mueller. The CD features 8 tracks that run up to 53 minutes. Jon Mueller on the second collaboration: “The previous collaboration between Asmus and I involved me using only sounds derived from drum heads. For Acht Stuecke, I've used only Chinese gongs and cymbals, so a completely different range of sound occurs. The performance of the percussion material was from various non-mechanical techniques (striking, swinging gongs, extended techniques, etc.) to create a palette of mostly textural sound with a large frequency range that Asmus could work with.” And indeed, work he did! The completeness that is Acht Stuecke is of breathtaking beauty and simplicity and complexity at the same time. The album is definately more homogenous and ‘together’ than the first meeting of the two musicians. It emanates a warm and deep sound evolving ou t of total soundless blankness as it seems.
Jon Mueller has been active for several years in the us improv scene playing in various ensembles and doing solo work. he runs the excellent web mag/label/mailorder croutonmusic.com. Asmus Tietchens has been producing electronic music since the 1960ies and is one of the most renowned sound artists today in Germany. In the last five
years he was awarded twice the SWR state radio prize “Karl Sczuka Preis” for radio art. He has released more than 80 records and CDs on labels all around the world." [label info]
"...There are occasions in which one doesn’t need to speak too much to establish a truth, and the truth here lies inside the repeated bends and turns of a gorgeous album, among the best of both artists’ career. The original materials furnished by the Milwaukee percussionist - sounds of Chinese gongs and cymbals - were studio-treated by the German manipulator through his usual masterful methods, this time maintaining the qualities of the harmonic resonance of the metal rather evident amidst the choked gulps, the modified waves and the fractured hiccups that we’re used to receive from the Hamburg-based sonic transformer. There’s this splendid three-way cross between the real essence of Mueller’s stricken parts and swinging gongs, the instant mutated jargon developed by Tietchens over that, the final elemental amalgam bringing the whole to sound like a hidden microcosm where a hypnotically undulating presence is blemished by sparse singular voices of unknown entities. It’s really difficult to describe the overall feel in sheer words, but those who are gifted with the ability of picking disguised frequencies from the core of the more superficial ones are in for several special moments, aware of phenomena that not everybody can actually penetrate." [Massimo Ricci / Touching Extremes]
www.aufabwegen.com
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2007 |
€13.00 |
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| TOMKINS, KEVIN |
Her Favourite Distance Was That Between A Cough... |
CD |
"Kevin Tomkins is best known for his work in Whitehouse and his own group Sutcliffe Jugend, now called Sutcliffe No More. He also worked with Bodychoke, Inertia, and Patient K. Most of his music has its background in the power electronics scene that evolved in Great Britain around the label Come Organisation and the group Whitehouse. Power electronics is a style of noise music that typically consists of static, screeching waves of feedback, analogue synthesizers making sub-bass pulses or high frequency squealing sounds; with screamed and distorted vocals. The genre is noted for its influence from industrial. It is generally atonal, like most noise music and also features a lack of conventional melodies or rhythms. To match its sonic excess, power electronics relies heavily upon extreme thematic and visual content: whether in lyrics, album art, or live performance actions. For his solo work, Kevin sometimes uses a very different style to his group work. An autoharp or chord zither is a string instrument belonging to the zither family. It uses a series of bars individually configured to mute all strings other than those needed for the intended chord. In summer 2023, Kevin played a rare solo show in Vienna at Klanggalerie's 30th birthday bash. It was based on his autoharp album using that very instrument plus voice and an arrangement of gimmicks and tools. A week later, he created an album based on the performance and his time in Vienna."
Dokument eines der sehr raren Liveauftritte von Whitehouse- und Sutcliffe Jugend-Mastermind Kevin Tomkins (2023, 30 Jahre Klanggalerie Festival Wien) als CD im Digipack auf Klanggalerie. Am bekanntesten durch seine Arbeit mit der Power Electronics-Legende
Whitehouse oder mit Sutcliffe Jugend, steht Kevin Tomkins vor allem für atonale und schroffe Musik, die durch pulsierende Analogsynthesizer rhythmisiert wird - extrem bis hin zu den visuellen Aspekten wie Artworks
oder Bühnenshow. Doch mit seinen Soloprojekten folgt der Brite schon lange einem freiern und avantgardistischen Ansatz. Mit seinem aktuellen Studiowerk "Music For An Unprepared Autoharp" widmete sich Tomkins der
obskuren Kastenzither Autoharp, auf der sich per Tastatur ganze Akkorde bilden lassen. Genau wie auf dem Album entlockte er beim Wiener Auftritt
zum 30. Geburtstag seines Labels dem Instrument mit unkonventioneller Spielweise Drones, Melodien und Obertöne. Seine Stimme du weitere
Hilfsmittel und Effekte ergänzten die Aufführung. Aus deren Audiomitschnitt und Eindrücken seines Aufenthalts in Wien entstanden die hier vorliegenden
experimentell-ambientesken fünf Tracks.
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2023 |
€15.00 |
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| TORBA |
Musique Inconcrete |
LP |
After the quickly sold out »Ggràn« cassette, released on Fragment Factory in 2016, we are very happy to welcome back the Italian sound artist Mauro Diciocia aka Torba for his 2nd contribution to the FF label catalogue. »Musique Inconcrète« is the follow-up to »Musica Conventionale«, released earlier this year on his own Edizioni Aaltra imprint, and marks the second installment in a trilogy of related recordings, informally named »Le Musiche«. While being active in the field of contemporary sound art and noise music for more than a decade, Diciocia has produced a whole lot of mostly small run cassette releases. This LP is Torba's first and long overdue full-length album for the vinyl format.
While Diciocia's latest work is far from being composed in classical terms, the concept behind the album revolves around the idea of sketch or annotation. Or better still: The inconcrète. A semi-false (or semi-correct) french word, used to undermine the consistency of the french Musique Concrète tradition in a rather light-hearted manner. During the conception of this album, MD was strongly influenced by the work »Incompiuto - The Birth of a Style« by the Italian contemporary art collective Alterazioni Video. They loudly claim that Incompiuto – the unfinished – is the only Italian art style of some significance in the past 50 years: "The term ‘incompiuto’ refers to the architectural and infrastructural works whose construction has been halted, and which can be witnessed throughout the entire Italian peninsula. They are all publicly funded, and for a variety of reasons (design errors, political decisions, inaccurate cost estimates, contractors' bankruptcies, evident disregard of building regulations, the disappearance of funds, etc.) their construction has been interrupted, leaving behind a series of ruins in reverse.” (Alterazioni Video)
Far from any reference to post-architecture or mafia-political controversy, the final output of »Musique Inconcrète« is a macro cut-up of sound-screens reorganized as quasi-organic narration: Fragments of unfinished compositions, roughly assembled according to a mere aesthetic criteria. Beyond the sporadic use of oscillators and a few inserts of other people's music manipulated on ¼-inch tape, the whole LP is made out of field recordings collected in the region of Salento in southern Italy, where Diciocia is currently living. All environmental sounds were captured with common consumer electronics (walkman and mobile phones) in order to give back the domestic feeling of an abandoned opera. Speaking of geography, the first track Lapjèdr Fòr is the only exception. Intended as an introduction to the whole narration, it testifies MD's emotional and non-linear journey back from Germany, where he spent about eight years, to Southern Italy: It contains a clashing mix of recordings made in Berlin and around the seaside of Torre Lapillo.
The pictures for the artwork of the album were taken by the photographer Gabriele Albergo, whose perpetual-in-progress project »Salento Death Valley - A Black Diary of the Most Beloved Italian Peninsula« aims to deconstruct the touristically idealized image of the region through the serial production of what he calls anti-postcards.
Edition of 300 copies on black vinyl.
https://fragmentfactory.bandcamp.com/album/musique-inconcr-te
"Many of the sounds on Musique Inconcrète are thin, threadlike, fibrous, like amplified insect legs or the metallic rustle of uncut guitar strings. Usually such a description would apply to an album with much more sound processing and alteration involved in its construction, not a work that relies as heavily on mostly unmanipulated field recordings as this does, but the singular vision that audio collage maestro Mauro Diciocia (a.k.a. Torba) has adopted for Musique Inconcrète is unconcerned with “usually.” The six tracks on the LP are true sonic sketches, a structure he borrows from the Alterazioni Video collective’s tradition of Incompiuto—the incomplete. Diciocia warmly embraces a state of unfinishedness, fully content to explore acoustic settings and movements with qualities that might often be cited as weaknesses: insubstantiality, choppiness, frailty. He uses the aforementioned field recordings—most of which were captured in southern Italy—as fragile canvases for his sketches, their beautifully mundane soundscapes both contributing their own unique textures to the music as well as serving as a base for quiet interjections of buzzing static; occasional and very choice musical samples; and other oddities. The recordings themselves are often shaky and unstable, an effect that’s achieved via either subtle processing or the recording medium itself; Diciocia chose to use basic electronics like small tape recorders and mobile phones to evoke “the domestic feeling of an abandoned opera.” Such careful efforts to fully adopt an intentional lack of polish or seamlessness make Musique Inconcrète not only a fascinating and thought-provoking release but also more lush and well-realized than one could ever think possible." [Noisenotmusic]
"Wenn das neue Torba-Album ein Pendant in der Welt der haptisch erfahrbaren Artefakte hat, dann ist es die Ruine – ein Phänomen, welches das Künstlerkollektiv Alterazione Video jüngst am Beispiel unvollendeter Architektur und Infrastruktur untersuchte, an verschiedenen Konstruktionen, die aus Geldmangel, wegen technischer Probleme, politischer Planänderungen und ähnlicher Gründe Fragment bleiben mussten. In der dazu entstandenen Studie wurden sie als die bedeutendsten Kunstwerke des heutigen Italiens bezeichnet.
“Musique Inconcrète”, erneut eine Reihe an feinsinnigen Cut-Up-Kollagen, wurde stark von diesen Überlegungen getriggert und setzt sich aus eher spontan zusammengesetzten Komponenten zusammen, denen man ihre Fragmentiertheit anmerkt. Benannt hat Torba das Resultat allerdings nicht nach dem Unvollendeten, sondern nach dem “Inkonkreten”, was eine ganze Reihe weiterer Bedeutungsnuancen eröffnet.
Im Vergleich zur One Track-CD “Musica Convenzionale”, dem ersten Teil der losen Reihe “Le Musiche”, erst recht aber zu früheren Veröffentlichungen, sind die sieben Tracks des neuen Longplayers noch ein ganzes Stück dezenter, andeutungshafter und ungreifbarer: Mikrosequenzen, deren Soundmaterial diffus an Zikaden, Straßenlärm, Sinustöne, Wind und Wasser und zwitschernde Vögel, aber auch an jazziges Basspiel erinnert, eine Viel-, wenn nicht Unzahl an per Telefon aufgezeichnetem Material, dazu Songzitate und immer wieder dezente Manipulation – all das liegt übereinander, greift ineinander und verschmilzt doch nur soweit miteinander, dass das Konstrukt einer Einheit verwehrt bleibt. Alles verbindet sich gerade so stark, dass die Konturen einzelner Klänge undeutlich und eben unkonkret werden.
Man kann darin freilich eine Kritik an den Ideen der Musique Concrète, oder zumindest das Aufzeigen einer Kehrseite und eines blinden Flecks sehen, betonten die Pioniere dieser Musik doch besonders das Material in seiner wie selbstverständlich angenommenen Abgegrenztheit. Die einzig deutliche Grenze, die Torba hier zieht, ist die des immer wieder überraschenden Schlusspunktes einer Sequenz oder einer Tonspur, womit er an einige seine früheren Tape-Veröffentlichungen anknüpft. Torba ist nach wie vor ein Gelände mit vielen abrupt endenden Sackgassen. Mehr noch als in den opulenteren Stücken wird dies in den zwei minimalistischen “Intermezzi” deutlich, in denen der (teils verfremdete und im Tempo hochgeschraubte) Auftakt einer berühmten Klaviersonate durch ein Szenario verhuschter Sounds getrieben wird. Daran, dass das Motiv immer wieder nach drei Tönen de nova da capo geht, mag man sich gar nicht gewöhnen, und soll es vielleicht auch nicht.
In dieser Spannung, in der die einzige klare Kontur die Evidenz des Unfertigen ist, liegt die Signifikanz und natürlich die größte Herausforderung von “Musique Inconcrète”. Hat man sich daran gewöhnt, erkennt man viel Schönheit in dem Gebräu aus Verkehrslärm, Stimmengewirr und verschwommener Jahrmarktsmusik." (U.S./African Paper) |
2019 |
€18.00 |
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| TOTSTELLEN |
Tunnel / Brücke |
CD-R |
"Eine der Hamburger Elbebrücken diente als Klangquelle für eine akustische Studie über das architektonische Phänomen Tunnel und Brücke. Raumzeitliche Aspekte wie Hall oder Dopplereffekt bestimmen das dröhnminimalistische Klangbild. Pathetische Zeilen wie 'Die Sehnsucht kehrt sich um Eine neue Hoffnung keimt Der Kreis schließt sich' machen aber deutlich, dass es nicht bloß darum geht, wie es sich anhört, wenn Autos hin und her fahren. Obwohl sich manchmal sogar die Illusion landender Jumbojets einstellt. Rhythmische und peitschend-klackernde Momente, eine Fata Morgana von Meeresbrandung, die Stakkatos von Maschinengewehrsalven, Funkgejaule, rituelle oder martialische Paukenschläge auf Metall summieren sich zu Bunkerbesatzungsparanoia. Im Dunkeln treibt die Einbildungskraft Blüten. Der Totsteller schreibt Tunnel und Brücke einen totalitären
Charakter zu - es geht nur von A nach B, keine Abzweigung, keine Auswege, nur vorwärts. Die Alternativlosigkeit würgt. Der Ausweg
wäre, von der Brücke zu springen oder sich an der Tunnelwand den Schädel einzuschlagen. Für weniger morbide Assoziationen wie ‚Fluchttunnel‘ oder ‚überbrücken statt ersaufen‘ verlangt Totstellen Eigeninitiative." [Bad Alchemy]
"A study of architecture and the perspectives it implies. An acoustic reflection of so called civilisation. Entirely recorded inside the structure of a motorwaybridge, wich is also a tunnel or even a labyrith underneath the droning traffic. A collaboration between Reduktive Musiken and Totes Format. First edition of 100 copies! Comes with colour-cover and inlaycard." [label info]
www.reduktivemusiken.de
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2007 |
€9.00 |
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| TOTSTELLEN / LOW.FILE |
Boys like girls |
MC (C-30) |
Neuer Post-Industrial aus Hamburg & Berlin! TOTSTELLEN: schwelende Drones, metallisches Summen, kurz auftauchende verzerrte rhythms, verfremdete Stimmen und found sounds. Sehr dichte und intensive, taumelnde Atmosphäre...
LOW.FILE: rauschige Drones, Pianofetzen, harsche glitch-noise-DATA-Attacken und lange spannende Unheimlichkeitswolken..
Ein Exzellentes Tape !
“Exceptional noise/ambient music dealing with gender questions. programmatically low fi, but nevertheless sharp and precise. TOTSTELLEN from hamburg, known to some for ‘neo-industrial’ noise and creepy dark things, introducing an introverted notion here, quite similar to minimalist low.file from berlin, whose main topic in audio and visual art is image – identity construction and marketing. these pieces consist of elements like broken rhythm signals, text and image data tranformed into audio data, field recordings, hijacked adn reorganized cage piano and a sample of a young girl’s voice, wondering why girls in boy’s clothes are said to be cute while boys in girl’s clothes are considered embarassing.” [label description]
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2003 |
€4.50 |
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| TOY BIZARRE & PIERRE REDON |
Saisons |
CD |
Die field recording drones von TOY BIZARRE im Zusammenspiel mit PIERRE REDONs feiner Gitarrenarbeit! Auf vier Stücken (zweimal beide zusammen, je eines beide solo) vermischen sich kunstvoll schwelend flächigen Klänge, immer wieder durchbrochen von elektro-akustischen Momenten, fein & subtil verwoben.
"This collaborative effort brings us some of the most beautiful and atmospheric instances of composition with nature. the four tracks, some
solitary works, some creatied by using field sourcings of the opponent, feature subtle wildlife field recordings, detailed electro-acoustic passages, swelling metallic drones and amplified silences." [label info]
"...Toy Bizarre is perhaps one of the last 'old' guys to use his band name rather than his own name, Cedric Peyronnet, which is good. Pierre Redon is a much younger guy and never used a band name, which is also good. They have been playing music together since 2002. Peyronnet is in fine electro-acoustic mood and Redon's main instrument is the guitar and electronics. They both play two pieces, Redon springtime and autumn (first and last piece), Toy Bizarre summer and winter (the two pieces in the middle). Listened closely to the music, one can spot the differences, even when Redon uses field recordings and Toy Bizarre makes his field recordings sound like drones. The result should appeal to all lovers of drone related music with a good, sturdy look at the world of field recordings. Subtle music goes loud, noise music goes subtle. Mind you, this is not a work of microsound. There is much more happening than just a few static crackles built from a ten second rain sample. This is quite vivid, imaginative electro-acoustic music. Great stuff." [FdW / Vital Weekly]
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2008 |
€13.00 |
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| TREPANERINGSRITUALEN |
Deathward, To The Womb |
LP |
"Trepaneringsritualen's long out of print debut release, Deathward, To The Womb (2012) finally sees a proper reissue. An invocation not so much of Babalon herself, but of the tormented elemental of Frater T.O.P.A.N., and his fervent attempts to usher in the Æon of Horus. In the lyrics - based on the texts of Frater T.O.P.A.N. on the Babalon Working - the perilous flame that is Babalon is called upon to ravage creation. She is asked to scorch the earth clean for the coming cosmic renovation. The Eternal Virgin would spring from Her womb. From Her love, the new divine man would be born. 70 years after the Bablon Working was deemed successfully concluded, its utter failure is painfully apparent. "All love songs are of me" She says. This is certainly true of the first five songs of Deathward, To The Womb. The final songs, "All Hail The Black Flame", seem different altogether. In this guise, Babalon brings not solely love, but cataclysm; a holocaust brought upon the domain of Man. Manifested as the Black Flame, She reaches from a time before time, formless chaos, and rips apart the very fabric of the created worlds. Such is Her nature: two opposing principles; that of the nurturing mother, and that of the callous destroyer. "She is flame of life, power of darkness - She destroys with a glance - She may take thy soul. She feeds upon the death of men." Babalon was summoned at Winter Solstice 2015 under the sign of n, with assistance from Alone In The Hollow Garden, A.I.L of Arktau Eos, Michael Idehall, KzR of Bölzer, Nÿland ii of Hadewych, and Æther. To destroy and to give life. This ritual has concluded and was successful. Appended to the six original songs is a specially commissioned 12 minutes and 57 seconds long ritual work entitled "I Remember When I Was God", and attributed to Teeraal Räum Pheynix."
www.coldspring.co.uk
"Seit "Perfection & Permanence", dem letzten regulären, 2014 erschienenen Studioalbum von TREPANERINGSRITUALEN kümmert man sich beim neuen Hauslabel COLD SPRING offenbar verstärkt um das Aufforsten vergriffener Werke des umtriebigen Okkult-Post-Industrial-Kuttenträgers aus Göteborg, und so ist nach "Veil The World", der Reissue eines Tape-Boxsets aus dem Jahre 2011, nun "Deathward, To The Womb" dran. Das Original erschien 2012 als eine der allerletzten Veröffentlichungen des, noch im selben Jahr verschiedenen, schwedischen Label RELEASE THE BATS im 10''-Format in einer recht übersichtlichen Auflage von 275 Stück. Damit sich die Anschaffung der, nunmehr als CD und LP erhältlichen Wiederveröffentlichung auch für jene Klientel lohnt, die das gute Stück im Original ihr Eigen nennen, hat man seitens COLD SPRING noch den knapp 13-minütigen Track "I Remember When I Was God" obendrauf gepackt, der 2015 in genretranszendierender Zusammenarbeit mit allerlei illustren Zunftgenossen wie MICHAEL IDEHALL, ÆTHER oder dem BÖLZER-Frontmann KZR aufgenommen wurde. Auf der CD prangen zwischen dem letzten regulären Stück der Original-10'' und dem besagten Bonbon übrigens zwölf, jeweils viersekündige "Silent Tracks" – was genau das letztendlich nun soll, erschließt sich dem Rezensenten nicht wirklich, und daran ändert auch eine entsprechende Anmerkung auf der discogs-Seite der CD – "Tracks 7-18 contain no music, but are part of the T × R × P ritual" - rein gar nichts, doch was soll's: dass THOMAS MARTIN EKELUND, der Mann hinter TREPANERINGSRITUALEN, eine ausgeprägt paramystizistische Ader und ein erklärtes Faible für okkultistische Umtriebe hat, ist ja nun hinlänglich bekannt, und insofern wird sich der Mann schon irgendwas dabei gedacht haben, was dem Endergebnis dienlich ist bzw. war. Der Verbraucher muss schließlich nicht alles wissen & verstehen, was zum Produkt beigetragen hat, und entscheidend ist ja, nach des Altkanzlers Helmut Kohl weisen Worten, am Ende immer nur, was hinten 'rauskommt: im vorliegenden Fall weiß das jedenfalls durchaus zu gefallen.
Nach dieser kurzen Einleitung dürfte dem Leser bereits klargeworden sein, dass es sich bei "Deathward, To The Womb" um ein dezidiert "rituelles" Werk handelt, weshalb derjenige an dieser Stelle bereits vorgewarnt sein soll, der primär auf nach vorne losbratzende Gassenhauer wie "Judas Goat", "Papist Pretender" oder "Castrate Christ" schielt: Abgesehen von der geradezu atemberaubend treibenden Quasi-T × R × P-Hymne "All Hail The Black Flame", einer todsicheren Bank während jeder Live-Darbietung des Schweden, ist's mit dergleichen nach vorne losgehendem, rumpeligen Black-Post-Industrial auf dem vorliegenden Album ansonsten eher Essig. Es dominiert jene konzentrierte, fiebertraumartige Lo-Fi-Gruselatmosphäre, die die Phantasie des Hörers auch ohne expliziten Hinweis in nachtfinstere Bereiche namenloser In- & Evokationen lenkt, wie sie Meister EKELUND so gerne thematisiert. Und ganz in diesem Sinne rekurriert "Deathward, To The Womb" auf die so genannten "Babalon Workings", eine Serie magischer Rituale, die 1946 vom späteren Scientology-Gründer L. Ron Hubbard und dem Raketeningenieur (sic!) und Autor Jack Parsons – okkulter Ordensname "Frater T.O.P.A.N" – durchgeführt wurden, um eine Inkarnation der thelemitischen Entität Babalon – einer Art archetypischen weiblichen Gottheit auf Basis der mythomagischen Modelle Aleister Crowleys – zu manifestieren. Wie die Fama munkelt, warnte "Ipsissimus" Crowley Parsons vor den schwer kontrollierbaren Effekten seines Unternehmens, und das nimmt wenig wunder, bezeichnet Babalon doch ein Konzept, das seine passendste Analogie wohl in der hinduistischen Göttin Durga bzw. deren dezidiert "dunklem" Aspekt Kali hat: es vereinigt in sich die Polarität des Hervorbringens und des Verschlingens, mithin des Lebens und des Todes. Parsons jedoch war guter Dinge, erklärte nach einiger Zeit den ersten Teil des Rituals für erfolgreich abgeschlossen, um unmittelbar danach seine spätere Frau Marjorie Cameron kennenzulernen, bei der es sich seiner Überzeugung nach prompt um ebenjene Manifestation der Babalon handelte, die Hubbard und er beschworen hatten. Nachdem Parsons aufgrund eines tödlichen Unfalls verstorben war (ursächlich war eine Explosion in der heimischen Küche während des Hantierens mit allerlei hochsensiblen Substanzen, die das halbe Haus in Schutt und Asche legte – wahrlich ein, eines Raketeningenieurs würdiges Ende!), verrannte sich seine Witwe in die Theorie, ihr Göttergatte sei von finsteren Mächten ermordet worden, blieb ihrem magischen way of life aber treu und spielte noch bis ins hohe Alter eine illustre Rolle in thelemitischen Künstler- und Okkultistenkreisen. Zu ihrem Freundes- und Bekanntenkreis zählte von KENNETH ANGER (in dessen Kurzfilm "Inauguration Of The Pleasure Dome" sie die Rolle der Scarlet Woman aka Babalon bzw. der Kali übernahm) über ANTON LA VEY bis zu GENESIS P. ORRIDGE so ziemlich alles, was in der einschlägigen Szene Rang & Namen hatte. Marjorie Cameron verschied 1995 im Alter von 76 Jahren, nachdem sie auf dem Sterbebett im Krankenhaus die letzten thelemitischen Sakramente durch eine Hohepriesterin des O.T.O erhalten hatte.
Der vergleichsweise ausführliche Exkurs über die Dame ist durch die thematische Agenda von "Deathward, To The Womb" bedingt: "An invocation not so much of BABALON Herself, but of the tormented elemental of Frater T.O.P.A.N., and his fervent attempts to usher in the Æon of Horus." Die Lyrics, so die labelseitige Auskunft weiter, seien anhand der Schriften des Frater T.O.P.A.N alias Jack Parsons entstanden und thematisieren das Babalon-Konzept als schwarze, den Erdkreis kathartisch reinigende, Flamme, nach deren segensreichem Großreinemachen aus der Asche der alten Welt ein neuer Quasi-Gott-Mensch hervorgeht. Die fragliche eschatologische Powerfrau sah Parsons, wie gesagt, in seiner Marjorie bereits idealtypisch verkörpert, womit der Erfolg der gesamten Veranstaltung für ihn außer Frage stand – schon Crowley war da skeptisch, und im Lichte der Erfahrung haut der Promotext in exakt dieselbe Kerbe: "70 years after the Bablon Working was deemed successfully concluded, its utter failure is painfully apparent." Und in der Tat – blickt man in der Weltgeschichte so um sich, ist man spontan geneigt, zuzustimmen: weit & breit nüscht zu sehen vom "new divine man", ganz im Gegenteil. So gesehen verlegt "Deathward, To The Womb" den Focus von PARSONSs schwachbrüstiger Happy-End-Finalität auf den wesentlich lebenswirklicheren, nämlich verschlingenden, kaliesken Aspekt Babalons, der exemplarisch im bereits erwähnten "All Hail The Black Flame" zum Ausdruck kommt: "In this guise, BABALON brings not solely love, but cataclysm; a holocaust brought upon the domain of Man. Manifested as the Black Flame, She reaches from a time before time, formless chaos, and rips apart the very fabric of the created worlds. Such is Her nature: two opposing principles; that of the nurturing mother, and that of the callous destroyer." Rein musikalisch handelt es sich hier zweifellos um den T × R × P -Klopper schlechthin: unterlegt von martialischem, treibend-wummerndem Getrommel und rhythmischem Metallschlagwerk krakeelt sich EKELUND die schwarze Seele aus dem Leibe und beschwört das Jüngste Gericht – herrlich, einfach herrlich!
"»All love songs are of me« She says. This is certainly true of the first five songs of Deathward, To The Womb", so der Promotext, wobei, naja, von "love songs" im engeren Sinne hier sicherlich nur die wenigsten sprechen würden, doch insofern die ersten fünf Stücke sich alle durch ihren rituell-kontemplativen, teilweise devotionalen und bisweilen gar hymnischen Charakter auszeichnen, kann man sie in einem sehr weiten, übertragenen Sinne tatsächlich so bezeichnen. "The Birth Of Babalon" und der anschließende Titeltrack klingen wie Meditationssessions am Grunde des Hades – hier wie zumeist ist es freilich insbesondere EKELUNDs gutturales Gegurgel, das diesen speziellen, dämonischen Mehrwert maßgeblich generiert. "Osiris, Slain & Risen" (der Bezug zum Babalon-Konzept ergibt sich durch Osiris' Ehefrau Isis, die die Einzelteile des von seinem Bruder Seth Ermordeten und Zerstückelten einsammelt und neu zusammensetzt) wirkt durch den monotonen, trockenen und dumpfen Grundrhythmus, über dem EKELUNDs Gezeter dahintreibt, fast noch eine Spur finsterer. "She Is Flame Of Light" ist ein weiterer Höhepunkt des Albums und als solcher treibender und hypnotischer als die vorangegangenen Tracks, wobei es insbesondere die stimmig übereinandergeschichteten Vocals sind, die für den morbiden Charme ursächlich sind. "Sacrament & Crucifixion", obgleich ebenfalls keineswegs übel, geht danach etwas unter und hinterlässt insgesamt einen vergleichsweise indifferenten Gesamteindruck. Danach folgt "All Hail The Black Flame": toll, toll, toll – aber davon hatten wir's ja schon mehrfach. Bleibt zu guter letzt noch der Bonustrack "I Remember When I Was God", doch, um's kurz zu machen: obgleich der Rezensent insbesondere die langen, rituellen Stücke von TREPANERINGSRITUALEN – so z.B. "ÅKALLAN: Mímir" vom DEATHSTENCH- oder "Edifice Of Nine Sauvastikas" vom ÆTHER-Split – ausdrücklich zu schätzen weiß, so haut ihn das hier jetzt nicht so wirklich aus den Latschen. Irgendwie klingt die Nummer im Ganzen ein klitzekleines bisschen disparat, man vermisst diese gewisse innere Spannung, die die einzelnen Elemente zusammenhält und zu einem kohärenten Ganzen zusammenfasst. Mag am Ende vielleicht auch an der Vielzahl der Beteiligten liegen, denn, wie sagt das Sprichwort doch so schön: "Zu viele Köche verderben den Brei". Und bei "I Remember When I Was God" haben möglicherweise wirklich zwei oder drei Köche zu viel mitgemischt. Wobei der Brei freilich trotzdem nicht unbedingt verdorben, sondern durchaus genießbar ist, nichtsdestoweniger hat man dergleichen von TREPANERINGSRITUALEN schon mal besser gehört.
Summa summarum rubriziert "Deathward, To The Womb" trotzdem ohne Wenn & Aber unter "Pflichtkauf": zum einen, weil es sich dabei schon jetzt um so etwas wie einen zeitgenössischen Klassiker des Genres handelt, zum anderen, weil es einfach ein spannendes, fesselndes Album ist, das selbst in seinen ruhigen Passagen so mitreißend und stimmungsintensiv ist wie wenig andere. Obendrein bekommt derjenige, der vor dem Hintergrund der vergleichsweise schmissigen 2014er Scheibe "Perfection & Permanence" Lust bekommen hat, sich in die etwas abgelegeneren Gefilde des EKELUNDschen Oevres einzuarbeiten, mit dem hier versammelten Menü eine hervorragende Einführung an die Hand. Im übrigen macht diese Neuauflage Lust auf mehr. Und wer "A" sagt, muss bekanntlich auch "B" sagen. Ganz in diesem Sinne fiebert der Autor dieser Zeilen jetzt schon prophylaktisch möglichen Reissues von "Roi Perdu" oder "Septentrional" entgegen: ist das nicht 'ne super Idee, Herr EKELUND? Bei COLD SPRING wenigstens wäre man dafür bestimmt Feuer & Flamme – schwarze Flamme!" [Endsal / NON-POP] |
2017 |
€19.00 |
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Algir; Eller Algir I Merkstave |
CD |
Trepaneringsritualen return to Cold Spring with an album-long ritual working entitled ᛉᛦ — Algir; eller Algir i Merkstave. On this record — constructed from a series of rituals designated to guide the last ceasing of ᛏᛇᚱᚫ ᚾ ∴ ᚾ ∴ ᚾ — T × R × P is manifest in its most obscure form. Sonically minimal yet devastating in emotional impact, this working lets the listener grasp the last vestiges of Nifl and Múspell, and with them as weapon and beacon traverse the Night. ᛉᛦ reveals a barren landscape where crooked paths lead onward, through soot black veils to a point of radiant light where all that is is Union & Dissolution.
Dedicated to our sister, ᛏᛇᚱᚫ ᚾ ∴ ᚾ ∴ ᚾ.
T × R × P channelled through the forms of ᚦᛟᚦ ᚷᛁᚷ, ᚾᛟᚺ ⩝⚭⩝, and ᛏᛇᚱᚫ ᚾ ∴ ᚾ ∴ ᚾ at the 63rd Link, 4 & Rising, and Zone Rouge December 2017 e.v. — July 2018 e.v. Mastered by Martin Bowes. Artwork by Nullvoid.
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I tordön rister marken och i ett enda andetag rämnar alla världar. Den arma kropp som en gång med knapphet höll samman faller nu itu, och itu, och itu. Tills varje beståndsdel blir till Ingenting. Likt en vålnad utan hud och blod och anda — utan köttets förtvivlan — kastar jag mig — handlöst och av vanvett vredgad — i ditt vidunderliga gap.
Här, i gudars sotsvarta skymning, där natt och dag förgås, hörs alla ord och stäv för första gången tydligt. Här tar alla vaga förnimmelser sin sanna form och stiger ur ett disigt skimmer.
Här, i alla solars gyllne gryning, strålar tusen — åter tusen, pilar av det mest förblindande ljus, mot en enda punkt. Skapandet, och varandet, och blivandet löses upp där prisman splittrar ljuset. Framför mig syns vägen klar och uppenbar.
Vi Vandrar Vidare
V ∴ V ∴ V
CD in 6-panel digipak
LP - Limited first edition of 500 copies on 180g black vinyl. Printed inner sleeve with reverse board outer sleeve.
Official teaser: youtu.be/8bTlXaUPpzI
https://coldspring.bandcamp.com/album/algir-eller-algir-i-merkstave-csr275cd-lp
"After a run of strong albums framed around vocal driven, rhythmic death industrial compositions, Trepaneringsritualen (TxRxP) has chosen to take an abrupt left-hand turn (onto the left hand path?) to deliver an extremely minimalist ritual dark ambient album, thus harks back to an earlier phase of the project. In fact this new instrumental album is so minimal and ritualized in style, it would not at all be out of place on the Aural Hypnox label.
Compositionally this album consists of two lengthy nineteen-minute tracks, each titled with the algiz rune, but noting for the second track the algiz rune has been inverted. To glean meaning from this, in its upturned position, the algiz rune can be interpreted as a human with upraised arms to received the protection, guidance and wisdom from the Universe. But in its inverted position can be interpreted as meaning hidden dangers for the self and the need to reflect and look within as part of the process of gaining strength and connecting with higher self. Yet even with the cover image of the algiz rune formed by tree branches, based on the spartan artwork and text in Swedish, how the algiz runes should be interpreted in context of this album remains unclear.
Sonically speaking the atmosphere is one of bass driven tonal depth and catacombic echo, where blackened washes of archaic drones blend with reverb drenched ritual percussive sounds, including: deep catatonic drum hits; sparse gongs; wailing horns; ritual chimes; singing bowls, low atonal piano notes etc. Yet for all of its apparent minimalism, this album is one that immediately draws you into its sinister clutches and does not loosen its grip for the entire album duration, particularly given the ample tensile sonic elements which keep interest and engagement throughout. Although cut into two separate tracks, the sound effectively plays out at an album length track as the sound between the two pieces bridges the same pace and articulates visions in the mind’s eye of a ritual ceremony being conducted in the falling twilight on the damp forest floor, while tree limbs creak and sway in response to the winds gusting through treetops far above. Also of note is the deep shuddering thud featuring at the start and end of the album album, as if sonically representing the opening and subsequent closing of a ritual cycle.
Prior to the release of this album, perhaps I had assumed that TxRxP would continue to forge ahead with a song-based approach. That impression has been proven to be completed incorrect, but at the same time, ᛉᛦ – Algir; Eller Algir I Merkstave is an exceptional example of minimalist and strongly meditative ritual dark ambient music, and completely takes me back to the earliest days of when I started listening to this type of music. Recommended." [Noise Receptor]
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2019 |
€13.00 |
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| TROUM |
AIWS |
CD |
"AIWS is the first full-length cd release from Troum since 2003. It covers studio-recordings composed from 2002-2005. These musicians have compiled some of their most favorable pieces through the years to be placed on this release. Presenting nine analogue (4&8 track) recorded compositions that lead the listener through vast feelings of beautifully deep melancholic and hypnotic states of mind. Composed with guitar-drones and harmonic phrases that are processed in various ways creating an atmosphere of the sublime and emotional meditative states that transcend listener to immerse within themselves.
Ingredients: Sufi-songs, old vinyl-crackles, acoustic & e-guitars, e-bow, e-bass, voice & whisperings, accordion & flute. Stunning photography & design work by Alan McClelland(Eye.lyft). One of the most emotional and profound Troum releases to date now available on Transgredient Records. Dedicated to Eternity.
TRACK LISTING of AIWS [* and meaning of titles & phrases]
1. AHMATEINS
2. AGGILUS
3. SPIRARE
4. PER SONUM
5. PANTAH
6. [GA] PLAIAN
7. PENTHOS
8. NEHEH
9. PELETÄ
total length: 49:30 min
[* AIWS=Eternity (gothic language), also shortcut for "Alice-In-Wonderland-Syndrome". 1. "Inspiration" (gothic) 2. "Angel - Carrier" (gothic) 3. "breathing - aspirating - sighing - smelling " (latin) 4. "through sound" (latin) 5. "way - path - line" (old indian) 6. "supplication" (persian) 7. "the sorrow of mourning - lament" (greek - also a greek god), 8. "Eternity" (egypt) 9. "escape - flight, also: rescue - salvation" (hebrew) " [label info]
"... nach einigen 12“s und Kollaborationen die 7. CD des TROUM-Duos. GLIT[S]CH & BARAKA[H]
sind dafür bekannt, dass sie sich zu Nietzsches „Die Welt ist tief, viel tiefer als der Tag gedacht“ tief in die Augen blicken und dann ihren Fliegenden Teppich starten. ‚Ahmateins‘ ist, bewusst analog und lo-fi, gewebt aus engen Gitarrenwellen und sämigen Drones von E-Bow und E-Bass. Flug und Flucht, Atmen und Seufzen sind dabei eins. Sound ist der Weg und das Ziel. AIWS ist nicht nur das gotische Wort für Ewigkeit, es steht auch für das Alice in Wonderland Syndrom. Prosaisch ist das eine mit Kopfschmerzen verbundene Sehstörung, metaphorisch aber heißt das doch: Die Welt mit Alicens Augen als Wunderland sehen können.
Troums Zauberteppich schwebt auf harmonischen Strömen durch Rauch und Licht dahin, auf einem spiraligen Kurs ins Sublime. ‚Pantah‘ lässt den Saitenklang deutlicher erkennen, in [Ga]plaian‘ ist Sufigesang verdichtet, in ‚Penthos‘ scheint ein Akkordeon zu pumpen, in ‚Neheh‘ Licht nicht bloß zu schimmern, sondern zu singen. Tiefenmusic Reaching Our Unconscious Minds."
[Bad Alchemy]
"....The pieces on this new CD were recorded from 2002-2005 on Troum's own analogue equipment, all live to four-eight track recorders, without the involvement of computers. Troum, a duo (be it hard to believe), is best a live band, even when working in the studio. Their instruments are guitars, e-bow, bass, voices, accordion & flute, old vinyl. And oh, sound effects. Lots of those are involved in the music of Troum, but they never stand in the way of the end result. Spacious head music. Loud at times, quiet when necessary, but there is a certain roughness about the band, which is an element I really like. Even when things are quiet, they never really are quiet. 'Neheh' is just an example of some sparse organ like loops, feeding through some delay and bouncing gentle forward, but with a certain grittiness. Highly atmospheric even when experienced without the help of any chemicals or other illegal substances and the best but perhaps more frightful experience when played in the dark and with the headphones tied to your head. You are bound to play it again, if not only because it might be too scary to leave the room... Of all things experimental, ambient and industrial (Menche, Zoviet*France, Lustmord), Troum can easily stand the test and be the best of the lot." [FdW / Vital Weekly]
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2007 |
€12.00 |
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Ljubimaya / Daur |
CD |
CD-Wiederveröffentlichung zweier bisher nur als 10" Vinyl erschienenen Mini-Alben; DAUR ( 3 tracks) erschien 1998 auf dem KIRCHENKAMPF-Label COHORT und enthält allerfrühestes TROUM-Material bzw. Aufnahmen aus der Zeit entstanden "zwischen" MAEROR TRI und TROUM als der weitere Status des Projekts noch unklar war.
Von DAUR gab es 300 Kopien auf blauen Vinyl in einem merkwürdigen Kork- & Alu-Cover, ein kleiner Teil der Auflage (24 Stück) kam in einem Aluminium-Gitter Cover. LJUBIMAYA war eine frühe WAYSTYX-Veröffentlichung (2003( mit ebenfalls drei Stücken... für das re-issue gibt es eine neue Coverartwork von HUM, Auflage 500 Stück.
"Reissue of two 10" from the years 1998 and 2003. Daur is the very first release of TROUM and it resents very post-rock sounding material wth a lot of decipherable guitar parts and good drive. Ljubimaya was released by the Russian label Waystyx and carries you towards lyrical and touchy eternity of everbeginning melodies without an end, into emptiness of existence with all the uterine roar provided by YEN POX project in one of the tracks. The covers uses psychodelic image manipulations by Dmitri "HUM" Chistov" [press-release]
"Troum means dream, and dream is a symbol for unconscious. Just like a daydream, this music can drive us to very deep, out of mind control domains from emotional side. Floating, blurred soundscapes takes you to the limits of everyday life. The enigmatic non-being, unreacheable ultimate harmony is far from mind capabilities and refuses to be rationally analyzed. This minialbum is the first vinyl release of Moscow based label Waystyx, and it remember us about russian tour of the legendary duo, which took place about a year ago. Dense and spheric, their sound progressed to the more subtle, fine aesthetics, carrying slightly minor intonations through all three pieces of this album, creating the wonderful shapes out of massive noise foundament. Especially speaking of “Meerestraum” (“The Sea Dream”), which is majestically eminent, enchanting your perception, drilling the dusky space of unconscious chaos, it fulfill your soul with confusion and yearning for mysteries and unknown places....." [Dmitry Vasilyev, IEM Magazine]
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2009 |
€12.50 |
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| TROUM & RAISON D'ETRE |
De Aeris In Sublunaria Influxu |
CD |
"...Troum und Raison dêtre, das Yin und das Yang des Unbewussten." [Sibylle Bölling]
"Ever wondered how a mix of Troum and raison d’être would sound like? Here is the long awaited answer.
Four years in the making – carefully forged between 2011 and 2014 -, De Aeris In Sublunaria Influxu showcases a magically crafted alchemy between these two titans of the drone and ambient realms.
Troum navigate through cavernous, subterranean spaces where cyclical sounds reverberate towards impressive crescendos of icy noise, luminous drones and dramatic, guitar-driven ghostly melodies. Their truly unique gorgeous soundscapes shine in a perfect symbiotic movement with the Swedish dark ambient maestro Peter Andersson. Engulfed in a hauntingly beautiful kaleidoscope of grey-ish melancholia, raison d’être comfortably walks deeply into Troum’s vast territory, delivering his very own trademark of eerie tones, ominous sacral ambience and crystal clear constructions.
Airy lush enigmatic atmospheres live together with dark breathing, reverberant transformative drones. Rich and gorgeously layered.
Mastered using the K-14 level standard, the album comes lavishly assembled in a custom, sturdy 6-panel digisleeve packaging with amazing minimal artwork by the award-winning Spanish designer Ritxi Ostáriz. Limited to 700 copies." [label info]
www.essence-music.com
"Schön, wenn vorab kaum Worte nötig sind, weil allein die Tatsache der Zusammenarbeit zweier namhafter Künstler oder Bands für sich steht. Das deutsche Duo TROUM trifft auf den Schweden PETER ANDERSSON. Meine persönlichen Drone-Helden, die wie kaum eine andere Gruppe den Begriff 'Drone' mit Leben füllen, treffen einen der wichtigsten Dark Ambient-Workaholics mit seinem Hauptprojekt RAISON D'ÊTRE. Obwohl 'aufeinander treffen' eigentlich nicht das richtige Wording ist. Viel eher passt zum Beispiel 'aneinander schmiegen', denn entsprechend verwoben und organisch ist die über vier Jahre sorgfältig vorbereitete Zusammenarbeit ausgefallen.
"Folia" (01), der Opener und eines der zwei kurzen Stücke, beginnt mit schwebenden Drones, die ich sofort TROUM zuordnen würde. Das Knistern und Knastern wiederum, welches unterschwellig für Unruhe und Grautöne sorgt, gehört zu RAISON D'ÊTRE. Diese Zuordnung lässt sich über weite Teile des Albums vornehmen. Nach dem dezenten Vorspiel entsteht mit "Alio Tempore" (02) das Bild einer riesigen Kathedrale: abwechselnd tönen schwere und leichte Gongs, Soundcluster im Stile eines Chores schieben sich langsam nach vorne. Im Untergrund ergänzt ein Klirren die Szenerie. Über spacige, flirrende (Gitarren?)Sounds ergibt sich ein ruhiger, gleitender Ausklang. Auch "Oculum Mundi" (03) arbeitet mit Kirchenglocken-ähnlichen Loops, wie überhaupt die Stücke oft sakral wirken. Hier folgt allerdings eine hektischere Wendung, mit Dramatik durch mehr Geschwindigkeit inklusive eines mächtigen Trötens. "Atmosphaera" (04) ist warm und weich, sehr dronig eben, mit diesem kleinen Maschinen-Rattern anbei. In "Meditationum" (05), dem längsten Track, bilden atmende, singende Drones eine chorale Fläche, sorgen für weites und gelöstes Ambiente. Konkretere, schnarrende Klänge schieben sich nach einigen Minuten hinein, und die im Verlauf zunehmend längeren, gleißenden Drones erinnern mich an Musik für (oder von) Eisberge(n), untermalt von an dieser Stelle sehr organischen Sounds wie Grillenzirpen. "Flammae" (06) ist mit seinen drei Minuten für mich das schönste und auch wehmütigste Stück des Albums, die Drones formen eine betörende Melodie. Und "Ad Infinitum" (07) wirkt zum Abschluss auf mich besonders mächtig, fast bedrohlich oder unheimlich. Der Track hat was von einer Verabschiedung, von Dahinfloaten, insbesondere am Ende mit eisigem Krächzen und Schieben, mit fast menschlichen, stöhnenden Drones.
Als hätten TROUM und RAISON D'ÊTRE schon immer miteinander gearbeitet, klingt "De Aeris In Sublunaria Influxu" in der Summe seiner Bestandteile äußerst harmonisch. Die angesprochene Aufteilung der Sounds in deutsch und schwedisch, in flächige Drones und Dark Ambient-Geräusche ist zwar möglich, beides ergänzt sich aber durchweg hervorragend und ist so sauber aufeinander abgestimmt und gut produziert, dass die Atmosphäre dadurch gewinnt. Hypnotisierende Soundlandschaften, oder lyrischer: Ein Schweben in warmen Grautönen für dunkle Novemberabende.
Das Album kommt auch in einer limitierten Box mit zusätzlichen Tracks auf den Markt..."
[Michael We. für nonpop.de]
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2015 |
€14.00 |
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| TROUM & REUTOFF |
Kreuzung Zwei: Creatura Per Creaturam Continetur |
CD |
"Jedes Wesen ist mit jedem anderen verbunden."
Nach ANTLERS MULM der zweite Teil der REUTOFF Collaboration-Serie: TROUM bearbeiteten hierfür Basismaterial der Moskauer und gossen das ganze, inspiriert von der Kosmologie HILDEGARD VON BINGENs, in sechs dronig-sphärische Stücke.
"The second in Kreuzung collaborations series. The basic sound sources and samples made by Reutoff especially for this release have been treated, arranged and mixed with an addition of their own instrumental parts by Troum. Dark profound harsh ambient with some occasional rhythmic patterns intertwined with transcendental prepared guitar loops and perfect drone noises - a perfect blend between two project distinctive features and creative manners. The concept of this work is based on cosmology of Hildegard von Bingen. The release comes in a special “Kreuzung” series package made of brown kraft carton with a full colour stickered artwork/info cover and Reutoff logo embossed on the back, the CD is housed in the same carton die-cut inner envelope." [label info]
"The forty-five minutes are divided into six tracks, slowly building towards an intense mixture of miniature noisescapes, neoclassical tapestries, ethnic rhythmic structures and eerie vocal samples. All titles are in Latin, and since that isn't my strong point, I'll leave translations to the readers' enquiring minds. The first track, "Aether Purus", is typical for Troum, although the familiar bassy layering of Troum seems to have gone up in frequency; it's all a bit higher. "Terrenus" has some partial neoclassical-like sounds, but it is set in a 1970s surrounding, "A Space Odyssey"-like environment. There are moments there that appear like insects stuck in your aural canal. Or is it really little aliens?
This setting is forcefully continued in the third (title) track where the Troum sounds find their way back into the composition. Later in the track rhythms are added to the composition. It is by far the longest track on the album. "Ignis Niger" is the fourth track and its creepy, erratic voices and samples really get you into a mood fit for watching a horror movie. Yes, two film references are my way of saying this whole release is very filmic. "Ignis Lucidus" has rhythms again, in combination with deep droning layers. It's a bit close to atmospheres like O Yuki Conjugate. The disc closes with "Aer Aquosus (Reprise)" which is a short but powerful track in an adapted Troum style.
My knowledge of Reutoff is minimal, so maybe there are a few too many references towards Troum here, but on the other hand I love Troum, and this album is, despite the references, so different from their other work that I think I'm secretly going to like Reutoff a lot also." [Bauke van der Wal / Connexion Bizarre]
"The Germanic and dark drone outfit Troum embark on a collaboration with the equally dark, Russian ensemble Reutoff, although the conceptual framework of their album isn't one wholly wrapped in mystery, occlusion, and shadow. Creatura Per Creaturam Continetur is based upon the cosmology of Hildegard von Bingen, the 12th century German abbess, whose richly detailed visions through her unshakeable Christian faith offered feminine descriptions of the cosmic order sprinkled with sexually charged metaphor. In addition to her writings, Hildegard had developed an impressive musical canon of monophonic chorales and plainsong melodies, whose recursive elements certainly look forward to all sorts of drone-based musics of the 20th and 21st centuries.
While the drone connection is easy to make, how Troum and Reutoff view Hildegard von Bingen's faith and art is unclear.
Regardless, the majestic swells that immediately surge at the introduction of this album are some of the most beatific and
heavensent that either project has produced to date. Troum have always been known for their glacial pacing of drone crescendos for spiralling guitars heavily processed in effects; and on this album, they leave no doubt that they excel at their craft. For those seeking the dark, almost blackened ambience that both Troum and Reutoff have mustered in the past, there's plenty of industrial bellows, clanking rhythms, creepily whispered vocals, and subaquatic reverberations to cast a somber pall across these recordings..." [Aquarius Records]
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2008 |
€13.00 |
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| TUDOR, DAVID |
Music for Piano |
do-CD |
"Doppel-CD mit Aufnahmen des herausragenden Avantgarde-Pianisten. Mit Klavierkompositionen von Sylvano Bussotti, John Cage, Morton Feldman, Christian Wolff.
David Tudor, Pianist - ein Beruf, eine Berufung, ein Leben. Von 1950 bis etwa 1965 war David Tudor der Inbegriff des Pianisten, der einfach alles spielen konnte. Rasch war David Tudor nicht mehr ein Name, sondern eine Instrumentationsanweisung, und Dutzende von Stücken waren geschrieben "for David Tudor". Schon um 1960, nachdem er alle Zumutungen der seriellen Klavierstücke bewältigt hatte, unterscheidet er zwischen Kompositionen, die ihn mit Leben erfüllen und solchen, die ihn kalt lassen - das Kernrepertoire Tudors kristallisiert sich heraus. Das Hauptkriterium für seine Wahl bildet den Eigenanteil, den er als Interpret an der Komposition hat. Er unterscheidet dabei fein zwischen der freien Wahl ("freedom of choice") zwischen vorgefertigten Teilen - gemeinhin Aleatorik genannt, wie beispielsweise Stockhausens "Klavierstück XI", das ebenso wie dessen Klavierstücke V-VIII Tudor gewidmet ist - von unbestimmten ("indeterminated") Aktionen. Im ersten Fall haben sie eine Tendenz "to put me to sleep", wohingegen Stücke, die weniger einengend sind, dazu führen, dass er sagen kann 'I feel that I'm alive in every part of my conciousness'. Das Programm dieser CDs bildet diese Vorliebe ab." [Frank Hilberg]
www.edition-rz.de
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2007 |
€22.50 |
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| TUMORCHESTER |
Feng Shui Katastrophen |
CD-R |
1.
Früh Sport Kadaver 02:30
2.
Fliegen Schiss Katapult 03:27
3.
Flut Stumpf Konzert 04:35
4.
Frenetischer Stuhl Kreis 02:51
5.
Fische Spucken Knochen 03:38
6.
Flying Suppen Kaspers 02:55
7.
Flunkern Spricht Kaschemme 05:44
8.
Feige Scheiss Kerle 03:52
9.
Feuchte Scherz Kekse 07:50
https://tumorchester.bandcamp.com/album/feng-shui-katastrophen |
2004 |
€8.00 |
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| TUNNELS OF ĀH (TUNNELS OF AH) |
The Smeared Cloth |
do-CD |
"The Smeared Cloth" is a double CD compilation containing the TUNNELS OF ĀH recordings from 2012-2018, which have not yet been published on any medium. The first disc is filled with compositions from the period before the debut in Cold Spring and outtakes from the sessions for "Thus Avici", the next album for the British label.
The second disc contains tracks recorded during and between the sessions for "Surgical Fires" and "Charnel Transmissions". Although they were created as loose compositions, out of the concepts clearly outlined on each of the mentioned albums, they sound incredibly coherent, giving impression of being part of a concept release, this makes them a pleasure to listen to; especially when we get carried away in the world created by Stephen Ah Burroughs with the sounds characteristic of his work. Sometimes they evoke associations with ancient rituals, intensifying the impression of Egyptian darkness, the feeling of coldness and emptiness coming as if from a deep dungeon, and with them an echo. All this is a superstructure for the 21 tracks filling both discs, outlined and maintained, in a convention that allows them to be stylistically located somewhere between isolating dark ambient and death industrial, where the gloom aura and dense, mechanical structures coexist as if in symbiosis, thanks to which the balance between building the atmosphere and reflecting the true nature of the industrial collision. This release is undoubtedly a must-have for TOĀH fans, but it can also delight those who appreciate death industrial at a high level. The album's released on two CDs folded in a six-panel ecopack.
Tracks 1-11 taken from "The Smeared Cloth" CD1
Tracks 12-21 taken from "The Smeared Cloth" CD2
https://zoharum.bandcamp.com/album/the-smeared-cloth-2012-2018-unearthed
"In den frühen 80ern gründete Stephen R. Borroughs zusammen mit Justin Broadrick und Dave Cochrane das Trio HEAD of David, das einen der noisigsten Grundsteine dessen legte, das später Industrial Metal genannt werden sollte. Im Lauf der Jahre konzentrierte er sich mehr und mehr auf Soloprojekte, und neben Frag war dies seit etwas über zehn Jahren Tunnels of Āh, mit dem er einen Ritualkosmos von fast räudiger Abgründigkeit entstehen ließ.
Dass Tunnels of Ah trotz der starken Abstraktion seiner ästhetischen Konzepte ein konsequent verfolgtes atmosphärisches Thema hat, wird bereits deutlich, wenn man die mittlerweile sechs Alben, die seit 2013 auf Cold Spring und zuletzt Hypershape erschienen sind, im Vergleich hört, denn da fallen die verbindenden Elemente sehr deutlich ins Auge. Mehr noch beeindruckt einen die musikalisches Stringenz angesichts der jüngst auf Tape und Doppel-CD erschienenen Compilation “The Smeared Cloth 2012 – 2018 Unearthed”, denn hier lassen frühe Stücke und Outtakes aus verschiedenen Albumsessions ein überraschend zusammenhängendes Bild entstehen.
“The Smeared Cloth” ist nichts für Hörer, die Probleme mit Beklemmung, Dunkelheit und niederdrückender Schwere haben. Eine finstere, bedrohliche Stimmung zieht sich durch die oft kreisenden Soundgebilde, lassen durch ambiente Dröhnung, Saitenrasseln oder sirrende Streichersounds filmreife Phasen der Spannung und durch paukende und prasselnde Takte und plötzliche Schuttlawinen aufwühlende Momente entstehen, steigern sich vom subtilen Hauch eines – nur oberflächlich sanft wirkenden, in Wirklichkeit höllischen – Windes zu infernalischen Szenen von hochtönendem, schleifenden Lärm. Klangfarben von Stein und noch stärker Metall prägt das Gesamtbild, doch ist in gewissen Abständen auch immer die Illusion des Organischen spürbar, als würde das harte und kalte Material mit dürren Reiserbesen und ähnlichem traktiert. Auch die entmenschlichte menschliche Stimme ist gelegentlich zu hören, mal in Rezitation, mal als finsteres Growlen und Keifen, mal in Form eines sakralen Gesangs.
Wenn man in den 20 Stücken die Kohärenz betont, sollte man hinzufügen, dass in ihnen natürlich auch Raum für Variation ist. Sollte ich einige herausragende Stücke betonen, dann wären es wahrscheinlich “Keys King At Womb Door Again”, in welchem sich ein anfangs kaum spürbares lykanthropisches Hecheln langsam zu etwas (noch) Monströse(re)m steigert – eine Entwicklung, die vielleicht etwas vorhersehbar ist, doch die urige Soundgestaltung, die durchweg an etwas Altes, seit Urzeiten Verschüttetes denken lässt, fällt weitaus stärker ins Gewicht. Ferner “Fountain of Life”, das nach gängigem Verständnis wohl eher wie das Gegenteil seines Titels klingt und an einen zerbrochenen Brunnen erinnert, dessen Wasser ein paar Erdklumpen mit sich reißt und am Ende im Schlamm versiegt. Nicht zuletzt auch der Titeltrack, dessen Spoken Word-Passage wie das Monument eines sinnlosen Aufwands vor infernalischer Kulisse am Ende von einer Schuttlawine geschluckt wird.
Nach den über zwei dystopischen Stunden scheiden sich wahrscheinlich die Geister: Während die einen fürs erste genug gelitten haben, sind die anderen nun gewappnet für die regulären Alben des Projektes, und “The Smeared Cloth” gibt da tatsächlich einen großartigen Einblick in einen Kosmos, den ich allen empfehlen kann, die frühe Coil, alte Broken Flag-Releases und ausgewählte Death Industrial-Platten nebeneinander im Regal stehen haben."
[African Paper]
"Eager to get back into the Tunnels. Not long ago, I gave 'Deathless Mind' another spin, and I had been looking forward to some new material from Burroughs. Still.. two whole CDs, dearie me. I'm curious if I can make it through in one go. Also, it is not exactly 'new' material, but rather excerpts and unused tracks from two distinct periods: the first CD collects all discards from the Lost Corridors and Thus Avici era; the second contains material from the period between Surgical
Fires and Charnel Transmissions - compiled into this 2,5-hour lasting tour de force. Me, oh my.
Though branded as 'dark ambient' on Discogs, we've come to know Tunnels of Āh for industrial ambient landscapes and complex saturated loops and textures that range timbrally from (seemingly) acoustic in origin to overtly synthetic. Also, the 'loops' here should mostly be taken less literally; there are elements that seem to repeat, but for the most part, the chopped-up complexity of the textures ensures we won't have the typical 'looper' kind of experience in which repetition is often an easy way of tricking our brain into believing it is listening to something musical.
On CD 1, many sounds seem to have acoustic sources, which is much more noticeable than on the more recent albums. We also seem to get a lot more vocal delivery than usual, making tracks like 'Brute World' and 'To the Pschal Victim' almost have an early Current 93 or 'ambient Test Dept kind' of ring to them.
It is also completely dissimilar in many ways, e.g., production-wise, but for fans of those bands, these tracks may be the right point of entry into the Tunnels. The vocals are often mixed in quite deeply, so you won't be listening to poetry with a noisy background.
With the choppy granulated ambient of 'Lost Corridors', a track that did not feature on the eponymous 2013 album, there seems to be somewhat of a 'natural' ending to the first part of the first CD. The subsequent ambient track 'Fountain Of Life' ramps the intensity again with its swirling vortex of delayed grit. Both 'Great Darkness' and 'The Cloth is Smeared' really stand out as two of the more memorable pieces.
Disc 2 starts with the interesting combination of 'To the Paschal Victim' and 'Circumcision', which seem to be variations on the same bass riff/loop - though the latter track slides off into a murky bass swamp about halfway through. 'Red Distribution' and 'White Distribution' wrap this disc up in a
manner that reminded me of Charnel Transmissions. There is a certain kind of dense lo-fi elegance to them, which also made me fall for that album when it first came out.
I've said this before, and I'll repeat it: What I love about Tunnels Of Āh is that though it is clearly tarnished with the brush of industrial and perhaps even reminiscent of some noise - due to its complex textures, it never becomes too harsh or punishing, which given the length of most tracks may be a very deliberate choice either during mastering or in the composition process. Moreover, a wise one, since especially with a leviathan of this length, balance is a thing to aim for.
Does it work as an album, though, or is this merely a release for us to be complete? Tough question. The first CD is consistent, albeit on the long side. With 77 minutes, it is about half an hour longer than any Tunnels release on average, and I definitely had to listen to the whole release in phases. That said, when it
comes to textures and intensity, there seems to have been some thought put into the dynamic distribution of the tracks and though longer than usual, I would say both these discs work as stand-alone albums. Another keeper in a long line of excellent works from the Tunnels." [LdW / Vital Weekly]
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2023 |
€17.00 |
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| TWELVE THOUSAND DAYS |
Insect Silence |
CD |
"MARTYN BATES (Eyeless In Gaza) & ALAN TRENCH (Orchis, Howling Larsons) return after a long hiatus with the fourth TWELVE THOUSAND DAYS album. From the opening “Death Went Fishing” (a free translation of “vgíke o cháros na psarépsei”, the classic rebetiko by Giannis Papaioannou) to the closing, haunting notes of “Red And Golden Fire”, the listener is taken on a journey made up of a thousand journeys, a thousand side trips, a thousand destinations, hinging around the sprawling central trip of “Pathless”, in which the ramifications of choices made swim into hazy view. The 13 tracks that make up “Insect Silence” are a concatenation of dulcimers, whistles, guitars, synths, disturbing digital background noise (“Night Harmonium”) and other instrumentation with slices of pure, aching melody echoing through strange darkened corners, all enlivened and enlit by the wondrous tones of Martyn Bates.
MARTYN BATES is well-known for his brilliant long-time work with EYELESS IN GAZA, for his solo albums and for collaborations with MICK HARRIS and ANNE CLARK.
ALAN TRENCH: co-founder of World Serpent Distribution and musician with brilliant projects/groups ORCHIS, HOWLING LARSONS, TEMPLE MUSIC." [label info]
https://finalmuzik.bandcamp.com/album/twelve-thousand-days-insect-silence
"It's been quite some time since Martyn Bates (Eyeless in Gaza) and Alan Trench (Temple Music, Orchis) have come together as Twelve Thousand Days. It's fair to say much water has passed under the bridge since their last album From The Walled Garden in 2006. Insect Silence follows a ditched compilation release with the same title scheduled for release a number of years back. Insect Silence continues with the folk based music provided by Alan Trench and fronted by the distinctive voice of Martyn Bates but Insect Silence more so than their previous albums doesn't dwell solely in folk music. It may be its starting point but Insect Silence differs with passages of psych guitar and its layering of synths and electronics, as well as in the ambient interludes which feature throughout and often open up the tracks way beyond its grounding in folk music. Lyrically Insect Silence is couched in an English familiarity and in the eternal themes of life, love and death. Just shy of 70 minutes it's a long winding path of 13 tracks involving a large assortment of instrumentation which are woven into a complex and intricate tapestry of sound. You will be surprised by the pathways Twelve Thousand Days roam on .
Insect Silence opens to the spirited acoustic folk and percussive tambourine bashing of 'Death Went Fishing', outwitting death as it rushes onwards, weaving soaring psych guitars, which return throughout Insect Silence, as Bates implores that "he will return again". Its sets the scene for Insect Silence an album loosely based around folk music employing a rich multitude of instrumentation including guitars, dulcimers, harmonium, whistles as well as electronics. Twelve Thousand Days stretch the parameters of folk music with psych-guitar and ambient and instrumental interludes sprinkled throughout the 13 tracks. At times it likes listening to a Krautrock inspired psych-folk album with space rock leanings. In a good way, of course.
Opening to an ambient interlude 'Mad As The Mist' is the first of three musical settings of the words of Irish poet W.B. Yeats. Dreamy folk guitars entwine twang and strum, as Bates in his pure folk tones recalls philosophers such as Plato, Homer, Tully and Cicero, swelling into another passage of soaring solo of psych guitar and back again to dreamy folk song. More restless psych-guitar features on 'A Coat'. There's more of an experimental edge to the Yeats setting here pitching Bates' strained (and occasionally treated) voice to the fore, embellished by the pluck of guitar notes augmented by glinting electronics, bass throb and a needling guitar casting vibrations of psychedelic proportions. 'Arrow', the final piece in the Yeats trilogy is starker and played more straightforward with the beautiful folk voice over ringing acoustic guitar and warm synth backing.
Away from the Yeats tracks, a number of which Bates recorded with Troum in different musical forms, 'Errant Desires' moves to graceful ambience with flourishes of guitar notes. Bates' pure mournful tones add a sleepy lamentful melody, as faint electronics flicker behind the gentle flurry of guitar notes and assorted instrumentation. Beautifully atmospheric, it's one of my favourites on Insect Silence. Bates' voice is measured and melodic illuminating the sense of life passing in the evocative lyrics of rain falling, captured in our hands and gladly falling to the earth. More timeless folk arrives in the form of 'She Raises Her Eyes' where in captivating melodic tones Bates sings of a longing recalling long cold December months over duelling dulcimer chime.
One of the more surprising tracks appearing in the first half of the album is 'Invoke Hecate' where over passages of whistle and rousing, beating strum, Twelve Thousand Days sounding not unlike Ostara invoke the Goddess of Witchcraft, through an assortment of occult techniques. Alan Trench in past endeavours has facilitated many musicians in the apocalyptic folk genre but this rare sojourn, even with it blistering psych solo, can still raise an eyebrow and something of a smirk.
As mentioned earlier, Insect Silence is interspersed with instrumentals taking the music down alternate pathways, straying far off the beaten track. The first of these 'Night Harmonium' carries an air of arcane English mysticism with its loose folk stylings where strings chime and whistle billows merge over background synths and static clicks. The instrumental 'Old Ladies As Birds' is another brooding mystical moment where layers of whistles and flutes cast an age old melody over wheezing harmonium while loose guitar notes chime and ring out as distant electronics shudder underneath. While 'Old Ladies As Birds' is evocative of transforming souls and spirits, the jaunty folk offering of 'Fieldwork' is celebratory. Based on whistles and acoustic strum it comes across like a folk dance or Pagan procession. If 'Fieldwork' revels in a lost Englishness 'Descent' is dealing with nostalgia. A vintage crackling recording of 'See, The Conqu'ring Hero Comes' shrouds the descending organ scales of 'Descent'. Bates' voice is quiet, distant and softly murmured amidst the eerie disembodied voices of the choir as percussion rattles. You can almost picture the landscape on the pastoral 'Red and Golden Fire' another experimental offering mixing lulling electronics with whistles and flutes which closes the album.
Insect Silence hinges around 'Pathless' an epic experimental 16-minute musical and lyrical journey which we all make on our travels through life. Set in the middle of the album it continues the theme first introduced on the opener 'Death Went Fishing'. With the huntsman at our heels, we try to outwit death to no avail. Travelling from ringing guitar with Bates' voice, wrapped in layered accompaniment, veering between passages of Krautrock electronics and wavering synths to psaltery, whistles and location recordings. All the elements of Insect Silence emanate from and come together on this track to great effect. As it flows together seamlessly it's difficult to pinpoint where 'Pathless Part I' ends and 'Pathless Part II' begins but it may be when a heartbeat bass pulses and acoustic guitars ring out and the spoken word of Lisa (I think this is Elizabeth S who features on releases from Eyeless In Gaza) surfaces amidst guitars and layers of spacey synths which lull, crash and wail, before Bates returns, to close this epic track in high registered tones.
Insect Silence bustles with an immediacy, there's a sense of freshness of getting it all down on tape before the additional sound layers of instrumentation are added. Ambient, electronics, psych guitar, whistles, location recordings are all here embellishing the tracks making it intricate and complex. At the heart of it is an open-ended folk sound reflected in Bates' beautiful, distinctive voice which illuminate the timeless themes. Insect Silence is by far the best I've heard from Twelve Thousand Days and though the tracks are disparate there's an arching basis in folk music which traverses into other areas which holds it all together. As we said, Insect Silence is a journey, a pathway laid down just waiting for us to follow. Insect Silence is released digitally and on CD by Final Muzik in an edition of 500 copies. For more information go to Final Muzik and to download go to Final Muzik Bandcamp." [Compulsion Online]
"Man neigt gerne dazu, Bands, die sich nur alle Schaltjahre oder seltener zu neuen Aktivitäten zusammentun, als klammheimlich aufgelöst zu betrachten, erst recht dann, wenn es sich dabei um noch anderweitig aktive Musiker handelt – so wie Sänger Martyn Bates mit Eyeless in Gaza und seinem Soloprojekt und Instrumentalist Alan Trench mit seinen Folk- und Psychedelic-Gruppen Temple Music, Orchis und Black Lesbian Fishermen. Nachdem mit ihrem Duo Twelve Thousand Days wahrscheinlich nur noch wenige gerechnet hätten, steht mit „Insect Silence“ nun ganz überraschend ein neues Album in den Regalen, das fast da anknüpft, wo die beiden vor gut zwölf Jahren mit „From the Walled Garden“ aufhörten. Fast, denn gerade bei Alan sind doch ein paar Spuren seiner neuen Arbeiten herauszuhören.
Wie man es von früheren Aufnahmen her kennt, wechseln sich schmissige, fast frohsinnige Folksongs ab mit verträumt melancholischen Klageliedern und geheimnisvollen ambienten Soundscapes, und zusammen mit Bates’ unverkennbarer Stimme, die so klar und jugendlich wie eh und je klingt, kreiert die Musik ein verzaubertes Setting, das an ein langsam vor dem Auge verschwimmendes Jugenstilgemälde erinnert.
„Death Went Fishing“ und „Invoce Hecate“ zählen zu den eingängigen Folkstücken, die mit feurigem Geschrammel und ekstatischen Rasseln nach vorn galoppieren – mystische oder makabre Töne schleichen sich über sanft gesungene Textzeilen in die Szenerie und bilden mit der harmonischen Musik eine heikle Mischung, und schon mit den allerorts spürbaren heidnischen Untertönen sind die Stücke vor jedem Indie- und Pop-Appeal gefeit. Impressionistische Tableaus wie „Mad as the Mist“, dessen anfangs noch ziellos umhertastendes Gitarrenspiel sich erst nach und nach zu einem anmutigen Stimmungsbild zusammensetzt, bilden einen Gegenpol dazu, ebenfalls das aus einer balladesken Märchenwelt herübergewehte „Old Ladies as Birds“ und das mit Knacken und Knistern leicht verfremdete Zwischenspiel „Night Harmonium“ – beide Stücke gewinnen noch an Charisma durch Alans berührendes Flötenspiel.
In einigen dieser Tracks sind aber auch räudige Psych Rock-Elemente zuhören, die der Musik eine Kantigkeit verleihen, die in den klassischen Zeiten des englischen Folk nichts ungewöhnliches gewesen wären – zünftige E-Gitarrensoli und dröhnende Riffs, die die Folkmelodien, die sie spielen, gleichsam zerschreddern, als wären sie eine nationalhymne in Woodstock. Weder Eyeless in Gaza noch Orchis waren frei von solch rauen Beigaben, doch hier hat sich v.a. die Sprache jüngerer Temple Music in die Stilpalette geschlichen und gibt dem naturverbundenen Sound eine deutliche Prise Realismus.
Es gäbe einiges, das sich in den einzelnen Songs hervorheben ließ, die anrührende Melodie in „Errant Desires“, die cinematischen Verfremdungseffekte in „Red and Golden Fire“ und der melierte Orgelsound in „Descent“, der in ein verwehtes Sample des Liedes „Hail the Conquering Hero!“ (im Deutschen die Melodie von „Tochter Zion, freue dich“) übergeht, sind nur einige davon, doch alles in allem funktioniert „Insect Silence“ am besten als zusammenhängendes Werk, das mit mehrmaligem Hören immer mehr zu verzaubern weiß." [U.S., African Paper]
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2018 |
€13.00 |
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| TZESNE |
Asimilacionismo |
LP |
"Twelve years separate the debut mini-album "Huffduff" from this solo LP titled "Asimilacionismo". Tzesne’s new vinyl is not a peaceful continuation of the last. Rather that being produced using drone-ambient techniques, his new work is atypical. Perhaps the easiness to find opportunities, or the hodgepodge of media used to register these intermediate materials, was the trigger to question where these methods occur and how to confront them by injecting some type of risk. This meant including a concept when composing, and opening a door to a game of possession-dispossession, implication and subjectivity; the one that has served to shape this story is the one named "assimilationism". All authors own tools and personal style are yielded to another authors, so that in turn the speech of the first one can be constructed. The result is the work itself, which emerges from a movement of resistance, widening as far as it is allowed to, considering the compositional margins, and reaching places where previous works have never ventured. But it is also possible to leave this information to one side and focus on listening alone, as it still holds the possibility to transform the place and the moment in which you are.
Tzesne | "Asimilacionismo"
seriesnegras | 2016
12” l white viny l 180 gr.
200 copies pressed
Contents: 9 tracks
Total duration: 39:18
Composed Amsia * Sounds Tzesne
Recording & Mixing: 2014 - 2016
Mastering: Tzesne & Amsia
Graphic: Jon Martín"
www.seriesnegras.org, www.artoartian.org
"Zweites Solo-Vinyl nach der Drone 7“ von 2005 überhaupt von diesem baskischen experimental Soundartist. Tzesne arbeitet fast immer mit (bearbeiteten) Fieldrecordings, bevorzugt solchen, die auf extra zu solchen Zwecken unternommenen Exkursionen aufgenommen wurden; als Verbindung mit dem Ort (der Aufnahme) oder bestimmten Handlungen, die dann das Thema der VÖ werden. Bzw. in abstrakt abstrahierter Weise an das Thema der Inspiration erinnern und so die Atmosphäre bestimmen. „Asimilacionismo“ führt genau diese Haltung fort und ist trotzdem ziemlich anders; geheimnisvoll, so dass es fast unbefriedigend ist, dass überhaupt keine weiteren Informationen vorliegen; auch über „Amsia“ nicht, der / die hinten auf dem Cover im Kleingedruckten Credits für Komposition bekommt (und Tzesne für „Sounds“). Neben dem Titel steht auf dem Cover vorn dann aber allein Tzesne… Wer soll das durchschauen? Was bleibt ist die Konzentration auf die Musik an sich, die auf „Asimilacionismo“ tatsächlich so erscheint wie eine Art von Erweiterung der undergründigen Soundpalette von Tzesne: Seite A dieser auf weisses Vinyl gepressten Platte, deren Labelartwork zusammen mit der Vinylfarbe diese Bezeichnung auch tatsächlich verdient, entwickelt ein zunehmend unruhiger werdendes Gespinst aus industriell anmutenden Loops, die über vier Etappen in ein immer elektronischeres Alter-Eho morphen, mit ebensolchen Sounds; definitiv neu im Hause Tzesne. Auch Seite 2 zeigt diese leichte Verschiebung der musikalischen Akzente, nutzt fünf Etappen, durch nahezu identifizierbare Fetzen von Gesprächen auf eine Art fast wie ein Hörspiel erscheinend, die jenseits von Fieldrecordings liegenden Elemente so etwas wie eine musikalische Grundierung, als Verstärkung der durch die Feldaufnahmen bestimmten Eindeutigkeit. Und am Ende das Finish in einem der für Tzesnes Ansatz typischen Multischicht-Fieldrecordings mit ihrer Vexiergestalt zwischen Versprechen und Auflösung (des Rätsels…). Sehr empfohlen, definitiv ganz oben / perfekt. Gerade auch, was Spannungsbogen und Dynamik betrifft. …wahrscheinlich am besten über den Artist selbst zu bekommen." [N / Black Magazin]
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2016 |
€20.00 |
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| ULLMANN, JAKOB |
A Catalogue of Sounds |
CD |
„Konzertmitschnitt vom 3.Oktober 1997 im Sendesaal des Hessischen Rundfunks. "Ulmann's Musik realisiert mit grosser Bestimmtheit ein unendliches Spektrum von Abstufungen in allen Bereichen musikalischer Gestaltung. Dass die Musik des "catalogue" fast durchgehend zuerst leise erklingt, führt eher die Wahrnehmung kleinster Differenzierungen; es versetzt das Ohr in einen Zustand nie nachlassender, höchster Aufmerksamkeit." [label info]
„Eine Komposition für Violine, Viola, Violoncello und Ensemble (1995 ¬ 97). Fast durchgehend erklingen 73.16 Minuten verhaltener Epik. „Der musikalische Strom erleidet fast ständig kleine Irritationen, bildet Schwellen oder spritzt (...) kurz auf wie durch hineingeworfene Kiesel.“ (Linernotes) Im leisen Spiel haben die Variationen eine ungemeine Wirkung. Sie tröpfeln einem förmlich ins Ohr. Fremde Stimmen beginnen bald zu raunen, zu tuscheln und zu stöhnen. Diese Musik ist weder meditativ noch ist sie der minimal music zuzuordnen. Hörerin und Hörer lauschen einer epischen Tondichtung, die in stringenter Weise jede Überfülle vermeidet.
A composition for violin, viola, violoncello and ensemble (1995 ¬ 97). These 73.16 epic minutes are played nearly alway in a reserved manner. „The musical stream is constantly subjected to small irritations, sometimes ist flow quickens, sometimes there are brief splasheslike those caused by pebbels thrown into water.“ (linernotes) In this softly playing the variations are exceptionally effective. They are dripping in the listeners ear positively. Soon strange voices beginn to murmur, to whisper and to moan. Neither this music is meditative nor its in the style of minimal music. Its an epic sound poem of conciseness avoiding every overflow of expressivity.” [Peter Schlewinski for Drone Records]
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2005 |
€16.00 |
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| UNVEILED |
Winter Songs |
CD & DVD-R |
Nach der Zusammenarbeit mit NURSE WITH WOUND auf der „Chance meeting of NWW..“ (brag 004) hier ein neues Album der Dänen, lt. liner-notes Musik für ein öffentliches okkultes Ritual des Apachen und Hohepriesters der Church of Satan STEVEN JOHNSON LEYBA, der öffentlich den US Präsidenten verfluchte, die amerikanische Flagge verbrannte und die dunklen Naturkräfte anrief.. (fand im Oktober 2001 in Kopenhagen statt). Ob Witz oder nicht, enthalten sind hier drei schleppend- dunkle Stücke, leicht perkussiv & loopig - repetitiv, in wallender Bewegung Trance-induzierend.. kommt im schmucken Porn-Art-Cover ...
After their collaboration with NWW a new album of this danish project, made for an occult ritual where the american president was cursed by the Mescalero Apache and Highpriest of the Church of Satan STEVEN JOHNSON LEYBA (Copenhagen Oct. 2001). Joke or not, this is finest ritual ambient, three pieces of slow & loopy & trance-inducing dark sounds.. comes with nice porn-art-cover.
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2004 |
€18.00 |
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| UR |
Triadic Memories |
CD-R |
"Ur were born in early 2005 as a collaboration between Federico Esposito and Mauro Sciaccaluga, both active in the italian hardcore circuit. They were later joined by Andrea Ferraris, past and present member of Burning Defeat, Permanent Scar, Onefineday, Deep End and One By One.
Ur made their live debut at the Afe-Party in November 2005, and since then their live-sets have become more and more frequent. Recently they also opened for Eugene Chadbourne and Wolf Eyes during their italian tours.
Their music is mostly based on free improvisation and its sonorities can't easily be described without referring to the seminal work of the well-known and wildest Industrialists of the late '70s / early '80s.
"Triadic Memories" is their first "official" disc and comes after the self-released "Baptism & Birthday". There is a strong dramatic feeling in their powerful sound, where everything seems to reproduce a sort of wedding between the modernity of the media and the primordial instincts of the performers.
"Movement #1" is taken straight from "Baptism & Birthday", and is usually played as the opening number of their live-sets. The track begins with an high-pitched theremin sound laid on a bed of reverbered and tortured bass guitar. More percussions and distortions appear along with a looping voice as the music turns into industrial madness.
"Movement #2" is a more laid down piece of music built on a continuous drone enriched with scraped metals / objects and a female voice building tension over tension. Surprisingly enough, an accordion enters the mix accompanied by more looped voices and fades out as the track ends with cymbals hits.
An early version of "Movement #3" already appeared as an untitled contribution to "Breaking Down the Barriers 1995-2005, Ten Years of Afe", an on-line compilation issued by Afe in late 2005 to celebrate its tenth birthday.
With this final track we return to the industrial atmospheres of "Movement #1": feedback and bass distortions overwhelm a glockenspiel as an hooter alarm becomes more disquieting loop after loop. All sort of uncomfortable noises are used, and "Movement #3" ends with the lonely sound of a breathing voice.
Far away from Power Electronics and Harsh Noise, "Triadic Memories" is more a sort of psychedelic and liberatory journey reminding the best old-school Industrial music experiments." [label info] |
2006 |
€6.00 |
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| URE THRALL |
Arabian Knightmares |
CD |
Wiederveröffentlichung des Masterpiece von URE THRALL in beeindruckender Aufmachung, spezielles fold-out-Cover mit diversen Postkarten auf Kunstpapier.
Dark atmospheric, slowly percussive, oriental harmonies, all handplayed, very dense and moving.. another great work by this californian artist.....with help by FERRARA PAN & THE FRUITLESS HAND and other friends.....maybe think of ZOVIET FRANCE melting with VOICE AND EYE and MUSLIMGAUZE and TROUM...
"Arabian Knightmares is one man's effort to reflect the unfolding events of the current worldwide sectarian war in a series of harmonic constructs, utilizing actual sounds from the major events of the struggle (9/11, the Iraq War, etc.) to provide a historic point of reference. The forlorn yet beautiful emotions that are unmistakable in Muslim song and prayer are reflecteded here in a context so unique that it is deeply stirring in a musical sense and simultaneoously brutal with its emotional impact on the listener. Tears are not uncommon.
Features PREMONITION 9/11 from the out of print Drone Records Single from 2003, plus an ambient remix. 10 plus minutes of ominous arabian tinted darkness, with excerpts from “the war”. [Ure Thrall]
Comes in a special well designed cardboard cover with multiple inserts and postcards." [press release]
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2006 |
€8.00 |
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| V.A. (VARIOUS ARTISTS) (COMPILATIONS) |
Circuits of Steel |
do-CD |
Zusammenstellung der Underground - Industrial & Elektronik- Szene aus der alten Stahlindustrie-Haupstadt PITTSBURGH. Eine Riesenauswahl an garantiert frischen und unbekannten acts, von harsh noise über rhythmischen Sachen oder experimental HipHop bis hin zu abstraktesten glitch-sounds und Sound-Installationskünstlern, hier gibt es was zu entdecken, zum Sonderpreis !
Low priced Compilation of the experimental / electronic / Industrial-Underground of PITTSBURGH. Many different styles are featured here, many new names to discover, i.e. JEREMY BOYLE, COLONGIB, GIRL TALK, MICHAEL JOHNSEN, OPERATION RE-INFORMATION, POWER FRENCH, TENTATIVELY A CONVENIENCE, XANOPTICON, etc. etc. 30 tracks/projects as a whole !!!!!
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2002 |
€8.00 |
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Coilectif. In Memory ov John Balance and Homage to COIL |
CD |
Die "französische JOHN BALANCE-Hommage" mit 17 Stücken aus Experimental, Post-Industrial, Impro / free Jazz, Ambient & Electronik, mit erwartungsgemäss vielen Verweisen und Verwendung von COIL-Materialien... fast durchweg exzellentes Material, einige alte Industrial-Helden von denen mal lange nichts gehört hat (wie VIVENZA, ETANT DONNES) sind dabei, aber es gibt auch viele neue Namen zu entdecken, alle vereint durch den grossen Einfluss den COIL augenscheinlich auf sie hatte...
"17 french bands from the genesis of industrial, experimental, free jazz musics, for the most part unclassable underground musics, and more recent and emergent artists from the same vein, form Coilectif. These artists explore and express, openly and without limits, what Coil's heritage suggests to them, an opportunity to make an homage to Geff Rushton aka John Balance or Jhon[n] who left us on November 13th 2004. Coilectif is also an homage to all the musicians and illustrators Scherer & Ouporov participating to the project united for the first time in such an outline, where each one of them expresses what Coil's universe evoques to him through lunar, astral and visionary excursions, keeping his own artistic identity. It is not a compilation of remixes of Coil, nor a catalogue of tracks of these artists released before, but a genuine concept of creation in which this collective of artists homogenizes itself around a real artistic project. The 17 new tracks form an intimate, magnetic and timeless piece of work. The vynil and CD editions come with quotations of various artists and with a text written for the project by the writer and philosopher Jean-Marc Vivenza called 'méditation sur la mort '.Coilectf is : ART&TECHNIQUE, BELA GOOSY, DEFICIT DES ANNEES ANTERIEURES, DE MANGE MACHINE, DESACCORD MAJEUR, ETANT DONNES, GAS ANOREX, GITANJALI & THE MASTERS OF MYSTIC ENTERTAINMENT, ILITCH, JAC BERROCAL & JACK BELSEN, LAURENT PERNICE & JACQUES BARBERI, LES NOUVELLES LECTURES COSMOPOLITES, OTHILA, PACIFIC 231, PALO ALTO, SERVOVALVE, VIVENZA." [press release]
https://www.rotorelief.com/release/rotor0001/
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2006 |
€14.50 |
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Guitars undressed |
CD |
Nackte Kühe auf’m Cover und Gitarren werden hier auch entkleidet... eine schöne Minimal / Microsound – Compilation mit Stücken von meist bekannteren Grössen, die wissen wie man Gitarren allerentrückteste Sounds entlockt: NAOAKI MIYAMOTO, OREN AMBARCHI, SHIFTS, DAVID GRUBBS, RICHARD YOUNGS, LEE RANALDO, RAFAEL TORAL....
“in my quest to bring you, the customer, the most osbscure items in a narrow range of out-sound tactics (amongs the greater scale: conceptual guitar-sound etudes) i came across this disc (well.. i bought a copy of this from rafael when he blew through town a few weeks back). lineup is something to die for in regards to contemporary out-guitar (sem)antics. most (bordering on all) pieces are extended, unreleased forays into the unknown far-reaches of space.
especially nice outings from mr. ambarchi (possibly the last of the stacte variations, and one of the most engaging pieces in his entire gimundo oeuvre) and mr. toral (a 20+ minute bleep-epic verging on near-quietude). controlled coelacanth-removal radiation from mr. ranaldo (hazy scrunge-fest with much echoplexation). plus songs from mr. youngs (bright, acoustic folk-sounding ditty, mildly off-place here) and grubbs (well, more of a kind of restrained volume-pedal improv than a proper “song” per sé). and an ebow bit from franz de waard.
first release on a fresh, young japanese label. all-star lineup. green grass and cows on the cover...” [Mimaroglu]
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2003 |
€12.00 |
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Minima |
CD |
Sehr kohärente Compilation mit hauptsächlich digital arbeitenden Musikern, auf dem neuen Pariser Label von HERVE BOGHOSSIAN. Angesiedelt zwischen sehr ruhig-harmonischen Material und solchem im Niemandsland zwischen ambience & noise.
„Ein neues französisches Label für clickende wundervolle Musik, das sich erst mal auf einer Compilation vorstellt, die vermutlich in den Clickcharts dieses Jahr ganz oben stehen muss, denn sie weitet den Begriff mit Leuten wie Sogar, Charles Curtis, Komet, Otomo Yoshihide, Taylor Deupree, Sol, Speakerine, Alan Licht und vielen anderen soweit aus, dass am Ende nur noch die Faszination für diese fast unscheinbaren Sounds an den Grenzen des Hörbaren übrig bleibt. Schon der erste Track von Sogar (aka Jürgen Heckel) lässt einen von einer Welt träumen in der das Popmusik ist, einfach weil Popmusik ja auch mal Schönheit, Reinheit, Unglaubliches heissen könnte, weil es aufregend sein könnte Popmusik zu sein,
unwahrscheinlich und unhinterfragbar brilliant. Und glaubt nicht einer der Acts würde einen hier enttäuschen.Ein Label das man auf jeden Fall im Auge behalten sollte“ [debug]
“Minima~List ( list L1 CD ), from a new French label dedicated to all things minimal. There's plenty of microsound courtesy of Taylor Deupree, Richard Chartier and Komet, virtual nothingness from Nosei Sakata, Alan Licht's guitar shimmersand "sustained friction
sonorities" from Charles Curtis. It's not all tiptoeing around the soundfield, though. Where too many of today's minimalists use the term to camouflage a paucity of ideas or their true chillout sentiments, Minima~List is anafraid of the movement's louder
manifestations, be they piercing tones from Otomo Yoshihide, the sound of Miles Davis blowing a bagpipe in an ice storm from Matthieu Saladin, or the Branca-ish guitar squalls of Fabriquedecouleurs.” [THE WIRE]
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2002 |
€10.00 |
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Montreal Sound Matter / Montreal Matiere Sonore |
CD |
Compilation zu einer Ausstellung & Workshop von FRANCISCO LOPEZ vom August 2006 mit elektro-akustischen Arbeiten die Feldaufnahmen aus Montreal als Basismaterial einsetzten... hier gibt es einiges neues zu entdecken !
“Works by Francisco López / Louis Dufort / Steve Heimbecker / Hélène Prévost / Mathieu Lévesque / a_dontigny / Chantal Dumas / Tomas Phillips. Montreal Sound Matter / Montréal matières sonore brings together eight Canadian and international sound artists. The project began with a workshop on environmental sound collecting by Francisco López and led to the development of a collective sound project including an album, a sound installation, and a concert. This is the recording. The artists create an immersive sound installation made up of fragments of Montreal, which propose a reflection and a questioning on the city. Far from being a postcard, these sound portraits suggest an abstract view of Montreal made up of fragments modeled or transformed to the liking of the artists. Through these places turned non-places and thus more or less unrecognizable, the pieces present an interesting variety of aesthetics, constructions and creative processes.”[Esther Bourdages, curator]
“Yet it is not about the city as a conglomerate of soundmarks or stereotyped symbolic elements--it does not aim at making a sound portrait or a representational creation. My proposal to all the participating artists involved in the project was to foresee the city --both outdoors and indoors, both the public and the private spaces-- as a constantly-changing generator of sound matter. The original source environmental recordings were carried out by the participating artists in Montreal during April 2006, and we all shared the common pool of sound matter thus generated to create the individual pieces. I believe this is an interesting way of setting up a challenging situation in which we are dealing with a limited and intentionally restricted universe of sonic extractions of reality, and also -and more importantly-a straightforward way of proceeding to reveal the creative individual substance of each one of us.” [Francisco López]
„.-...Not to make an audio postcard of the city, but rather a more abstract and personal view of the city, by people who already lived there much longer than Lopez. So it's not a matter of saying, 'oh this is that street, or this nice restaurant ('Schwarz', anyone?)', but to sit back and take it in as a long soundscape of the city. Rather than seeing this as eight separate pieces of music, I see it as one city seen through eight microphones and some of them present their work in their most pure form, like an unaltered recording, some as a cut-up and with some it's hard to recognize any sort of field recording at all, such is the case with Tomas Philips. But all the tracks are thus placed on the CD that they make their trip through the city, from busyness to quietness and back again. Only towards the very end of the CD, in the piece by Mathieu Levesque, there is a bit of music sipping through: a computerized game music thingy. In the end we know nothing more about Montreal, but we do experienced a beautiful trip through a very nice city. It also includes pieces by Helene Prevost, Steve Heimbecker, Louis Dufort, Chantal Dumas, A_dontigny and of course Lopez himself.“ [FdW / Vital Weekly]
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2006 |
€13.00 |
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Tel Aviv Aftermath |
CD |
"Auch in ISRAEL formiert sich eine Post-Industrial / Elektronik / Experimental / Ambient – Szene, und diese erste VÖ von THE TOPHETH PROPHET bringt einen ersten Überblick auf CD. Enthalten ist hier Material von GRUNDIK + SLAVA, IGOR18 (gerade auf Pre-Feed veröffentlicht, siehe CDRs), CHAOS AS SHELTER (bekannt von der Drone EP und einigen CDs), SCREENING, FORMA, HU (die sich mit „Cryptoacoustics“ beschäftigen), VECTOR SCOPE, AGNIVOLOK (von ihnen erschien gerade eine LP auf StateArt), THE CROSSFISHES, und einem Collaborationsprojekt von IGOR18 und CAS. Hier gibt es einiges zu entdecken." [Drone Rec. 2002]
“The Topheth Prophet is a new label aimed to reveal the most kept secret in Israel, the Industrial \ Dark \ Experimental music scene. Tel Aviv Aftermath is our first release , it is a compilation cd , a collection of ten tracks , each has a special idea and unique sound , each was carefully chosen , each represents a different aspect of the current experimental doing in Israel.” [from the press release]
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2002 |
€8.00 |
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Variations |
CD |
Exzellente erste Veröffentlichung des PARADIGM-Labels, mit ausschließlich Londoner Experimental / Musique Concrete / Elektro-Akustik / Geräuschmusik-Künstlern. JOHN WALL, ANDREW JACQUES, CROW, ALQUIMIA, JOHN GRIEVE, KYMATIK, ADAM BOHMANN (Morphogenesis). Viel Unbekanntes, viel zu entdecken.. |
1995 |
€13.50 |
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Verfassung |
LP |
Erste „offizielle“ Compilation des HÖRBAR e.V. aus Hamburg! Enthält 14 Stücke der Mitglieder, die das grosse Spektrum der derzeitigen experimentellen Musik fast abdecken, von dröhn-minimalistischen Sphären über cut-up & Collagen, musique concrete und Impro bis zu post-industriellem Noise, mit Y-TON-G (ex PARA NOISE TERMINAL) und TBC sind auch zwei Drone Records-Vertreter dabei, aber auch sonst durchweg hochklassiges Material von u.a. EVAPORI, [HYPH]; AUDIBLE PAIN, INCITE, GREGORY BÜTTNER, SONATA REC und natürlich darf ASMUS TIETCHENS nicht fehlen.
“On the newly released vinyl LP "Verfassung" (German for "state" or "constitution") 14 electronic tracks by 14 musicians and projects can be heard. The music includes all styles of experimental electronic music: minimal to noise, musique concrète, improv, cut-ups and collages. The record not only shows the current state of the experimental music scene in Hamburg, despite the different individual approaches and styles it creates a musical flow, offering a diverse and exciting listening experience. All musicians on the record are members of the "Hoerbar" (German for "audible" and "listening bar"). For over 10 years it has been an important meeting point for producers and consumers of experimental music in Hamburg, Germany. Once a week a lively exchange between composers, musicians, labels and collectors takes place. Once a month local and international musicians are invited to the "Unüberhörbar" concert (German for "unignorable"), among the guests have been Jim O’Rourke, Hafler Trio, Keith Rowe, People Like Us and many others.” [label info]
"the audible VERFASSUNG of our loosely organized group of producers [called HOERBAR] is being reflected by this audio document, which is representative but cannot be complete.some children, grandchildren and great-grandchildren of those courageous explorers of electroacoustic music continued walking on analogue and digital paths, avoiding the academic castles of compulsion and the sweat-moistened dancepalaces, being driven by furious excitement to add something personal to the pool of established aesthetic strategies. knowing that the wheel cannot be reinvented is not a cause for resignation or for becoming Epigones, but made us develope our ambitions to learn from historic achievements so that we can walk upon new roads and even stray with our heads up. so, the electroacoustic VERFASSUNG [constitution / condition / circumstance / state of mind] compiled by hoerbar hamburg manifests the whole spectrum between the righteous ponderer‘s efforts and the unconcerned homo ludens‘ arabesques. we will go on." [Asmus Tietchens]
“Ah the classic format of compilation LP, with booklet. It looks retro, very 80s like, but it's 2006. The Hörbar in Hamburg is an organisation that puts on concerts, mainly in the B-Movie cinema. Hörbar is mainly run by musicians, who work as volunteers, doing the sound, the bar and the door. Every week they meet up and do something. Now Hörbar also acts as a label, and this compilation is the first release. Of course it features music from the people that make up the Hörbar organization. The good thing is that it holds many musicians I never heard of, such as Pizza Ni Ni, Renoise, Margitt Holzt, Guy Saldanha and Ebinger, sitting next to somewhat more known locals such as Evapori, Gregory Buettner, Sonata Rec, [Hyph-], TBC, Incite and Y-Ton-G. Of course the biggest star from Hamburg, Asmus Tietchens, is also present, with the most silent and reduced piece of the lot. What can be noticed that there is a fair amount of noise material on this record, such as TBC, Guy Saldanha and Audible Pain. Margitt Holzt and Incite represent the rhythm side of this bunch, whereas Tietchens has his own followers such as Gregory Buettner and some seem to follow their own track, such as the curious piece by Ebinger (who he?). Evapori and Sonata Rec play pieces that are a cross over between the world of Tietchens and the underworld of noise. The most curious piece is by Pizza Ni Ni, entitled 'E', it seems just the one time strumming of an E chord on the guitar. A booklet describes the pieces and has a bunch of nice quotes. Limited to 300 copies - that is the final trick from the 80s, make a few and create a rarity!” [FdW / Vital Weekly]
www.hoerbar-ev.de
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2005 |
€15.00 |
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How to stay young & healthy in a modern world |
do-CDR |
Rauhe Zusammenstellung von Vertretern der russischen und skandinavischen Experimentalszene, verschiedenste Stilrichtungen des Undergrounds (von ruhigstem ambient - z.B. EXIT IN GREY, bis hin zu power-noise, z.B. GELSOMINA, ist fast alles dabei) vereint auf zwei CDRs... kommt mit russischem (?) Präserativ (na ob der hält?) in DVD-Box. Hier gibt es neben einigen bekannteren Vertretern diverse Newcomer zu entdecken, v.a. die zweite CDR enthält sehr gute tracks!
"Compilation with contributions from: KRYPTOGEN RUNDFUNK, FUNKSTILLESENDER, INSTANT MOVIE COMBINATIONS, N-616, VELEHENTOR, KROMESHNA, EXIT IN GREY, BARDOSENETICCUBE, HALO MANASH, AEOGA, LOWLIFE, SUDANSTRAIN, DN23rd, REDHOUSE, BIOMASS, MONTAGE, INDRA, EKRAN, CONTROL, WORLD DOWNFALL, CISFINITUM, GELSOMINA. Drone Ambient, Ritual, Power Electronics, Harsh Noise - high-end!" [label info]
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2006 |
€14.00 |
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4 sides a circle |
4 x mCDR |
Das Label aus L.A. liebt obskurste Compilations, bei dieser ist ein echter Kompass dabei ! Vier mini-CD-cases wurden übereinander verklebt, ein ganzer Block wie ein akustisches Buch, um neue Klänge zu entdecken....
"16 tracks by 17 acts tom grimley, al margolis, the cherry point, mike shiflet, pcrv, rhy yau, sixes & yellow swans. mitchell brown, vertonen, brutum fulmen, howard stelzer, hive mind, jason talbot, brent gutzeit, oscillating innards, fin. none of whom have ever appeared on a bp release, compass included to point a way" [label info]
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2006 |
€15.00 |
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Roulette Russe pour un peu de Caviar |
CD |
DMITRY VASILYEV ist seit Jahren mit seinem I.E.M.-Magazin einer der Hauptakteure und Unterstützer der russischen Experimental-Elektronik-Drone Szene; seit einiger Zeit nun betreibt er darüberhinaus das MONOCHROME VISION-Label, welches neben Wiederveröffentlichungen längst vergessener Perlen des globalen Experimental-Undergrounds auch aktuellen Musiken verlegt. Der Franzose PHILIPPE BLANCHARD hat nun, als Kenner der russischen Szene, für Monchrome Vision eine Compilation mit einem Querschnitt zusammengestellt, die wieder beeindruckend zeigt, welch besondere Qualität viele russische Experimental-Projekte aufweisen. Neben bekannteren Drone Records-Favoriten wie CISFINITUM, HUM und BARDOSENETICCUBE finden sich hier auch für uns neue Namen wie KOLPAKOPF, INSTANT MOVIE COMBINATIONS oder INTERIOR DISPOSITION.... hervorragende Tracks, meist im "transcendental / experimental Drone"-Bereich. Einen wirklichen Ausfall gibt es hier nicht zu vermelden, und so möchten wir diese Comp. fast uneingeschränkt empfehlen, man kann sie "in einem Rutsch" durchhören!
"The compilation of exclusive tracks by russian artists, intended for the presentation on "Bruit de la neige" 2007 festival by Studio Forum (Annecy, France). Some of them are good known in Russia and worldwide, some are just the newcomers, but all are showing the great potential of russian experimental music scene in the fields of electroacoustic, abstract electronic music, drone ambient and noise collages. Release date is 30th March 2007. Limited edition of 500 copies in jewelcase." [label info]
label: www.monochromevision.ru
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2007 |
€13.00 |
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Dark Ambient Radio Volume 1 |
CD |
Das Hamburger Internet-Radio "Dark-Ambient-Radio" steht seit einigen Jahren für ein anspruchsvolles Programm und bietet den Hörern zudem eine Plattform für Austausch & Kommunikation. Auf der ersten CD-Compilation des Independent-Senders finden sich einige bekanntere Acts, aber überwiegend gibt es wohl für die meisten was neues zu entdecken. Im Dark Ambient Genre mischen sich der Sinn für Geräuschhaftes und Soundeffekte mit der Sehnsuchtsweite der Drones, wobei harmonische Elemente oft ein minimales Gerüst bilden.
Dabei sollen dunkle, kosmische, melancholische Atmosphären entstehen... Die "Dark-Ambient-Radio" Zusammenstellung führt das sehr schön vor, unsere persönlichen Highlights kommen von: SVARTSINN & ALLSEITS (die "andere Seite" von ALL SIDES), NAGUAL ART, PHELIOS...
"At eleven the track-count stops and another marvelous sampler will have played on your stereo. With the title Dark-Ambient-Radio, Vol. 1, there is not much to guess about the content of this album.
The collected artists on this sampler are in between completely new and world-famous (within the genre that is). The absolute most well-known on here is Ah Cama-Sotz, but also Svartsinn and Phelios have earned their place in the dark ambient genre already.
For Evoke Scurvee, Nihil Communication, Mytrip, and Nagual Art this is the first occurence on a CD. All others on this album have had releases before, so depending on how much you like dark ambient, you might have stumbled upon tracks or releases already.
So the balance of "something old, something new" slightly tilts towards the "new" and that is always good. Getting to know new names and finding the well hidden pearl in the oyster gives you the feeling there is still stuff to explore in an at times slow developing genre.
But does this album contain dark ambient? Well, yes and no. Partially there is definitly some references toward the definition, but at times there is also a lot of experimentation with fieldrecordings, samples, drones, and emotion. A purist would call file those tracks under drones or experimental. But let's just f*ck purism this time. :-)
A must-have for explorers and those dark of mind ..." [Bauke van der Wal / Gothtronic]
& live-stream at: www.darkambientradio.de
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2008 |
€13.00 |
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Landscape I / The Forest |
CD-R |
CENTRE OF WOOD ist das neue Label von COLD CURRENT PRODUCTION mit dem Fokus auf "Folk" in verschiedensten Varianten, diese Compilation gibt einen Label-Überblick mit 15 Stücken von Geräuschmusik & Akustik-Drone bis free form / Impro & Neo Folk, mit schönen Stücken von TIM COSTER, NEBELUNG, THROUROOF, PRAGUE, ES, WE WAIT FOR THE SNOW, und vielen uns unbekannten Acts.. Nummerierte Auflage & handgemachtes Cover, kunstvoll verschlossen mit einem Stück Ast!
"[Forestes, the most important influence for "Centre of Wood" label, of every kind and in every part of the world, are a magic place where to get lost and then find our deep relation with the nature. 14 bands from the acoustic, drone, lo-fi and free folk underground called to rappresent through music their relation with these places. The Result is this CD-R that contains more than 60 minutes of weird music. The projects and the bands involved are : Tim Coster; Donato Epiro; Nebelung; Vapaa; Chora; Aalto; throuRoof; Eyes like Saucers; The Katie Winter; Belly Boat; Prague; Es; Las Vegas Club; We Wait for the Snow. Listening to this compilation is like getting lost in a immense green forest, walking through its trees, meet the eyes of its creatures...]
PACKAGING : The packaging is composed of a brown and green heavy cardboard, closed with a small branch and a brown cotton thread, with an insert in perfect d.i.y. old style. limited to 120 numbered copies." [label info]
www.coldcurrentprod.com
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2007 |
€10.00 |
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DIY CANONS |
do-CD |
Compilation mit Stücken die sich alle auf die Kompositionsideen von LARRY POLANSKY beziehen, kuratiert von SIMON WICKHAM-SMITH. Einiges witziges und verstörendes (z.B. das Schrei-Stück von RUVIARO), einiges belangloses (MIKE SWNICHLSKI), einiges erstklassig (MIKE WINTER), einiges eher nervtötend (WICKHAM-SMITH), schöne sirr-drones (STEVEN M MILLER), handgespielt schönes (GEORGE ZELENZ), etc. etc., ein Riesenspektrum von Interpretationen von meist unbekannteren US-Komponisten gibt es hier zu entdecken....
"Okay. Really cool, kind of fun, double cd compilation based on a work of Larry Polansky's. Pieces are constructed from the sounds of cats, screams, MIDI instruments, computer, Barbie Phone, samples, wooden flutes, piano, bass clarinet, Ringtones, Metro Cards, contrabass, and more. I have some of my favorites - which keep changing each time I listen to the discs. Perhaps you will too. Read on too get a "real" description from the curator of this project. [label info]
"The pieces on this CD are all based on the ideas in Larry Polansky's four voice canons, a series of pieces he began in 1975. These canons are usually "mensuration canons," which means that the tempi of successive voices is proportional to their start times, so that the voices end together. They also use simple ideas of moving through a list of permutations, and applying the elements of those permutations to various musical parameters. A set of Polansky's canons was produced on Cold Blue Records as four voice canons (CB0011).
Polansky described these ideas in Four Voice Canon #13 ("DIY Canon"), a kind of open-source meta-canon score. He distributed this at talks and on the web as an open invitation to others who wanted to make four voice canons of their own. Composers responded with a wide variety of variations on the basic idea; a selection of these works is presented here." [Simon Wickham-Smith, curator]
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2005 |
€16.00 |
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v-p v-f is v-n |
7 |
Höchst obskure 7"-Compilation mit 20 (!) Stücken, wobei 5 Endlosrillen eingearbeitet wurden, überwiegend sind Projekte aus der "Microsound-Drone-Ambience" Szene vertreten, z.B. LAWRENCE ENGLISH, CIVYUI KKLIU, ILYA MONOSOV, ALFREDO COSTA MONTEIRO.. die Bandbreite ist aber sehr gross und machen dies zu einer spannenden Hörerfahrung. Kommt im sehr schönen "letter-press" Cover, wie alles auf WINDS MEASURE RECORDINGS... (Label aus New York City).
"v-p v-f is v-n 7" compilation series, 7001
jeph jerman + albert casais, ting ting jahe, richard garet, alfredo costa monteiro, ben owen, lawrence english, jeph jerman, civyiu kkliu, tommy birchett, ilya monosov, mpld, andy graydon, and ben scott. edition: 350 7" black vinyl record letterpress sleeve and insert." [label info]
" "v-p v-f is v-n is a 7” black vinyl compilation consisting of twenty terse pieces (with five being lock grooves) - nine on side I rotating at 33RPM and eleven on the side II spinning at 45RPM - and serves as aural digest of the was, is, and will be of Winds Measure Recordings collaborators.
This wonderful 7”-teaser is a little sonic who’s-who (and who will be) of Winds Measure Recordings collaborators. There are a lot names (most familiar to me, a few not) present on this compilation - label owner Ben Owen, Jeph Jerman, Albert Casais (Omnid), Ting Ting Jahe (collective), Richard Garet, Lawrence English, Civyiu Kkliu, Tommy Birchett, Ilya Monosov, Andy Graydon, Alfredo Costa Monteiro, mpld (project of Gill Arno), Ben Scott (participant in Ting Ting Jahe),Tommy Birchett (also participant in Ting Ting Jahe), and Rudolf Unger.
As I was listening to v-p v-f is v-n for the second time, I had the volume turned up fairly high having discovered that several of the tracks especially on the 33RPM side are moderately subtle and/or sprarse explorations of sound (although dotted with a few startling moments). The other members of my family, not really appreciating my peculiar musical interests in general, kept asking (actually yelling) “What’s that noise?”. Well there is a lot of noise on this album, but to my ears, the noises that these artists make is music.
There are some considerably abstract, challenging sounds here in the sense of being quiet, fragmented, and rough. Listening to the first three pieces on side I - Jeph Jerman & Albert Casais, Ting Ting Jahe, & Richard Garet - will confirm this observation. Be forewarned to drop the volume before the piercing frequencies of Alfredo Costa Monterio’s Élytre [track 4] kicks in and quickly disrupts the quiet atmosphere established by its predecessors. In sharp contrast, Ben Owen brings back a sense of calm down with Typhoon, kii-tanabe consisting of what appears to be a minimally processed field recording containing some vocals and natural background ambiance, and then Lawrence English complements this with a droning piece of naturalness titled Water Run Sand. mpld follows this up with another drone segment titled Red Tape but this time sounding coarser and very machine-like. Side I concludes with two lock grooves (Jeph Jerman, Ben Owen).
Side II begins with Civyiu Kkliu and Rudolf Unger joining forces to produce a minute’s worth of vibrating, rumbling noise that becomes a little broken towards the end. Jeph Jerman then delivers a beautiful 50-second piece of macrobiotic resonations that goes hand-in-hand with Ben Owens’ sparse and reverberating 16-second miniature s-s-e, sm ca. Listen carefully or Tommy Birchett’s barely audible 11-second interlude will be absorbed by Ben Owens’ piece or made imperceptible by Andy Graydon’s gorgeous Two Fold Note - a dark and harmonious tonal drone. Ben Scott’s ccc is an interesting 25-second experiment in percussive clatter that is followed directly by Ilya Monosov’s For Well Treated Trumpet. Short Version - a rather warped and amusing piece of discordant abstractness. Side II concludes with three lock grooves (Civyiu Kkliu, mpld x 2) and short-lived 7-second reprise by Tommy Birchett.
v-p v-f is v-n gives a candid retrospective of what Winds Measure Recording has offered and also provides a peek at what the near future might hold. Nice to see it released on vinyl as this medium serves the label’s sonic aesthetic well." [Larry Johnson, EARLabs]
www.windsmeasurerecordings.net
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2008 |
€9.00 |
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SACRAL SYMPHONY |
CD |
"Steht der Name EVGENY VORONOVSKI auf einem Produkt, kann sich dahinter eigentlich nur Qualität verbergen; das hat der Russe in den vergangenen Jahren oft genug bewiesen. Zum einen ist er Bestandteil von NEUTRAL, der momentan zum Duo geschrumpften, akustischen Neofolk-Vorzeigeband aus Russland. Dort geht er seinem gelernten Handwerk nach und spielt – als studierter Geiger – die Violine. Zum anderen ist er der Kopf hinter CISFINITUM, einem Projekt, das außerordentlich atmosphärischen Dark Ambient produziert. Gerade mit der elektronischen Musik war VORONOVSKI auf zahllosen Samplern vertreten: "Iznutri" (Besprechung), "Energia" (Besprechung) oder der "Heilige Feuer"-Serie. Nun hat er den Spieß umgedreht und Material von anderen Bands eingesammelt, ist mit CISFINITUM allerdings auch selbst vertreten. Die insgesamt fünf Projekte aus Russland, Deutschland, Großbritannien und der Ukraine steuern jeweils rund 15 Minuten lange, exklusive Stücke bei, die auf meditativen Drones basieren. Zusammen gehalten werden sie von der losen, titelgebenden Vorgabe 'sakral'. Ein Versuch also, etwas Heiliges, Religiöses einzufangen, eine 'höhere Sphäre', was allen Beteiligten auf ihre Art und Weise gelingt.
Die Herangehensweise von 1000SCHOEN, einem Ein-Mann-Ambientprojekt aus Bremen, ist die – und das ist nicht negativ gemeint – naivste von allen. Nichts klingt 'dark', die puren Ambientflächen warten mit Windspiel und Sitar auf. Wuchtige Geigendrones im Mittelteil und später auch eine E-Gitarre verleihen die nötige Intensität. "Dageraad" ist warme, freundliche Entspannungsmusik, deren urige, natürliche Stimmung manchmal an den Balkanfolk von SVARROGH erinnert, an einen Guru auf dem Hügel, der einsam sein Instrument bearbeitet.
TROUM, ebenfalls aus Bremen, sind sehr viel düsterer. Das Projekt um STEFAN KNAPPE von DRONE RECORDS arbeitet mit dicht aneinander gedrängten Drones, die klingen, als ob Wind durch unterschiedliche Metallröhren weht. Wie durch eine Nebelwand tauchen dazu an- und abschwellende, geloopte Chor-Versatzstücke auf. Ab der Mitte des Songs erwecken die verfremdeten Vocals den Anschein einer rituellen Beschwörung. Die Synthesizerflächen von TROUM decken die ganze Bandbreite nach der Einnahme von halluzinogenen Drogen ab: Mal ist es ein Gleiten durch Licht, mal stiert ein Alp durch dunkle Wolken. Streckenweise klingt "Palas Tyn" wie ein frühes, sehr abgedrehtes Instrumental von PINK FLOYD.
EVGENY VORONOVSKI beweist vor allem dadurch Klasse, dass er mit CISFINITUM nur wenig Material braucht, um große Welten zu erschaffen. In "Autumn Ritual" mäandern ausladende, träge und warme Synthesizer-Drones durch das All, eine – wie es so schön heißt – 'Reise durch Raum und Zeit'. Sollte die Menschheit einmal schockgefrostet werden müssen, um im Tiefschlaf auf einen anderen Planeten zu fliegen, ist diese elektronische Kammermusik in Superzeitlupe perfekt für den Kopfhörer im Kryogentank.
ROBIN STOREY alias RAPOON steuert mit "One Last Breath" den experimentellsten Track der Zusammenstellung bei. Der Mitbegründer von ZOVIET FRANCE arbeitet hauptsächlich mit Stimmeffekten. Dazu hat er sich sowohl beim KIEV CHAMBER CHOIR bedient und dessen Gesänge bearbeitet als auch die eigene Stimme aufgenommen und verfremdet. Alles zusammen ergibt Himmelschor-Drones, die allerdings verzischt und verzerrt sind. Die Tür in eine andere Welt steht zwar offen, ist aber unerreichbar. Im letzten Drittel des längsten Songs dieses Samplers (19:43) gehen die Gesangsloops in ebenfalls scheppernde Posaunenklänge über, die nach und nach immer klarer werden, so dass ganz zum Schluss ein winziges Stückchen Engel erhascht werden kann.
Den Schlusspunkt setzt der Ukrainer OLEGH KOLYADA, der unter vielen Namen aktiv ist. (Ein NONPOP-Interview mit ihm gibt es hier.) Als FIRST HUMAN FERRO zeigt er in der Regel ein etwas härteres, post-industrielles Gesicht, das sich nun aber der sakralen Gesamtstimmung anpasst: Wir dürfen bei der Entstehung eines Universums zuhören. Leuchtende, helle Wolken aus Synthie-Tönen ploppen wie zukünftige Planeten in eine noch nicht vorhandene Atmosphäre. Später untermalt ein Sample mit wunderbarer, irdischer Klaviermusik das Szenario. Dieses Vermischen zweier unterschiedlicher (Atmo)Sphären hat viel vom 'geistigen' Sound des Zwillingsprojekts ODA RELICTA.
Es gilt, was schon eingangs erwähnt wurde: Der Macher bürgt für Qualität. Das ist in diesem Fall nicht anders und umfasst selbstverständlich alle beteiligten Projekte, nicht nur CISFINITUM. Allerdings muss sich der Hörer über die meditative Anlage des Samplers im Klaren sein, damit es keine Überraschungen gibt. Bis auf einige TROUM-Passagen ist die Musik wesentlich mehr Ambient als 'Dark', die Drones sind beruhigend und viele von ihnen nicht von dieser Welt, das heißt typisch 'spacig'. Spaß macht ganz nebenbei auch die Interpretationsfreiheit, die "Sacral Symphony" bietet. Hinter den sphärischen Tracks können sich Weltraumabenteuer, religiöse Erfahrungen oder einfach – wie EVGENY VORONOVSKI das vorschlägt – 'russischer Spirit' verbergen. Guter Sound für die restfeierliche Stimmung der Nach-Weihnachtszeit." [Michael We. für nonpop.de]
"You don't have to be a religious fanatic to hear the quality in this latest effort from Belgium label EE Tapes. The album titled "Sacral symphony" presents five grandiose pieces of drone-based electronics from five well-known and acclaimed composers of drifting ambience. The compilation is compiled by Russian composer Eugeny Voronovski who also contributes under his artist alias Cisfinitum. German composer 1000Schøen opens the symphonic extravaganza with a hypnotic piece titled "Dageraad" that includes acoustic sounds of guitars and flutes to create lush piece of ambience. Next artist is also German. Troum
contributes with the piece titled "Palas tyn" consisting of church bell-sounding drone accompanied by warm drones moving in deeper sound levels. Eugeny Voronovski alias Cisfinitum contributes with the beautiful piece "Autumn ritual" based on ochestral ambience reminding me of works from Angelo Badalamenti. Things get even more grandiose with the otherworldly piece from Rapoon, "One last breath", a dark and beautiful piece of processed choir samples. Final piece comes from the artist titled First Human Ferro, a remarkable piece of spacey ambient based on church organ samples with echoed acoustic sound like in a church. An excellent piece to end this otherworldy ambient compilation from EE Tapes." [NM / Vital Weekly]
label website: www.eetapes.be
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2008 |
€13.00 |
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The Recommended Records Sampler 1982 - 25th Anniversary Edition |
do-CD |
".. Chris Cutler hat es sich wenige Jahre zuvor mit Gleichgesinnten zur Aufgabe gemacht ein Label zu eröffnen für musikalische Weitsicht. Inhalt, Rock, wohl nicht wirklich, für New Wave war alles viel zu wenig stylisch. Musikalisch hatte der Zuhörer eher den Eindruck, eine Symbiose aus Genanntem mit improvisierten Soft Machine zu hören. Das Label hatte es in den zurückliegenden Tagen wirklich geschafft, einen eigenen erkennbaren Sound mit dem dementsprechenden Coverartwork zu kreieren. Die Veröffentlichung dieses Samplers hatte damals natürlich die Aufgabe der klassischen Labelschau, heute wirkt es wie ein wunderbares musikalisches Fotoalbum. Man trifft auf alte Bekannte wie Henry Cow, Robert Wyatt und den Homosexuals oder gar Conventum. Schön ist es, aus dem Booklet zu erfahren, dass Joseph Racaille immer noch musikalisch umtriebig ist. Natürlich mit dabei die martialische Kunst von Faust. Wer das gemeinsame Tassengeschepper aus einem damaligen Cafe mit dem dazugehörigen Soundtrack kennt, gegenüber dem hektischen Wegwerfen eines Coffee-To-Go Bechers, der sollte hier dem Kauf zum Wiederentdecken auf jeden Fall nachkommen. Neue Hörer und Interessierte sowieso." [Morton, Unruhr.de]
"A keystone reissue of an historic collection featuring: Faust (D), Art Bears (UK), ZNR (F), Robert Wyatt (UK), The Residents (USA), Henry Cow (UK), This Heat (UK), Art Zoyd (F), Univers Zero (B), Stormy Six (I), Aqsak Maboul (B), Picchio Dal Pozzo (I), Decibel (MX), Goebbels and Harth (D), The Homosexuals (UK), The Work (UK), Amos and Sarah (UK), Ron Pate/Raudelunas (USA), Conventum (CAN), Hector Zazou, Joseph Racaille and Patrick Portella (F). Total Time: 2 hours. Recommended Records was set up in the late 1970s by Chris Cutler and Nick Hobbs - both then busy with Henry Cow - on the back of the worst possible business model imaginable: to collect and distribute music which, in Cutler’s judgement, was original, important or excellent - and otherwise generally unknown. No major labels, just releases by independents or artists themselves, with particular emphasis on ignored European releases. It was an interesting moment: punk and the new wave had unsettled the old certainties, major labels were floundering and a new generation was setting up its own channels of information and distribution. Out of this stimulating chaos, all sorts of innovations and alternative propositions emerged, especially outside the UK/US axis, which by then had become complacent and arrogant - because they had ‘invented’ rock and what else was there to know? Thus Recommended quickly became the principle source of information about a diverse new underground of innovative music that wasn’t jazz, rock, new wave, or anything quite. By 1982, Recommended was in its fourth year. The catalogue had expanded and the label was firmly established. A sampler seemed an obvious and necessary next step. Compiling extracts from existing releases would have been boring, so we asked the most interesting groups in our catalogue to record something new. The result was two hours of music released as a double LP in a hand silk-screened sleeve that was, as it turned out, a time capsule - a tidy slice taken across a fascinating forking of musical paths that captured a moment of growth that foresaw a variety of possible futures. 26 years on it has become a highly prized collectors item, not only because of the breadth and quality of the music it contains, but also because of its early geographical reach. A lot has changed in little more than a generation." [label info]
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2008 |
€17.50 |
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Pangaea Noise |
CD |
Nachfolger der erfolgreichen "Beyond Ignorance and Borders" Compilation. Wieder gibt es weitgehend völlig unbekannte experimentelle Elektronik & Noise aus den entlegendsten Ecken unseres Planeten (jedenfalls wenn man von der "westlichen" Perspektive ausgeht.. wie auch die CHINESE-Anthology auf SUB ROSA zeigt PANGAEA NOISE, dass sich nicht-akademische "Underground-Tonkunst" immer weiter ausbreitet !!
"A follow-up to Beyond ignorance and borders including noise artists from Puerto Rico (Cornucopia), Indonesia (Aneka Digital Safari), Singapore (Mindfuckingboy), China (Osci-Vibra-Tor, Li Jianhong), Algeria (Nihil Humanum), Slovenia (Aluviana), Iran (Nyctalllz), Luxembourg (Switchonoff), Tunisia (Heart Burnt To Ashes), Switzerland (Dave Phillips), South Korea/Japan (10), Equador (Industria Masoquista), Canada (Szkieve), France/Belgium (Planet Aldol & C-drík), Belgium (Črno klank), Malta (Grosz Ear), Latvia (Error), Everywhere/Nowhere (Zbigniew Karkowski), Bulgaria (Gokkun). Limited to 500 copies." [label info]
www.syrphe.com
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2008 |
€13.00 |
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An Anthology of Chinese Experimental Music (1992-2008) |
4 x CD |
Diese Compilation hat definitiv hat das Zeug zum Klassiker, handelt es sich doch um den allerersten umfassenden Überblick über die wachsende chinesische & asiatische Experimental & Elektronik & Noise-Szene, die hier in ihrer ganzen Vielfalt präsentiert wird. Ein guter Teil dieses Mammutswerks (48 Stücke!) bewegt sich im experimentellen Drone & Ambient-Bereich, aber es gibt auch einige Extrem-Noise Beiträge, Rhythmisches, hyper-abstraktes, Musique Concrete, Microsound. vier CDs mit für uns fast nur unbekannten Acts, eine wahre akustische Entdeckungsfahrt!! Anspieltips: DAJUIN YAO, STRINGRAYS, WANG FAN, LOGA, von denen mal hoffentlich wieder hören wird ! Mega-Digipack mit 2 Booklets, inklusive Text von Z. KARKOWSKI & YAN JUN "An Overview of Experimental and Non-Academic Music in China". SONDERPREIS!!
"Bis zur letzten Minute interessant bleibt dieser viereinhalb-Stunden-Rundumschlag durch experimentelle Musik aus China, zusammengestellt vom Aktivisten Dickson Dee, der dieses Feld seit zwanzig Jahren von Hongkong aus bestellt. Anders als der Titel suggerieren mag, konzentrieren sich die vier CDs dieser Box auf eine ganz junge Szene, die experimentellen Rock der 90er hinter sich gelassen hat und stattdessen (meist elektronisch) auf abstrakterer Stufe mit Klang experimentiert, für uns grob umrissen durch Noise, Ambient, Soundscape, in China selbst unter Sound Art zusammengefasst. Knapp die Hälfte der Stücke sind von 2007, ein weiteres Viertel von 2006; der Rest bleibt für eher punktuell scheinende Pionierarbeiten. Neben einem Booklet mit kurzen Texten zur Selbstvorstellung fast aller Künstler gibt es ein weiteres mit einem sehr erhellenden Text vor allem zur Genese experimenteller Musik in der VR China von Zbigniew Karkowski und Yan Jun, die drei Fünftel der Beiträge ausmachen (dazu kommen je ein Fünftel aus Hongkong und Taipei, plus ein Beitrag je aus Singapur und Malaysia). Dieser Text zeichnet die Linie nach von Kulturrevolution über Recycling und Piraterie westlicher Medien und klärt etwa über die besondere Ausgangslage der traditionslosen, wertungsfrei offenen Rezeptionssituation auf. Wie gesagt, das ist spannend, dennoch bemerkt man beim Durchhören eine gewisse Schieflage der Bandbreite, von der nicht klar wird, wie subjektiv sie geprägt ist. So einige Arbeiten konzentrieren sich auf Feedback und Distortion, von hier und heute aus besehen die schwächsten Glieder (Torturing Nurse verschwenden leider ihre Viertelstunde); besser gefallen mir die Sound- und Dronescapes, die oft Fieldrecordings verwenden und nicht unbedingt bahnbrechender, aber konzentrierter und eindrücklicher sind, und grade auch (aber nicht nur) von den Pionieren kommen: Dickson Dee selbst, Wang Fan, Dajuin Yao. Bemerkenswert aber auch Hong Qiles krasser, modemartiger Schreddernoise aus Fuzhou wie auch mein Favorit Loga, einer der ganz wenigen, die mit Rhythmus arbeiten, der sich bei ihm ganz unmerklich aus einer Klanglangschaft entwickelt. Dazwischen verstecken sich immer wieder isolierte Preziosen – Stimmauslotungen (Alice Hui-Sheng Chang), verträumte Popelektronika, die auch auf Noble stattfinden könnte (Nara), ein Beatstück mit Matmos-Funk (Sun Dawei), 50er-Jahre-WDR-Elektronik (Circadian), manch uneinsortierbares und offenbar folgenlos gebliebenes aus den 90ern, und man fragt sich ein wenig: gibt es da so wenig dazwischen? Beatexperimente? Oder Plunderphonics, im weitesten Sinne, wenn doch die Kultur auf Trash und Piraterie gewachsen ist? Aber das ist einfach Potential für die nächsten vier CDs, die genauso willkommen wären, wie diese hier, die natürlich ein Standardwerk ist." [multipara / de:bug]
"FOR THE VERY FIRST TIME, AN EXCEPTIONAL AND
VERY COMPLETE PANORAMA (MORE THAN 5 HOURS / 4 CDs)
SINCE ORIGINS (1992) OF ALL EXPERIMENTAL AND ELECTRONIC MUSIC IN CHINA, HONG KONG, TAIWAN, SINGAPORE AND MALAYSIA.
4 CD SET DIGIPACK
+ 2 x 16 PAGE BOOKLETS
AN ANTHOLOGY OF CHINESE ELECTRONIC MUSIC (1992-2008) from Mainland China (Beijing, Shanghai, Chengdu, Guilin, Hangzhou, Shenzhen, Guangzhou, Fuzhou, Shanxi, Harbin) Hong Kong - Taiwan - Singapore - Malaysia.
This anthology features 48 artists from within the Chinese area of influence. It is designed
as a journey through what is currently happening underground, under extremely diverse forms.
It also looks at the recent past and the key role of pioneers like Wang Fan, Dajuin Yao,
and also Hong Kong-based Li Chin Sung aka Dickson Dee who, for almost two decades, has been spreading the word about Experimental music in Mainland China. This album was curated by Dickson Dee on Guy Marc Hinant's invitation. It includes an enlightening presentation on the
short yet intense advent and history of the Chinese noise explosion,co-written by Zbigniew
Karkowski and Yan Jun.
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The Sound of the Underground: An Overview of Experimental and Non-Academic Music in China
The Chinese Cultural Revolution (1966-76) in one way or another eradicated most of the
existing culture in China. At the same time as intellectuals were sent to rural labor camps,
countless ancient buildings, antiques, books, paintings and various artifacts were just
destroyed. This period created an enormous intellectual, cultural and artistic vacuum in
China - destruction that in a sense, time is still healing.
So tradition of music culture and especially non-academic, purely experimental music,
started from 'point blank' scratch sometime in the 80ies. With the market economy introduced in that decade and further media developments in the 90ies, there was a kind of an explosion in youth culture that had been held back for decades. Movements and music scenes that previously never reached China - like for instance psychedelic music, punk or neo-dada started to appear and expanded at astonishing pace.
The birth of these alternative rock and punk music scenes that later developed into even
more experimental trends is a direct result of global capitalism and profound change in China's position within the World Order. It however did not develop the same way as it
usually does in the West - with one eye looking forward and the other one always glancing
at history. It started with 'dakou' and with piracy.
tracklisting
4 x CD
CD1
01. Li Chin Sung aka Dickson Dee (Hong Kong) / Somewhere (1994) / 10'33
02. Zenlu (Shenzhen) / Zen (2007) / 9'19
03. Bai Tian (Chengdu) / Wet (2007) / 4'05
04. Cheewei (Singapore) / Evening has arrived (2006) / 8'02
05. Lim Giang (Taipei) / "???" (2006) / 8'41
06. Ang Song Ming aka Circadian (Singapore) / Book radio mixer (2007) / 3'02
07. Chung-Han Yao (Taipei) / Untitled (2005) / 5'02
08. Goh Lee Kwang (Malaysia) / Frong spraying (2007) / 3'42
09. Wu Quan (Beijing) / Weather forest (2006) / 5'04
10. Me:Mo (Beijing) / pro.a (2007) / 4'30
11. Wang Jong-Kuen (Taipei) / Leaving (2006) / 5'40
12. Dajuin Yao (Zuoying) / Psycho Realm (2006) / 5'29
CD2
01. Sun Dawei (Beijing) / Crawing state (2007) / 4'14
02. Nara (Beijing) / Dream a little dream (2007) / 6'54
03. WFDD / Wang Fan + Dickson Dee (Beijing/Hong Kong) / Sin (2007) / 8'36
04. Stingrays (Singapore) / 061020 (2006) / 5'18
05. Dennis Wong aka Wong Chung-Fai (Hong Kong) / para_dot (2006) / 5'12
06. Fathmount aka Wilson Lee (Hong Kong) / A yoke of oxen (2007) / 4'56
07. PNF (Hong Kong) / Chi (1994) / 3'11
08. Li Wen Tai aka Vince Li (Hong Kong) / Eat (2007) / 4'57
09. Shenggy (Beijing) / Junggy 's decay (2007) / 3'05
10. Ronez aka Zhou Pei (Guilin) / Kikusui Back (2006) / 4'57
11. Zhou Ri Sheng (Shanxi) / Noise God (2006) / 7'22
12. Fish (Taipei) / Rusty Crane Keelong (2007) / 4'46
CD3
01.Torturing Nurse (Shanghai) / Fugitive (2006) / 14'46
02. Wang Fan (Beijing) / Zero (2006) / 6'28
03. Wuwei + Ulrich Morits (Shanghai/Berlin) / Toy Ships (2003) / 2'48
04. Xper. Xr. & The Orphic Orchestra (Hong Kong) Hickory Dickory Dock (1992) / 1'01
05. Hong Qile (Fuzhou) / j gmc (2007) / 8'00
06. Ying Fan (Taipei) / L2255 mix (2007) / 3'58
07. Dead J aka Shao Yanpeng (Beijing) / untitled (2007) / 3'49
08. Z.S.L.O (Taipei) / 422189 (1997) / 3'09
09. Jedung Kying / Edging + Junky (Guangzhou/Shanghai) Dabao (2007) / 3'01
10. Tats Lau (Hong Kong) / Face The Antagonish (1992) / 2'53
11. Li Jianhong (Hangzhou) / Sod (2007) / 5'32
12. Dino (Taipei) / untitled (2005) / 6'45
CD4
01. Wang Changcun (Harbin) Through the tide of faces (2007) / 4'59
02. D!O!D!O!D! / Li Jianhong + Huangjin (Hangzhou) A dark knife (2006) / 5'36
03. Yan Jun (Beijing) / Its more than enough (2006) / 5'35
04. Loga (Fuzhou) / 620 (2007) / 9'22
05. Pei aka Liu Pei-Wen (Taipei) / Bird lady (2007) / 7'43
06. Eric Lin aka Lin Chi-Wei (Taipei) / untitled (2007) / 3'10
07. Alice Hui-Sheng Chang (Taiwan) There she is, standing and walking on her own (2007) / 3'59
08. Ching Shen Ching (Taiwan) / V-zone (1997) / Fuji Wang + Anes: electronics / 7'25
09. Dancing Stone (Hong Kong) / Two (1995) / Nelson Hui: flute + Ling Lee: voice / 2'13
10. Illuminated 6.6.6. (Hong Kong) / Enjoy the silence (1992) / 6'06
11. Juno aka Timmy Lok (Hong Kong) / Possiblilities (1995) / 3'18
12. Simon Ho (Hong Kong) / 5 (2005) / 6'53 "
[full label info]
www.subrosa.net
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2009 |
€25.00 |
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Ya Ji |
CD |
Das dürfte die erste in China veröffentlichte CD sein, die wir anbieten. Eine Compilation mit Collaboration-parts von BAI TIAN (auch auf der SUB ROSA Anthologie enthalten), SHIZI (auch aus China), sowie ANDERS PETERSON (aka OBJEKT4 und RELAPXYCH) und die legendären LOOP ORCHESTRA! Glitchig ambientes, drones, plunderphonics.. inkl. inlay mit liner notes über alle Stücke auf englisch und chinesisch!
"Ya Ji (Elegant Meeting):
A truly International sound project between China, Sweden and Australia. Proving that experimental music is very much acultural. The artists involved are Bai Tian from and currently lives in Chengdu (Sichuan province) and Shizi from Lanzhou (now lives in Beijing) in China, Anders Peterson from Stockholm and The Loop Orchestra from Sydney. The Artists have remixed each other’s work and these remixes are joined together to make up the 16 minute collaborative first track. Sound files were exchanged through the Internet. So it is a real cross-cultural/international sound project and in that respect it is unique. The other tracks on the CD are pieces by each of the artists.
The CD is released on the Chinese label KwanYin Records which is under the Sub Jam (www.subjam.org) collective from Beijing . All of the Artwork, CD production and final mastering was done in China.
The music ranges from the sound journey of the first collaborative track , Ya Ji, through to the beautiful final slowly unfolding piece by Shizi . The 16 minute collaboration is in four separate chapters. The first is a collaboration between Bai Tian and Anders Peterson. The second is a remix by The Loop Orchestra of the collaboration. The Loop Orchestra remix is then remixed by Shizi. The piece is really like a sound journey from minimal beats which become buried by dronal loops and finally slowly collapsing into the abyss.
The second track , In , by Bai Tian is a bright crisp digital electronic piece which references the heyday of European digital electronica of the late 90s.
Track three, insomniactivity is by relapxych.0 (Anders Peterson from Stockholm, Sweden). It is a marriage of instrumentation and electronica.
The next piece (track four), Vibraloops, by The Loop Orchestra is a colourful and humourous tape-loop rendition of a 1940s/50s vibraphone orchestra. Full of kitsch and colour it is beautifully percussive and opposite to the previous piece is very much low technology or as they like to say a category called No Tech. Purely tape loops played on reel-to-reel tape machines.
Track five, Background Shadows is a radio studio remix of the CD Her Face Amongst the Shadows by Objekt4 (the previous sound project of Anders Peterson). The remix is by John Blades and Richard Fielding who co-present the experimental radio program Background Noise on 2 mbs FM in Sydney. For this they used the radio studio as an instrument. Listen at www.anonradio.net .
The final track, track six is by Shizi and is a layered drone piece which is like being consumed by a thick fog. A very appropriate closing to the elegant meeting.
The whole CD can really be described as a sound journey with a beginning, a middle and an end.
THE ARTISTS:
Anders Peterson (relapxych.0)
After working for many years with sound design, film music, sound recording, mastering / remastering, acoustic design and also as a musician (guitars / bass) I eventually found the most rewarding personal experience from the sounds of nature (water, wind, fire, earth), with its endless variation and amazing organic qualities, constantly evolving, and by capturing (recording) ambience from certain places I finally obtained sounds that had massive potential to be truly *original* and *unique* to myself. The next step was to combine these recordings with musical instruments and “approaches”, combining harmonics and “body” from musical instruments with the organic flow and constantly varying rhythms of for example dripping water, gusts of wind or cracking ice, through digitally coded cross-synthesis, hybrid sounds carefully sculptured by hand. Creating musical ambience instead of ambient music.
www.ghostsounds.net
Bai Tian (aka Bai+ian) is a emerging sound artist, flute player and organizer of independent music based in Chengdu, China. He plays in a wide range of styles such as ambient, cut’n'paste and electronic music etc. He has performed with Chinese and international artists such as Huan Qing, Zafka, Zbignew Karkowski and Li Chin Sung. He has participated in exhibitions such as 156M Contemporary Art Exhibition (Chengdu), Getitlouder (Chengdu) and China Power Station (London).
www.myspace.com/baiii
Shizi was born in Lanzhou, China in 1984. He is a drummer, and improvised music player. As member of “Noise Association of Lanzhou” he started his underground music career in the late 1990’s. He has worked with more than 10 bands/projects with different styles. Once he moved to Beijing for university in 2003, he started to work in the palm of electronic/experimental and improv music. Now he is studying sound design at Beijing Film Academy.
www.myspace.com/shiziofnoise
The Loop Orchestra was formed in 1982 by Richard Fielding and John Blades. It is a collective of reel-to-reel tape machines which are approximately 30 to 35 years old. The reel-to-reel tape machines play lengths of quarter inch tape joined into loops of varying size onto which sound is recorded from various sources. This methodology is historically significant in the history of electronic music from the 1950s. The loops are mixed together to create a layered and slowly evolving soundscape. They have had CD and record releases in Australia and Europe since their first release (the LP record Suspense) in 1991. There are currently five members: John Blades, Richard Fielding, Manny Gasparinatos, Hamish Mackenzie and Juke Wyatt. The Members for this recording were John Blades, Richard Fielding, Manny Gasparinatos and Patrick Gibson. For information and a full list of performances and releases visit. www.thelooprchestra.com."
[press release]
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2008 |
€12.00 |
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Le Mystere des Templiers |
CD |
"Musik aus der Zeit der Ritter Christi.
Diese abwechslungsreiche Zusammenstellung von Stücken aus dem 11.-13. Jahrhundert wird interpretiert von den Ensembles Organum (mit Marcel Pérès), Discantus (m. Brigitte Lesne), Gilles Binchois (Dominique Vellard) sowie Alla Francesca. Zum Teil können die Werke einzelnen Komponisten wie Hildegard von Bingen (1098-1179), Gauthier de Coincy (1177-1236), Leonin (1150-1210) und Alfonso el Sabio (1221-1284) zugeordnet werden, zum Teil stammen sie aus Sammlungen (Codex Las Huelgas, Ecole de Notre Dame, Hymnaire de Pairis). Von Gregorianik über ausgefeilte Polyphonie, wie sie in der Kathedrale Notre-Dame de Paris florierte, bis hin zu Hildegard-Mystik und Instrumentalstücken werden sehr unterschiedliche
Stilrichtungen mittelalterlicher Musik abgedeckt - ein umfassender Einstieg in eine lang zurückliegende Epoche, aus der uns vor allem Vokalkompositionen überliefert sind." [label info]
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2009 |
€13.00 |
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Twisted Cabaret Vol. 1 |
CD |
"Ein internationaler, avantgardistischer Haufen tanzt mit einer gesunden Portion kabarettistischer Lebensmüdigkeit im Dreivierteltakt in den Tod. Oder zumindest in den Vollsuff. Bei 18 Songs kein einziger Totalausfall, dazu sind viele Stücke selten oder sogar exklusiv. Kaufen! www.youtube.com/useser/volvoxmusic
TRACKLISTING: 01. THE TIGER LILLIES - START A FIRE 02. BABY DEE - THE EARLIE KING 03. EVELYN EVELYN - HAVE YOU SEEN MY SISTER EVELYN 04. THE REAL TUESDAY WELD - THE SWEETEST SONGS 05. THE DRESDEN DOLLS - BANK OF BOSTON BEAUTY QUEEN 06. BUDAM - DA DA DA DIE 07. LE MAXI MONSTER MUSIC SHOW - J'AURAIS AIM 08. THE RESIDENTS - THE DYING OILMAN 09. KOKUSYOKU SUMIRE - GEKKO RENKA 10. KATZENJAMMER KABARETT - SAYLOR SANDHAM'S SISTER 11. VERMILLION LIES - BONNIE & CLYDE 12. LITTLE ANNIE - SIT ON DOWN 13. DE KIFT - KNOECK 14. THE LEGENDARY PINK DOTS - MAN OR MOUSE 15. ARANOS - NEW GUITAR 16. MARCELLA PUPPINI AND THE FORGET ME NOTS - WHAT HAVE YOU DONE TO YOUR FACE? 17. EL TIGER COMICS GROUP & JOEL HUBAUT - VAPAMOU RIRE 18. LITTLE WHITE RABBITS STILL BLEED - BALLOON ANIMAL SUICIDE (BIG BLUE RIBBONS)" [label info / Cargo ]
"Seit Charlotte Rampling in Cavanis Sadiconazista-Film Der Nachtportier diesen Song von Friedrich Hollaender im KZ um ihr Leben sang, klingt bei mir Cabaret beklemmend pervers wie Macabaret. Darüber schiebt sich das Großstadt-Triptychon von Dix und der Conferencier im Kit Kat Club plärrt grinsend seine Zoten. Hinter dem Rücken deutscher Abgrundsvergessenheit hat sich aber anderswo etwas entwickelt, Dark Cabaret getauft oder "Brechtian punk cabaret", das den Spirit von vor 1933 mit anderen Mitteln, mit Postpunk-, Gothik- oder bloßer Nostalgie-Attitüde wieder aufgreift. Versammelt auf Twisted Cabaret Vol. 1 (Volvox Music, VOL0902/0903, CD + DVD) sind die stilprägenden The Tiger Lillies aus London als Brandstifter mit groteskem Zündstoff, The Dresden Dolls aus Boston und das französische Katzenjammer Kabarett mit den ‚erwachsenen‘ Altstimmen von Amanda Palmer bzw. Mary Komplikated. Little Annie bietet einen ihrer Songs from the Coal Mine Canary und eine verboten glaubwürdige Version von Aznavours ‚Yesterday When I Was Young‘. Irritationsveteranen wie The Residents und unverwüstlichen Tänzern über Abgründen wie The Legendary Pink Dots mit dem herzensbrecherischen Edward Ka-Spel als ‚Man or Mouse‘ (unter lauter Schafen) stehen Baby Dee zur Seite, hinter deren rauer Schale eine Seele steckt, die in Kilogramm gewogen werden kann, und Aranos als Stehgeiger mit einer heißen Kartoffel im Mund. The Real Tuesday Weld steuern im 3/4-Takt fingerdick Patina bei, die großartigen Marcella Puppini and The Forget Me Nots lassen Männer Männchen machen. Dazu krähen die kessen Mädels von Kokusyoku Sumire Tango Balkanese oder, halb Geisha, halb Rokoko, Enkaschlager, dass die Perücke stäubt. Vermillion Lies spielen kriminellen Rock‘n‘Roll aus Oakland, als männliches Gegenstück kurbeln die Muncie Bros. aus Indianapolis aka Little White Rabbit Still Bleed Red ihre Klappsmühle, während Evelyn Evelyn sich schwuder & bresterlich eine Gitarre teilen. Mit The Maxi Monster Music und dem Schellackgesang ihrer üppigen Bearded Lady zu Singender Säge und Zweifingerklavier und der theatralischen eL TiGeR CoMiCs GRouP mit ihrem heiseren Chansonier Joel Hubaut treten weitere Franzosen auf, De Kift verblüffen mit holländischem Rap zu Blasmusik und Slide Guitar, der toteslüsterne Budam von den Färöer Inseln stimmt einen morbiden Humptatawalzer an. Fehlen bloß die World/Inferno Friendship Society und Daniel Kahn & The Painted Bird. Einige der Lieder sind exklusiv, einige rar, nicht wenige glamourös oder fatal, aber alle stellen sie seltsame Sachen mit Herz oder Hirn (soweit vorhanden) an. Von den Blauen Engeln und Seeräuber Jennies ganz zu schweigen. Die besten unter diesen Galgenliedersängern und Pfeffermühlenfatalisten können jederzeit die bad alchemystischsten Zeilen, die ich kenne, unterschreiben: Wenn ich mir was wünschen dürfte, möcht ich etwas glücklich sein, denn wenn ich gar zu glücklich wäre, hätte ich Heimweh nach dem Traurigsein. Was singt Amanda Palmer da auf der DVD? I want all the details of the pain and misery, und Ka-Spel, für den sie sich ans Klavier setzt, würzt nach mit Asche und 15 toten Fliegen. Aber die DVD ist eh schon wegen The Tiger Lillies Freakshow unbezahlbar." [Rigo Dittmann / Bad Alchemy]
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2010 |
€14.50 |
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Smm: OPIATE |
LP |
"Vinyl limitiert auf 800 Stück im dicken Sleeve mit bedruckter Innenhülle. 'SMM: Opiate' ist der zweite Teil in der SMM Serie von Ghostly International, die eine Erforschung der weitreichenden Möglichkeiten des Sounds zwischen klassischem Minimalismus, Electronica und Drone, Soundtracks und zerbrechlichen Vorstellungswelten zum Ziel haben.
'SMM:Opiate' ist der Nachfolger zu 'SMM: Context' von 2011 und genau wie damals gesellt sich auch hier eine sorgfältig ausgewählte Selektion von Musik, die über zwei Jahre und die ganze Welt hinweg zusammengestellt wurde.
Als Ganzes ist die Erfahrung sicherlich ähnlich derer des Opiats aus dem Titel, doch tatsächlich ist dies eine Zusammenstellung, die den Hörer dazu einlädt, seinen eigenen Sinn zu finden oder einfach nur der Schönheit der Musik zu huldigen und der Welt für eine Weile zu entkommen.
'SMM: Opiate' versammelt Originaltracks von SIMON SCOTT, A WINGED VICTORY FOR THE SULLEN, CELER, BLACK SWAN, JIM HAYNES, EN, PJUSK, FIELDHEAD und NOVELLER. //
SMM: Opiate is the second release in Ghostly's SMM series, which is an ongoing exploration of the evocative possibilities of sound, with a focus on classical minimalism, electronic and drone composition, film soundtracks, and fragile imaginary landscapes. Opiate is the follow-up to 2011's SMM: Context, and as with that record, it's a carefully chosen selection of music, compiled over some two years from around the world.
The record opens with Simon Scott's "Water Shadow," a luxuriant piece of beatless ambience that's like a wash of warm water or the first touch of the summer sun on your face after a long, cold winter. It's a warmth that doesn't last, though — "Ti Prego Memory Man," by A Winged Victory for the Sullen, is no less beautiful. It's a stately, alpine beauty, its chilly sounds a harbinger of things to come. Celer's "Nothing So Mystical" is more minimal still, while Black Swan's "Passing Heartbreak" brings whispers of humanity, its sound coalescing out of an atmospheric whirl of vocal textures.
The wryly titled "This Is Radio Sweden," by Jim Haynes, is all brooding background noise that's shot through with what sounds like an old-fashioned telephone engaged tone, a track that seems shot through with connotations of absence and loss. EN's "White" is both somber and somehow transportive, setting plucked chords from what sounds like a banjo over a glistening synth figure, while Pjusk's "Dorsk" slows to a sort of stasis, with only the faintest of basslines to indicate any sign of life. Fieldhead's "37th" is like a slow, mindful from such a reverie, and Noveller's "Bright Cloud Blooms" brings the cycle to a close with another brief flush of precious warmth.
As a whole, the compilation seems to follow a narrative arc, descending through a series of stages into near-complete stillness, and then slowly ascending back to where it began. As a whole, the experience is certainly evocative of the opiated sensation evoked by the record's title — but really, it's a compilation that invites you to find your own meaning in it, or simply to appreciate the beauty of its music and escape the world for a while." [label info]
www.ghostly.com
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2013 |
€17.00 |
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Phra Rahu |
do-CD |
"A long time coming, we have worked zealously to present this offering to the dark entity known as Rahu. A vast demigod with a strong worldly influence, Rahu's might is perhaps best illustrated in his devouring of the sun, causing the Earth to sit in his dark shadow. We have assembled this dark mantra from material both new and old, creating a deep tribute featuring several of the profile artists of gterma. Massive double album in a jewel case with 16-page booklet." [label info]
gterma.blogspot.de
"Body in Sweden and soul soaring over the Himalayas, the gterma label is a lotus of ambient electronica, blossoming regularly ever since 2011, each album released in a format that does the otherwise tired old jewel case format proud – there´s always a booklet swollen with the breathtaking (mostly landscape) photography of its “tertön“, mr_rehn. As individual as the particular peaky-ness of every mountain peak, each is its own gateway into the mandala of a personal but shareable universe.
Phra Rahu is a sprawling, double disc overview of the label´s feel. There are some stunning exceptions to the usual expectations, perhaps in light (or rather, “in shadow”?) of its dedication to a dark deity and the legendary tale woven about its most devious act. The twelve pieces are almost all previously unreleased, except a trio from other labels; another three were specially created for this anthology.
Rahu is a demigod from Hindu mythology, whose might is such that he once devoured the sun. Each disc is a chapter dedicated to his story, the first entitled “Eclipse Event,” opening the volume with the suitably mood-setting gothic sweep and distant banshee howls of “Premonitions”, the first of two contributions by Last Industrial Estate bookending “The Black Hand Reaches Out” by Parikrama & The Newschubert, in which light bristles and flares against the darkness. That “hand” is otherwise the only human touch to this opus; Phra Rahu is a cosmic event, witnessed only by the windowless monads drifting in space. Space is said to abhor a vacuum, yet especially as we drift toward the close of the first chapter, this music creates an absolutely luscious one.
Due to the monolithic time signature (a full eighty minutes per disc) it becomes increasingly difficult to distinguish where one artist leaves off and the next is ushered in, so one can only take an educated guess when “The Devouring of the Sun” by LiST has drawn to a close and “Tormented Lands” by Seetyca & Etheocles Stevens commences. The rise of a dharma trumpet would seem to signal the beginning of “The Intervention of Lord Vishnu Part I & II” and ceremonial drumming seems to be telegraphing its approaching end, before the breathy, twinkling ambience of Mathias Grassow, credited with the last section, “Mohini the Enchantress”, becomes distinguishable against blackened heavens. Ultimately, attribution is irrelevant and what´s more, a credit to the seamless arrangement of the compiler.
The second chapter, “Rahu Mantras” rolls out like one long, numinous but multivalent drone joining five pieces contributed in turn by A.P. (Anders Peterson, who also masters most gterma productions and appears earlier in the guise of Last Industrial Estate), eco-ambient veteran Mathias Grassow and Jiří Mazánek, Grassow solo, Earth Vibration and New Zealand´s David Parsons. Long airy and beatless, it shimmers like a mirage and pit-a-pats on tiptoe in the middle, after which it opens slowly and magnificently, like the maw of Rahu gaping, sun reemerging, pushed by tablas and solar winds.
Phra Rahu is an awesome, perfectly paced astral journey, anything but meditation music, an instar struggling toward surface and light.
gterma´s discography is an utter pantheon of thoughtfully executed, Subcontinental-inflected ambient, divulged lucidly in word and sound here. A personal favourite is the superior and mystic dub ambient of Urenga (Andras Kiss, who contributes to Phra Rahu as Indo), whose only physical releases among a shoal of digital albums have appeared with the gterma imprint. Mu (The Lost Continent) is pure Shangri-La, while After Rain is humid and kir-coloured." [Cyclic Defrost]
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2014 |
€19.50 |
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SEITO: In the Beginning, Woman Was the Sun. |
CD |
"Seitō, das übersetzt Blaustrumpf oder blauer Strumpf bedeutet, war eine literarische Zeitschrift, die von 1911 bis zu ihrem Verbot 1916 in Tokyo herausgegeben wurde und sich zum Ziel setzte, der japanischen Frau eine Stimme zu geben bzw. diese aus ihrer aufgezwungenen Marginalität zu befreien. Wie der Titel der Publikation schon nahelegt, war der Ansatz stark von der europäischen Frauenbewegung inspiriert, doch wenn die als leitende Herausgeberin fungierende Feministin Hiratsuka Raichō in einem zentralen Text auf den Shinto-Schöpfungsmythos verwies und schrieb “When Japan was born, woman was the sun, the true human being”, knüpfte sie auch an eigene Traditionen an und implizierte, dass die Frau in der japanischen Kultur nicht von Beginn an eine marginale Stellung innehatte. Die Ungleichbehandlung galt so als Verfallserscheinung.
Auch wenn man sich mit experimenteller japanischer Musik befasst, unter der das fettestgedruckte Schlagwort sicher nach wie vor Noise ist, könnte man den Eindruck bekommen, dass es sich dabei weitgehend um Männerdomänen handelt – eine Klischeevorstellung letztlich, denn sobald man sich unter der üblichen medialen Wahrnehmungsgrenze umschaut, wird man auch in den abseitigeren Klangkünsten einige interessante Musikerinnen finden. Vermutlich war es auch diese Unterrepräsentiertheit, die die Kuratoren der vorliegenden Compilation dazu bewegte, einen Querschnitt interessanter japanischer Experimentalmusikerinnen zu präsentieren. Titel und Untertitel erinnern an den vor hundert Jahren stattgefundenen Diskurs, und auch die Musik reicht auf Referenzebene bis in diese Zeit zurück.
Noise in brachialer Form, wie man ihn hierzulande gerne mit Japan assoziiert, findet sich kaum in der kleinen Anthologie, vielleicht um den Fokus mehr auf subtile Herangehensweisen zu legen. Als Stilmittel innerhalb einzelner Stücke spielt Lärm aber eine nicht zu unterschätzende Rolle. Vielschichtiges Rauschen und Prasseln sowie hohe Sinustöne überdecken irgendwann den an einen Countertenor erinnernden Gesang Fuji Yukis, und auch wenn sich die verschiedenen Soundschichten immer neu verschieben, stellt sich irgendwann eine monumentale Wirkung ein. Auch bei Kiki Hitomi droht der schleppende Takt und der unheimliche, an ein zombifiziertes Weihnachtslied erinnernde Gesang unter einer Schuttlawine begraben zu werden. Eher verspielt wirken dagegen die Radiosamples und Effekte der in Düsseldorf lebenden Miki Yui.
Einige Beiträge beinhalten Referenzen auf ältere Musik klassischer oder populärer Art, was selbst durchaus Tradition hat, wenn man bedenkt, dass Künstler wie die Group Ongaku schon in den 60ern im Zeichen des Fluxus traditionell japanische Klänge mit Geräuschen des Alltags kombinierten. Mikado Kiko etwa samplet eine Aufnahme des bekannten Songs „Fukagawa Bushi“ aus den 20ern, bei der die Sängerin und Geisha Fumikichi Fujimoto (1897-1976) in anrührender Art und mit Saitenspiel begleitet eine Kriegsgeschichte in einen Song packt. Exotik, die man in die alte Aufnahme projizieren könnte, wird in Mikado Kikos Palimpsest jedoch nicht durch lärmende Verfremdung, sondern durch groovige Dubstep-Rhythmen durchbrochen. Kakushin Nishihara kontrastiert monotones Saitengeschmetter mit drängenden Vocals und einem Fundament aus rauem Noiserock, wohingegen Kuunaki – ein Trio, zu dem die Noise-Musikerin Yuko Araki zählt – mit Rasseln, Pauken und einem kraftvoll-melodischen Gesangspart zum Kampf trommeln. Martialisch geht es auch in Keiko Higuchis Version des traditionellen Songs „Okesa Bushi“ zu, dass übersetzt „Nähende Kriegerinnen“ heißt. Schleppende Klavierakkorde und eindringlicher Gesang steigern sich zu einem furiosen Crescendo, dass all die Kämpfe, von denen diese Musik kündet, noch einmal Revue passieren lässt.
Thematisch knüpft der Sampler ganz gut an die Anthologie „Art of the Muses“ (Syrphe Records 2012) an, die z.T. ähnlich geartete Musikerinnen aus ganz Ostasien vorstellte. Mehr noch im Fokus auf die Geschichte weiblicher Kreativität eines bestimmten Landes liegt die Besonderheit von „Seitō“ aber in der forschen, kämpferischen Ausrichtung der ansonsten recht unterschiedlichen Musik, die dann auch ganz gut zu dem passt, was man sich hierzulande unter einem Blaustrumpf vorstellt. Der einzige Wermutstropfen ist die Kürze der Veröffentlichung, denn zu dem Thema hätte sich bestimmt noch mehr finden lassen." (U.S./African Paper)
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2019 |
€13.00 |
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SEITO: In the Beginning, Woman was the Sun |
LP |
"Seitō {青鞜} gathers Japanese female artists from various electronic and experimental music fields. Like the « Tokyo Flashback » series issued by P.S.F. in the early 1990s, this collection recorded between 2017 and 2019 exposes the richness of the contemporary Japanese underground music scene. The title refers to a cult feminist magazine printed in Japan in the 1910s. All tracks issued for the first time."
https://akuphone.bandcamp.com/album/seit-in-the-beginning-woman-was-the-sun
"Seitō, das übersetzt Blaustrumpf oder blauer Strumpf bedeutet, war eine literarische Zeitschrift, die von 1911 bis zu ihrem Verbot 1916 in Tokyo herausgegeben wurde und sich zum Ziel setzte, der japanischen Frau eine Stimme zu geben bzw. diese aus ihrer aufgezwungenen Marginalität zu befreien. Wie der Titel der Publikation schon nahelegt, war der Ansatz stark von der europäischen Frauenbewegung inspiriert, doch wenn die als leitende Herausgeberin fungierende Feministin Hiratsuka Raichō in einem zentralen Text auf den Shinto-Schöpfungsmythos verwies und schrieb “When Japan was born, woman was the sun, the true human being”, knüpfte sie auch an eigene Traditionen an und implizierte, dass die Frau in der japanischen Kultur nicht von Beginn an eine marginale Stellung innehatte. Die Ungleichbehandlung galt so als Verfallserscheinung.
Auch wenn man sich mit experimenteller japanischer Musik befasst, unter der das fettestgedruckte Schlagwort sicher nach wie vor Noise ist, könnte man den Eindruck bekommen, dass es sich dabei weitgehend um Männerdomänen handelt – eine Klischeevorstellung letztlich, denn sobald man sich unter der üblichen medialen Wahrnehmungsgrenze umschaut, wird man auch in den abseitigeren Klangkünsten einige interessante Musikerinnen finden. Vermutlich war es auch diese Unterrepräsentiertheit, die die Kuratoren der vorliegenden Compilation dazu bewegte, einen Querschnitt interessanter japanischer Experimentalmusikerinnen zu präsentieren. Titel und Untertitel erinnern an den vor hundert Jahren stattgefundenen Diskurs, und auch die Musik reicht auf Referenzebene bis in diese Zeit zurück.
Noise in brachialer Form, wie man ihn hierzulande gerne mit Japan assoziiert, findet sich kaum in der kleinen Anthologie, vielleicht um den Fokus mehr auf subtile Herangehensweisen zu legen. Als Stilmittel innerhalb einzelner Stücke spielt Lärm aber eine nicht zu unterschätzende Rolle. Vielschichtiges Rauschen und Prasseln sowie hohe Sinustöne überdecken irgendwann den an einen Countertenor erinnernden Gesang Fuji Yukis, und auch wenn sich die verschiedenen Soundschichten immer neu verschieben, stellt sich irgendwann eine monumentale Wirkung ein. Auch bei Kiki Hitomi droht der schleppende Takt und der unheimliche, an ein zombifiziertes Weihnachtslied erinnernde Gesang unter einer Schuttlawine begraben zu werden. Eher verspielt wirken dagegen die Radiosamples und Effekte der in Düsseldorf lebenden Miki Yui.
Einige Beiträge beinhalten Referenzen auf ältere Musik klassischer oder populärer Art, was selbst durchaus Tradition hat, wenn man bedenkt, dass Künstler wie die Group Ongaku schon in den 60ern im Zeichen des Fluxus traditionell japanische Klänge mit Geräuschen des Alltags kombinierten. Mikado Kiko etwa samplet eine Aufnahme des bekannten Songs „Fukagawa Bushi“ aus den 20ern, bei der die Sängerin und Geisha Fumikichi Fujimoto (1897-1976) in anrührender Art und mit Saitenspiel begleitet eine Kriegsgeschichte in einen Song packt. Exotik, die man in die alte Aufnahme projizieren könnte, wird in Mikado Kikos Palimpsest jedoch nicht durch lärmende Verfremdung, sondern durch groovige Dubstep-Rhythmen durchbrochen. Kakushin Nishihara kontrastiert monotones Saitengeschmetter mit drängenden Vocals und einem Fundament aus rauem Noiserock, wohingegen Kuunaki – ein Trio, zu dem die Noise-Musikerin Yuko Araki zählt – mit Rasseln, Pauken und einem kraftvoll-melodischen Gesangspart zum Kampf trommeln. Martialisch geht es auch in Keiko Higuchis Version des traditionellen Songs „Okesa Bushi“ zu, dass übersetzt „Nähende Kriegerinnen“ heißt. Schleppende Klavierakkorde und eindringlicher Gesang steigern sich zu einem furiosen Crescendo, dass all die Kämpfe, von denen diese Musik kündet, noch einmal Revue passieren lässt.
Thematisch knüpft der Sampler ganz gut an die Anthologie „Art of the Muses“ (Syrphe Records 2012) an, die z.T. ähnlich geartete Musikerinnen aus ganz Ostasien vorstellte. Mehr noch im Fokus auf die Geschichte weiblicher Kreativität eines bestimmten Landes liegt die Besonderheit von „Seitō“ aber in der forschen, kämpferischen Ausrichtung der ansonsten recht unterschiedlichen Musik, die dann auch ganz gut zu dem passt, was man sich hierzulande unter einem Blaustrumpf vorstellt. Der einzige Wermutstropfen ist die Kürze der Veröffentlichung, denn zu dem Thema hätte sich bestimmt noch mehr finden lassen. "(U.S./African Paper) |
2019 |
€21.50 |
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DRONE-MIND // MIND-DRONE Vol. 8: AUME, K. ISHIGAMI, HIROSHIMABEND, BALDRUIN |
LP |
Four "Drones" on one record! Volume EIGHT (MIND-08) is OUT NOW (11/2021) feat.:
KAZUYA ISHIGAMI ҉ AUME ҉
HIROSHIMABEND ҉ BALDRUIN
Drone on! We're finally back with a more 'pulsative' and post industrial-influenced issue, presenting the following artists: KAZUYA ISHIGAMI (*1972 / Osaka / Japan) is a prolific composer, engineer, sound designer and performer active for many years (also under the name DARUIN), with broadcasts of his works around the globe. His track 'Clean2020' works on the theme of 'memories" and is based on the idea to accept and acknowledge even the painful memories to reach a state of ease and to transform the subjective past...
AUME is the duo of SCOT JENERIK (23five Inc. / Mobilization Records) and ALEPH OMEGA (ex CHROME), from the US west coast, both also active in F-SPACE before, creating stunning audio-visual 'immersion dark ambience" with true archaic energy..
HIROSHIMABEND (aka 'puppy38') hails from Austin, Texas but has been based in Vienna for many years now, and has impressed with many long-form works in the field of electronic / esoteric emanations, mostly self-released via Opiumdenpluto. He is also active as a visual and mastering artist...- "Listening to the music of hiroshimabend has been likened to swimming in a milky lake of black ink."
BALDRUIN is a German project with a very electronic and musical edge. His pieces appear to be like excursions into a (bad) fairy-tale world.. - "well constructed cosmic ambient-scapes with a dark psychedelic / cinematic / surrealistic touch; when strange voices, subtle percussion and whistling noises enter the scenery.."
Let your MIND be surrounded by adventurous sonic landscapes - organic repetitions as coming from a ghostly otherworld, oriental field recordings, layers of pipe organ-like drones, mysterious electric ether-potentials etc..- "Vier feine Synapsenputzer machen einem mal wieder so manches klar.." [Bad Alchemy}
cover-art & mastering by puppy38 using two paintings by British artist PETE GREENING
https://www.saatchiart.com/Pete_G
Edition of 400 copies on VELVET PURPLE (solid purple and solid red mixed) coloured VINYL.
listen: soundcloud.com/drone-records order: www.dronerecords.de
basic concept:
DRONE-MIND // MIND-DRONE - Volume 8 LP
The series shows the various sides of today's experimental drone-music
This LP-series from Drone Records is dedicated to the Drones of the World, and the Drones of our Minds. A kind of continuation of the Drone 7"-series, with artwork based on paintings by British artist PETE GREENING.
Drone Music is seen as more than a mere 'music style', it expresses an approach to perceive and understand the world. DRONE-MIND and MIND-DRONE build a circle of diverse inter-relations. The Drone as a metaphor for everything that vibrates, that releases energy - from atoms and elementary particles to the hum of the earth and the universe. The Drone as an entity that connects everthing that exists within our own "mind-space", perception and self.
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"Würden Drone Records den Begriff, der von Beginn an so etwas wie ihr Motto werden sollte, enger fassen, dann wäre ihre Reihe “Drone-Mind // Mind-Drone” wahrscheinlich auf viel weniger Interesse gestoßen und vielleicht sogar eine kurzweilige Angelegenheit geblieben. Stattdessen setzte das Bremer Label von Beginn an auf eine Idee des Drone, die, wie es in einer früheren Besprechung bereits zitiert wurde, pars-pro-toto für verschiedene Arten der Vibration und der Freisetzung von Energie im buchstäblichen wie im übertragenen Sinne stand. Und so sind auch auf dem gerade erschienenen achten Teil der Reihe wieder vier Geheimtipps aus drei Kontinenten vertreten, die die Dröhnung als eine Art verbindendes Element gemeinsam haben, diese jedoch in ganz unterschiedlichem Maß und auf unterschiedliche Art mit anderen Aspekten verknüpfen.
Bereits in der Ankündigung hieß es, dass die neue LP pulsierender ausfallen und Einflüsse des Post-Industrial aufweisen sollte, und den Opener “Clean2020″ des aus Osaka stammenden Sound Designers Kazuya Ishigami kann man da bereits exemplarisch anführen. Der Track, der sich mit dem Thema (auch schmerzhafter) Erinnerugen und ihrer Akzeptanz befasst, entwift ein über zwölf Minuten langes, ansatzweise episodisches Narrativ, das mit Samples und zahlreichen Effekten ein veränderliches Stimmungsbild entwirft. Das an Zikaden (vielleicht nicht nur) erinnernde Zirpen zu Beginn zieht sich durch weite Teile des Stücks, lässt ein durchaus angenehmes Alltagskolorit entstehen, doch ein zwiespältiges Gemisch anderer Sounds – mechanisch anmutendes Klappern, beklemmende Hochtöner, Vögel, das Dudeln einer versteckten Melodie – kommt hinzu, und da die eizelnen Sequenzen in ihrer Dauer und Veränderlichkeit kaum vorhersehbar wirken, ist eine der zentralen Stimmungskomponenten Spannung.
Ein ähnlich veränderliches Soundpanorama entwirft das amerikanische Duo Aume – namentlich Scot Jenerik und Aleph Omega aus dem F-Space-Umfeld. Ihr Beitrag wirft die auditiven Antennen mit rauem Knarren in die Mitte eines Geschehens, dessen Richtung man in den Sprachsamples und dem industriellen Hantieren zunächst noch nicht ausmachen kann. Während es unablässig reibt und schabt und knackt und ein unterschwelliges Dröhnen immer mehr anschwillt und irgendwann den ganzen Raum ausfüllt, treiben die Stimmen einen merkwürdigen Schabernack, scheinen wie Schafe zu blöken, bis alles in Kriegsgeschrei mündet. Doch in der zweiten Hälfte bekommt der Track noch einmal eine überraschende Wendung und prescht mit monoton-rhythmischer Perkussion dem Horizont entgegen.
Insgesamt ist die zweite Seite um einiges “schöngeistiger”. “Puppy38″ des in Wien lebenden Amerikaners Hiroshimabend beginnt mit entrückten Orgelsounds, in die sich ein undefinierbares Summen mischt. Just wenn sich eine hypnotische Wirkung einstellt, setzt eine eindringliche Melodie ein und entführt den entsprechend angefixten auf einen Trip durch einen imaginären Raum voll mit plastischen, knisternden, vibrierenden Sounds und etwas, das wie menschlicher Atem klingt. Hier scheint jede Raumwahrnehmung (bzw. Projektion) so unsicher, das sich kaum sagen lässt, ob die so entrückt anmutenden Sounds nicht doch der Sog eines abgründigen Höllenschlundes sein könnte. Rituelles Pochen holt den Hörer zurück auf vertrauten Boden, wo ein beruhigender Abspann erfolgt.
Baldruin ist das Projekt des deutschen Künstlers Johannes Schebler, der auch musikalisch – sowohl solo als auch mit seiner Band Diamantener Oberhof – sehr umtriebig ist. Seine drei etwas kürzeren Track offenbaren eine Schlagseite in Richtung Psychedelic und World Music eine weitere Facette offenbaren. Fast wie eine perfekte Miniatur führt das mit mollastigen Bläsersounds (einer Duduk?) beginnende “Die Katakomben von Tesco Libra” mit entspannten Handdrums zu einem kleinen Höhepunkt hin, kein Ton ist hier zu viel. Elektronischer und von einer gefahrvollen Spannung durchzogen mutet “Verstecken” an. Die schöne Loungemelodie, die einen mit Lärm, basslastigem Knarren, fiesen Hochtönern und Stimmen gefüllten Raum in einen Traum aus Plastik verwandelt, reizt fast zu einem NWW-Vergleich. Das abschließende “Klima und Psyche” dagegen zeigt Baldruin hier von seiner folkigsten Seite und lässt die Sammlung mit tremolierenden Bläsern, Saitenpicking und klapperden Handdrums in wehmütiger Heiterkeit – falls es so etwas gibt – ausklingen.
Es scheint, als würde dem Phänomen Drone vielerorts eine große Ausschließlichkeit angedichtet: Musik ist entweder Drone oder nicht, und wenn, dann ist sie nur dies. Tatsächlich aber kann Drone sehr unterschiedliches bedeuten und in sehr unterschiedlicher Musik eine Rolle spielen – eine Rolle, die keineswegs an Bedeutung einbüßt, wenn sie ein Aspekt unter mehreren ist. Drone kann den Aufbau einer Musik gestalten, ihre Materialität prägen, eine Musik hypnotischer machen und ihr Rückgrad verleihen, und immer besteht eine starke Wechselbeziehung zwischen dem Dröhnen und dem suchenden, repziperenden und interpretierenden Geist. Dies unter der Formel “Drone-Mind // Mind-Drone” zu vereinen, ist auch beim achten Teil ein starkes Argument gegen alle, die behaupten, Drone hätte sich über die Jahre totgedröhnt." [U.S. / African Paper]
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2021 |
€16.00 |
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Gudelnaya Polyana - Solar Systo Togathering 2020 |
3 x CD set |
Here we have a three-hour long compilation of live recordings, made in September 2020 at Gudelnaya Polyana (Russian for “droning glade”) – the experimental stage of the Solar Systo Togathering festival. The concept of Gudelnaya Polyana is total drone, infinitely diverse, but united in its essence. Every year in any weather dozens of musicians gather in the woods of the Leningrad region to take part in this ritual action, keeping themselves warm with bonfires, hot pu-er tea and kilowatts of sound.
In 2020, we were lucky to record the performances of most artists, and many of them agreed to provide fragments of these recordings for a commemorative compilation. The unity and diversity of droning sound is fully represented here since the festival gathers musicians from different fields: ambient, drone, noise, electronic, academic, and even the ensemble of 12-year-old experimenters made their contribution.
The first disc gently immerses us in the forest thicket, swamps and electrified fogs; the second takes us further into the labyrinths of sound experiments and unlikely consonances; the third begins with the piercing clarity of dawn, which gives way to a calm daytime mood, followed by the coming of night – the deep darkness thickens, we’re riding electromagnetic waves and trying to look beyond human existence…
In order to recapture the atmosphere more precisely, the tracks of 28 artists are smoothly rendered in three hour-long mixes. The artists taking part in this compilation are: AIKO ONLINE feat. KIKIMOTA & ANTON SONDA-JUNGLOV, ANDREW SPRRW & NIKA, AU, DRONE LIBERATION FRONT, EGREGOROS, EVERGREEN DJ, JAGATH, JAM DAZAN, KONTAKT S INOPLANETYANAMI ETO MUZYKA, KRYPTOGEN RUNDFUNK, LUNAR ABYSS, MIRA DREVO, NOISES OF RUSSIA, PETER THEREMIN, PETROGRAD DRONE GATHERING, SACHA RUSH & INSPECTR, SIX DEAD BULGARIANS, SOILCULT, SONOZERO, SVETLO111, SYMPHOCAT, TILE~SHORE, TIM SIX, TREMORKIKIMOR, TRETIY MIR, TUHJADES MAADES, W I I, WALDGRENZE.
zhb.radionoise.ru/eng/zhb-lxxxv.html
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Перед вами – трёхчасовой сборник живых записей, сделанных в сентябре 2020 г. на "Гудельной Поляне" – экспериментальной сцене фестиваля "Solar Systo Togathering". Концепция "Гудельной Поляны" – тотальный гул, бесконечно разнообразный, но единый в своей сущности. Каждый год в любую погоду в лесах Ленинградской области собираются несколько десятков музыкантов, чтобы принять участие в этом ритуальном действии, согреваясь пламенем костра, горячим пуэром и киловаттами звука.
В 2020 году нам удалось записать выступления большей части артистов, многие из которых согласились предоставить фрагменты этих записей для памятного сборника. Единство и многообразие гудельного звучания представлено здесь в полной мере, ведь в фестивале принимают участие самые разные музыканты: эмбиентные, дроновые, шумовые, электронные, академические, и даже ансамбль 12-летних экспериментаторов внёс свою лепту в этот праздник.
На первом диске мы плавно погружаемся в лесную чащу, болота и электрифицированные туманы, на втором – уходим дальше в лабиринты звуковых экспериментов и маловероятных созвучий, на третьем пронзительная ясность рассвета сменяется ровным настроением дня, за которым наступает ночь – дремучая тьма сгущается, и оседлав электромагнитные волны, мы пытаемся заглянуть за пределы человеческого существования...
Для более точной передачи атмосферы треки 28-ми проектов сведены в три часовых микса и плавно перетекают друг в друга. В сборнике приняли участие: КОНТАКТ С ИНОПЛАНЕТЯНАМИ ЭТО МУЗЫКА, МИРА ДРЕВО, ПЁТР ТЕРМЕН, ПЕТРОГРАДСКОЕ ГУДЕЛЬНОЕ СОБРАНИЕ, ШЕСТЬ МЁРТВЫХ БОЛГАР, ШУМЫ РОССИИ, AIKO ONLINE feat. KIKIMOTA & ANTON SONDA-JUNGLOV, ANDREW SPRRW & NIKA, AU, DRONE LIBERATION FRONT, EGREGOROS, EVERGREEN DJ, JAGATH, JAM DAZAN, KRYPTOGEN RUNDFUNK, LUNAR ABYSS, SACHA RUSH & INSPECTR, SOILCULT, SONOZERO, SVETLO111, SYMPHOCAT, TILE~SHORE, TIM SIX, TREMORKIKIMOR, TRETIY MIR, TUHJADES MAADES, W I I, WALDGRENZE.
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credits
released May 31, 2021
ZHB-LXXXV
All tracks were recorded live on September 11-14, 2020 at the Gudelnaya Polyana stage of the Solar Systo Togathering open-air festival, which took place in the woods of the Karelian isthmus, Leningrad region, Russia.
Mastered by Alexander Chulkov.
Sound recording, editing, mixing and additional mastering by M.M.
Photography by Dmitry Maslyakov, Yuri Elik and Diana Gerasimova.
https://zhelezobeton.bandcamp.com/album/gudelnaya-polyana-solar-systo-togathering-2020
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2021 |
€20.00 |
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| VAINIO, MIKA / PAN SONIC |
Lydspor One & Two |
LP |
"2015 wurde das ,Moog Sound Lab UK" gegründet, ein offenes Studio von Moog Music, in dem neue elektronische Musik erschaffen wird und das zum Anlass des zehnten Todestag des Moog-Erfinders Dr.
Robert Moog eröffnet wurde. Das mobile Studio wurde Moog Inc. designt und dreht sich um eins der seltensten Instrumente, die 2014er Version des legendären System 55 aus den sechziger Jahren - die Stradivari der modularen Synthesizer. Neben dem System 55 tummeln sich im Sound Lab auch noch komplett austauschbare Racks mit den neuesten Moog Instrumenten und Prozessore mit Moog Keyboard Synths und einem Vintage Taurus Bass Synthesizer. Mika Vainio kehrte im April 2015 im Moog Sound Lab ein. Er nahm seine letzten bekannten Solo-Studioaufnahmen in der Form von zwei langen Stücken auf, die genau auf eine Schallplatte passen und die er ,Lydspor" - Dänisch für ,Soundtrack" - taufte. Vainio arbeitete fast nur mit dem System 55. Als er fertig war, sagte er: ,Ich könnte für den Rest meines Lebens mit dieser Maschine arbeiten und würde nichts anderes mehr brauchen." Ursprünglich war eine weitere Moog Session geplant, doch tragischerweise starb Mika Vainio bei einem Unfall im April 2017, kurz nachdem er das Vinylmaster freigegeben hatte. "
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2018 |
€20.00 |
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Lydspor One & Two |
CD |
2015 wurde das ,Moog Sound Lab UK" gegründet, ein offenes Studio von Moog Music, in dem neue elektronische Musik erschaffen wird und das zum Anlass des zehnten Todestag des Moog-Erfinders Dr. Robert Moog eröffnet wurde. Das mobile Studio wurde Moog Inc. designt und dreht sich um eins der seltensten Instrumente, die 2014er Version des legendären System 55 aus den sechziger Jahren - die Stradivari der modularen Synthesizer. Neben dem System 55 tummeln sich im Sound Lab auch noch komplett austauschbare Racks mit den neuesten Moog Instrumenten und Prozessore mit Moog Keyboard Synths und einem Vintage Taurus Bass Synthesizer. Mika Vainio kehrte im April 2015 im Moog Sound Lab ein. Er nahm seine letzten bekannten Solo-Studioaufnahmen in der Form von zwei langen Stücken auf, die genau auf eine Schallplatte passen und die er ,Lydspor" - Dänisch für ,Soundtrack" - taufte. Vainio arbeitete fast nur mit dem System 55. Als er fertig war, sagte er: ,Ich könnte für den Rest meines Lebens mit dieser Maschine arbeiten und würde nichts anderes mehr brauchen." Ursprünglich war eine weitere Moog Session geplant, doch tragischerweise starb Mika Vainio bei einem Unfall im April 2017, kurz nachdem er das Vinylmaster freigegeben hatte.
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2018 |
€14.00 |
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| VALEN, FARTEIN |
The Eternal |
CD |
FARTEIN VALEN (1887-1952) ist ein legendärer norwegischer Atonal-Composer, der symphonisch-dramatische, düster-unheilvolle Neue Musik komponierte – diese CD gibt einen beeindruckenden Überblick über sein Schaffen..kommt in einem wunderschönen Klappcover mit ausführlichem Booklet!
"A highly personal selection of works by one of Norways greatest composers, by many, ourselves included, considered a genius. Symphonic poems like 'Pastorale' and 'The Churchyard By The Sea' are among the most potent, strangely beautiful and extraordinary pieces of music to come from any composer of the 20th century. Included here are also 'Ode To Solitude', the violin concerto, the first symphony and two piano pieces. 'A major figure in 20th century music' Glenn Gould." [label notes]
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1999 |
€15.00 |
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| VANCE ORCHESTRA |
At Random again |
CD |
"...AT RANDOM AGAIN setzt loops und fieldrecordings ein und legt mehr Wert auf stimmige Atmosphären, erhalten bleibt aber auch die obskur-fremdartige Note, mit denen V.O. ihren Stücken einen ganz eigenen, bizarr-humorvollen Touch gibt..wie auch immer, V.O. haben ihren ureigenen Stil gefunden.
V.O. found their very own style with this CD, surreal loops and field recordings, with an obscure and alien touch, and very nice atmospheres.." [Drone Rec. info 2001]
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2001 |
€14.00 |
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| VIDNA OBMANA / ALIO DIE |
Echo Passage |
CD |
"Die beiden Ambient-Master aus Belgien und Italien in lang angekündigter Zusammenarbeit.. ECHO PASSAGE enthält ein 68 minütiges, soft dahinschwebendes Stück.. music for overcoming the time.. " [old Drone Rec. info]
"While running as a single 68.5-minute piece, Echo Passage is divided into three sections, Echoes of Light, A slip of darkness and The Passage; but there are no signposts to clearly delineate the pathways through these fantastic territories.Vidna Obmana and Alio Die have explored this realm and we're hereby invited to share its sonic bounty though each listener will have to discover their own aural trail. Flutey bursts, whispy shimmers, and the organic glistenings of trickling sands mark the entryway. It doesn't take long amongst these unusual textures to realize the previous world is now gone, and who needed it anyway...it's much more lovely here. A long, long stretch of rich multi-layered drones with no interruptions or percussive effects is eventually visited upon by sparse instances of faraway birdlike hoots and chatter as the sound waves become more subdued and darker. More organics emerge as a fizzy/bubbly current flows through these parts, and a powerful surging entity begins to periodically pulse in long,low tones. Everything returns to an airier, calmer state... for the time being at least. At the halfway point, those sonic molecules begin to shadow and thicken, becoming more ominous, like a mechanical wind, though still suffused with choir like threads of unearthly beauty. The turbulence grows; faint,unidentifiable ripples are heard through the chasmic howl. Cyclonic murk surrounds with distant vocal mutations and thin chimes occasionally lighting the way, leading into a realm of almost-silence. A thin drone blows in to be joined by mutedly brassy blares. Sporadic bird chirps add an Earthly touch to the otherwise unnatural atmospheres. A radiant haze begins to coalesce, swirling with gossamer strands, delicate yet powerful, gaining accompaniment from a two-tone counterpoint which temporarily fades away. Magical swells convolve around each other in strangely symphonic patterns, dancing like celestial auroras, wondrous to behold. All dissipates in the end, vanishing like the enchanting dreamworld it was... Echo Passage contains all the audio awe-inspiration you would expect from a musical meeting between Vidna Obmana and Alio Die. The extended length and expertly rendered atmospheres are perfectly suited for long, deep immersions into abstract time and place. Go there!" [from the Alio Die website]
www.projekt.com |
2006 |
€15.00 |
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| VIZ MICHAEL KREMIETZ |
SUIZEN |
CD |
"Nach 'Die Para Akasha Meditation', die neue Solo-CD von Viz Michael Kremietz. Zu hören sind auf der CD fünf sogenannte Honkyokus – traditionelle Urstücke des japanischen Zenbuddhismus – aufgenommen im EkoinTempel in Koyasan/Japan, sowie drei Eigenkompositionen, davon eine 23-minütige Klangcollage. Zur CD gehört ein aufklappbares Digipack und ein 16-seitiges Booklet. Es zeigt beeindruckende Wasserklangbilder vom Spiel der Shakuhachi, photographiert von Alexander Lauterwasser."
https://www.silenzio.com/Suizen-CD-Kremietz-Viz/de |
2012 |
€13.00 |
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| VOICE OF EYE |
Substantia Innominata |
10inch |
"geistermusik aus der wüste... oder der wind in den felsen... voice of eye's beitrag zur substantia innominata serie auf drone.
voice of eye haben schon ganz am anfang dieser anderen serie auf drone-records, der 7” reihe (genauer: im november 1994; dr-09), einen beitrag bringen können, der das ganz eigene drone-verständnis von diesem us-duo noch immer perfekt mitteilen kann. einer der gründe dafür mag sein, dass voice of eye (immer noch) zum teil selbstgebaute geräte nutzen, oft in form von streichinstrumenten, deren klang, zusammen mit flöten, stimmen und fieldrecordings quasi aus dem stand eine eigenartige stimmung evozieren kann. vor allem aber vermeiden sie dabei jede art von bombast oder auch nur das endlose übereinanderschichten von einzelnen spuren. die beiden haben, mit anderen worten, einfach ein sehr gutes gespühr für aufbau und spannung und eine sehr eigene vorstellung von klangästethik: einzelne töne sind in ihrem sound in einer form texturiert, die unmittelbar anspricht und voice of eye erreichen das, meiner meinung nach, neben der nutzung dieser wirklich ausgefallenen, exotischen instrumente, gerade nicht durch geheime effektgeräte, sondern vielmehr durch eine eher fast karge bearbeitung, durch ein rohlassen des klangs. daran hat sich seitdem (zum glück) nichts geändert, die “substantia innominata” 10” baut in allen drei stücken (“vira”, “dhyana”, “purusa”) auf dieses klangverständnis und webt (und das ist hier mal fast wörtlich zu nehmen) ein sehr zartes und transparentes gespinst mit einer, technisch gesehen, für eine 10” geradezu unglaublich langen spielzeit. musikalisch / atmosphärisch dann mit diesem zeit-ausschalt-faktor, den nur wirklich packender ambient schafft. daher: volle empfehlung (auch wenn die superlange spielzeit ihren vinyltribut fordert)." [N, Unruhr.de]
"This release marks the comeback of the legendary duo from New Mexico, USA, consisting of BONNIE McNAIRN and JIM WILSON! Over a decade ago (1992-1995) VOICE OF EYE released three albums with their unique style combining ethnic, ritualistic & folklore influences in an experimental and highly organic way to create a kind of "transcendental drone ambience", using only "real" instruments & self-built devices and an array of electronic effects. In November 1994 they released an EP entitled "Sprocket" on Drone Records (DR-09), which is still one of the absolute highlights in the Drone series.
After this first phase of musical creation VOICE OF EYE focused on building an incredible "Earthship" house in the deserts of New Mexico. In 2007 they returned doing shows in the States, Germany, France & Italy and releasing two limited CDRs. This 10" has 3 tracks with NEW material (entitled "VIRYA", "DHYANA" and "PURUSA") inspired by the wisdom of Buddhist / Advaitic meditation & philosophy, where the contemplation within music & sounds appears as a tool to reach a higher consciousness & awareness of reality.
This highly sublime & emotional "other-dimensional" ambience is based on lots of ethereal vocal material, flute-sounds and their typical self-built string-instruments, full of yearning and beauty - almost 39 minutes of material coming on clear vinyl with golden striae, with superb artwork by THOMAS DOHMEN.
This is the celebration of the "Unknown", seen as a state of mind where the Ego dissolves into a timeless universal consciousness." [label description]
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2008 |
€12.00 |
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| VOLCANO THE BEAR |
Classic Erasmus Fusion |
do-CD |
Was soll man zu dem britischen Quartett VOLCANO THE BEAR noch sagen? Wer auf der Suche nach überraschender & neuer, (noch) nicht klassifizierbarer Musik ist, die nicht am Computer entsteht, muss hier einfach mal reinhören!! Ihre Musik mit Einflüssen aus Folk, Drone, Avant-Rock & Impro-Jazz ist nicht nur oft irgendwie “weird” und verquer, sondern weist auch streckenweise grosse harmonische & elegante Schönheit auf... wie immer ist vokales Material omni-präsent!
“.... zeigt Antifolk flippernd zwischen Didgeridoo und Handy, Daumenklavier und elektrischer Störung, als Folklore des Absurden, die es fertig bringt, in raffinierter Unschuld zerebralen Goldstaub aufzuwirbeln..” [Bad Alchemy # 51]
„...Describing Volcano the Bear's music is about as difficult as identifying the instruments. The quartet's arsenal of gear is transcendant of time and space, culled from different cultures and different eras, from classically orchestral woodwinds (albeit sometimes just blowing through the mouthpiece) to African thumb piano, helicopter sounds, thunderstorm and rain and running water, medieval squeeze boxes, squeak toys, chirping or crying bird sounds, and Asian stringed things. While improvisation has been integral to the band's development, Volcano the Bear can always be counted on very cold-calculated and composed songs appearing on their official studio albums. Their arrangement is loose but never wanky or show-offey. Perhaps it's this lack of soloing and pretention that has kept them from appropriate recognition by some of the major experimental media in favor for a whole "free folk"/"weird rock"/"new weird America" obsession.“ [Brainwashed]
"VTB have crafted a strange geometry in their musique concrete between celestial duck honks and what sounds like a flood in the living room, there are more than a few occasions of heads cocked at the speaker in mundus caninus. Of course, this bodes well for humans, too. Augmented by all the dog friendly moments is a double album of sprawling musical invention. Record one births gently into a lo-fi-adelic Comus-like saline that even might even win over the Devendra crowd, if the Devendra crowd had ingested just a little too much mushroom tea on that day and left their ironic trucker hats at the door. Song becomes fever dream and then pitches into a barren place of low estate and low chanting whose Residents might well be Eskimos. With typical minimalist pageantry, VTB mutate from piece to piece, punctuating along the way with surprise sounds that the aforementioned dogs love so well; the kinds of quirks that make Nurse With Wound and P16.D4 records such fun listens. VTB spin some very melodious tales, which are subliminally hooky, after a fashion. Spiritual and surreal are sisters. Quiet ritualism queues with dadaistic and with progressive harmonies, together on the same fractured, out world, sing-along journey. And that's just record one. Record two crawls slowly from the echoey ooze, grows legs and then presents as a different and, in many ways, more dramatic creature. A long, shifting organ drone becomes a deeply psychedelic statement that bleats loud and strong like an acid bleached Spiral Insana or a sneaky This Heat.” [label info]
www.blrrecords.com
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2006 |
€14.00 |
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Amidst the Noise and Twigs |
CD |
"Die vier buchdeckelartigen Hochglanzseiten mit surrealen Bilderwelten des Nick Mott – Würfelkopfgestalt, gesichtslose Männchen fliegen durch die Luft, eines legt seine Stielaugen vor sich auf den Tisch – würden den Kauf von VOLCANO THE BEARs Admidst The Noise and Twigs (mt204a) fast schon alleine rechtfertigen. Umso besser, wenn dann die Musik auch noch überzeugt. Neben dem Artworker zeichnen für diese wieder Aaron Moore, Clarence Manuelo und Daniel Padden verantwortlich. Sie jagen den Hörer durch eine scheinbar zufällig chaotische Dadaund Patchwork-Welt, die bisweilen Dilettantismus höchst gekonnt suggeriert und mit allen musikalischen und technischen Tricks Illusionen aufbaut und zerstört. Hippiegeschrammel trifft auf orientalische Flöten und Gongs der Chinaoper. Dann paaren sich Flötengedudel, Geklapper und Geknarze ’Before We Came To This Religion’. Auf ’Larslovesnicks Farm’ steht ein altes verstimmtes Klavier, auf dem ein Langweiler vier Töne tonleiteraufwärts stetig wiederholt, dazu scheinen Türen zu knarzen und Wasser wird verspritzt. Ein Banjo beschränkt sich auf 2 Töne, die während des Anschlagens getunet
werden. ’Cassettes Of Berlin’ ist eine negativländlerische Collage aus Geräuschen, Stimmfetzen und Radioeinspielungen, abgehackt, weil am Frequenzeinstellrad weitergedreht wird. ’Splendid Goose’ ähnelt den langen Mothers-Stücken der zweiten Freak Out-Scheibe. Das Schlagzeug unterbreitet den treibenden Rhythmus, über dem sich monotone Frequenzteppiche ausbreiten, gestört und unterbrochen von Kracheinspielungen und begleitet von brummiger Stimmakrobatik oder Flötengequengel. ’She Vang Moon’ kreiert eine Atmosphäre tibetanischer Klöster mit Mönchsgesang, Harmonium, Gonggeschepper, verzerrt dann immer mehr durch unsaubere Frequenzen. Es geht auch gefühlvoll, wenn die Trompete zu einer Art Hymne ansetzt, aber dann wird gegrunzt, gejammert und durch den Kamm geblasen. Das letzte Stück, ’The Three Twins’, beginnt in getragenem Tempo mit 3 Tönen und der tiefgreifenden Aussage “Hi-a-o, Hijä-jah...“ (oder so ähnlich), geht über in dilettantisches Geklopfe, Kindergeschrei, Klaviergeklimper - das Schlagzeug wuselt im Hintergrund – und entwickelt sich tatsächlich noch zu einem Song, der am Ende vom Sax regelrecht ’zerquetscht’ wird." [Bad Alchemy]
"The first 1000 copies are packaged in a full color book bound case with an eight page booklet. Volcano The Bear "Amidst The Noise And Twigs" is the follow up to the critically acclaimed "Classic Erasmus Fusion" album. Who knew that amidst the noise and the twigs there was music…sweet, sweet music?! This world is Volcano the Bear’s womb. At last, the year that VTB gets a shot at Top Of The Pops, assuming the pops finally snaps out of its vapid trance and embraces the standards of Comus, 3 Hurel, early Residents and 12th century Arabo-Andalusian music. As usual, our heroes are found keeping things stripped to the bone trumpet, but dripping with a juicy, melodic marrow. The record pours slowly and resolutely like a folk-psych dream urn, loaded with full metal banjoes; crumhorns at 12 O’clock; and autoharps at defcon 5. The experimentalism is this time couched in shifting tides of self-spun acidic harvest ballads that noisily well up into proto-Kraut thrums and tribal night t rips around the pyre. A rural, squelchy, DIY delicacy which stinks of occidental embouchure so crystal crisp that every skkrrrr, pphaaapph and brrruuuummmm resonates like a small, sound-specific god, intertwined with beautifully skewed notes, voices and rhythms. "Amidst The Noise And Twigs" plays like a recently discovered field recording of some obscured Celtic clan who accidentally stumbled onto psychedelia 600 years ahead of its time. These pipers truly rock the gates of dawn." [label notes]
www.blrrecords.com
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2007 |
€13.00 |
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| VOLCANO THE BEAR / LA STPO |
The Shy Volcanic Society at the Beat and Bird Parade |
CD |
"A split CD containing five tracks from Volcano the Bear and four by STPO. The French group STPO is a long existing and very underestimated group with limited releases over the years. Their history of dadaist and experimental music started in 1984. Beta-lactam Ring released and re-released some of their older material. For this release they choose four tracks that were recorded in 2003 and were not included on earlier releases. These tracks again illustrate their very odd musical universe. I admire them for staying close to their unique musical vision and language. For Volcano the Bear things are opposite in at least one aspect. Namely, they released already a bulk of records in the past. Less bizarre then STPO Volcano the Bear refer in their experimental music to folkmusic. Their compositions stay somewhere in the middle between song-structure and soundcollage. Also they are one dimensional compared to the compositions of STPO that are structured along the inimitable logic of their musical fantasies. The same for their carefully worked out arrangements. The over the top and very expressive vocal work by Pascal Godjikian is the heart of most of the tracks on this CD. Can't get enough from them." [DM, Vital Weekly]
"CD issued early May 2009 as an edition of 500 copies in a full color gatefold sleeve. A split album with Volcano the Bear and La STPO. VTB tracks 1-5 and STPO tracks 6-9. Bears and Birds, oh my! One side keeps the hot hot. And the other keeps the weird weird. VTB’s typically atypical entomological set scratches like a hive that has evolved just to the point of thumping out tribal fealties to its giant insect God-Thing. Environmentally ritualized sub-rhythms mix musique-concrete with actual concrete, forming freakishly minimal foundations for the hive of whatevers to swarm within. Noise, once again, for heroes. All this, of course, juxtaposed against France’s hidden reverse: La STPO, who absolutely let it blurt. Their pounding system of post-post-punk-neo-Zeuhl cracks the mantle, with bass lines thicker than Sequoias. And louder than screaming Sequoias. La STPO vacillates between two extreme extremes: something approximating a kind of industrial strength nouveaux bâtiments s'effondrants (German buildings are not the only ones susceptible to collapse), and crushing riffs ala SunnO))). Pascal Godjikian’s fierce grunts and barks keep the hive on the other side believing he is their God-thing. He is someone’s God-thing, that’s for sure." [label info]
www.blrrecords.com
"Diese Split-CD vereint Stücke zweier experimenteller Bands, Volcano the Bear aus England und La Société des Timides à la Parade des Oiseaux aus Frankreich. Beide bieten, so viel vorweg, alles andere als leichte Kost.
Volcano the Bear zeigen sich bereits reichlich unkonventionell. Die bis auf einige textlose Lautäußerungen instrumentale Musik wälzt sich wie ein zeitlupenartiger Klangstrom aus den Boxen, ohne dabei eine rechte Form anzunehmen. Streich- und Blasinstrumente mäandern entlang, allerlei Schlagwerk rumpelt vor sich hin, dazu knurrt oder brummt ab und zu jemand, was letztlich wie ein weiteres Instrument klingt. Einige undefinierbare Geräusche vervollkommnen das Ganze. Da hört man gelegentlich schrilles Kreischen wie von einer Kreissäge, oder wurde da ein Instrument malträtiert? Wer weiß. Ein andermal spielt eine einsame Flöte (oder ähnliches) eine seltsam schiefe Melodie, nur von sporadischen Beckenschlägen begleitet, oder Blechbläser stimmen eine Art ländliche Weise an. Äußerst kurios.
So strukturlos diese Klänge sich über weite Strecken zunächst präsentieren, herrscht doch nicht völlige Planlosigkeit, es scheint doch irgendein System dahinterzustecken. Auf jeden Fall entwickelt diese Musik nach anfänglicher Skepsis eine starke Faszination.
LaSTPO agieren hier noch ein ganzes Stück avantgardistischer als auf ihren mir bisher bekannten Alben. Vor allem die Stimme von Sänger Pascal Godjikian schlägt hier noch wildere Kapriolen, es ist kaum möglich, dieses permanente Knurren, Bellen, Heulen, Brüllen, Würgen mit Worten adäquat zu beschreiben. Da glaubt man, der selige Demetrios Stratos von Area sei wieder auferstanden! Dazu liefern seine Mitstreiter Klänge, die mit dem üblichen Verständnis von Rockmusik, auch von progressiver, kaum noch etwas gemein haben. Das ist zu großen Teilen schon radikale Anti-Musik! Da knarzen Streicher in Zeitlupe, als würde ein alter Holzschrank quälend langsam über einen Dielenboden gezerrt, Bläser schnarren, Schlagwerk rasselt, bis unvermittelt eine gigantische Lärmeruption einsetzt, in der die einzelnen Instrumente nur noch durcheinander purzeln. Les Oreilles Internationales treibt es in dieser Hinsicht auf die Spitze, es wirkt wie ein einziges Konglomerat unterschiedlichster Arten von Lärm. Und immer wieder die brutalen Lautäußerungen, als deren Urheber man kein menschliches Wesen annehmen möchte.
Diese Lärmorgien sind wirklich so ziemlich das krasseste, das ich je gehört habe. In Worten lässt sich kaum beschreiben, was hier auf den Hörer einprasselt. Grandios! Mehr davon! Warum gibt es nur so wenige CDs von LaSTPO? Tipp für alle abenteuerlustige Hörer! Und wer die Gelegenheit hat, die Band live zu sehen: Hingehen! Es lohnt sich!" [Jochen Rindfrey / Babyblaue Seiten]
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2009 |
€14.00 |
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| VOLLMER, CARSTEN |
Arbeit Nr. 23 - Ich arbeite mit Frequenzen Teil 1 - 3 (ansteigend / abfallend / 2600 Hertz / Phreaking) |
3 x CDR set |
The last part of the trilogy Ich arbeite mit Frequenzen forms a trilogy in itself: it is made up of three tracks while its two predecessors only contain one long track each. And while parts 1 and 2 work through a frequency grid of apparently mathematical rigour, this one focuses on the particularly distortion-rich frequency band around 2600 hertz. The two 2600 Hertz tracks are live recordings of a performance by Carsten Vollmer. Here, and on the opening track Phreaking, the first non-electronic sounds of the whole trilogy can be heard: the performer's screams put into relief the expressive quality of noise that was consciously underexposed on the 'antihumanist' parts 1 and 2.
The fact that all of Carsten Vollmer's releases come as numbered Arbeiten (works), but in particular the verb arbeiten (to work) in the title of this release, emphasise the (physical) labour of building up his walls of sound. Thus, part 3 of Ich arbeite mit Frequenzen once more enacts the drama of 'man vs machine' or 'body vs bodily harmful frequencies and volumes' through which the noise genre time and again confronts existential and social alienation with an ecstatic, but 'parole-less protest' against it (to borrow a phrase from Carsten Vollmer's fellow noisician Anton Kaun aka Rumpeln).
The first track of the album, Phreaking, also features a list, but not one of frequencies, but a list of textual references to Ron Rosenbaum's classic 1971 feature story The Secrets of the Little Blue Box about the hardware-hacking network of the Phone Phreaks, who built a counter-network within the official telephone network of the U.S.A. From the vantage point of the officially sanctioned telephone signals, these subversive actions were undoubtedly noise, and it is plain to see that Carsten Vollmer's Phreaking is a sympathetic homage. In a 'communication guerilla' practice such as this, Michel Foucault's basic tenet 'Where there's power, there's also resistance' meets the axiom of information theory: 'Where there's a signal, there's also noise'. The fact that this third and final album comes not as one monolithic track, but as an object fragmented within itself, is programmatic for ways in which noise can stand for the freeing of spaces in political contexts: instead of the monologue of an author(itarian) voice – 'I, and only I, work with frequencies' –, this album signals within itself the clamourous debate of different, dissenting voices, which in the political field is always preferable to the undisputed monologue of an absolute power. At the end of the live recordings, one eventually hears the voices of the audience; the author is no longer alone within his work, and someone says: 'It continues here, in the next room.' Thus the album ends with an invitation to claim new spaces of possibility.
File under: Noise
https://emerge.bandcamp.com/album/arbeit-nummer-23-ich-arbeite-mit-frequenzen-teil-1-ansteigend
https://emerge.bandcamp.com/album/arbeit-nummer-23-ich-arbeite-mit-frequenzen-teil-2-abfallend
https://emerge.bandcamp.com/album/arbeit-nummer-23-ich-arbeite-mit-frequenzen-teil-3-2600-hertz-phreaking
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Der letzte Teil der Trilogie “Ich arbeite mit Frequenzen” bildet selbst eine Trilogie in sich – anders als die beiden Vorgänger, die jeweils nur aus einem langen Track bestehen, umfasst er drei Stücke. Statt ein mathematisch-kalkuliert wirkendes Frequenzschema durchzuarbeiten wie Teil 1 und Teil 2, wird hier auf 2600 Hertz in einem in Sachen Verzerrung besonders effektiven Frequenzbereich gearbeitet. Die beiden “2600 Hertz”-Tracks sind Livemitschnitte von einer Performance von Carsten Vollmer. Hier, aber auch auf dem Opener “Phreaking”, sind erstmals auch nicht-elektronische Klänge zu hören: Schreie des Performers rücken jene expressive Qualität von Noise in den Fokus, die auf den beiden “antihumanistischen” Teilen 1 und 2 betont ausgespart blieb.
Nicht nur die Titulierung von allen Veröffentlichungen Carsten Vollmers als durchnummerierte “Arbeiten”, sondern speziell das Verb im Titel dieser Veröffentlichung betont die (physische) Anstrengung, die in die Errichtung seiner Klangwände einfließt. So führt auch Teil 3 von “Ich arbeite mit Frequenzen” das Drama “Mensch vs. Maschine” bzw. “Körper vs. körperfeindliche Frequenzen und Lautstärken” auf, mit dem das Genre Noise immer wieder existenzielle und gesellschaftliche Entfremdung sowie den ekstatischen, aber “parolenlosen Protest” dagegen (eine Formulierung von Carsten Vollmers Noise-Kollegen Anton Kaun aka Rumpeln) inszeniert.
Das erste Stück des Albums, “Phreaking”, führt ebenfalls eine Liste auf, allerdings keine mit Frequenzen, sondern eine mit textlichen Anspielungen auf Ron Rosenbaums klassische Reportage “The Secrets of the Little Blue Box” von 1971 über das Hardware-Hacker-Netzwerk der “Phone Phreaks”, die im offiziellen Telefonnetzwerk der USA ein Gegen-Netzwerk aufbauten. Aus Sicht der offiziell im Telefonnetz vorgesehenen Signale waren diese subversiven Aktionen zweifellos “Noise”, und es ist unschwer zu erkennen, dass Carsten Vollmers “Phreaking” eine von Sympathie geprägte Hommage ist. In einer “Kommunikationsguerilla”-Praxis wie dieser trifft sich Michel Foucaults Grundsatz “Wo Macht ist, ist immer auch Widerstand” mit dem Axiom der Informationstheorie: “Wo Signale sind, da ist immer auch Rauschen”. Dass dieses dritte und letzte Album nicht als ein monolithischer Track, sondern in sich fragmentiert daherkommt, kann dabei programmatisch dafür gelesen werden, wie Noise auch im politischen Raum für das Schaffen von Freiräumen stehen kann: Statt des Monologs der Autor(itäts)stimme – “Ich, und nur ich arbeite mit Frequenzen” – wird hier innerhalb des Albums der lautstarke Widerstreit von verschiedenen Stimmen angedeutet, der im politischen Feld allemal wünschenswerter ist als der unumstrittene Monolog einer absoluten Herrschaft. Auf den Liveaufnahmen hört man dann am Ende auch die Stimmen des Publikums, der Autor ist nicht mehr allein in seiner Arbeit, und jemand sagt: “Hier im nächsten Raum geht es weiter.” So endet das Album ausdrücklich mit der Eröffnung von Möglichkeitsräumen, die es zu nutzen gilt.
File under: Noise
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VITAL WEEKLY
Origami derives from ori, meaning "folding", and kami meaning "paper". The mathematics of the fold is relevant, is analogical to 'the fold'. This can be understood as the new mathematics of the curve, of changing quantities which is often difficult for non-mathematicians, of which I am one. Put simply in simple geometry of a flat surface, say a chessboard, a piece, pawn, knight etc. can be located by two coordinates. These are static set properties, which Deleuze via Leibniz relates to Descartes. Complex curves, changing velocities, cannot be precisely modelled using such a method. This was accomplished by using mathematics to model dynamically changing events, the Calculus. If modernism in its linear development fixes and finalizes itself in a Cartesian / Euclidean fixed point, a null event, the Baroque does not. The metaphor of calculus is useful, for around it are mathematical objects such as the limit. In simple non-mathematical terms, a series of calculations can approach a limit but never reach it, and in getting closer, to a potential infinity of numbers. For non-mathematicians, this is best seen in the obvious Baroque of The Mandelbrot Set. Folding can produce an infinite variation. Associated with 'folding' in Deleuze derives the aesthetic, especially the visual aesthetic in the Baroque, one of the dynamic curves and dramatic events. “Leibniz is endlessly drawing up linear and numerical tables. With them he denotes the inner walls of the monad. Folds replace holes...” (The Fold). Elsewhere (in The Logic of Sense) Tenth series of the ideal game -”of which we speak cannot be played by either man or God. It can only be thought as nonsense. But precisely for this reason, it is the reality of thought itself and the unconscious of pure thought. This game is reserved then for thought and art.” Baroque music of the 'classical period' - (late 17thC- 18thC) used accomplished improvisation, complex polyphony, multiple independent melody lines, the fugue and ricercar (which explore the permutations of a given motif). The 'metaphysics' that the Baroque produced was significant in music. Bach, Vivaldi, Handel, Monteverdi, Scarlatti, Purcell, Telemann... such that with Bach there is the deployment of a pure abstract formalism which could be regarded as a metaphysics of the free play of the potentialities of the abstract (windowless) structures of music. And in thinking the Baroque we also arrive at Leibniz and German Idealism, but also the more recent 'idealism' of Deleuze and the Speculative Realists and Object Oriented Ontologists. To judge these metaphysics in 'scientific', empirical terms, would then be to miss the point. They are not in all cases Monads, as they are not closed off to ourselves. They are like Monads in that they seem closed in on themselves. The point is that 'Baroque Folding' is an internal programme. Thus it typically appears when genres become exhausted or fully mature. A very early classical example is the development of Corinthian Architecture from that of the Doric & Ionic, or the much more recent, post-modernism, especially noticeable in Architecture. A certain playfulness which can and does in Po-Mo reduce, at times, to mere sensation and irony. Within contemporary music, 'noise music' and 'harsh noise' was to lead to a reductionist, 'analytics' of the extreme minimalism of Harsh Noise Wall's monolithic unchanging noise. This cul-de-sac has an obvious problem, and various methodologies have evolved in order to circumvent its effective closure of the noise genre, from abandoning noise altogether (Wolf Eyes), to alternatives, such as shit folk and ultra shit folk (Romain Perrot). The process of 'folding' is synthetic, not analytic (reductionist, minimalist walls). Both processes are to be found in Metaphysics and Art. In The Critique of Pure Reason, Kant sets out to establish an a priori basis for his transcendental metaphysics and makes two distinctions, that of the analytic a priori and the synthetic a priori. The philosophy of this needn't concern us. What is useful is concerning the idea of The Fold. The epistemological, philosophical implications disputed by some also need not bother us here. For us, what is significant in Kant is that Kant maintains that the Synthetic can produce (a priori) new objects without recourse to finding them in the outside world. In Analysis, something is broken down or examined to find its fundamental form or origin (The Wall of Noise). This is normally regarded as a task that will arrive at something fundamental. In early philosophy – the Atom – in Jungian analysis the archetype. It may well be that such a final analysis is not possible, that analysis is potentially infinite, or results in a void. Synthesis is the reverse. Given some fundamental objects, we can create new objects and structures – out of what is already given. A triangle can be analyzed into its basic three sides of straight lines, but we can synthesize new objects given a triangle. We can make a quadrilateral with two triangles and continue – pentagons, hexagons, and no limit – and no recourse to anything external to our basic element. And whereas Analysis is contained by the analysis of 'what is there' synthesis creates new objects that are not 'already there'. The Baroque is this distinction between the Analytic A Priori and Kant's idea of a Synthetic A Priori. An example in the arts is that of Analytic Cubism and Synthetic Cubism. Whereas Analytical Cubism broke up the picture plane into its elements, Synthetic Cubism used these basic 'elements' to synthesize new compositions. The tendency in modernism was analytical. “What is painting?” “What is music?” “What is Art?”, the analytical desire of what is “essential”. In Cubism, the 'Analytical' phase was relatively short-lived, the Synthetic move allowing Picasso and others an alternative continuous productive methodology. The (Baroque) fold is a synthetic methodology. At the most pedantic Origami – (from ori "folding", and kami "paper"). An origami Swan is a synthesis of a flat sheet of paper. All creations of Origami are in the last analysis, flat sheets of paper. The methodology of Origami, of 'folding', is Synthetic and offers an infinity of productions. Which is occasioned in Noise – here! which is not the abandonment of noise or a retrograde movement back into music. The baroque fold, abstractly using the tropes, forms etc., of noise music not as an external expression but as internal work exploring the permutations and improvisational possibilities of a given motif. The tropes of Harsh Noise, the motifs of feedback, oscillator sweeps, distortion, white noise etc. Abstract sounds, found in Harsh Noise before its collapse into a minimal wall. What is removed is the idea of a linear 'progress' (modernism) replaced by that of infinite synthesis. Ansteigend, Abfallend and 2600 Hertz_Phreaking are 3 parts of Arbeit Nummer 23 - Ich Arbeite Mit Frequenzen.
www.vitalweekly.net/1316.html
"Steht 'Frequenzarbeiter' schon im Duden? CARSTEN VOLLMER arbeitet jedenfalls daran, mit seiner Arbeit Nr. 23: Ich arbeite mit Frequenzen (3xCDr, jeweils in DVD-Schuber). Dieser nächste Arbeitsschritt nach der bad alchemystischen „Arbeit Nr. 22“ (BA 103) ist ein in strenger Schwarzweiß-Optik vereinter Triptychon, den drei Labels stemmen: Teil 1 – Ansteigend (ACU 1027), Teil 2 – Abfallend (Cat Killer), Teil 3 – 2600 Hertz / Phreaking (Krater Recordings, KR05-010). Das oft genug unangebracht verwendete 'experimentell' ist dabei halbwegs gerechtfertigt durch die demonstrativen 'Versuchs'-Reihen mit 55 – 77 - 160 – 300 – 666 – 800 – 1000 – 2000 – 4400 – 5000 – 9000 Hz rauf und runter ('Ansteigend'/ 'Abfallend') sowie drei Episoden mit 2600 Hz. Darunter, neben zwei Live-Exzerpten vom Schrei/Ende/Ohren-Festival, eine Hommage an das in den 70ern popularisierte und bis in die 90er mögliche Phone-Freaking in den USA, wo die von Hackern entdeckte, von den Yippies popularisierte Freischaltung auf eben der 2600 Hz-Frequenz als Akt des zivilen Widerstands aufgefasst wurde. Aber diese Frequenz-Folklore erscheint wie ein narratives Surplus in Vollmers bildlos purer Darbietung eines Blizzard-Kontinuums, in dem McLuhans 'kalte' und 'heiße' Medialität verwischt. Indem ein schrillendes, zerrendes Zuviel mit myriodophonem Rausch überwältigt und lähmt, doch in seinem informatorischen Überschuss zugleich nach Kryptologen schreit. Für einen auch merkwürdig flötenden Code. Aber vor allem für ein Unsagbares, das sich als kataklysmische Schallmauer zeigt wie bei Wittgenstein das Mystische. Dass in allem, was der Fall ist, atomare Niagarafälle toben, die jedes menschliche Maß übersteigen. Der infernalische 'Gesang' der Neuronen, das heulende Elend der Elektronen, das universale Alpha, Vollmer hat es zwischen Infra und Ultra brachial orchestriert als kakophon schillernde Metapher für das Mega-, Giga-, Tera-Chaos im elektromagnetischen Radio- und Mikrowellendschungel. Als Sturz der Erkenntnis über die Marmorklippen durch die Stahlgewitter ins Spektrum der Strahlungen, als total mo-bilgemachter Black Metal vor einem Schwarzlicht-Horizont. Das von Ernst Jünger immer wieder gebrauchte Tat Tvam Asi [Das bist du] zeigt dazu seinen technologisch fitten 'Ar-beiter', der als 'organische Konstruktion' mit der technoiden Mobilmachung heißläuft. Und einige wenige, die, obwohl gleichermaßen involviert, in kühler Desinvoltura dazu Distanz halten. Vollmers akribische Abbildungen, 48 + 48 + 50 Minuten intensive Immersion, können als stoischer Härtetest erscheinen. Als stockholm-syndromatische Affirmation eines Factum brutum. Oder sogar als akzelerationistisches Vorwärts (Nick Land), das die transhumane Umgestaltung des Menschen (durch die aggressiven Metastasen des Kapitalismus) ins Auge fasst. Mit der Utopie einer KI-generierten 'technologischen Singularität' würde Jüngers 'organische Konstruktion' zum Pionier der transhumanen Erlösung. Jede durchgestandene Noisattacke wäre, gerade indem sie das hinfällige Fleisch von den Knochen schabt, ein Evolutionsschritt dorthin. Der Geist, schon bei Hegel ein harter Knochen, steckt seinen Kopf, wie sein Renaissance-Vorgänger durch die Käseglocke seiner Scheibenwelt, unter die Bremsscheiben eines endlosen Güterzuges, in einen brausenden Bienenstock, der Züge von StanisławLems Partikelschwarm auf Regis III trägt. Steht Hz auch für neuen Horizont, für abenteuerliches Herz? Vollmer gibt sich, wenn er 'ich arbeite...' sagt, beeindruckend cool und souverän. Oder verdolmetscht er so bloß die Mutter der Teilchen und Wellen? Alan Moores Parent of suns and substance, she! Womb of all possibility! Als menschliche Spur im Dauertrommelfeuer der Klangpartikelstrahlung bleiben dann nur die Schreie, die Vollmer zuletzt, von 2600 Hz-Stacheln an die Wand gespießt, ausstößt. Kein 'Banzai!', aber doch wie mit geballter Faust und mehr als nur Schmerz und Angst. Noise als Waffe der Kritik an Betonköpfen, verkrusteten Strukturen, Kalk, Rost, marmornen Popanzen. Als, o Killer-Kaninchen von Caerbannog, o schwarze Bestie von Aaa, als Speer, der die Wunde heilt, die von ihm herrührt?" [Bad Alchemy]
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2021 |
€20.00 |
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| VON BIEL, MICHAEL |
Streichquartett No. 1, etc |
CD |
Unglaubliche Klänge auf dieser beeindruckenden Zusammenstellung mit Kompositionen von MICHAEL VON BIEL, aufgenommen 1962 – 1966 (!), z.T. auf klassische Instrumenten eingespielt, z.T. aber auch elektronische Quellen einsetzend....
"Quartet No. 1" (1962) and even more, "Quartet No. 2" (1963) are noise compositions whose expressiveness rests essentially on the discovery of new sonic possibilities and performance techniques. On "Fassung" (1964) Michael von Biel using only noise, sinus and impulse generators, he created sound particles and formed them into sensually comprehensible structures. The compositions "Quartet with Accompaniment for string quartet and cello" (1965) and "Jagdstück (Hunting Piece) for 2 trumpets, 2 trombones, 2 horns, 2 tenor tubas, contrabass, tape, e-guitars and electronically amplified barbecue grills" (1966) are based on the contrast of divergent sound worlds.
1. Streichquartett Nr. 1 (1962; WDR 2003)
[Pellegrini-Quartett: Antonio Pellegrini, 1. Violine; Thomas Hofer, 2. Violine; Fabio Maarano, Viola; Helmut Menzler, Violoncello]
2. Streichquartett Nr. 2 (Urfassung, 1963; WDR 2003)
[Pellegrini-Quartett]
3. Quartett mit Begleitung (Quartett Nr. 3, 1965; WDR 1967)
12:05 [Egon Mayer, Violine; Dagmar Apel, Violine; Johannes Fritsch, Viola; Magdalene Bröckel, Violoncello; Michael von Biel, Violoncello]
4. Jagdstück für Bläserinstrumentalisten und Live-Elektronik (1966; WDR 1968)
28:05 [Franz-Willy Neugebauer, Trompete; Kurt Schmidt, Trompete; Gerhard Burdack, Horn und Tenortuba; Konrad Alfing, Horn und Tenortuba; Willy Walther, Posaune; Josef Feck, Posaune; Emil Morneweg, Kontrabaß; Wilhelm Bruck und Michael von Biel, Begleitung; Ltg. Bernhard Kontarsky]
5. Fassung (elektronische Tonbandmusik, 1964; WDR 1964)
13:34 [Studio für elektronische Musik des WDR]“ [label info]
www.edition-rz.de
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2004 |
€15.50 |
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| VON EULER-DONNERSPERG, DITTERICH |
Blauholz |
BOOK |
"Ditterich von Euler-Donnersperg: Blauholz
Knarrende Strahlen stehen unbewegt über dem Sand. Nichts Harmloses birgt sich unter den Latschen und Kiefergliedern, denen man eigenartige Hilfslosigkeit ansieht. Schwach singt das Holz, trägt sein Lied über die Streu, die sich staubend über den müden Grund ergießt. Rindenbrot bettet sich gelassen auf die Matten, die sich längs unter die Büschel dahinstrecken.
Spitzhafer, Wegerich, allesamt dörrend, recken Flügelchen hoch, winken schwach gegen den Wind und versuchen, zu lächeln. Das Zahnweiß erstirbt unter dem Glast des Wollplunders aus Samenwolle und Brennnesselweben, deren Leuchtlunte ganze Buschzeilen deckt.
Starrer Ramsch aus Grassoden, Krüppelbüschen und Moder, der noch das tapferste Hölzlein erfaßt, um es den wuchernden Brachen einzuverleiben, steht schlafend neben den Wegen, wo sich das Streuland gegen die Ungemütlichkeit der Drögnis verteidigt. Kohlenmeiler ducken sich hasig hinter die von der Geschichte dahingespuckten Verwerfungen. Lehm kleistert die Gänge, sofern sie noch zu begehen. Der feuchte Dreck klebt krötig an den vom Morgenlicht verlassenen Hängen. Das Wechselgeschrei der Saatkrähen knarzt blechern röhrend über das wüste Hochamt aus Bodenrotz und Totenwald. Die Blödnis des Staubs, dem Niemand – nicht die Kalksenke, nicht die Sandkornbüchse, nicht der Sonnenbrand auf den Resten des Grases – Mut zum Erwachen zusprechen mag, packt und würgt voller Sanftnis und Großvaterliebe die Weiler, wo es nach Naßfäulnis wie in hundert Jahre alten Grabgruften stinkt.
MOLOKO PRINT 017 | 2015
Gestaltung: Robert Schalinski
Darstellungen aus Leichte Artellerie Fibel (1936) und Unterrichtsbuch für Soldaten (1938)
Paperback, 242 Seiten
ISBN 978-3-943603-18-7" [publishing house info]
www.molokoplusrecords.de
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2015 |
€16.00 |
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| VON EULER-DONNERSPERG, DITTERICH / FELIX KUBIN |
NNOI#01 |
LP |
NNOI#...
In this series, the recordings and documents of the actors of the NNOI Festival gather and reveal the primitive anatomy of the NNOI that sinks onto the frosted glass of nature, like the printing ink unconscious in the letters of the newspaper.
The design of the entire series is based on drawings by Frank Diersch - made for this project.
forthcoming: NNOI#2: Rashad Becker & Robert Schalinski, NNOI#3: Asmus Tietchens & Frieder Butzmann, NNOI#4: Air Cushion Finish
D.v. Euler-Donnersperg - side: unreleased tracks from his wild beehive.
Felix Kubin - side: Felix Kubin accompanies René Clair‘s silent film »Entr’acte« from 1924 live with a new electro-acoustic soundtrack, which refers to the surreal choreography, the contrasts in content and the fast editing sequences of the film in rhythmic cut-ups.
Rene Clair‘s film „Entr‘acte“ from 1924 is a real jewel of surrealism and is largely unknown to this day. The director radically experiments with cinematographic effects, provokes absurd exaggerations, which sometimes take on blasphemous proportions, and is not afraid to commit violence. The staff of actors is made up of famous artists such as Erik Satie, Francis Picabia and Marcel Duchamp, who, quite self-ironically, bounce through the image rather than stride. Men and women roles are reversed, a death procession turns into a roller coaster ride. The bizarre humor of the film also testifies, among other things, to the artistic daring of its time.
Ditterich von Euler-Donnersperg
»I hate long announcements now. Everyone writes something and brags about all kinds of information (especially celebrity names). Something has become completely uniform over time. I hate that. Simply state briefly: „The old gray gurnard from the Waterkant creaks and growls its funny and less funny ways ..“ GLÜCKAUF!
Felix Kubin„I am a child living in the body of Juri Gagarin. He is empty like a corpse. His eyes move slowly like radars. First comes the idea then the technology. Children are angels, sometimes they fall into nothingness. I am Juri‘s ventriloquist.“
Felix Kubin, messenger of exploding lungs, lives and works against gravitation. At the age of 12 he started composing electronic 4-track music. His activities comprise futurist pop, electroacoustic and chamber orchestra music, radio plays, lectures, workshops and his label Gagarin Records. He has been involved with the noise project Klangkrieg, the communist singing group Liedertafel Margot Honecker and the tetchy teenage bands Die Egozentrischen 2 and x2.
Frank Diersch - a German draftsman and painter.
NNOI - festival for 12,756 tone music, obscure teaching & organ of the world-ventriloquist-lodge.
https://www.facebook.com/donnersperg/
www.frank-diersch.de/
www.felixkubin.com
www.nnoi.de
https://www.youtube.com/watch?v=4YxuYqL52is
https://www.facebook.com/nnoi.festival/
NNOI - festival for 12,756 tone music, obscure teaching & organ of the world-ventriloquist-lodge
"In der NNOI Festival-Reihe werden Aufnahmen von Künstlerinnen und Künstlern veröffentlicht, die auf dem gleichnamigen Festival , “für 12,756 Tonmusik, obskure Lehren & Organ der Weltbauchrednerloge”, gespielt haben (u.a. werden noch Asmus Tietchens und Frieder Butzmann folgen). Den Auftakt macht eine Split-Veröffentlichung: Ditterich von Euler-Donnersperg, Sachwalter des Werkbunds, selbst so titulierter „Knurrhahn“ hat mit den zwischen 1996 und 2014 erschienenen “Pelzwurstliedern”, sogenannten „Reimdichtungen im Geiste Klopstocks mit elektronischem Zuspielband“, originellste, kaum kategorisierbare und von beißendem Humor durchzogene Lyrik herausgebracht. Felix Kubin hat neben zahllosen musikalischen Veröffentlichngen, auf denen auch immer ein absurder Humor deutlich wurde (im Presseinfo heißt es: „„I am a child living in the body of Juri Gagarin.“), eine ganze Reihe von Hörspielen produziert.
Auf der ersten Seite befinden sich acht bisher unveröffentliche Stücke von Euler-Donnersperg, bei denen sich das Ausgangsmaterial, was bearbeitet wurde, nur erahnen lässt: „Krebs im Schlafrock“ beginnt mit einem ratterndem Loop, man hört zerhäckselte Stimmen. Einem Teil der Stücke haftet etwas Fragementiertes an. So auch bei „Kleiner Irrtum“ mit den hektischen Wassersounds, flirrenden Tönen und dann so etwas, das sich wie ein Echolot anhört. Auf „Mit geknickten Dichterschwingen“ hört man einen Loop, der an Jahrmarktsmusik erinnert, auf „Ein letzter großer Seher“ muss man zwischenzeitlich an Vogelkreischen denken. Die drei dann folgenden Stücke nehmen das Hektisch-Fragentierte zurück: „Verlangen, den Regenbogen zu fangen“ ist von ruhigen, kristallinen, flächigen Sounds durchzogen, die teilweise an ein Theremin denken lassen. Auf „Verknausertes Korn“ dröhnt und knistert es. Bei „Angenehm müde“ meint man das Ticken eines Metronoms zu hören, am Ende scheint eine bearbeitete Stimme aufzutauchen.
Kubins Beitrag ist ein langes Stück, das als neuer Soundtrack für den 1924 entstandenen Stummfilm “Entr’acte” von René Clair konzipiert ist. Bei dem Film wirkten damals Erik Satie, Francis Picabia und Marcel Duchamp mit und gerade durch Clairs Einsatz von Effekten wie Zeitlupe und Überblendungen (ein Gesicht starrt einen aus dem Wasser an, ein Papierboot durchpflügt die Dächer von Paris) erzeugt Clair eine durchaus kurios-absurde Atmosphäre (Puppen verlieren ihre Köpfe, der Rock einer Tänzerin scheint eine Blume zu sein, ein Zauberer entsteigt einem Sarg). Der Track beginnt mit kuriosen Knarzen, Brummen, Loops, Fiepen, am Ende meint man ein Sample aus Coils “Things Happen” zu hören – in Passagen ist das durchaus nicht so weit entfernt von manchen Arbeiten Steven Stapletons und von der Stimmung und Herangehensweise ist das ein mehr als passender Soundtrack zu “Entr’acte”." [MG / African Paper]
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2020 |
€20.00 |
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| VON HAUSSWOLFF, C.M. (CARL MICHAEL) |
Three overpopulated cities built by short-sighted planners, an unbalanced and quite dangerous airport and an abandoned church |
CD |
Beeindruckende field recordings von Riesenstädten vom bizarren Performer, Künstler und Musiker C.M. VON HAUSSWOLFF.
“ By visiting Lagos in 1983, Tokyo in 1999, 2000 and 2001, Bangkok several times between 1986 and 2002 and Mexico City in 2002 and 2003, CM von Hausswolff came, as thousands of other people, to the conclusion that something is running amok. An uncontrollable avalanche consisting of the construction of houses, streets and in-between spaces develops in large cities as independent do-it-yourselves-organisms.” [press release]
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2004 |
€14.00 |
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| VOUDOURIS, DIMITRI |
NPFAI.1/PALMOS/NPFAI.3/PRAXIS |
CD |
Vier interessante Arbeiten eines südafrikanischen Komponisten (geboren 1961 in Athen); so werden bei NPFAI.1 Originalklänge von afrikanischen Zeremonial-Instrumenten (Kundi & M'Bira / bzw. Kalimba) computergestützt in mysteriöse Granularwellen & -welten verwandelt, die die ursprüngliche Klang-Atmosphäre der Objekte beibehält.
Ähnlich werden bei den anderen Stücken Klangdetails einzelner Instrumente analysiert und elektro-akustisch bearbeitet, so daß bestimmte musikalische Parameter wie durch ein Mikroskop näher betrachtbar werden. Besonders gut gefällt das letzte Stück PRAXIS, wo ein griechisch-orthodoxer Chor herhalten muss für VOUDOURIS unheimliche Transformationen, die sich bis ins Unkenntliche auflösen, um dann wieder zurückzukehren zum Ausgangsmaterial. Genial! Wieder erstaunlich, zu welchen Neuentdeckungen das POGUS-Label animiert !
"South African composer Dimitri Voudouris (b.1961 Athens, Greece) began composing in the 90¹s. He composes for acoustic instruments, electronic sound sources, multimedia, including dance and theatre. He bases his technical and theoretical compositional approach in research of cognitive psycho-acoustic behavioral patterns in humans and the behavior of sound in relationship to continued environmental changes. His socio-cultural interests have led him to research the survival of music in the 21st century and the impact that media and technology have on the composer.
NPFAI. 1 (New Possibilities for African Instrument) is an electro-acoustic composition for kundi and m'bira with computer assisted processing. Kalimba or m'bira is a finger piano made of wood and metal strips used in ceremonial music. In Western Africa this instrument is known as m'bira and in Eastern Africa it is called a kalimba. The kundi a bowed harp is a ceremonial instrument originating from the Mangbetu tribe of the Congo. In NPFAI.1, working with each individual layer gave Voudouris better control in the change of sound characteristics as some sound phenomena changed, disappeared and new sound phenomena surfaced creating new possibilities. In Palmos, Voudouris chose three Western instruments - the Hammond organ, oboe, and the bandoneon - whose overtone and harmonic capabilities allowed for interlocking moments to take place, a phenomenon that is ever present in African traditional music. Spectrographic analysis of sounds produced by each individual instrument was carefully monitored which allowed for a deeper understanding of timbre [harmonic content], attack, decay and vibrato. Subtractive synthesis further allowed for the isolation of certain inaudible frequencies to be enhanced to an audible level and the elimination of others. These compositional elements allow the listener to perceive the sound as stable individual tone and noise spectra, frequently of surprising purity.
NPFAI. 3, third in a series of electro-acoustic studies, is for African marimba and computer assisted processing. The African marimba used in this work is a tenor marimba, used traditionally as a rhythm instrument. The marimba is tuned in Xhosa tuning with just intonation in Eb (with added A's). The instrument was played with traditional mallets; the recording was processed and constructed on computer. Granular, algorithmic and subtractive sound syntheses were used in the construction of NPFAI.3. These procedures were not to defamiliarize the sound of the instrument but rather to explore the deeper analogies of organic identity in the construction of micro sound environments, focusing on capturing the physical properties of the instrument and its organic sound textures. PRAXIS is a four-channel tape piece using a recording of Christian Orthodox Greek male choir and computer assisted processing. 566 sound compartments were created that ranged from 10 to 40 seconds in time duration. Each sound compartment was constructed and manipulated individually, allowing for better control in maintaining individuality in the sound structures. The computer further allowed for the individual micro-rearrangement of pitches in each sound compartment, leading to the notion of continuous macro-timbre. The methods used allowed for greater control in spacial differentiation of each sound. The distorted nature of the sound source was not eliminated but was build into the composition." [label info]
www.pogus.com
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2007 |
€13.00 |
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| VOX POPULI! |
Soft Entrance to Nature's Camino de Luz |
mCD-R |
Wohl die ersten neuen veröffentlichten Aufnahmen nach der Wiederaktivierung, auffällig die vielen Tiersounds (z.B. Frösche), field recordings (aus Japan, Frankreich & Burkina Faso) & Glocken & Glöckchensounds die zum Einsatz kommen... insgesamt eine sehr ruhige, softe, meditative Atmo, absolute day dreaming music..
"finally some new music from this legendary experimental french band!!! mostly a solo work by axel kyrou in in a more experimental/surrealistic/environmental vein.please note that those three releases are also available as downloadable
FLAC files." [label info]
www.taalem.com
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2008 |
€5.00 |
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| WALKER, SCOTT & SUNN O))) |
Soused |
CD |
"Freigeister unter sich: Der US-Chansonier trifft auf die Drone-Doom-Band: Als Sunn O))) im Jahre 2009 erstmals bei Scott Walker anfragten, ob er einen Beitrag zu ihrem Album "Monoliths & Dimensions" beisteuern wolle, ahnte niemand, dass es einmal eine echte Zusammenarbeit geben würde. Vier Jahre später meldete sich Scott Walker schließlich bei der US-amerikanischen Drone-Doom-Band: Er habe neue Musik geschrieben und dabei stets eine Kollaboration mit Sunn O))) im Sinn gehabt. "Soused" ist das beeindruckend wuchtige Ergebnis einer Kooperation zweier Freigeister. Scott Walker feierte in den 60ern weltweite Erfolge mit den Walker Brothers, veröffentlichte in Folge viel beachtete Soloplatten und etablierte sich als Chansonier mit teils bitterböser Lyrik. In den 80ern erfolgte ein radikaler Stilwechsel und zudem eine Änderung seiner Arbeitsweise. Alben wie "Climate Of Hunter" (1984), "Tilt" (1996) und "The Drift" (2006) zeigten einen wandlungsfreudigen Künstler, der 2013 mit dem komplexen Meisterwerk "Bish Bosh" seinen Weg fortsetzte. Mit "Soused" folgt die logische Konsequenz Walkers künstlerischen Schaffens. Das Vinyl erscheint mit Downloadcode.
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When Sunn O))) first approached Scott Walker about appearing on their 2009 album Monoliths & Dimensions, little did they know what it would actually lead to. Four years on, Scott was back with something even more enticing, collaborating on Soused, a body of work he was writing with them in mind.
Recorded in London in early 2014 and produced by Scott Walker and long-time ally Peter Walsh with the assistance of musical director Mark Warman, Soused is a 5-track 50-minute body of work that cements both acts’ wide-reaching and otherworldly renown." [label info]
www.4ad.com
www.4ad.com
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2014 |
€12.50 |
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Soused |
do-LP |
"Freigeister unter sich: Der US-Chansonier trifft auf die Drone-Doom-Band: Als Sunn O))) im Jahre 2009 erstmals bei Scott Walker anfragten, ob er einen Beitrag zu ihrem Album "Monoliths & Dimensions" beisteuern wolle, ahnte niemand, dass es einmal eine echte Zusammenarbeit geben würde. Vier Jahre später meldete sich Scott Walker schließlich bei der US-amerikanischen Drone-Doom-Band: Er habe neue Musik geschrieben und dabei stets eine Kollaboration mit Sunn O))) im Sinn gehabt. "Soused" ist das beeindruckend wuchtige Ergebnis einer Kooperation zweier Freigeister. Scott Walker feierte in den 60ern weltweite Erfolge mit den Walker Brothers, veröffentlichte in Folge viel beachtete Soloplatten und etablierte sich als Chansonier mit teils bitterböser Lyrik. In den 80ern erfolgte ein radikaler Stilwechsel und zudem eine Änderung seiner Arbeitsweise. Alben wie "Climate Of Hunter" (1984), "Tilt" (1996) und "The Drift" (2006) zeigten einen wandlungsfreudigen Künstler, der 2013 mit dem komplexen Meisterwerk "Bish Bosh" seinen Weg fortsetzte. Mit "Soused" folgt die logische Konsequenz Walkers künstlerischen Schaffens. Das Vinyl erscheint mit Downloadcode.
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When Sunn O))) first approached Scott Walker about appearing on their 2009 album Monoliths & Dimensions, little did they know what it would actually lead to. Four years on, Scott was back with something even more enticing, collaborating on Soused, a body of work he was writing with them in mind.
Recorded in London in early 2014 and produced by Scott Walker and long-time ally Peter Walsh with the assistance of musical director Mark Warman, Soused is a 5-track 50-minute body of work that cements both acts’ wide-reaching and otherworldly renown." [label info]
www.4ad.com
"When we first heard about the collaboration, it sounded like a joke, like some internet meme. It did seem crazy, and on the surface, pretty hilarious, but eventually it was proven to be an actual thing. Then when we first heard a little snippet online, we weren’t entirely sold, Walker sounded even more over the top than usual, and the title Soused seems to indicate that maybe Walker was in fact completely wasted when he recorded his vocals, cuz it definitely sounded like it. But when we finally got to hear the whole thing, it suddenly all made sense, Walker’s vocals, while still insanely dramatic and over the top, were somehow perfect, and SUNNO))), instead of just doing the guitars-against-the-amps drone thing, really seem to be working way outside their comfort zone, and in fact, lots of this record sounds extremely, sonically uncomfortable. Fantastically so. We were so smitten by opener “Brando”, we had trouble digging any deeper into the record. Right from the get go, opening with Walker crooning over a whirring organ, shimmery and sun dappled, and what sounds suspiciously like the Guns ’N Roses “Sweet Child O’ Mine” guitar lick, but then the thick, viscous drones creep in, accompanied by strange ticks and pulsations, as well as what sounds like a bull whip, as well as the occasional burst of distorto guitar, the combination of that low end creep, and Walker’s vocals, as well as a cool feedback/high end that seems to echo the vocal melody, it’s pretty powerful, and stunning, weird, but also weirdly beautiful. “Herod 2014” was our next obsession, with it’s weird squelchy electronic rhythm, buried in thick rumbling thrum, it’s Walker who carries the song, some sort of demented, and yeah, likely seriously soused, torch song, flecked with static, and driven by a slo-mo Sabbath riff stretched out into near static sprawl, Walker’s vocals wreathed in lots of mysterious noise, the whole track peppered with what sounds like some strange banshee wail, or pterodactyl cry, but it’s somehow so perfect, that it becomes as integral to the song as any other element.
“Bull” is downright balladic after the previous heaving monoliths, but not for long, the song exploding into some serious Swans like pummel, with Walker kicking it up a notch, some loose chaotic drum damage, some junkyard percussion, and a ‘hook’ that manages to be the catchiest bit on the whole record, the song slipping into slo-mo somnambulant creeps, before launching right back into that ‘chorus’. We have to be honest, the first three songs are so perfect, it’s not until maybe the 20th listen that we even made it to the last two, but they’re similarly broody and bombastic, “Fetish” featuring some seriously buzzed out bass (assuming that’s a bass), and like “Bull” before it, another killer ‘chorus’, that sounds like Swans gone haywire, dosed on some serious narcotics, a wild cacophony of elephant like electronic bleats, churning metallic riffing, monstrous drumming, before settling into what sounds like some sick, mutant strain of kraut-doom. And don’t even get us started on Walker’s INSANE lyrics, in this case, a refrain of “Choo Choo, Choo Choo mama”, which sounds ridiculous, but in the context of the song, it sounds mad, maniacal, and like some sort of twisted genius, which we’re assuming it is. Finally, there’s “Lullaby”, which is one, at least for a moment, until another blurt of atonal, moaning, keening, doom cabaret explodes from the murk, only to settle right back down, most of the track spent in hushed lowercase mode, finishing off super dramatically, a field of barely there guitar rumble, distant sonar like pings, ominous swells, mysterious insectoid clicking, and one final, haunting stanza from Walker. Most definitely a twisted outsider masterpiece, and considering how skeptical we were, it’s even more surprising that this might just end up being a record of the year contender for some of us!" [Aquarius Records]
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2014 |
€29.50 |
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| WATERMANN, JOHN |
Calcutta Gas Chamber |
CD |
Re-Release dieses Klassikers von 1993 (ND CD 003) des im Jahre 2002 verstorbenen Deutsch-Australiers - ein dunkles, dichtes Werk mit elektro-akustischen Qualitäten, viele konkrete Geräusche & Sounds & Cut-ups, meist undefinierbar, aber voll von unheimlich beseeltem maschinellen Leben... absolut packend!
"The concept of aurally conveying the horror of a gas chamber was realised through field recordings in an abandoned electrical power station in Brisbane in 1992. The sounds are grating and harsh, a mixture of field recordings and electronic manipulations. One can rarely pinpoint a location or action but the images the sounds conjure up are of all sorts of nefarious activites related to death by machinery. The sleeve notes take you into the horror that is the Calcutta Gas Chamber. A beautifully composed and produced CD, completely remastered and re-packaged." [label press release]
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2006 |
€13.00 |
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| WHEN |
Black, White and Grey |
CD |
Imposantes apokalyptisches Werk des norwegischen Projekts, wo es um die „Zerstörung der Erde“ geht. Eine schwer zu beschreibene Mixtur aus Filmsoundtrack, Hörspiel & Musique Concrete mit orchestralen und elektronisch-industriellen Einflüssen. Hinter WHEN steckt LARS PEDERSEN (u.a. HOLY TOY), unterstützt wird er hier mit Texten von CHRIS CUTLER. Als Bonus gibt es auf dieser CD die zweite LP von WHEN, „DEATH IN A BLUE LAKE” (WIT002, 1989), basierend auf dem gleichnamigen Roman von A.BJERKE.... dramatische Düsterkeit abseits gängiger Klischees, Bad Alchemy schrieb „Fröschequaken – Vogelgezwitscher aus dem sumpfigschlüpfrigen Uferdickicht des Blue Lake – Hundegebell – Äste knacken – Schwermut – Geheule – ‚hypnotized’ – die Geräusche schwellen an – den Kopf / die Nerven verlieren – alles dreht sich – die Ohren zuhalten – kein Ausweg....“ [MBeck in Bad Alchemy # 13, 1989]
“A complete new work plus 'Death In The Blue Lake'. Combines playing and through-composition with manipulated and environmental sound in dramatic, narrative, psychological constructions. Quite unique. 'Death' based on a novel; texts in new works by Chris Cutler. Book of artwork.“ [ReR]
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1990 |
€14.00 |
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| WHITELODGE |
same |
CD |
Nach der noch etwas spröden “Stream of Dreams” 10” hier das erste Album des US-Trios, mit tief-melancholischen, folk- & wave- & elektronik-beeinflussten Stücken, der Stil lässt sich schwer kategorisieren, aber von der WIRKUNG her erinnert das an die magischen Momente bei den LEGENDARY PINK DOTS....
“Like a palpable ghostly presence that phases in and out vision; at once translucent and illusory; simultaneously rattling silverware, sending chills through the flesh. That strange unseen grip in the hand; that vaporous and unexplained cloud of breath in the middle of the hallway. A great billowy poltergeist, Whitelodge is a musical revelation. The Lodge skirt borderlands between the mysticism of seething "post rock" and the dark textures of latter day "apocalyptic folk," managing in the end to sovereign a musical nation of their own. Somber musical expressions exude surprisingly powerful punch and often carve modest stones into towering columns of sound, which, while not actually loud, seem to IMPLY loud. Constructed somewhat like a This Mortal Coil record, the quietly crafted combination of acoustic guitars, electric piano, bass and electronics effuse scents of Sol Invictus ("Against The Modern World"), Gastr Del Sol, Sea And Cake, Insides, late late period Swans, Roseclouds era Death In June with a little "Another Green World" style Eno plastering the cracks...but none of these really captures the true essence of the Lodge what is White. Where apocalyptic folk often drowns in its own cheesiness, Whitelodge rise above and avoid trying to force any sort of posturing or false celticisms into their music. Whispered vocals reincarnate a host of spirits from Red House Painters to Coil, driving the compositions home by inference rather than the obvious. This music is unbelievably tangible in its etherealness. A deep beauty resides within and repeated listens open endless blossoms. This album is also guilty of having at least a couple downright infectious tracks that are so brilliantly cooked as to be virtual tonal crack. The Grand Poobah beckons: become one with the Whitelodge!“ [press release]
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2005 |
€13.00 |
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Stream of Dreams |
10inch |
Da ist sie, die letzte 10” in der LACTAMASE-Serie, und wieder präsentiert das Portlander Label einen ungewöhnlichen Newcomer. WHITELODGE zeigen sich als songorientierte, melancholisch sanfte Psychedelic-Experimentalisten, mit großem Potential.
Und jetzt kommts: wer sich artig alle 12 LACTAMASE 10“es besorgt und die entsprechenden Coupons darin nicht verloren hat, bekommt dafür UMSONST eine bonus-10“ mit exklusiven Stücken ALLER Beteiligten! Diese Bonus-10“ ist NICHT VERKÄUFLICH!
“A fragment of celestial shrapnel: Whitelodge does indeed "lodge" itself deep into the mind, restoring with it the body, and being of general benefit to one's overall constitution. Or, perhaps, it's just the little lobotomy you have always dreamed of. This 10" EP reveals a band capable of great magick and prodigious evolution. Whitelodge has become adept at marrying atmosphere to song structure without surrendering to a belabored posture, and this even beyond the debut magnum opus. There has been found a solid footing where each sound, each note, is perfectly placed and paced. Beginnings are given to pregnant, breathing intros, allowing the music to develop and resonate before the fully formed imagoes emerge, which ARE songs, but also tone poems. While not sounding at all like them, Whitelodge's methodology is something akin to My Bloody Valentine on "Loveless," where pieces are sewn together, each ending making a subtle statement tow ards the birth of the next; textures taking equal place next to structure. The EP showcases Whitelodge's exploration of quiet cosmics, both evoking psych-folk of old and more modern elements, like the gentler psychedelic moments found in Cindytalk (when growling through the hush, buzzing in the rushes) or Karl Blake seduced Sol Invictus (tiptoe, through the bassline). Because of timing and tone Red House Painters is a close cousin in many respects except that Whitelodge frames its songs with a greater emphasis towards experimentalism and certainly occupies a more ghostly plane. Repeated listenings virtually leave traces of ectoplasm on the speakers. Dustin Gilbert's voice is a patient and subdued instrument, confident and softly percussive and, by and by, very compelling. A beautiful and mysterious riddle of a release, which, if unraveled, may well, be a key to Heaven.” [label description]
www.blrrecords.com |
2003 |
€12.50 |
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| WINDY & CARL |
The Dream House |
do-CD |
„ 'The eternal Struggle', der Titel des ersten Tracks auf dieser zwei CDs umfassenden und achtzig Minuten dauernden Huldigung der Langsamkeit, beschreibt die Musik von Windy Weber und Carl Hultgren treffender und prägnanter, als dies Horden von Kritikern in Dutzenden Reviews zustande bringen könnten. Langsam und zäh entfaltet sich ein nahezu dreißig Minuten langes Stück, das trotz seiner Dauer und Viskosität genau das vollbringt, was guter Ambientmusik heutzutage oft fehlt, nämlich die Fähigkeit, den Hörer stundenlang in den bequemen Ohrensessel drücken zu können. 'I have been waiting to hear your voice' knüpft hingegen eher an älteres Windy and Carl-Material an, wie es beispielsweise auf „Antarctica“ bereits zu hören gewesen war. Hier liegt der Fokus auf lang anhaltenden Drones, die jedoch nie nach Laptop klingen, sondern so organisch wirken, als hätte man sie in einer großen Konzerthalle oder Kathedrale aufgenommen. Die zwei auf der zweiten CD „Dedications to Flea“ enthaltenen Stücke sind dem gleichnamigen, verstorbenen Hund gewidmet und bewegen sich musikalisch auf dem gleichen Niveau, das Windy and Carl mit „The Dream House“ als Maßstab ausgegeben hatten. Um den Bezug zu dem Verblichenen herzustellen, wurden jedoch einige Field Recordings integriert und die Stimmung gegen Ende der zwei Tracks etwas gedämpft. Auch mit ihrem ersten Lebenszeichen seit fünf Jahren gelingt Windy and Carl der eindrucksvolle Beleg, dass sie auf dem Gebiet der sich langsam entfaltenden Musik ein einzigartiges Gespür für den richtigen Ton zur richtigen Zeit besitzen und damit zu den Besten des Genres gehören.“ [Echoes-online.de]
"The Dream House is the first album of new material from Windy & Carl in five years. Recorded at their home studio in Dearborn, MI it consists of two tracks. The Dream House is in many ways the duo's simplest and most straight-forward release, concentrated as it is on two evolving pieces. It is also Windy & Carl's most ambitious recording, with the duo deliberating on longer forms. Windy & Carl are capable of sustaining melodic ideas and patiently apply attention to singular musical gestures. Windy Weber describes the album as being about 'death and dreams and beliefs and leaving and moving on.” [label info]
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2005 |
€16.00 |
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| WOODEN VEIL |
same |
CD |
"Wow! - Ist das nun Großstadtschamanismus, Neo-Hippietum oder die neue Kraft durch globale Spiritualität? Auf jeden Fall ist das sehr kompakt, emotional und wunderbar verschroben. Inwieweit das esoterische Trendkost ist oder künstlerisches Großeinsatzkommando wird sich sicher noch herausstellen, auf jeden Fall sind WOODEN VEIL aus Berlin mit ihrer Mischung aus Tribelsounds, kosmischer Elektronik und wirren Folk/Freak-Out/Kraut-Rockversatzstücken das berührenste was ich aus dieser Richtung in letzter Zeit gehört habe. Friedlich, atonal und kraftvoll mischen sie ihren eigenen Zaubertrank und verwischen damit entgültig jegliche Genre- oder Mediumgrenze, denn auch performancetechnisch und bildnerischkünstlerisch ist dieses Gruppe in sich geschlossen und projeziert ihr Heiligstes und Innerste auf die Umwelt. CURRENT 93, SILVESTER ANFANG und PINK FLOYD bilden ein magisches Dreieck. Abgefahren und bitte nie, nie, nie ankommen..." [Carsten Vollmer, Die Elektrische Zone]
"Wooden Veil is a Berlin-based art group formed in 2007. Inspired by the shared hauntedness of their respective homelands, they combine elements from forgotten and misremembered traditions to create a microcosmic world which only Wooden Veil inhabits, complete with its own symbols, clothing, food and shelters. Performances, installations and videos are characterized by an expansive wardrobe of ritual dress, and the creation of shrines, relics and talismans used to create music.
The group consists of artists Marcel Türkowsky (also a composer, founder of Snake Figures Arkestra, Cones, Uuhuu, collaborations with Datashock and Christoph Heemann), Hanayo (known for her solo work as a photographer and singer, collaborating with the likes of Christoph Schlingensief, Merzbow, Red Crayola, and Kai Althoff), Christopher Kline (Valkenburg Hermitage, †, Night Music, and Soft Peace), Dominik Noé (member of krautrock legends Lustfaust), and Jan Pfeiffer (Songs For Rocks, Soft Peace, Purple).
To understand:
Hold right hand, cupped near right ear; turn hand back and forth slightly with wrist. Bring left hand to opposite eye with the second finger pointing in the direction one is looking. With index and thumb of right hand, form an incomplete circle, space of one inch between tips; hold hand towards the earth, then move it in a curve across the heavens and back toward the horizon." [label info]
www.dekorder.com
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2009 |
€13.00 |
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same |
LP |
"Wow! - Ist das nun Großstadtschamanismus, Neo-Hippietum oder die neue Kraft durch globale Spiritualität? Auf jeden Fall ist das sehr kompakt, emotional und wunderbar verschroben. Inwieweit das esoterische Trendkost ist oder künstlerisches Großeinsatzkommando wird sich sicher noch herausstellen, auf jeden Fall sind WOODEN VEIL aus Berlin mit ihrer Mischung aus Tribelsounds, kosmischer Elektronik und wirren Folk/Freak-Out/Kraut-Rockversatzstücken das berührenste was ich aus dieser Richtung in letzter Zeit gehört habe. Friedlich, atonal und kraftvoll mischen sie ihren eigenen Zaubertrank und verwischen damit entgültig jegliche Genre- oder Mediumgrenze, denn auch performancetechnisch und bildnerischkünstlerisch ist dieses Gruppe in sich geschlossen und projeziert ihr Heiligstes und Innerste auf die Umwelt. CURRENT 93, SILVESTER ANFANG und PINK FLOYD bilden ein magisches Dreieck. Abgefahren und bitte nie, nie, nie ankommen..." [Carsten Vollmer, Die Elektrische Zone]
www.dekorder.com
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2009 |
€13.00 |
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| WYRM |
Divination Bones (2nd extended ed.) |
7 |
Excellent abstract drone-experimentalism by this mysterious project by the long active ALLAN ZANE, feat. LIZ LANG (AURACENE); this is second, revised & complete version of both tracks previously released as a picture-7", due to a pressing mistake an uncompleted version has been pressed before - which means everyone who bought already the pic-7" can get this second edition FOR FREE (excl. postage)!
"Während auf der Picture-7“ die Demoversionen zu finden sind, schob Drone Records nach
Betriebsschluss seiner 7-Zoll-Serie eine zweite Edition mit dem Original nach- und bildet
damit den Kreislauf zweier Kompositionen nach. Tradiert feldrekorderhaft und mit der
Betonung auf Troum’sche Harmonielehren setzen sich in zwei spitzenintendierten Stücken
geradezu vexierte Spiralen an Klang und schleichender Verdichtung in Gang, die in ihrer
schleifigen Ruppigkeit dem Trägermaterial Vinyl eine Menge abgewinnen- während die Demo
deutlich spurenarmer ausfällt, nimmt sich die Komposition im ausformulierten Zustand mehr
Zeit während die sonore Klangmechanik weitaus differenter ausgearbeitet ist. Der Gestus
beider Stücke fällt in den Zuständigkeitsbereich von irr. app. (ext.) und bietet neben dissonanten Saitenexperimenten Versatzstücke der Hauntologie in quälender Zeitlupe. Als letztes Signal von Drone Records eine wahrlich lohnende Investition: Käufer der Picture-Disc bekommen die Platte beim Bestellvorgang sogar umsonst dazu. 5/5" [Thorsten Soltau / AEMAG]
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2011 |
€6.00 |
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| XABEC |
Feuerstern (SOLD OUT) |
7inch + box |
"Feuerstern (DR-92, 7“ EP in Kartonschachtel, dunkelrotes Vinyl) bringt zuerst das erhaben dröhnende Zentralmotiv des Auftritts von XABEC
beim Audioframes Sonic Art Festival in Herne 2006 zu Gehör. Der Musiktherapeut Manuel G. Richter, der sich mit dem The Electric Mandala-Quartett (Hands, 2003-05) als Zengärtner profiliert hat, lässt meine blühende Phantasie wie Münchhausen auf einer dröhnenden Klangkugel zu den Sternen sausen, und macht dazu klackende Gaumenlaute. Für die B-Seite rahmt das von MNortham in Herne eingefangene Feuerwerk zur Performance und weiterer O-Ton Xabecs Dröhnen und Klacken ein und verortet es im Hier und Jetzt." [Bad Alchemy]
"DRONE RECORDS is very proud to finally issue this long planned Drone by this prolific German artist! FEUERSTERN (which translates as "Firestar") captures two tracks of luminous tones & magnetic resonances which create a warm and floating aural flux. With mellow concrete material setting the counterpoint, very subtle hisses, smacking & clicking sounds can be distinguished. These are enriched further on Side B with field recordings by MICHAEL NORTHAM made in September 2006 at the Audioframes Sonic Art Festival in Herne. This was where FEUERSTERN was also performed in a choreographed way using fireworks! Very delicate tone colours and a perfectly balanced sound pattern allow for contemplative listening sessions...
The 7" comes in a golden lettered & embossed grey cardboard box with golden printed grey inlay.
Filed under: GLOWING DRONE-AMBIENCE more info: www.xabec.com
DARK RED VINYL. COMES IN CARDBOARD-BOX WITH GOLDEN EMBOSSING." [label info]
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2008 |
€10.00 |
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| XELA |
The Illuminated |
LP |
"... Die Klangbilder sind dafür dann erstaunlich subtil, mit buddhistischem Glöckchengeklingel und ganz inoffensivem Gedröhn, dessen ominöse Unbestimmtheit gut als Projektionsfläche taugt. Schon die ‚schwarze‘ Seite, von einer gurgelnden Stimme kurz dämonisiert, betet letztlich mit einer frommen Celloelegie das Gebet derer, die im Zeichen des Saturn das Haupt senken. Die ‚Rosen‘-Seite dröhnt und schimmert in den Farben eines Regenbogens im Reich der Schatten, in dem unsichtbare Gestalten mit ihren Ketten scharren, huldigt aber dann wiederum mit aufgetürmtem Feedback und verzerrtem Schreigesang den Gitarrengöttern, deren gemurmelte Resonanz aber dunkel bleibt." [Bad Alchemy]
"The music of Xela is not easily described. The alias of Type Records main-man John Twells, he has over the last decade moved through a dense fog of musical styles from abstract electronics to rusty soundscapes. In recent years his output has allied itself with darker realms, taking a liberal dose of influence from Norway's darker exponents, but retaining a deep and measured experimental focus. 'The Illuminated' was originally released on cassette, a format very fitting to the gloomy, waterlogged sounds; but having sold out in a matter of days it now recieves the much needed deluxe re-issue treatment. Taking cues from the cracked black metal of Burzum and Striborg and fusing this with heavy, synthesized noise 'The Illuminated' is possibly Xela's darkest, most spine-chilling work to date. We are taken through chiming Nurse With Wound-inspired soundscapes into Middle Eastern marketplaces and through caverns of thick, buzzing synthesized noise on the album's first piece. Entitled 'Black Scripture' this takes the dank religious themes of 'In Bocca Al Lupo' and goes even deeper into the Church dungeons, digging up lost artifacts and the angry spirits that accompany them. The flipside extends this heresy with a throaty vocal and distorted electric guitar, leaving blackened corpses and the traces of a sleepy village in its wake. Devastating and dark material, listen if you dare..." [label info]
"... Many layers of guitar sounds, bells tinkling and slightly distorted sound that 'Gilted Rose' is the standout track of the two. Dark and mysterious. A very fine and delicate piece." [FdW / Vital Weekly]
www.dekorder.de
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2009 |
€12.50 |
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| XIPHOID DEMENTIA |
Secular Hymns |
CD |
"Actively recording since 2002, Egan Budd’s Xiphoid Dementia has become known in the underground and in numerous live situations for creating meticulously crafted yet hard to define, post industrial soundscapes, navigating between textured ambience, scourging noise, junk metal , field recordings, and surreal atmospheres, sometimes all in one track. Still, there’s a hyper-focus here that ties it altogether, and makes for something that is dynamic, unpredictable, and clearly ambitious. For those that question if there’s originality left in industrial music, Xiphoid Dementia answers with a resounding yes, though not so much in the sounds themselves, but rather how they are layered and placed.
The first track, Abortion Rites, manages to capture the essence of Xiphoid right off the bat; starting calm enough with a singular drone and a rising apocalyptic choir, only to be eventually engulfed in a firestorm of brain rattling noise and straining machine vibrations, before shifting gears into sprawling cosmic drones, deep bass drops, and processed vocal squall. Subsequent tracks follow a similar path, constantly moving from the cerebral to the physical, adding structural elements, then obliterating it in a mass of debris, mechanized whir, and sharp edged clutter. Of the four tracks here, the last track is perhaps the most focused, and certainly the bleakest; a 13 + minute excursion into a dystopian society full of utterly hopeless and dark, resonating atmospherics, and ending in a cyclonic blur of destructive noise and blackened filth . It’s perfectly executed and a suitable ending to what equates to an intensely visceral and creative listen. Hard to find comparisons here, but those that appreciate the dynamics of Navicon Torture Technologies, Prurient, and Propergol will certainly find something to like." [label info]
www.malignantrecords.com
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2012 |
€12.00 |
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| ÜL |
III |
CD-R |
Das St. Petersburger Label ZHELEZOBETON gehört z.Zt. mit MONOCHROME VISION sicher zu den interessanten russischen Labels. Inzwischen wird hier nicht nur die lokale Szene Russland veröffentlicht, sondern auch spannende Musik von anderen Kontinenten. ÜL ist ein Projekt mit dem altbekannten ex-REYNOLS ALAN COURTIS, der hier mit zwei Landsleuten schwelend-feedbackende Drone-Sphären mit Gitarren erzeugt - dabei allerdings kaum harmonisch oder tonal operierend, sondern mit Effekten & Feedbacks, low-fi und rauh und sehr variabel auf 8 Stücken..
"ÜL was formed in 2006 by Argentinians Alan Courtis (Reynols), Fernando Perales and Charly Zaragoza. They have performed live many times in Argentina and released two albums: "Astropecuario" on the Scottish label Pjorn Records and "II" on the Argentinian Facon Records. This is their third disk containing material recorded in 2007. The goal of ÜL is the exploration of timbric possibilities of electric guitars in their own way, combining elements of noise, drone music and free atonal improvisation. Their compositions immerse the listener into an abstract world of electromagnetic interaction between acoustic and electronic medium. A world glutted with raw sounds of string vibrations, droney feedback resonances, acute work of limiting amplifiers and layering echoes of effects." [label info]
http://zhb.radionoise.ru/
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2008 |
€8.00 |
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| YULCHIEVA, MUNADJAT & ENSEMBLE SHAVKAT MIRZAEV |
same |
CD |
Traditionelle Musik aus USBEKISTAN, die der SUFI-Musik nahesteht, gesungen von MUNADJAT YULCHIEVA. Melancholische & sehnsuchtsvolle Liebeslieder, Stücke die die schöne Natur besingen, Religiöses, .. v.a. auf Klängen der Langhalslaute "Rubab", der "Gidjak" (Spießgeige), der "Doira" (Rahmentrommel), und der "Nay" (Querflöte) basierend. Besonders beeindruckend aber die Stimme von YULCHIEVA, die wie ein eigenständiges Instrument für sich steht !
"This CD submerges the listener in the musical culture of Uzbekistan. The main attraction is the voice of the country’s most distinguished traditional singer, Munadjat Yulchieva, whose dark vibrant tones already exerted their particular fascination on "Sufi Soul". Meantime, the unique quality of Munadjat’s voice, her power of expression, and her natural charisma have charmed audiences in the most eminent international concert halls, where sometimes people are so touched as to shed tears, as was recently the case in London. These recordings were made by Network in spring 1997 at the radio and television studio in Tashkent, the capital of the Central Asian state of Uzbekistan. The famous rubab player and professor at the Tashkent conservatoire Shavkat Mirzaev complemented his ensemble with additional outstanding local soloist so as to be able to present all his country’s countless instruments and styles. The lutes, string instruments and zithers played on this recording demand great concentration and skill in order to achieve the incredible glissando and vibrato effects. They are joined by flutes and percussion. The slow hypnotic build-up in the pieces ends in a dramatic climax during which the tremendous mastery of the singer and the ensemble highlight whole new facets of the melody." [label description]
www.networkmedien.de
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1997 |
€15.00 |
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| Z'EV |
Outwaard |
CD |
Einen ganz anderen Charakter als "Inwaard" nimmt der zweite Teil der Zusammenarbeit von Z'EV & FRANS DE WAARD an. OUTWAARD wird dominiert von schwer ächzenden & tiefbassigen organischen Klängen, Tiergeräusche sind vernehmbar aber so sehr verfemdet dass man sich wie in einem fremden Dschungel mit 10facher Gravitationskraft vorkommt.. (in der Tat beruhen alle Sounds auf field recordings von Frans die er in einem Kleintier-Zoo machte). Z'EV hat sich stilistisch mehrfach gewandelt, und OUTWAARD ist wieder ein beeindruckendes Zeugnis von seiner Transformationsfähigkeit.
Beängstigend gut !!
"For close to forty years z'ev has been at the absolute fore front of new musics. Playing his unique brand of percussive music he gained a lot of attention, but in more recent years he returned to working with electro-acoustic manipulations. Since 2003 he has also begun a wide ranging series of collaborations, working with Francisco Lopez, Stephen O'Malley, David Jackman/Organum and Oren Ambarchi among others. One such ongoing collaboration is with Frans de Waard, with whom he released 'Forwaard' in April 2007 and 'Outwaard' is the next installment. Whereas the sound sources used on 'Forwaard' where of a varying nature, on 'Outwaard' they were all made at a petting zoo in Kleve, Germany. These recordings which are 'recoded' by z'ev into a forty minute, densely layered pattern of musique concrete. Many of the animal call like sounds disappear in the 'recoded' version and makes a particular strong work, but occasionally one returns and leaves a no less than haunting listening experience. The cover contains field photography Frans de Waard and was designed by Meeuw Muzak. It comes in the 15x15 cm cover that Korm Plastics has used before." [label info]
www.kormplastics.nl
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2007 |
€13.00 |
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| Z'EV / DAVID LINTON |
Untitled |
CD |
Diese CD erschien zum Anlass des - leider sehr mässig - besuchten Konzertes in Bremen am 11.November 2006, wo die Besucher Zeuge eines fantastischen DAVID LINTON-Konzertes werden durften.
Auch die CD überzeugt mit 4 Stücken: ein kurzer obskurer Z'EV live-Mitschnitt mit cut-up voices aus London vom April 1990, ein exzellentes fast 20minütiges neues Power-Ätherdrone-Stück (Zusammenarbeit von LINTON und Z'EV), ein Live-Mitschnitt einer LINTON-Performance (New York Mai 2006), und ein ebenfalls sehr frischer Remix von LINTON von Z'EV source-Material. Ein kleiner, fast unauffälliger Release, der dem geneigten Drone-Fan aber sehr ans Herz gelegt sei!!
"A four track CD released in conjunction with a live concert on the 11. November 2006 in the 'Lagerhaus' Bremen, feat. Exclusive tracks by
Industrial Music legend Z'EV and New York based percussionist and multimedia artist DAVID LINTON who has worked with among others: Lee Ranaldo, Glenn Branca, Rhys Chatham, Diamanda Galas, Christian Marclay and Elliot Sharp. Each artist is featured with a solo track plus a remix of the other artists material. Limited edition of 500 numbered copies. Playing time: 60:36 min.
Track listing:
1. Z'EV 'Soliloquy #1' 11'11
2. Z'EV 'Not Nil' 19'58
3. DAVID LINTON 'Emerald Portal Excerpt - Part 1' 22'27
4. DAVID LINTON '7/11 elective-RE:mix_Z'EV' 7'00" [label info]
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2006 |
€12.00 |
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| Z'EV / FRANCISCO LOPEZ |
Buzzin' fly / Dormant spores |
CD |
Zwei lange Stücke auf dieser beeindruckenden CD, die auf gemeinsam erstellten Klangquellen beruht. Das 32 minütige "buzzin fly" von Z'EV ist ein atemberaubendes Dronescape voller aufblitzender und schneidender Sounds, bei LOPEZ wird daraus eine 40minütige Versenkungsübung, wenn mächtige Eisberg-Drones auftauchen und wieder verschwinden gerinnt die Zeit, hier tun sich furiose Welten auf ..... genius stuff !!!!
"A sensational collaborative album between Z’EV, one of the forefathers of industrial music, and renowned Spanish artist Francisco Lopez, known for his releases performances and installations worldwide. Z’EV’s ‘buzzin’ fly (in loving memory of Tim Buckley)’ is a full spectrum 32 minute piece full of dynamic shifts, sonic worlds and can be described as oceanic in feel. Lopez’s ‘dormant spores’ takes 40 minutes to run it’s course, and is perhaps a more meditative piece than Z’EV’s, but no less challenging. Lopez skilfully crafts minimalist hypnotics that can be as destructive to delicate eardrums as they are captivating. Both
works complement each other and form a powerful album that Lapilli and Black Rose Recordings are happy to release." [label info]
"...Lopez more than Z'EV, but both are avid collectors of sound material from the world that surrounds us. Lopez is the man with the microphone, while Z'EV does that too, but he also is on the look out for material to play his percussive music on. Throughout Z'EV's career percussion music has played an important role, but the studio has had a likewise big role in his work. Using the studio (no doubt a harddisc these days) to its extreme, using as many tracks as possible to make subtle shifts and changing patterns throughout the piece. Perhaps the opposite of how Francisco Lopez: using sometimes just one or two sound sources and exploring them through radical equalization. Before he did this using a very low audible range for his music, but lately he has shifted towards audible material, but in cut-up/collage way. Here it is no different. The sound sources of both are presented in a strong collage form, in which loud/soft material, sometimes with smaller blocks of silence in between them. A very intense piece of music.
In the five pieces by Z'EV things stay throughout on a more equal level, in which sounds seem to shift and phase along side each other. The whole thing, rather one piece in five blocks than five separate pieces makes a highly psychedelic pattern of sounds moving in and out of phase. Two sides of the coin called field recordings and both sides, even when so different, are equally great. Powerful, intense and illusionary. Great stuff." [Fdw / Vital Weekly]
"Sadly, this is music that some would describe as “ambient”, simply because that seems to be the going term for music that doesn’t have drums or traditional style guitars. The problem with that definition is that it is considered synonymous with “nothing really happens” and there is a world of chthonic wonder to be found in the depths of the sounds herein. It’s virtually impossible that any fan of experimental or concrete music will not have happened upon the works of either Z’ev or Lopez in their travels. Each is prolific, respected and established within the community. The album is a split, rather than a collaboration (hence the divided title) with the first half, comprised of five shorter linked tracks, belongs to Z’ev, the second, a long single piece, to Lopez. The two halves are a nice match, with the almost blissful organic drift of the former leading nicely into the intense rise and fall of the latter. This release is all about the texture and progression of sound, so if you are looking for something that truly is ambient- something inoffensive that meekly fades to the background- you might want to look elsewhere. If you’d prefer to throw on headphones for something that will reveal itself more with each subsequent listen, you could do a lot worse." [KM, Adverse Effects]
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2006 |
€13.00 |
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| ZAMMUTO |
Zammuto |
LP |
"ZAMMUTO entspringt den gleichen Hirnwindungen wie THE BOOKS - als eine der anerkanntesten und kreativsten Band des letzten Jahrzehnts - und kennzeichnet einen weiteren Schritt des gleichen detallierten, genre-missachtenden Geistes, der Album wie ,The Lemon Of Pink" und ,The Way Out" möglich machte.
Ausgehend vom Erfolg von THE BOOKS als experimentelles Popcollagen-Projekt wäre es für Gründer und Namensgeber Nick Zammuto ein Leichtes gewesen, den Faden einfach weiterzuspinnen.
Stattdessen setzt er und mit ,Zammuto" eine Platte vor, die progressiv nach vorn geht, intensivst und unter Volldanpf mit ganz unterschiedlichen Rhythmen und Melodien beeindruckt.
Der geflüsterte, folkige Gesang, der zum Charaktermerkmal der BOOKS wurde, wird abgelöst von einem untypischen, zum Himmel strebenden Selbstbewusstsein, das oft von einer breiten Palette von Gesangseffekten angereichert wird.
Das Resultat ist eine delikate Balance zwischen Mensch und Maschine, die schließlich die emotionale Eindrücklichkeit der Songs unterstreicht.
Mit dichten und wunderschönen Streicherarrangements von Gene Back (THE BOOKS) und einer das Hirn verknotenden Schlagzeugperformance von Sean Dixon springt der Sound von ,Zammuto" mit unbedingter Direktheit aus den Boxen.
Musik zu machen, die gänzlich unbekannt klingt, ist nichts Neues für ZAMMUTO, doch Musik zu machen, die nicht einmal wie seine eigene Vergangenheit klingt, ist eine sehr beeindruckende Leistung." [label info]
temporaryresidence.com
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2012 |
€16.00 |
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Zammuto |
CD |
"ZAMMUTO entspringt den gleichen Hirnwindungen wie THE BOOKS - als eine der anerkanntesten und kreativsten Band des letzten Jahrzehnts - und kennzeichnet einen weiteren Schritt des gleichen detallierten, genre-missachtenden Geistes, der Album wie ,The Lemon Of Pink" und ,The Way Out" möglich machte.
Ausgehend vom Erfolg von THE BOOKS als experimentelles Popcollagen-Projekt wäre es für Gründer und Namensgeber Nick Zammuto ein Leichtes gewesen, den Faden einfach weiterzuspinnen.
Stattdessen setzt er und mit ,Zammuto" eine Platte vor, die progressiv nach vorn geht, intensivst und unter Volldanpf mit ganz unterschiedlichen Rhythmen und Melodien beeindruckt.
Der geflüsterte, folkige Gesang, der zum Charaktermerkmal der BOOKS wurde, wird abgelöst von einem untypischen, zum Himmel strebenden Selbstbewusstsein, das oft von einer breiten Palette von Gesangseffekten angereichert wird.
Das Resultat ist eine delikate Balance zwischen Mensch und Maschine, die schließlich die emotionale Eindrücklichkeit der Songs unterstreicht.
Mit dichten und wunderschönen Streicherarrangements von Gene Back (THE BOOKS) und einer das Hirn verknotenden Schlagzeugperformance von Sean Dixon springt der Sound von ,Zammuto" mit unbedingter Direktheit aus den Boxen.
Musik zu machen, die gänzlich unbekannt klingt, ist nichts Neues für ZAMMUTO, doch Musik zu machen, die nicht einmal wie seine eigene Vergangenheit klingt, ist eine sehr beeindruckende Leistung." [label info]
temporaryresidence.com
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2012 |
€13.00 |
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| ZARDO, GINO & JANEK SCHAEFER |
Walking East |
maxi-CD |
GINO ZARDO ist ein Fotograf, der für dieses Projekt beeindruckende Fotos und Feldaufnahmen von seinen Reisen nach Indien, Nepal und Papua-Neu-Guinea mitbrachte. JANEK SCHAEFER hat das akustische Material zu einem 21.40 minütigen psychogeographischen Eindruck verwebt, der Musik & Gesänge, Alltags-Geräusche, Natur und Sprache zu gleichen Teilen im Wechselspiel aufscheinen lässt.
GINO ZARDO ist kein Tourist auf voyeuristischen Pfaden, sondern hat dort monatelang in Familien gelebt und mitgearbeitet – so ist ein einmaliges & authentisches Dokument aus Klang & Bild entstanden, welches uns das „andere Leben“ der Menschen dort wirklich näher zu bringen vermag! Digipack incl. 24 p. Booklet.
“Gino Zardo is a photographer and field recordist born to Italian parents in Australia in 1968. He lives New York and has worked along side with some of the most prominent photographers in the world for 15 years. Walking East is his debut release. ‘Walking East is a photographic sound portrait of my travels through the North Western provinces of India, the Himalayas of Nepal and the Island of Papua New Guinea. I set out to explore, through the people I met, the way in which my photographs and sound recordings could magnify the sense of time and place. I began the project in January 1999. Covering 50,000 miles over the next 12 months. I found myself trekking for days through the vast contrasting of landscapes, a western desert, a tropical monsoon, and a dense jungle before I would reach a remote village. Camping along the way and living amongst the families and tribes, I was able to experience their daily lives and acquire an understanding of their histories and cultures. Documenting a variety of people as they performed in music festivals, worked in steel mills, sold their wares in markets, and celebrated their tribal rituals together, I found many similarities. The presence of community; joy, hardship and survival are universal. My thanks to everyone I met throughout my journey who shared their homes and lives with me.’ “ [from the liner notes]
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2005 |
€12.00 |
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| ZAVOLOKA |
Suspenzia |
CD |
Hinter "ZAVOLOKA" steckt eine Frau namens KATERYNA ZAVOLOKA aus der Ukraine, die hier sehr spröde und gewagte Elektronik produziert hat, real experimental stuff for explorers, Stimmenexperimente, mad rhythms, Sinuston-Attacken, mal verspielt rhythmisch , mal die-hard digital, schwierig mit irgendwas anderem zu vergleichen.....
Dies ist die Re-edition des Debut-Albums CD (vorher auf ZEROMOON erschienen).
“ Kateryna Zavoloka is a musician from Kyiv city, Ukraine. This is an extended version of her first release Suspenzia. The sound of Zavoloka is very impuslive mixture of rich and dense however sometimes abstract analogue and digital noises, melodies and idm-like drums. Often unexpected music design and courses create an impression of body motion of a fighter in kung-fu drunken style. This release however called SUSPENZIA (in regards of Natalia Zhizchenko essay) that is "suspension" or "slip" in russian or ukrainian.” [label info]
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2005 |
€10.00 |
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| ZEBRA |
The Black & White Album |
CD |
Das "Pop"-Projekt (sozusagen die Nachfolge von den eher technoiden GOEM) von FRANS DE WAARD und ROEL MEELKOP überrascht mit zum Teil sehr gradlinigen Beats, Pop-Versatzstücken in neuem Gewand, einem 70er Jahre Disco-Feeling, Glitch-Effekten und weiteren Dingen die nicht unbedingt zusammenpassen, aber es darf hier auch mal etwas "unseriöser" zugehen, oder???
"The long awaited debut album of Roel Meelkop and Frans de Waard's post Goem project. They show their love for a good pop song and their love for a bad song also - hacked and spliced together, held together by a set of groovy beats (beasts?). They call it 'Meltpop', symphonic macrosound disco glitch. Includes new versions of their hit single 'Leif Is Leif/Last Night A DJ Saved By File' (final copies of the 7" still available). Great liner notes, great cover by Meeuw." [label info]
"Zèbra's The Black & White Album is something of a shaggy dog stray finding a welcome within the SI homestead. According to Roel Meelkop and Frans de Waard (the man who gave you Goem, Kapotte Muziek, and Beequeen, among others), the recording was passed on by any number of potential patrons for being too off-kilter. And in fact much conceptual mischief and general oddity manifests, initially in external dressing, e.g. in scientific graphs with impenetrable textual commentaries, and track durations misrepresenting actual times. The set itself is a collage of techno and disco, noise-mongering, and sampledelic antics, “Dream Music for Diamand Redheads” being representative; it makes a tentative gestural nod towards Romanticist euphony before morphing into a marching slab of upright techno and a looped voice sample. “Last Night A DJ Saves My File” digitally as well as morphologically mangles Indeep’s 80s classic, peppering it with telephone rings and sundry spicy interpolations. In terms of sonic-conceptual forebears, de Waard and Meelkop's exercise in bricolage-styled playroom mischief - self-styled “meltpop” - bears a loop-y stamp that nods clearly towards the spirit of :zoviet*france, while the loony leaps from avant- to electro-/disco to pop remind of the likes of KLF or 808 State, or, in brief orgies of low-end technoid minimalism, nudge towards Pan Sonic." [Ear-Rational]
www.kormplastics.nl
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2008 |
€12.00 |
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| ZEITKRATZER |
(Old School) James Tenney |
CD |
"“Critical Band” (1988), “Harmonium #2” (1976), “Koan: Having Never Written A Note For Percussion” (1971). Zeitkratzer directed by Reinhold Friedl: Frank Gratkowski (clarinet), Hayden Chisholm (alto saxophone), Matt Davis (trumpet), Hilary Jeffery (trombone), Reinhold Friedl (piano), Maurice de Martin (percussion), Burkhard Schlothauer (violin), Anton Lukoszevieze (cello), Uli Phillipp (doublebass), Ralf Meinz (sound ). Recorded live at Philharmonie Luxembourg, Luxembourg, October 3, 2009. Recorded and mixed by Ralf Meinz and Reinhold Friedl, produced by Burkhard Schlothauer, executive producer: Reinhold Friedl.
“The internationally acclaimed “hilarious releases” [vital weekly] of Zeitkratzer records will continue with the new series [old school]. The first two CDs, dedicated to the music of John Cage [zkr0009] and James Tenney [zkr0010] are now released together. The collaboration of Zeitkratzer with William Bennett /Whitehouse [zkr0007], recorded live in 2009 in Marseille/France and Den Haag/Netherlands, will follow this summer. Later in 2010, the [old school] series will continue with two more releases, dedicated to the music of Alvin Lucier [zkr0011] and Morton Feldman [zkr0012] respectively. James Tenney’s music has been part of Zeitkratzer’s repertoire for almost a decade. This CD presents a new recording of Critical Band – Tenney’s late classic – with maximum clarity. Also included is the first recording of Harmonium #2. Both works demonstrate the remarkable power and resplendent sharpness which Tenney achieved by composing with pure tunings. Koan: Having Never Written A Note For Percussion for tam-tam completes this CD with an orgiastic listening experience in the form of a huge crescendo on this wonderfully simple instrument - from whispering to singing, culminating in shrill roaring and blustering – and it’s dark decay. Tenney’s music as a sensual sound adventure !" [label info / credits]
www.zeitkratzer.de
"...I'm less familiar with the ideas and music of James Tenney, so its a bit hard to say anything about it that is connected to historical knowledge. I learned from the booklet that Tenney created 'swell pieces': music for long sustaining sounds, played on traditional instruments (same list as above), which have an almost electronic feel to it. It works in the region of overtones. Its great music. Sounds swell, rise from below and beyond and make a dome like sound. Think Alvin Lucier or Phill Niblock and you get my drift. But whereas they seem to be operating from a more studio based environment this is all live, which makes it even more remarkable, since it sounds like many voices at once, more than what the list of instruments suggest. In 'Koan: Having Never Written A Note For Percussion' the tam-tam is played, making a low rumble, that swells up like a giant roar. Indeed a swell piece. Whereas the Cage CD is a fine release but perhaps something we already heard before, this Tenney release is mind blowing." [FdW / Vital Weekly]
"Das hochkarätig besetze Ensemble zeitkratzer streckt sich je nach Aufgabenstellung zum Himmel, wenn es sein muss. Bekannt geworden ist die Gruppe um Reinhold Friedl durch ihre pop-avantgardistischen Diskurs-Pogos im Grauland zwischen Neuer Musik und Improvisation, zwischen Noise und strenger Reduktion. Nach einem eher durchwachsenen Gastspiel auf der MusikTriennale Köln in diesem Frühjahr kehrt das Ensemble mit seinen beiden old school/Klassiker-Einspielungen zu konzentrierter Strärke zurück. Besonders die CD mit den Tenney Stücken, darunter der Klassiker Critical Band, zeigt, wie reizvoll es doch sein kann, jegliche Tonalität zu zerstören nach einem akkuraten Schlachtplan. In Koan: Never Written A Note For Percussion (1971) kommt dieser Ansatz zu einem grandios blitzflackernden, elektrisierten Finale. Die Cage Aufnahmen, mit den Stücken Four6, Five und Hymnkus weiß auch durch präzise Durchführung zu gefallen, hier sind es die Stücke selbst, die altersmilde aber auch weise anmuten." [Zipo / Auf Abwegen]
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2010 |
€14.00 |
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| ZWEITRÄUME |
Flicker / Flutter |
CD-R |
„Alles fließt. Die Klänge schwimmen ineinander und umeinander, Entwicklungen ergeben sich im Kleinen, über lange Strecken. Das spielt dem Zeitempfinden Streiche: Der Fluss der Sekunden löst sich auf in Rotation. Hier tönen: Computer-Innereien, Schreibtischutensilien, Schellack-Platten, Klaviere, Heimorgeln, Feuer, Wasser, Flöten. Willkommen zum Tanz.” [label info]
Dark slowly feedbackin’ drone-ambience, smouldering foggy low-fi noises, delays and strange synth-lines, many little concrete details appearing.... the second CD-R of ZWEITRÄUME, again something to explore.....
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2006 |
€10.00 |
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| [SIC] |
Gorilla Masking Tape |
CD-R |
Hinter [SIC] verbirgt sich die junge Nachwuchs-Elektronikern Jen Morris aus Montreal, die hier auf sechs Stücken analog-elektronischen dark ambient entwirft, der aber sehr UN-minimal ist, d.h. sich ständig verändert & neue Sounds & Färbungen aufnimmt.
Sehr subliminal & z.T. mechanisch-maschinell, sehr zu empfehlen !
“Having listened to and zoned out on this release at least half a dozen times, it should be obvious what it is that is so compelling about [sic]'s compositions of dusty long drones, deep ambient spaces and bump-in-the-night tension, but it's not. On the one hand, this is difficult listening: all uneasy sounds and dischordant timbres rubbing up against one another to create an ambiguous feeling of dread. On the other hand, for those familiar with the work of like-minded artists like those featured on the quasi-legendary "Isolationism" compilation, [sic] fits perfectly into a already-defined niche of dark, brooding ambient characterized more by its claustrophobia than by its use reflection of space as an expanse. I could tell you that Gorilla Masking Tape is a beautiful, haunting record, or that it's alpha-wave inducing at the right volume, or that it's a perfectly quiet record for people who lead unquiet lives, but none of that really captures the force that these tracks embody. Perhaps the record's most defining characteristic is that it is indeed so malleable that it can be both loud and quiet, both serene and disturbed, both beautiful and terrifying and that it does all of this effortlessly. I often wonder what more can be said about music like this that is both barely there and a force of nature all at once, depending on your volume knob. I always think that it will be impossible for someone to release yet another essential dark ambient disc in a world where artists who do this sort of thing tend to have voluminous discographies of equally affecting work already. I think that, and then I hear a record like Gorilla Masking Tape and it suddenly all sounds fresh and important and essential again and I'm left wanting more. It doesn't get much better than that.”
[Matthew Jeanes - Brainwashed Brain]
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2004 |
€11.50 |
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